Erich Hartmann (29 de julio de 1922 en Munich - 4 de febrero de 1999 en la ciudad de Nueva York) fue un fotógrafo estadounidense nacido en Alemania.
Erich Hartmann nació el 29 de julio de 1922 en Munich , Alemania , el hijo mayor de Max e Irma (Blattner) Hartmann que vivían en Passau , una pequeña ciudad en el Danubio cerca de la frontera con Austria en la que eran una de cinco familias judías. La familia de Hartmann era de clase media. Su padre, un socialdemócrata que sirvió durante la Primera Guerra Mundial y había sido encarcelado por los británicos, era muy respetado. En 1930, con sólo ocho años, Erich tomó sus primeras fotografías. [1]
La vida se volvió cada vez más difícil después de la toma del poder nazi en 1933, incluidas restricciones personales, financieras, comerciales y familiares y el comienzo de las deportaciones de judíos al primer llamado " campo de trabajo " en el pueblo de Dachau . La familia Hartmann se mudó ese año a Munich en busca de un ambiente más tolerante y cosmopolita. Sin embargo, la situación no hizo más que empeorar y la familia decidió que debían abandonar Alemania.
En agosto de 1938 aceptaron la oportunidad de emigrar a Estados Unidos , habiendo recibido la necesaria declaración jurada de apoyo de parientes lejanos allí. Navegaron de Hamburgo a la ciudad de Nueva York, permaneciendo inicialmente en Washington Heights, Manhattan , antes de establecerse en las afueras de Albany, Nueva York . [ cita necesaria ]
Erich Hartmann, el único hablante de inglés en la familia, trabajó en una fábrica textil en Albany, Nueva York , asistió a la escuela secundaria nocturna y luego tomó cursos nocturnos en Siena College . El 8 de diciembre de 1941, el día después del ataque a Pearl Harbor , Estados Unidos entró en la guerra y Erich se alistó en el ejército estadounidense. Formado en Virginia y en la Universidad Estatal de Ohio , tuvo que esperar hasta 1943 antes de servir en Inglaterra, Bélgica ( Batalla de las Ardenas ) y Francia, y con las fuerzas libertadoras como intérprete judicial en los juicios nazis en Colonia , Alemania. [2]
Al final de la guerra se mudó a la ciudad de Nueva York donde, en 1946, se casó con Ruth Bains; tuvieron dos hijos, Nicholas (nacido en 1952) y Celia (nacida en 1956). Durante estos años trabajó como asistente del retratista George Feyer y luego como autónomo. Estudió en la Nueva Escuela de Investigación Social con Charles Leirens, Berenice Abbott y Alexey Brodovitch . Los retratados a lo largo de los años incluyeron al arquitecto Walter Gropius , los escritores Arthur Koestler y Rachel Carson , los músicos Leonard Bernstein y Gidon Kremer , el actor Marcel Marceau , el fotógrafo Ed Feingersh y muchas otras personalidades literarias y musicales. La música jugó un gran papel en su vida y obra: "La música me capturó antes que la fotografía", recuerda. "En casa de mis padres no había mucha música, salvo un gramófono de manivela en el que, subrepticiamente y repetidamente, reproducía un disco de arias de "Carmen". ¡Esto fue antes de que pudiera leer!" [3]
En la década de 1950, Hartmann se hizo conocido por primera vez entre el público en general por su enfoque poético de la ciencia, la industria y la arquitectura en una serie de ensayos fotográficos para la revista Fortune , comenzando con The Deep North , The Building of Saint Lawrence Seaway y Shapes of Sound . Posteriormente realizó ensayos similares sobre la poética de la ciencia y la tecnología para Geo y otras revistas francesa, alemana y estadounidense. A lo largo de su vida viajó extensamente realizando encargos para las principales revistas de EE.UU., Europa y Japón y para muchas corporaciones como AT&T , Boeing , Bowater, Citroën , Citibank , Corning Glass, DuPont , Agencia Espacial Europea , Ford , IBM , Johns Hopkins. University , Kimberly-Clark , Pillsbury Company , Nippon Airways , Schlumberger , TWA y Woolworth , en todas ellas utilizó color.
