La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas ( en francés : Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes ) fue una exposición especializada celebrada en París , Francia , de abril a octubre de 1925. Fue diseñada por el gobierno francés para destacar el nuevo estilo moderno de arquitectura, decoración de interiores, muebles, vidrio, joyería y otras artes decorativas en Europa y en todo el mundo. Muchas ideas de la vanguardia internacional en los campos de la arquitectura y las artes aplicadas se presentaron por primera vez en la exposición. El evento tuvo lugar entre la explanada de Les Invalides y las entradas del Grand Palais y Petit Palais , y en ambas orillas del Sena. Hubo 15.000 expositores de veinte países diferentes, y fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de duración. [1] El estilo moderno presentado en la exposición más tarde se conoció como " art déco ", por el nombre de la exposición. [2] [3]
La idea de una exposición dedicada íntegramente a las artes decorativas surgió originalmente de la Société des Artistes Décorateurs (Sociedad de Artistas Decorativos), un grupo fundado en 1901 que incluía tanto a artistas consagrados, como Eugène Grasset y Hector Guimard , como a artistas más jóvenes, como Francis Jourdain , Maurice Dufrêne , Paul Follot y Pierre Chareau . A los artistas decorativos se les había permitido participar en los dos Salones de París anteriores , pero se les situó subordinados a los pintores, y querían una exposición que diera prioridad a las artes decorativas. Los primeros Salones del nuevo grupo se celebraron en el recién inaugurado Museo de Artes Decorativas en el Pavillon de Marsan del Louvre . El Salon d'Automne , un nuevo Salón fundado en 1903, honró a pintores, escultores, artistas gráficos y arquitectos, pero una vez más las artes decorativas fueron ignoradas en gran medida. Frantz Jourdain anunció la idea de celebrar una exposición independiente de artes decorativas lo antes posible. Explicó su razón en un ensayo escrito más tarde, en 1928: "En consecuencia, decidimos devolver al Arte Decorativo, tratado inconsideradamente como una Cenicienta o pariente pobre a la que se le permite comer con los sirvientes, al lugar importante, casi preponderante que ocupó en el pasado, de todos los tiempos y en todos los países del globo". [4]
La Sociedad de Artistas Decorativos presionó a la Cámara de Diputados francesa, que en 1912 aceptó organizar una exposición internacional de artes decorativas en 1915. Los planes se dejaron de lado en 1915 debido a la Primera Guerra Mundial , luego se reactivaron después de que la guerra terminó en 1918. Primero se programó para 1922, luego se pospuso debido a la escasez de materiales de construcción a 1924 y luego a 1925, veinticinco años después de la Exposición Universal de 1900. [ 5]
El programa de la exposición dejaba claro que se pretendía que fuera una celebración del modernismo, no de los estilos históricos. Se declaró que estaba "abierta a todos los fabricantes cuyos productos sean de carácter artístico y muestren tendencias claramente modernas". El programa también establecía específicamente que "cualquiera que sea la reputación del artista, cualquiera que sea la fuerza comercial del fabricante, no se permitirá la entrada a la exposición a ninguno de ellos si no se ajusta a las condiciones descritas en el programa de la exposición". Un segundo propósito se adjuntó a la exposición: honrar a los países aliados en la Primera Guerra Mundial. Por esta razón, se invitó a la nueva Unión Soviética, aunque su gobierno aún no era reconocido por Francia, mientras que Alemania no lo era. Estados Unidos se negó a participar; el Secretario de Comercio de Estados Unidos, Herbert Hoover , explicó que no había arte moderno en Estados Unidos. [ cita requerida ] El Departamento de Comercio de Estados Unidos nombró una comisión para asistir a la exposición y emitir un informe. El informe, que se publicó en 1926, afirmaba que Estados Unidos había malinterpretado claramente el propósito de la exposición y que al menos se debería haber organizado alguna participación para honrar la alianza franco-estadounidense en tiempos de guerra. Si bien Estados Unidos no tenía un pabellón, cientos de diseñadores, artistas, periodistas y compradores de grandes almacenes estadounidenses vinieron a París para ver la exposición. [5]
El lugar elegido para la exposición fue el centro de París, alrededor del Grand Palais , el enorme pabellón de cristal y hierro que se había construido para la Exposición Universal de 1900. El arquitecto principal fue Charles Plumet . La entrada principal, llamada Puerta de Honor, estaba situada junto al Grand Palais. El eje principal se extendía desde la Puerta de Honor a través del Puente Alexandre III hasta Les Invalides con pabellones en ambas orillas, mientras que los jardines y las fuentes se colocaron entre los pabellones. El Puente Alexandre III, que conectaba las dos partes de la exposición, fue convertido en un centro comercial modernista por el arquitecto Maurice Dufrêne . Las orillas del Sena estaban llenas de restaurantes flotantes construidos para la exposición, que se convirtieron en una atracción popular.
