La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas ( en francés : Exposition internationale des arts decoratifs et industriels modernes ) fue una exposición especializada celebrada en París , Francia , de abril a octubre de 1925. Fue diseñada por el gobierno francés para resaltar el nuevo estilo moderno. de arquitectura, decoración de interiores, muebles, vidrio, joyería y otras artes decorativas en Europa y en todo el mundo. En la exposición se presentaron por primera vez muchas ideas de la vanguardia internacional en el campo de la arquitectura y las artes aplicadas. El acto tuvo lugar entre la explanada de Los Inválidos y las entradas del Grand Palais y del Petit Palais , y a ambas orillas del Sena. Hubo 15.000 expositores de veinte países diferentes y fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de duración. [1] El estilo moderno presentado en la exposición pasó a ser conocido más tarde como " Art Déco ", por el nombre de la exposición. [2] [3]
La idea de una exposición enteramente dedicada a las artes decorativas surgió originalmente de la Société des Artistes Décorateurs (La Sociedad de Artistas Decorativos), un grupo fundado en 1901 que incluía tanto a artistas consagrados, entre ellos Eugène Grasset y Hector Guimard , como a artistas más jóvenes, entre ellos Francis Jourdain , Maurice Dufrêne , Paul Follot y Pierre Chareau . A los artistas decorativos se les había permitido participar en los dos Salones de París anteriores , pero estaban subordinados a los pintores y querían una exposición que diera el primer lugar a las artes decorativas. Los primeros Salones del nuevo grupo se celebraron en el recién inaugurado Museo de Artes Decorativas en el Pabellón de Marsan del Louvre . El Salón de Otoño , un nuevo Salón fundado en 1903, honró a pintores, escultores, artistas gráficos y arquitectos, pero nuevamente las artes decorativas fueron en gran medida ignoradas. Frantz Jourdain anunció la idea de organizar lo antes posible una exposición independiente de artes decorativas. Explicó su motivo en un ensayo escrito más tarde, en 1928: "Por consiguiente, decidimos devolver el arte decorativo, tratado desconsideradamente como una Cenicienta o una pariente pobre a la que se le permitía comer con los sirvientes, al lugar importante, casi preponderante que ocupaba en el pasado. de todos los tiempos y en todos los países del mundo." [4]
La Sociedad de Artistas Decorativos presionó a la Cámara de Diputados de Francia, que en 1912 acordó acoger una exposición internacional de artes decorativas en 1915. Los planes fueron pospuestos en 1915 debido a la Primera Guerra Mundial y luego reactivados después de que terminó la guerra en 1918 . Primero se programó para 1922, luego se pospuso debido a la escasez de materiales de construcción hasta 1924 y luego hasta 1925, veinticinco años después de la Exposición Universal de 1900 . [5]
El programa de la exposición dejó claro que pretendía ser una celebración del modernismo, no de estilos históricos. Se declaró que estaba "abierto a todos los fabricantes cuyos productos sean de carácter artístico y muestren tendencias claramente modernas". El programa también decía específicamente que "Cualquiera que sea la reputación del artista, cualquiera que sea la fuerza comercial del fabricante, ninguno de los dos podrá entrar en la exposición si no cumple con las condiciones descritas en el programa de la exposición". La exposición tenía un segundo objetivo: honrar a los países aliados en la Primera Guerra Mundial. Por esta razón se invitó a la nueva Unión Soviética, aunque su gobierno aún no era reconocido por Francia, al igual que Alemania. Estados Unidos se negó a participar; El secretario de Comercio estadounidense, Herbert Hoover , explicó que no había arte moderno en Estados Unidos. [ cita necesaria ] El Departamento de Comercio de EE. UU. nombró una comisión para asistir a la exhibición y emitir un informe. El informe, que apareció en 1926, afirmaba que Estados Unidos claramente había malinterpretado el propósito de la exposición y que al menos se debería haber organizado alguna participación para honrar la alianza franco-estadounidense en tiempos de guerra. Si bien Estados Unidos no tenía un pabellón, cientos de diseñadores, artistas, periodistas y compradores de grandes almacenes estadounidenses vinieron a París para ver la exposición. [5]
El lugar elegido para la exposición fue el centro de París, alrededor del Grand Palais , el enorme pabellón de cristal y hierro que se había construido para la Exposición Universal de 1900. El arquitecto principal fue Charles Plumet . La entrada principal, llamada Puerta de Honor, estaba situada al lado del Gran Palacio. El eje principal se extendía desde la Puerta de Honor a través del Puente Alejandro III hasta Los Inválidos con pabellones en ambas orillas, mientras que entre los pabellones se ubicaban jardines y fuentes. El puente Alejandro III, que conectaba las dos partes de la exposición, fue transformado por el arquitecto Maurice Dufrêne en un centro comercial modernista . Las orillas del Sena estaban llenas de restaurantes flotantes construidos para la exposición, que se convirtieron en una atracción popular.