En 1952 fue invitado a unirse a Magnum Photos , la cooperativa internacional de fotógrafos fundada en 1947 por Robert Capa , David Seymour , George Rodger y Henri Cartier-Bresson . Formó parte de la junta directiva de 1967 a 1986 y fue presidente en 1985. –1986.
Su primera exposición individual Sunday with the Bridge , un estudio fotográfico del Puente de Brooklyn , se inauguró en el Museo de la Ciudad de Nueva York en 1956. En 1962, su libro y exposición Our Daily Bread recorrieron ampliamente los Estados Unidos. A lo largo de los años siguieron muchas más exhibiciones en los Estados Unidos, Japón y toda Europa. Dio conferencias en la Academia Internacional de Verano en Salzburgo, Austria , en la Escuela de Periodismo de la Universidad de Siracusa y en otros lugares, enseñó en talleres y seminarios y recibió elogios que incluyen el premio Photokina (Colonia, Alemania), el Premio Internacional CRAF (Italia), el Newhouse Citation in Photography (EE.UU.) y numerosos premios del Art Directors Club .
Su principal interés, tanto en la fotografía como en la vida, era la forma en que las personas se relacionan tanto con su entorno natural como con los entornos que crean. Nuestro Pan Diario y El Mundo del Trabajo eran proyectos continuos a largo plazo. Documentó no sólo la industria y la tecnología (fabricación de vidrio, construcción de barcos, agricultura, producción de alimentos, aviación, construcción, exploración espacial, investigación científica) sino también el contexto cultural y geográfico humano: la Inglaterra de Shakespeare , el Dublín de James Joyce. o la Venecia de Thomas Mann .
Sus proyectos personales revelan una fascinación por la forma en que la tecnología puede encarnar la belleza: los patrones abstractos de las gotas de tinta en el agua, los retratos íntimos de pequeños componentes fabricados con precisión o la luz láser en entornos naturales y artificiales. Su obsesión por la luz láser comenzó en los años 1970, recuerda Ruth Hartmann: ″Vio allí una manera de hacer que la luz realmente "escribiera", "fotografiara" y "graficara". Comenzó a experimentar con la difusión de luz láser a través de diferentes tipos de vidrio, a través de prismas, lentes de todo tipo, a través de pomos de puertas facetados, rompiendo la luz en pedazos para hacer diseños, escribir. Luego perfeccionó sus técnicas para poder imponer una imagen controlada de luz concentrada en los paisajes y luego en las personas. Esto culminó con una exposición importante en Nueva York y otras exposiciones más pequeñas”. [4]
Esta preocupación por la deshumanización le llevó a emprender en sus últimos años un proyecto muy personal e íntimo que honró y trascendió la memoria.
Auschwitz , Bełżec , Bergen-Belsen , Birkenau , Buchenwald , Bullenhuser Damm , Chełmno , Dachau , Emsland , Gross Rosen , Majdanek , Mauthausen , Natzweiler , Neuengamme , Ravensbrück , Sachsenhausen , Sobibor , Theresienstadt , Treblinka , Vught , Westerbork ...
Durante más de ocho semanas en 1994, Erich y Ruth Hartmann emprendieron un viaje invernal para fotografiar los restos de los campos de concentración y exterminio nazis, y los lugares de deportación, por toda Europa. Estaba decidido a tomar sólo fotografías en blanco y negro y capturar sólo lo que veía, inmediatamente después de llegar, sin importar si los días parecían noches.
