Emily Kame Kngwarreye (también escrita Emily Kam Kngwarray ) (1910 - 3 de septiembre de 1996) fue una artista aborigen australiana de la comunidad Utopia en el Territorio del Norte . Después de comenzar a pintar cuando era septuagenaria , Kngwarreye se convirtió en una de las artistas más destacadas y exitosas en la historia del arte indígena australiano . Fue miembro fundadora del Utopia Women's Batik Group y es conocida por sus obras precisas y detalladas.
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Emily Kame Kngwarreye, también escrita Emily Kam Kngwarray, [1] nació alrededor de 1910 en Alhalkere , en Utopia Homelands, una comunidad aborigen ubicada aproximadamente a 250 kilómetros al noreste de Alice Springs (Mparntwe). [2] [3] [4] [5]
Su familia era Anmatyerre , y ella era la más joven de tres. No tenía hijos biológicos propios. [6] Era la cuñada de la artista Minnie Pwerle [7] y la tía de la hija de Pwerle, la artista Barbara Weir . [8] Kngwarreye fue la tutora paterna de Weir durante siete años hasta que Weir fue expulsada por la fuerza de su tierra natal bajo un programa gubernamental para asimilar a los niños de raza mixta (ver Generaciones robadas ). [8] La sobrina nieta de Kngwarreye es la pintora Jeannie Pwerle. [9] Los hijos de su hermano son Gloria Pitjana Mills y Dolly Pitjana Mills. [10]
Kngwarreye creció trabajando en ganaderías . En junio de 1934 se mudó a MacDonald Downs Homestead, ubicada aproximadamente a 100 km (62 mi) al este de Alhalkere, para trabajar en la casa y arrear el ganado. [11]
Kngwarreye murió en Alice Springs en septiembre de 1996. [3]
Como anciana y guardiana ancestral del pueblo Anmatyerre , Kngwarreye había pintado durante décadas con fines ceremoniales en la región de Utopia. [12] Se hizo conocida por su enfoque preciso y detallado [13] trabajó con batik durante 11 años [14] hasta 1988, cuando se introdujo a los acrílicos . [3] Creó más de 3.000 pinturas acrílicas durante los siguientes ocho años, [15] y se convirtió en una de las artistas más destacadas y exitosas en la historia del arte indígena australiano . [16] Es particularmente notable también por ser una artista femenina, por haber comenzado a pintar recién a los 70 años y por su prolificidad: durante sus ocho años como artista, produjo más de 3.000 pinturas, alrededor de una por día. [14]
Vivió y trabajó en varios lugares de la región de Sandover . [6]
En la década de 1970, Kngwarreye realizó un breve curso de educación para adultos que incluía varias prácticas creativas, como el teñido anudado y el batik . [14] En 1977, comenzó a aprender batik bajo la guía temprana de un artista pitjantjatjara de Ernabella llamado Yipati y las instructoras Suzanne Bryce, Jenny Green y Julia Murray. [17] Según Bryce, las mujeres aborígenes de la región querían aprender artesanías porque eran especialmente adecuadas para un estilo de vida tradicional. [18] Bryce y Green habían importado el medio del batik a los Territorios del Norte desde Indonesia en 1974. [19] [20]
Cuando Kngwarreye conoció la técnica, los artistas aborígenes habían adaptado partes clave del proceso para satisfacer sus propias preferencias. La técnica indonesia de aplicar cera con un instrumento parecido a un bolígrafo llamado canting , por ejemplo, había sido reemplazada por pinceles, que a menudo producían patrones más amplios y animados en la tela. [21] La introducción del batik marcó una nueva era para las mujeres aborígenes en los Territorios del Norte. Hasta ese momento, su papel había sido ayudar a los pintores masculinos, y solo unas pocas mujeres crearon sus propias obras. [22] [23]
En 1978, Kngwarreye y otros destacados artistas aborígenes fundaron el Utopia Women's Batik Group, [24] [25] [14] integrado por unas 21 mujeres. [26] Inicialmente un proyecto comunitario, el programa evolucionó hasta convertirse en un marco en el que los artistas podían desarrollar sus propios estilos individuales. [2] [27] El trabajo batik de Kngwarreye muestra elementos que se repiten en sus pinturas posteriores, incluidos los awelye ( pintura corporal ), los emús, los goannas y otra flora y fauna de su país. [14]