Había trece entradas diferentes a la exposición, cada una de las cuales fue diseñada por un arquitecto diferente. La entrada principal estaba en la Plaza de la Concordia , diseñada por el arquitecto Pierre Patout, con una estatua de una mujer en el centro llamada "Bienvenida" de Louis Dejean. En el eje principal de la entrada se ubicaban los pabellones de las principales tiendas y decoradores franceses. Otra sección estuvo dedicada a los pabellones de diseñadores de las provincias francesas, en particular de Nancy y Lyon. Otra sección estaba dedicada a los pabellones y fabricantes extranjeros, y otra a los productos de las colonias francesas que podían utilizarse en decoración, en particular maderas raras y productos como el marfil y el nácar. [6]
La estructura más alta de la exposición, y una de las más modernistas, fue la torre del Pabellón de Turismo de Robert Mallet-Stevens . Las líneas elegantes de la torre y la falta de adornos fueron un anuncio del estilo internacional que reemplazaría al Art Déco. En 1929 Mallet-Stevens lideró la creación de la Unión Francesa de Artistas Modernos que se rebeló contra los estilos decorativos lujosos mostrados en la exposición y, junto con Le Corbusier , exigió una arquitectura sin adornos, construida con materiales económicos y producidos en masa. [6]
Justo dentro de la entrada principal de la exposición en la Place de la Concorde se encontraba el paseo principal de la exposición, con los pabellones de los principales grandes almacenes franceses y fabricantes de muebles de lujo, porcelana, cristalería y textiles. Cada pabellón fue diseñado por un arquitecto diferente, y trataron de superarse entre sí con entradas coloridas, frisos escultóricos y murales de cerámica y metal. La torre modernista del Pabellón de Turismo diseñada por Robert Mallet-Stevens destacaba sobre el resto de pabellones. Dentro de cada pabellón había habitaciones con conjuntos de muebles, alfombras, pinturas y otros objetos decorativos.
Muchas de las piezas expuestas se exhibieron en el interior del Grand Palais, la enorme sala construida para la Exposición Universal de 1900. Por primera vez en una exposición internacional, los muebles no se expusieron individualmente, sino en habitaciones similares a las de una casa, donde toda la decoración estaba coordinada. El Hôtel du Collectionneur, por ejemplo, expuso las obras del fabricante de muebles Émile-Jacques Ruhlmann , en salas con cuadros y chimeneas del mismo estilo moderno .
El pabellón francés más insólito, más modesto y, a la postre, probablemente el más influyente fue el de la revista L'Esprit Nouveau , dirigida por Amédée Ozenfant y Le Corbusier . Habían fundado el movimiento purista en 1918, con el objetivo de eliminar toda decoración en la arquitectura y sustituir los muebles hechos a mano por muebles hechos a máquina. Fundaron L'Esprit Nouveau en 1920 y lo utilizaron vigorosamente para atacar las artes decorativas tradicionales. "El arte decorativo", escribió Le Corbusier, "a diferencia del fenómeno mecánico, es el último movimiento del antiguo modo manual y está en extinción. Nuestro pabellón contendrá sólo cosas estándar creadas por la industria en fábricas y producidas en masa, verdaderamente los objetos de hoy." El pabellón Esprit Nouveau estaba casi escondido entre dos alas del Grand Palais. Estaba hecho de hormigón, acero y vidrio, sin ningún adorno. Los interiores tenían paredes blancas y sencillas con algunas pinturas cubistas. Como los árboles del lugar no se podían talar, Le Corbusier integró un árbol en el interior del edificio, saliendo a través de un agujero en el techo. Los muebles eran sencillos, hechos a máquina y producidos en masa. Los organizadores de la exposición quedaron horrorizados por el aspecto del edificio e intentaron ocultarlo construyendo una valla. Sin embargo, Le Corbusier apeló al Ministerio de Bellas Artes, que patrocinaba la exposición, y la valla fue retirada. [7]