La exposición contaba con trece accesos diferentes, cada uno de ellos diseñado por un arquitecto diferente. La entrada principal se encontraba en la Place de la Concorde , diseñada por el arquitecto Pierre Patout, con una estatua de una mujer en el centro llamada "Bienvenidos" de Louis Dejean. Los pabellones de las principales tiendas y decoradores franceses se ubicaban en el eje principal de la entrada. Otra sección estaba dedicada a los pabellones de los diseñadores de las provincias francesas, en particular de Nancy y Lyon. Otra sección estaba dedicada a los pabellones y fabricantes extranjeros, y otra a los productos de las colonias francesas que podían utilizarse en la decoración, en particular maderas raras y productos como el marfil y el nácar. [6]
La estructura más alta de la exposición, y una de las más modernistas, fue la torre del Pabellón de Turismo de Robert Mallet-Stevens . Las líneas elegantes de la torre y la falta de ornamentos fueron un anuncio del estilo internacional que reemplazaría al Art Déco. En 1929, Mallet-Stevens lideró la creación de la Unión Francesa de Artistas Modernos que se rebeló contra los lujosos estilos decorativos mostrados en la exposición y, junto con Le Corbusier , exigió una arquitectura sin ornamentos, construida con materiales baratos y producidos en masa. [6]
Justo en la entrada principal de la exposición, en la Place de la Concorde, se encontraba el paseo principal de la exposición, con los pabellones de los grandes almacenes franceses y de los fabricantes de muebles de lujo, porcelana, cristalería y textiles. Cada pabellón fue diseñado por un arquitecto diferente y trataron de superarse entre sí con entradas coloridas, frisos escultóricos y murales de cerámica y metal. La torre modernista del Pabellón de Turismo diseñada por Robert Mallet-Stevens sobresalía por encima de los demás pabellones. En el interior de cada pabellón se presentaban salas con conjuntos de muebles, alfombras, pinturas y otros objetos decorativos.
Muchas de las piezas expuestas se exhibieron en el Grand Palais, el enorme salón construido para la Exposición Universal de 1900. Por primera vez en una exposición internacional, los muebles no se exhibieron como piezas individuales, sino en habitaciones similares a las de una casa, donde toda la decoración estaba coordinada. El Hôtel du Collectionneur, por ejemplo, exhibió las obras del fabricante de muebles Émile-Jacques Ruhlmann , en habitaciones completas con pinturas y chimeneas del mismo estilo moderno .
El pabellón francés más inusual, más modesto y, al final, probablemente el más influyente fue el de la revista L'Esprit Nouveau , dirigida por Amédée Ozenfant y Le Corbusier . Habían fundado el movimiento purista en 1918, con el objetivo de eliminar toda decoración en la arquitectura y reemplazar los muebles hechos a mano por muebles hechos a máquina. Fundaron L'Esprit Nouveau en 1920 y lo utilizaron vigorosamente para atacar las artes decorativas tradicionales. "El arte decorativo", escribió Le Corbusier, "a diferencia del fenómeno de la máquina, es el último tic del viejo modo manual y es algo moribundo. Nuestro pabellón contendrá solo cosas estándar creadas por la industria en fábricas y producidas en masa, verdaderamente los objetos de hoy". El pabellón Esprit Nouveau estaba casi oculto entre dos alas del Grand Palais. Estaba hecho de hormigón, acero y vidrio, sin ningún adorno. Los interiores tenían paredes blancas lisas con algunas pinturas cubistas. Como los árboles del lugar no podían ser talados, Le Corbusier integró un árbol en el interior del edificio, que salía a través de un agujero en el techo. El mobiliario era sencillo, fabricado a máquina y en serie. Los organizadores de la exposición se horrorizaron por el aspecto del edificio y trataron de ocultarlo construyendo una valla. Sin embargo, Le Corbusier apeló al Ministerio de Bellas Artes, que patrocinaba la exposición, y la valla fue retirada. [7]