Kngwarreye comenzó a pintar sobre lienzo en el verano de 1988, con un proyecto de pintura iniciado por CAAMA Shop en asociación con Utopia Art Sydney. Titulado A Summer Project , finalmente fue adquirido por la Colección Holmes à Court en West Perth , que luego patrocinó un programa para permitir que los artistas de Utopia pintaran durante un período de tiempo sin imperativos comerciales. [2] Rodney Gooch, gerente de la Asociación de Medios Aborígenes de Australia Central (CAAMA), distribuyó 100 lienzos y pinturas a las mujeres de Utopia, donde instruyeron a las artistas en el nuevo medio. [19] Durante las vacaciones de verano (4 semanas), 80 pintores completaron 81 obras. Rodney Gooch vio esto como una nueva era para las mujeres. La Colección Holmes à Court compró las 81 pinturas y, a través de su curadora Anne Marie Brody, se exhibieron en abril en la Galería SH Ervin, Sydney. [28]
Kngwarreye describió una vez su transición a la pintura acrílica como un proceso que requería menos trabajo y que se adaptaba mejor a su avanzada edad:
Al principio, hice batik, pero después de eso aprendí más y más y luego pasé a la pintura para siempre... Luego, el lienzo. Dejé de... la tela para evitar todo el hervor para sacar la cera. Me volví un poco perezosa; lo dejé porque era demasiado trabajo duro. Finalmente, me harté... No quería continuar con el duro trabajo que requería el batik: hervir la tela una y otra vez, encender fuego y usar todo el jabón en polvo, una y otra vez. Por eso dejé el batik y pasé al lienzo: era más fácil. Mi vista se deterioró a medida que me hice mayor, y debido a eso dejé el batik sobre seda: era mejor para mí simplemente pintar. [29]
Su método consistía en colocar grandes secciones de lienzo en el suelo y sentarse sobre ellas con las piernas cruzadas. Aplicaba la pintura con un pincel largo para llegar a toda la obra. [30] [31] En un relato, un comerciante explicó la presencia de huellas de perro dentro de una pintura específica como parte natural de su método a nivel del suelo: "El perro caminó sobre ella", dijo, "y a ella no le importó en absoluto". [32]
En 1995, en el último año de su vida, pintó Anwerlarr anganenty ("Gran sueño de ñame"), en un enorme lienzo que medía más de 8 m (26 pies) por casi 3 m (9,8 pies). [14]
En las últimas dos semanas de su vida, Kngwarreye le pidió a su sobrino Fred Torres materiales para producir una serie conocida hoy como My Country - Final Series, 1996. Un galerista de arte indígena en Sydney describió una vez el período como un impulso enérgico para crear: "Sin otros materiales, sumergió su pincel de yeso de una pulgada en un bote de pintura. Durante los siguientes días, Emily pintó 24 lienzos como nada que hubiera hecho antes". [33]
Las obras de Kngwarreye surgen de una profunda conexión con su tierra natal tribal, Alhalkere. El Museo de Arte Contemporáneo de Australia describe sus temas como la "esencia" de esa región, con referencias a la flora, la fauna y las figuras del Tiempo del Sueño de su entorno. Entre ellas se incluyen:
El ñame lápiz , o anwerlarr , una planta trepadora con hojas en forma de corazón y vainas de semillas que se parecen a las judías, [14] era una fuente importante de alimento para los aborígenes del desierto. [35] Pintó muchas obras sobre este tema; a menudo sus primeras acciones al comienzo de una pintura eran trazar las líneas de seguimiento del ñame. [35] Esta planta era especialmente significativa para ella: su segundo nombre, Kame, significa la flor amarilla y las semillas del ñame lápiz. [36] [14]
Las obras de Kngwarreye se basan en marcas pintadas en la arena y en el cuerpo durante las experiencias de Anmatyere en The Dreaming [37], un código moral basado en "héroes ancestrales cuyos viajes pioneros dieron forma, figura y significado a la tierra, los mares y los cielos en una era creativa lejana". [38] Por lo tanto, estas marcas ceremoniales son más que diseños visuales básicos. Son una "recreación ritual de los viajes de los antepasados en el Tiempo del Sueño (sic) que, en la mitología aborigen, es sinónimo de la creación del mundo". [39]