Dentro del edificio del pabellón, Le Corbusier expuso su Plan Voisin para París. El Plan Voisin , que lleva el nombre del pionero de la aviación Gabriel Voisin , propuso la construcción de una serie de rascacielos idénticos de 200 metros de altura y apartamentos rectangulares más bajos, que reemplazarían los edificios históricos en la margen derecha del Sena en París. No tenía ninguna expectativa de que el centro de París fuera demolido y su plan llevado a cabo; era simplemente una forma de llamar la atención sobre sus ideas. [8] El pabellón representaba un único apartamento modular, que representaba las casas idénticas hechas a máquina que Le Corbusier creía que eran el futuro de la arquitectura moderna. [9]
Una veintena de países participaron en la exposición. Alemania no fue invitada debido a su papel en la Primera Guerra Mundial, pero sí Austria y Hungría, al igual que la nueva Unión Soviética, aunque todavía no estaba oficialmente reconocida por Francia. Muchos países tuvieron exhibiciones de muebles y decoración dentro del Grand Palais, y también construyeron pabellones para ilustrar nuevas ideas en arquitectura. Gran Bretaña, Italia, España, Bélgica y los Países Bajos tenían pabellones importantes, al igual que los países escandinavos, Polonia y Checoslovaquia. Japón tenía un pabellón importante, mientras que China tenía sólo una representación modesta. Los Estados Unidos, al no entender del todo el propósito de la exposición, optaron por no participar. [10]
Austria fue un participante importante, gracias al trabajo de Josef Hoffmann , quien diseñó el pabellón austriaco junto al Sena. El complejo incluía una terraza junto al Sena, una torre, una sala de exposiciones cúbica de vidrio y hierro de Peter Behrens y una cafetería con una decoración luminosa. El pabellón contenía obras escultóricas de los modernistas Anton Hanak y Eugen Steinhof.
Bélgica también fue un participante importante; El país contaba con una gran exposición de mobiliario y diseño en la planta principal del Grand Palais, y un pabellón independiente, diseñado por Victor Horta , el pionero de la arquitectura Art Nouveau . Bélgica había quedado en ruinas por la guerra y la exposición belga tenía un presupuesto bajo; el pabellón estaba fabricado con madera, yeso y otros materiales de bajo coste. El pabellón de Horta tenía una torre rectangular, coronada por seis estatuas de Wolfers, que representaban las artes decorativas de todos los tiempos. El interior presentaba tapices, cristales y decoración del nuevo estilo. Entre los artistas belgas que participaron se encontraban los arquitectos Paul Hamesse, Henry van de Velde , Flor Van Reeth y Victor Bourgeois , y el decorador Leon Sneyers. [11]
El pabellón de Dinamarca , de Kay Fisker , era un llamativo bloque de ladrillos rojos y blancos, formando una cruz danesa. En su interior había murales de Mogens Lorentzen inspirados en mapas antiguos de Dinamarca, con imágenes coloridas y fantásticas. Un edificio independiente, simétrico al primero, se llenó de luz y exhibió las obras de la fábrica danesa de porcelana y loza.
El pabellón de Suecia fue diseñado por Carl Bergsten , mientras que la exhibición sueca en el Grand Palais presentaba un modelo del nuevo ayuntamiento art déco de Estocolmo, de Ragnar Ostberg . El pequeño pabellón era una versión deco del clasicismo, puro y simple; se reflejaba en una piscina y estaba discretamente adornado con estatuas decorativas. [12]
El pabellón de los Países Bajos , diseñado por JF Staal, fue diseñado para capturar con un estilo moderno el misterio y el lujo de las Indias Orientales, donde el país tenía colonias. Un enorme techo parecido al de una pagoda cubría la estructura; la fachada estaba decorada con coloridos murales y la estructura se reflejaba en piscinas revestidas de ladrillos.
El pabellón de Italia de Armando Brasini era un gran bloque clásico construido en hormigón y revestido con decoración en mármol, cerámica y ladrillos dorados. En el centro había una enorme cabeza de hombre en bronce del escultor Adolfo Wildt.