En el pabellón Le Corbusier exhibió su Plan Voisin para París. El Plan Voisin , llamado así por el pionero de la aviación Gabriel Voisin , proponía la construcción de una serie de rascacielos idénticos de 200 metros de altura y apartamentos rectangulares más bajos, que reemplazarían los edificios históricos de la orilla derecha del Sena en París. No tenía ninguna expectativa de que el centro de París fuera demolido y su plan llevado a cabo; era simplemente una forma de atraer la atención hacia sus ideas. [8] El pabellón representaba un solo apartamento modular, que representaba las casas idénticas hechas a máquina que Le Corbusier creía que eran el futuro de la arquitectura moderna. [9]
En la exposición participaron unos veinte países. Alemania no fue invitada debido a su papel en la Primera Guerra Mundial, pero sí lo fueron Austria y Hungría, así como la nueva Unión Soviética, aunque todavía no estaba oficialmente reconocida por Francia. Muchos países expusieron muebles y decoración en el Grand Palais y también construyeron pabellones para ilustrar las nuevas ideas en arquitectura. Gran Bretaña, Italia, España, Bélgica y los Países Bajos tenían pabellones importantes, al igual que los países escandinavos, Polonia y Checoslovaquia. Japón tenía un pabellón importante, mientras que China sólo tenía una representación modesta. Estados Unidos, que no entendía del todo el propósito de la exposición, decidió no participar. [10]
Austria fue un actor destacado gracias al trabajo de Josef Hoffmann , que diseñó el pabellón austriaco junto al Sena. El complejo incluía una terraza junto al Sena, una torre, una sala de exposiciones cúbica de vidrio y hierro de Peter Behrens y una cafetería decorada con colores vivos. El pabellón contenía obras escultóricas de los modernistas Anton Hanak y Eugen Steinhof.
Bélgica también fue un participante importante; el país tuvo una gran exposición de muebles y diseño en el piso principal del Grand Palais, y un pabellón separado, diseñado por Victor Horta , el pionero de la arquitectura Art Nouveau . Bélgica había quedado en ruinas por la guerra, y la exhibición belga tuvo un bajo presupuesto; el pabellón estaba hecho de madera, yeso y otros materiales de bajo costo. El pabellón de Horta tenía una torre rectangular, coronada con seis estatuas de Wolfers, que representaban las artes decorativas a través de los tiempos. El interior mostraba tapices, vidrio y decoración en el nuevo estilo. Los artistas belgas que participaron incluyeron a los arquitectos Paul Hamesse, Henry van de Velde , Flor Van Reeth y Victor Bourgeois , el decorador Leon Sneyers. [11]
El pabellón de Dinamarca , obra de Kay Fisker , era un llamativo bloque de ladrillos rojos y blancos que formaba una cruz danesa. En su interior se encontraban murales de Mogens Lorentzen inspirados en mapas antiguos de Dinamarca, con imágenes coloridas y fantásticas. Un edificio separado, simétrico al primero, estaba lleno de luz y exhibía las obras de la manufactura danesa de porcelana y loza.
El pabellón de Suecia fue diseñado por Carl Bergsten , mientras que la exposición sueca en el Grand Palais presentó una maqueta del nuevo ayuntamiento art déco de Estocolmo, obra de Ragnar Ostberg . El pequeño pabellón era una versión art déco del clasicismo, pura y simple; se reflejaba en un estanque y estaba discretamente ornamentado con estatuas art déco. [12]
El pabellón de los Países Bajos , diseñado por JF Staal, fue concebido para capturar en un estilo moderno el misterio y el lujo de las Indias Orientales, donde el país tenía colonias. Un enorme techo como el de una pagoda cubría la estructura; la fachada estaba decorada con murales coloridos y la estructura se reflejaba en piscinas revestidas de ladrillo.
El pabellón de Italia de Armando Brasini era un gran bloque clásico construido en hormigón y revestido con decoración de mármol, cerámica y ladrillos dorados. En el centro se encontraba una enorme cabeza de hombre en bronce del escultor Adolfo Wildt.
El pabellón de Gran Bretaña , obra de los arquitectos Easton y Robertson, recordaba a una catedral art déco. Estaba decorado en el exterior con banderas de colores y en el interior con vidrieras, murales y una fachada policromada, con arabescos y temas orientales. El interior daba a un restaurante situado en una plataforma junto al Sena.