Los elementos visuales relacionados con The Dreaming fueron partes importantes del Movimiento de Arte del Desierto en Papunya Tula , donde Kngwarreye comenzó a desarrollar sus habilidades como pintora. Formada por los ancianos de la comunidad en 1971 con el apoyo de Geoffey Bardon , [40] [41] la escuela alentó a los artistas a desarrollar sus propias ideas al pintar sobre lienzo. Un estilo familiar era superponer masas de puntos diminutos para crear el efecto óptico de un resplandor de calor , que aparece en las obras de Kngwarreye, así como en las de Johnny Warangkula Tjupurrula . [42] [43] La influencia del Arte del Desierto también aparece en su uso de la perspectiva aérea. [42]
Sus primeras obras de finales de los años 1980 utilizaban colores tradicionales como el rojo y el amarillo ocre , el blanco y el negro. En 1990, había ampliado su paleta para incluir también el gris, el violeta y el marrón, lo que amplificaba las cualidades atmosféricas de su obra. [44]
En 1992, Kngwarreye comenzó a unir sus puntos para formar líneas, creando rayas paralelas horizontales y verticales multicolores que sugerían ríos y terrenos desérticos. [45] También comenzó a utilizar pinceles más grandes durante este período, que producían puntos más pesados y menos intrincados en el lienzo. [ cita requerida ]
En 1993, Kngwarreye añadió manchas de color junto con los puntos, lo que creó el efecto de anillos de colores. Un ejemplo es Alaqura Profusion , que se hizo con una brocha de afeitar en lo que ella llamó su estilo "dump dump", utilizando colores muy brillantes. Esa técnica también aparece en My Mothers Country y Emu Country (1994). [ cita requerida ] La Alhalkere Suite (1993) fue una enorme instalación que comprendía 22 lienzos, que representaban su país después de las inundaciones y la regeneración, en un estilo similar al arte expresionista . [ 14 ]
A mediados de la década de 1990, comenzó a trabajar con gruesas rayas de pintura acrílica sobre papel y lienzo, que parecen abstractas pero en realidad derivan de los awelye , los diseños pintados en los cuerpos de las mujeres Anmatyerr para ceremonias . [14] Las líneas entrelazadas con frecuencia hacen referencia a las líneas de seguimiento de los ñames dentro de las comunidades del desierto central . [46]
Durante muchos años, su estilo variado atrajo etiquetas del mundo del arte como modernismo y abstracción , ubicándolos en las tradiciones del arte occidental . Sin embargo, los curadores indígenas australianos sostienen que su trabajo está profundamente arraigado en las tradiciones aborígenes australianas, en particular, la conexión con el país . [14]
En 1992/3, Kngwarreye recibió una beca creativa para artistas australianos otorgada por el primer ministro Paul Keating y el Consejo de Australia . [6] [47]
En 1993, Kngwarreye, Yvonne Koolmatrie y Judy Watson fueron elegidas para representar a Australia en la Bienal de Venecia . [6]
Fue incluida en el Cuadro de Honor de Mujeres de Victoria en 2001. [48]
La primera exposición pública de los batiks de seda de Kngwarreye se realizó en 1980, junto con las obras de Mona Byrne, una artista de Hermannsberg . Al año siguiente, Floating Forests of Silk se estrenó en el Adelaide Festival Centre , con la curaduría de Silver Harris. En 1982, su obra se exhibió en la Sydney Craft Expo y en la Brisbane Commonwealth Games Exhibition, seguida de exhibiciones en el Adelaide Festival Centre y el Alice Springs Craft Council en 1983. [17]
La primera exposición individual de Kngwarreye se celebró en 1990 en Utopia Art Sydney. [49]
Su obra fue incluida en una exposición de 1996 en la Galería de la Universidad de Monash llamada Las mujeres sostienen la mitad del cielo: la orientación del arte en el Pacífico de posguerra . [50]