El pabellón de Gran Bretaña , de los arquitectos Easton y Robertson, parecía una catedral art déco. Estaba decorado en el exterior con banderas de colores, y en el interior con vidrieras, murales y fachada policromada, con arabescos y temas orientales. El interior daba a un restaurante situado en una plataforma junto al Sena.
El pabellón de Polonia fue diseñado por Joseph Czajkowski. Tenía una extravagante torre de cristal y hierro con facetas geométricas, una versión decorativa de las pintorescas iglesias de Polonia de los siglos XVII y XVIII. El pabellón también se inspiró en la arquitectura de la tradicional casa solariega de la nobleza polaca y en el estilo de Zakopane . La mezcla de todo fue un intento de crear el estilo nacional polaco. La sala octogonal, sostenida sobre pilares de madera, tenía un tragaluz de vidrieras decorativas y estaba llena de estatuas y tapices decorativos. También estuvieron representadas con éxito las artes gráficas polacas. Tadeusz Gronowski y Zofia Stryjeńska ganaron el Gran Premio en esa categoría.
El pabellón de Japón de Shichigoro Yamada e Iwakichi Miyamoto seguía la tradición clásica japonesa, pero con el uso de materiales tradicionales, como paja y madera barnizada, combinados con una decoración lacada muy refinada. Fue construido en Japón, transportado a Francia y ensamblado por trabajadores japoneses.
El pabellón de la Unión Soviética fue uno de los más inusuales de la exposición. Fue creado por un joven arquitecto ruso, Konstantin Melnikov , que en 1922 había diseñado el nuevo mercado central de Moscú, y que también diseñó el sarcófago del mausoleo de Lenin en Moscú. Tenía un presupuesto muy reducido y construyó su estructura íntegramente en madera y cristal. Una escalera cruzaba la estructura en diagonal desde el exterior, permitiendo a los visitantes ver el interior de la exposición desde arriba. El techo de la escalera no era continuo, sino que estaba formado por planos de madera suspendidos en ángulo, que debían dejar entrar el aire fresco y evitar la lluvia, pero a veces los visitantes terminaban empapados. Las exhibiciones en el interior incluían modelos de proyectos para varios monumentos soviéticos. El interior del pabellón fue diseñado por Alexander Rodchenko . El elemento clave del mobiliario fue el Club de Trabajadores , que Rodchenko diseñó como un espacio modelo óptimo para la autoeducación y el ocio cultural. La intención del edificio era llamar la atención, y ciertamente lo logró; Fue uno de los edificios más comentados de la exposición. [13]
Siguiendo el programa de los organizadores franceses de la exposición, los objetos expuestos, desde muebles hasta cristalería y orfebrería, expresaban un nuevo estilo, una combinación de formas modernistas realizadas con la artesanía tradicional francesa. Los muebles, cristalería, orfebrería, telas y objetos expuestos estaban elaborados con materiales raros y costosos como ébano, marfil, nácar, piel de tiburón y maderas exóticas de todo el mundo, pero las formas que utilizaban eran muy distintas del Art Nouveau o del Art Nouveau . los estilos históricos precedentes. Utilizaron formas geométricas, líneas rectas, patrones en zigzag, guirnaldas de flores estilizadas y cestas de frutas para crear algo nuevo y diferente. La firma Lalique , más conocida por su delicada cristalería Art Nouveau, produjo una fuente de cristal art déco, iluminada desde dentro, que se convirtió en uno de los hitos de la exposición. La Maison d'un Collectionneur, el pabellón del fabricante de muebles Jacques-Emile Ruhlmann , mostró cómo podría ser una casa art déco, con un cuadro art déco, una escultura de Antoine Bourdelle , un cuadro de Jean Dupas y una fina artesanía.
En la exposición también se mostró una visión alternativa del futuro de la Decoración, dentro del cubo blanco del pabellón del Esprit Nouveau. Aquí Le Corbusier mostró prototipos de muebles económicos producidos en masa, fabricados con materiales económicos, que veía como el futuro del diseño de interiores.
Se dedicaron grandes áreas al entretenimiento, desde galerías de tiro hasta tiovivos, cafés y teatros. Se creó un pueblo en miniatura para los niños y se instalaron escenarios en los que se presentaron obras de teatro, ballets, cantantes y programas culturales de los países participantes. La exposición también fue sede de desfiles de moda, desfiles y concursos de belleza, así como frecuentes exhibiciones de fuegos artificiales.