El pabellón de Polonia fue diseñado por Joseph Czajkowski. Tenía una llamativa torre de cristal y hierro con facetas geométricas, una versión decó de las pintorescas iglesias polacas de los siglos XVII y XVIII. El pabellón también se inspiró en la arquitectura de las tradicionales casas señoriales de la nobleza polaca y en el estilo de Zakopane . La mezcla de todo ello fue un intento de crear el estilo nacional polaco. La sala octogonal, sostenida por pilares de madera, tenía un tragaluz de vidrieras de estilo decó y estaba llena de estatuas y tapices de estilo decó. Las artes gráficas polacas también estuvieron representadas con éxito. Tadeusz Gronowski y Zofia Stryjeńska ganaron el Gran Premio en esa categoría.
El pabellón de Japón de Shichigoro Yamada e Iwakichi Miyamoto se inscribe en la tradición clásica japonesa, pero con el uso de materiales tradicionales como la paja y la madera barnizada, combinados con una decoración lacada de gran refinamiento. Fue construido en Japón, transportado a Francia y montado por trabajadores japoneses.
El pabellón de la Unión Soviética fue uno de los más inusuales de la exposición. Fue creado por un joven arquitecto ruso, Konstantin Melnikov , que en 1922 había diseñado el nuevo mercado central de Moscú, y que también diseñó el sarcófago del mausoleo de Lenin en Moscú. Contaba con un presupuesto muy bajo y construyó su estructura enteramente de madera y vidrio. Una escalera cruzaba la estructura en diagonal en el exterior, permitiendo a los visitantes ver el interior de la exposición desde arriba. El techo sobre la escalera no era continuo, sino que estaba formado por planos de madera suspendidos en ángulo, que se suponía que dejaban entrar el aire fresco y evitaban la lluvia, pero los visitantes a veces se empapaban. Las exhibiciones en el interior incluían modelos de proyectos para varios monumentos soviéticos. El interior del pabellón fue diseñado por Alexander Rodchenko . El elemento clave del mobiliario era el Club de Trabajadores que Rodchenko diseñó como un espacio modelo óptimo para la autoeducación y las actividades culturales de ocio. La intención del edificio era atraer la atención, y ciertamente lo logró; Fue uno de los edificios más comentados de la exposición. [13]
Siguiendo el programa de los organizadores franceses de la exposición, los objetos expuestos, desde muebles hasta cristalería y orfebrería, expresaban un nuevo estilo, una combinación de formas modernistas realizadas con la artesanía tradicional francesa. Los muebles, la cristalería, la orfebrería, los tejidos y los objetos expuestos estaban hechos con materiales raros y caros como el ébano, el marfil, la madreperla, la piel de tiburón y maderas exóticas de todo el mundo, pero las formas que utilizaban eran muy distintas del Art Nouveau o de los estilos históricos anteriores. Utilizaban formas geométricas, líneas rectas, patrones en zigzag, guirnaldas estilizadas de flores y cestas de frutas, para crear algo nuevo y diferente. La firma Lalique , más conocida por su delicada cristalería Art Nouveau, produjo una fuente de cristal art déco, iluminada desde dentro, que se convirtió en uno de los puntos de referencia de la exposición. La Maison d'un Collectionneur, el pabellón del fabricante de muebles Jacques-Emile Ruhlmann , mostró cómo podría ser una casa art déco, con una pintura art déco, una escultura de Antoine Bourdelle , una pintura de Jean Dupas y una fina artesanía.
En el pabellón Esprit Nouveau, en el cubo blanco, se expuso también una visión alternativa del futuro de la decoración. Le Corbusier expuso prototipos de muebles de producción en serie, de bajo coste y fabricados con materiales baratos, que él consideraba el futuro del diseño de interiores.
Se dedicaron grandes espacios a las actividades recreativas, desde tiro al blanco hasta tiovivos, cafés y teatros. Se creó un pequeño pueblo para los niños y se instalaron escenarios en los que se presentaron obras de teatro, ballets, cantantes y programas culturales de los países participantes. La exposición también fue escenario de desfiles de moda, desfiles y concursos de belleza, así como de frecuentes espectáculos de fuegos artificiales.