Kngwarreye representó a Australia en la Bienal de Venecia de 1997 junto a Yvonne Koolmatrie y Judy Watson . [51] [52] Su exposición, titulada "Fluent", fue una muestra multigeneracional, elegida "para resaltar el espectro de la experiencia aborigen y la práctica artística en Australia en ese momento". [52] Una reseña contemporánea describió la muestra como una "afirmación de la influencia continua de las matriarcas aborígenes en una sociedad que a menudo se define como un patriarcado... con preocupaciones entrelazadas sobre la naturaleza de la tierra y sus conexiones con ella". [53]
En 1998, sus batiks se exhibieron en la Galería Nacional de Victoria (NGV), Melbourne , en una exposición titulada Raiki Wara: Telas largas de la Australia aborigen y el estrecho de Torres . [54]
La Queensland Art Gallery realizó la primera retrospectiva de la obra de Kngwarreye en 1998. Fue comisariada por Margo Neale y presentó una obra encargada a Kngwarreye para la inauguración. [55] [6] La exposición fue la primera gran retrospectiva itinerante nacional de un artista indígena en Australia, [56] viajando a la Art Gallery of New South Wales , la NGV, y la National Gallery of Australia (NGA) en Canberra .
De junio a noviembre de 2000, la NGA presentó Aboriginal Art in Modern Worlds: World of Dreamings , compuesta por obras de Kngwarreye, Nym Bandak, Rover Thomas , John Mawurndjul , Fiona Foley , Tracey Moffatt y artistas de las comunidades Ramingining y Wik . Antes de su inauguración en Canberra, la exposición también viajó al Museo del Hermitage en San Petersburgo , Rusia. [57] [58]
Su segunda retrospectiva, Utopía: El genio de Emily Kame Kngwarreye, se realizó en 2008. También curada por Neale, se inauguró en el Museo Nacional de Arte de Osaka , Japón, antes de trasladarse al Centro Nacional de Arte de Tokio , y luego al Museo Nacional de Australia , Canberra. [59]
Desde noviembre de 2010 hasta marzo de 2011, el Museo Ludwig de Colonia, Alemania , presentó "Remembering Forward: Painting by Australian Aborigines Since 1960". La muestra contó con obras de Kngwarreye y otros ocho artistas aborígenes, entre ellos Paddy Bedford , Queenie McKenzie y Dorothy Napangardi . [60]
En 2013, se inauguró en Cheltenham, Victoria , el Museo Emily , [61] el primer museo que presenta a un solo artista aborigen . [62] Cerró definitivamente tres años después. [63]
Wild Yam and Emu Food (1990), Kame Yam Awelye (1996) y Alhakere (1996) se exhibieron en Gagosian Beverly Hills en 2019 junto con obras de otros diez artistas indígenas, la mayoría del Territorio del Norte. [64] [65]
Utopia Art Sydney organizó una importante encuesta sobre la carrera de Kngwarreye en marzo de 2020. La exposición se tituló STRONG . [66] También a principios de 2020, D'Lan Contemporary organizó una exposición de su trabajo en la ciudad de Nueva York en la galería High Line Nine en Chelsea . [67]
La obra de Kngwarreye se incluyó en la exposición Mujeres en la abstracción de 2021 en el Centro Pompidou . [68]
En 2022, Gagosian Paris organizó la primera exposición individual de sus pinturas en Francia, en colaboración con D'Lan Contemporary, Melbourne. El título de la exposición fue Emily: pintora del desierto de Australia . Se realizó del 21 de enero al 26 de marzo. [69]
En enero de 2023, una gran retrospectiva en la NGA, co-curada por las curadoras aborígenes Kelli Cole y Hetti Perkins , se centra en el país , la comunidad y el conocimiento ancestral en las obras de arte de Kngwarreye. En consulta con la familia de la artista y los ancianos de la comunidad, se seleccionaron 89 obras para mostrar el vínculo entre las pinturas de Kngwarray y su país, Alhalker . La exposición tiene como objetivo cambiar la perspectiva occidental que veía su arte como abstracto y moderno, y ubicarlo dentro de las antiguas prácticas artísticas aborígenes, que miran una y otra vez el paisaje, la flora y la fauna, y las historias ancestrales de las tierras tradicionales. [14] [70]
Kngwarreye formó parte de Utopia Women's Batik. En 1987, se le pidió a Rodney Gooch, gerente de la tienda CAAMA en Alice Springs, que las representara y lo hicieron hasta 1991.