La Torre Eiffel no estaba dentro del sitio, pero era claramente visible desde la exposición. La Compañía Citroën decoró la torre de arriba a abajo con doscientas mil bombillas de seis colores. Las luces se podían controlar desde un teclado y presentaban nueve patrones diferentes, incluidas formas y círculos geométricos, una lluvia de estrellas, los signos del zodíaco y, lo más destacado, el nombre CITROËN.
El 16 de junio de 1925 se celebró un gigantesco banquete y gala en el Grand Palais. Presentaba a la bailarina estadounidense Loie Fuller , con sus alumnos de danza pareciendo nadar a través de velos de gasa; la bailarina Eva Le Galienne como Juana de Arco y la bailarina Ida Rubenstein como el Ángel de Oro, con un traje de Léon Bakst ; el cantante Mistinguett disfrazado de diamante, rodeado por la comparsa del Casino de París vestida de piedras preciosas; y actuaciones breves de las compañías completas de la Comédie-Française y la Ópera de París , el Folies Bergère y el Moulin Rouge . El final fue el "Ballet de Ballets" bailado por trescientos bailarines de todas las compañías de ballet de París con tutús blancos. [14]
La exposición cumplió su objetivo: mostrar que París todavía reinaba en las artes del diseño. El término "art déco" aún no se utilizaba, pero en los años inmediatamente posteriores a la exposición, el arte y el diseño allí expuestos fueron copiados en todo el mundo, en los rascacielos de Nueva York, los transatlánticos que cruzaban ese Atlántico, las salas de cine de todo el mundo. el mundo. Tuvo una gran influencia en el diseño de moda, joyería, muebles, vidrio, orfebrería, textiles y otras artes decorativas. Al mismo tiempo, mostró la creciente diferencia entre el estilo moderno tradicional, con sus materiales caros, fina artesanía y lujosa decoración, y el movimiento modernista que quería simplificar el arte y la arquitectura. El pabellón Esprit Nouveau y el pabellón soviético claramente no eran decorativos, [15] contenían muebles y pinturas, pero estas obras, incluidos los pabellones, eran sobrias y modernas. La arquitectura moderna de Le Corbusier y Konstantin Melnikov atrajo tanto críticas como admiración por su falta de ornamentación. Las críticas se centraron en la "desnudez" de estas estructuras, [16] en comparación con otros pabellones de la exposición, como el Pabellón del Coleccionista del decorador ébénista Émile-Jacques Ruhlmann . [ cita necesaria ]
En 1926, poco después de finalizar la exposición de Artes Decorativas de París, la Unión Francesa de Artistas Modernos , un grupo que incluía a Francis Jourdain , Pierre Chareau , Le Corbusier y Robert Mallet-Stevens , entre otros, atacó ferozmente el estilo, que decían Fue creado sólo para los ricos y su forma estaba determinada por sus gustos. Los modernistas , como se les conoció, insistieron en que los edificios bien construidos debían estar al alcance de todos y que la forma debía seguir a la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si estaba perfectamente apto para cumplir su función. Los métodos industriales modernos permitieron producir muebles y edificios en masa, no a mano. [ cita necesaria ]
El interiorista Art Déco Paul Follot defendió el Art Déco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se contenta con lo indispensable y que lo superfluo siempre es necesario... Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y ¡Perfumes...!” [17] Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante publicista de la arquitectura modernista ; afirmó que una casa era simplemente "una máquina para vivir", y promovió incansablemente la idea de que el Art Déco era el pasado y el modernismo el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura y se abandonó la estética del Art Deco. La economía de la década de 1930 también favoreció al modernismo; Los edificios modernistas, sin adornos, utilizaban materiales menos costosos y eran más baratos de construir, por lo que se consideraban más adecuados para la época. El estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939 supuso un final abrupto para el período Art Déco. [ cita necesaria ]
El historiador de la arquitectura Dennis Sharp escribió que la arquitectura modernista surgió de la exposición. [18]
Paralelamente a la obra de los arquitectos de vanguardia había surgido también otro tipo de modernismo, a partir de la Exposición de Artes Decorativas de París celebrada en París en 1925. [...] Hoy en día, este estilo paralelo se conoce con los términos " Art Déco' o 'Moderno' o 'Jazz Age Modern' [...]. [E]s ganó una moneda mundial y una medida de éxito popular.
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