La Torre Eiffel no estaba dentro del recinto, pero era claramente visible desde la exposición. La empresa Citroën decoró la torre de arriba abajo con doscientas mil bombillas de seis colores. Las luces se podían controlar desde un teclado y presentaban nueve patrones diferentes, entre ellos formas geométricas y círculos, una lluvia de estrellas, los signos del zodíaco y, sobre todo, el nombre CITROËN.
El 16 de junio de 1925 se celebró un gigantesco banquete y gala en el Grand Palais. En él participaron la bailarina estadounidense Loie Fuller , con sus estudiantes de danza que parecían nadar a través de velos de gasa; la bailarina Eva Le Galienne como Juana de Arco y la bailarina Ida Rubenstein como el Ángel de Oro, con un vestuario de Léon Bakst ; la cantante Mistinguett con un traje de diamante, rodeada por la troupe del Casino de París vestida de piedras preciosas; y breves actuaciones de las compañías completas de la Comédie-Française y la Ópera de París , el Folies Bergère y el Moulin Rouge . El final fue el "Ballet de los Ballets", bailado por trescientos bailarines de todas las compañías de ballet de París con tutús blancos. [14]
La exposición cumplió su objetivo, demostrar que París seguía reinando en las artes del diseño. El término "art déco" no se utilizaba todavía, pero en los años inmediatamente posteriores a la exposición, el arte y el diseño que se mostraban allí se copiaron en todo el mundo, en los rascacielos de Nueva York, los transatlánticos que cruzaban el Atlántico, los cines de todo el mundo. Tuvo una gran influencia en el diseño de moda, joyería, muebles, cristal, metalistería, textiles y otras artes decorativas. Al mismo tiempo, mostró la creciente diferencia entre el estilo moderno tradicional, con sus materiales caros, artesanía fina y decoración lujosa, y el movimiento modernista que quería simplificar el arte y la arquitectura. El pabellón Esprit Nouveau y el pabellón soviético no eran claramente decorativos, [15] contenían muebles y pinturas, pero estas obras, incluidos los pabellones, eran sobrias y modernas. La arquitectura moderna de Le Corbusier y Konstantin Melnikov atrajo tanto la crítica como la admiración por su falta de ornamentación. Las críticas se centraron en la «desnudez» de estas estructuras, [16] en comparación con otros pabellones de la exposición, como el Pabellón del Coleccionista del ébanista -decorador Émile-Jacques Ruhlmann . [ cita requerida ]
En 1926, poco después de finalizar la Exposición de Artes Decorativas de París, la Unión Francesa de Artistas Modernos , un grupo que incluía a Francis Jourdain , Pierre Chareau , Le Corbusier y Robert Mallet-Stevens , entre otros, atacó ferozmente el estilo, que según ellos fue creado solo para los ricos y su forma estaba determinada por sus gustos. Los modernistas , como se los conoció, insistieron en que los edificios bien construidos deberían estar disponibles para todos y que la forma debería seguir la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si era perfectamente apto para cumplir su función. Los métodos industriales modernos significaban que los muebles y los edificios podían producirse en masa, no a mano. [ cita requerida ]
El diseñador de interiores Art Déco Paul Follot defendió el Art Déco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se conforma con lo indispensable y que siempre se necesita lo superfluo... Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y los perfumes..." [17] Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante publicista de la arquitectura modernista ; afirmó que una casa era simplemente "una máquina para vivir", y promovió incansablemente la idea de que el Art Déco era el pasado y el modernismo era el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura, y la estética del Art Déco fue abandonada. La economía de la década de 1930 también favoreció el modernismo; los edificios modernistas, sin ornamentos, usaban materiales menos costosos y eran más baratos de construir, por lo que se consideraban más adecuados para la época. El estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939 marcó un final abrupto para el período Art Déco. [ cita requerida ]
El historiador de la arquitectura Dennis Sharp escribió que la arquitectura modernista surgió de la exposición. [18]
Otra rama del modernismo también había surgido paralelamente a la obra de los arquitectos de vanguardia, derivada de la Exposición de Artes Decorativas de París celebrada en París en 1925. [...] Hoy en día, este estilo paralelo se conoce con los términos 'Art Decó' o 'Moderne' o 'Jazz Age Modern' [...]. [G]obtuvo aceptación mundial y cierto éxito popular.
48°51′49″N 2°18′49″E / 48.8636, -2.3136
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