Christopher Hodges de Utopia Art Sydney representó a Kngwarreye desde 1988 hasta su muerte en 1996. [71] de 1988 a 1991 a través de CAAMA Shop y luego directamente a través de Rodney Gooch (Mulga Bore Artists).
En 1989, la galería Delmore, situada en la finca Delmore Downs adyacente a Utopia, encargó 1.500 obras a Kngwarreye. [72] [73] Los operadores de Delmore Downs, Donald y Janet Holt, vendieron las obras de Kngwarreye a galerías de élite de Australia y donaron obras a instituciones. [72]
En 1991, ya estaba produciendo una gama de trabajos para diversas galerías, entre ellas la Aboriginal Gallery of Dreamings en Melbourne [ cita requerida ] y la DACOU Aboriginal Gallery - Dreaming Art Centre of Utopia, en Adelaida . [55]
Las primeras obras de Kngwarreye con procedencia de Delmore Gallery tienden a tener mejor rendimiento en subastas, [74] [75] pero sus obras de último período con Rodney Gooch también han demostrado un potencial de mercado significativo. [74]
Ocho pinturas de Kngwarreye en la subasta de invierno de Sotheby's de 2000 se vendieron por un monto combinado de A$507.550 , y Awelye (1989) se vendió por A$156.500 .
El 23 de mayo de 2007, Tim Jennings de Mbantua Gallery & Cultural Museum compró la pintura de Kngwarreye de 1994 Earth's Creation I en una subasta por 1.056.000 dólares australianos . La venta estableció un récord para una artista australiana. [76] [77] En 2017, Earth's Creation I se vendió nuevamente por 2.100.000 dólares australianos en una subasta de Cooee Art Gallery, rompiendo su propio récord. [78]
En 2019, la Tate Gallery de Londres adquirió Untitled (Alhalkere) (1989), Untitled (1990) y Edunga (1990). [79] [80] [81]
El aumento de la demanda de obras de artistas indígenas en el mercado durante la década de 1990 estimuló el crecimiento de comerciantes de arte inexpertos y, en algunos casos, fraudulentos. Utopia se volvió particularmente atractiva para los forasteros que buscaban dinero rápido mediante la adquisición de arte indígena sin comprender la cultura que lo produjo. [82] Más tarde se documentó que ella dijo que quienes buscaban una ganancia rápida del arte indígena estaban empleando una "estrategia de producir pinturas de mala calidad para gente mala". [83]
Durante su vida y después de su muerte, autores y periodistas informaron que muchas de las obras supuestamente pintadas por Kngwarreye eran, de hecho, falsificaciones. [84] En 1997, el Northern Territory News sugirió que una "escuela" organizada de pintores había creado obras en su estilo. [84]
En 2018, el artista británico Damien Hirst supuestamente copió el estilo de Kngwarreye para su serie "Veil". El artista afirmó no haber tenido conocimiento previo de su trabajo, a pesar de que los observadores de la comunidad Utopia consideraron que las similitudes eran demasiado cercanas para haber sido una coincidencia. Según Hirst, la serie tenía sus raíces en el puntillismo , el impresionismo y el posimpresionismo . Bronwyn Bancroft , artista indígena y miembro de la junta directiva del Arts Law Centre, dijo: "En realidad, no se puede registrar el estilo... [pero] en muchos sentidos es lo que se llama un elemento moral de derechos de autor". [85] [86]