Regresó a Nueva York con 120 rollos de película, de los que realizó un primer montaje de 300 fotografías y una selección final de sólo 74 fotogramas. Estos, junto con un texto de Ruth Bains Hartmann, formaron el libro y la exposición In the Camps , publicado en 1995 en inglés, francés y alemán y expuesto en más de veinte lugares de Estados Unidos y Europa en los años posteriores:
″Si he aprendido alguna lección de haber estado en los restos de los campos", afirma Hartmann, ″es que pensar o vivir para uno mismo se ha convertido en un lujo inasequible. Excepto tal vez en los sueños, la vida ya no transcurre en un lugar solitario. Ahora es irrevocablemente complejo, y nosotros, quienes seamos, nos hemos entrelazado unos con otros, nos guste o no. Actuar según esa creencia puede ser un homenaje más eficaz a la memoria de los muertos que el duelo solo o. prometiendo que esto no volverá a suceder. Y también puede ser la forma más prometedora de acabar con los campos de concentración. No soy optimista, pero creo que si decidimos que debemos unir nuestras vidas inextricablemente, ese "yo". y "ellos" deben ser reemplazados por "nosotros" – podemos lograr crear una vida en la que las cámaras de gas no se vuelvan a utilizar en ningún lugar y un futuro en el que los niños, incluidas mis nietas, no sepan lo que son.″ [5 ]
En todos sus viajes, por trabajo y por placer, Hartmann llevaba una pequeña cámara con algunos rollos de película en blanco y negro, preparada para cada oportunidad visual. También llevó a cabo deliberadamente una serie de proyectos imaginativos que incluían experimentos con tinta en agua, efectos de luz estroboscópica, guijarros de playa encerrados en cajas y otros. A finales de la década de 1990, con la vista puesta en una futura exposición retrospectiva, Hartmann comenzó a hacer una selección definitiva de cincuenta años de esta obra personal en blanco y negro. Pocos meses antes de su muerte, inició conversaciones con una galería de Austria para organizar una exposición llamada "Dónde estuve". Ruth Hartmann continuó y completó el proyecto después de su muerte, y "Where I Was" se inauguró en la Galerie Fotohof de Salzburgo el 27 de junio de 2000, y posteriormente viajó a Alemania, Nueva York y Tokio.
″A diferencia de la mayoría de las exposiciones póstumas″, escribe Ruth Hartmann, ″el comienzo, la idea y el impulso provinieron del propio fotógrafo en vida y fueron realizados por otros que intentaron continuar la idea de acuerdo con sus notas″. [6]
″ "Dónde estaba" no siempre fue un lugar geográfico específico; a menudo era un estado de ánimo, como cuando encontró la fábrica de maniquíes y vio allí una metáfora simple y aparentemente inocente de los horrores deshumanizadores de nuestro tiempo. (...) Estas son fotografías personales de un fotoperiodista ocupado que trabaja y viaja todo el tiempo; a casa brevemente en el medio. Aunque gran parte del trabajo que le asignaron era en color, nunca le faltaba una cámara cargada con película en blanco y negro y una pequeña caja de rollos adicionales, que usaba para capturar lo que siempre lo intrigó y fascinó: la vida en progreso, las personas en sus entornos. , enigmático, inacabado, ambicioso. Su devoción por la fotografía fue intensa y de toda la vida; Vio fotografías por todas partes. Tomar estas fotografías personales mantuvo su propio rumbo estable incluso mientras trabajaba, con igual devoción, en asignaciones muy diversas que a menudo generaban nuevas pasiones y fascinaciones, como lo demuestra su implicación con las intrincadas bellezas de la tecnología. Algunas de estas imágenes aquí provienen de tales asignaciones. Él también estuvo allí.” [7]
″Me he ganado la vida como fotógrafo de revistas y fotoperiodista″, dice Hartmann, ″trabajando en muchas partes del mundo para revistas y empresas importantes, a menudo sobre temas de interés general y, en la mayoría de los casos, temas relacionados con la alta tecnología. Junto a esa vida fotográfica, y entrelazada con ella, ha habido otra, una exploración principalmente de aspectos de mi yo de clase media (y ahora de mediana edad tardía) y algunas de las fuerzas que tuvieron efecto sobre ella. He elegido la autobiografía como tema principal de mi trabajo personal por más de una razón. Creo que puedo hablar de manera más convincente de lo que he conocido desde hace más tiempo, si tal vez no el mejor: he obtenido de aspectos aparentemente cotidianos de una vida aparentemente tranquila y poco dramática una fuente infinita y rica de desafíos, y estoy tentado a creer que los resultados resuenan más allá de lo específico y personal y hablan también de otras vidas”. [8]
El 4 de febrero de 1999, Erich Hartmann murió inesperadamente de un infarto en Nueva York.
