The Living End es una película de comedia dramática estadounidense de 1992 de Gregg Araki . Descrita por algunos críticos como una " Thelma y Louise gay ", la película es una de las primeras entradas en el género del Nuevo Cine Queer . The Living End fue nominada al Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance en 1992.
Luke es un vagabundo inquieto e imprudente y Jon es un crítico de cine relativamente tímido y pesimista. Ambos son homosexuales y VIH positivos. Después de una reunión poco convencional, y después de que Luke mata a un policía homofóbico , se embarcan en un viaje por carretera con el lema "A la mierda todo".
La banda sonora de la película es principalmente música industrial , post punk y shoegaze . A lo largo de la película se hacen muchas referencias a bandas y sus miembros. Se menciona a Ian Curtis de Joy Division , junto con Dead Can Dance , Echo & the Bunnymen y otros. Hay una pegatina de Nine Inch Nails en el tablero del auto de Jon. El título de la película proviene de una canción de The Jesus and Mary Chain , ¡y Wax Trax interpreta una versión de la canción de JAMC ! Graba a los artistas Braindead Soundmachine durante los créditos de la película. Al principio de la película, se ve a Luke con una camiseta de JAMC.
La película presenta música de las bandas industriales Coil , KMFDM y Braindead Soundmachine . [3] Al guitarrista de Braindead Soundmachine, Cole Coonce, se le atribuye la música original de la película.
Estrenada en medio de la epidemia de sida de los años 1980 y 1990, la película se posiciona dentro de los discursos públicos que circulan en este momento en los Estados Unidos de América de que ser seropositivo es ser condenado a muerte. [4] Robert Mills afirma que el estreno de la película en 1992 fue también “el año en que el SIDA se convirtió oficialmente en la causa número uno de muerte entre los hombres estadounidenses de entre 25 y 44 años”. [5] Considerando este contexto, la muerte se retrata de diferentes maneras a lo largo de la película y representa lo que sentían los hombres homosexuales. Estas mismas personas a las que “se culpó duramente por la propagación del virus. Al mismo tiempo, las instituciones de la sociedad fueron negligentes con los miles de personas que morían a causa de la enfermedad”. [6]
Para el personaje de Jon, su reciente diagnóstico de VIH supone un shock y va acompañado de su miedo y su negación. Al conocer al personaje de Luke, se puede ver el peso que la noticia de Jon tiene para él mientras lucha por encontrar las palabras para decirle a Luke que es VIH positivo. El personaje de Luke recibe esta inquietud asegurándole a Jon que sabe lo que se va a revelar y que "no es gran cosa". Luke incluso dice "bienvenido al club" y revela que él también es VIH positivo. El personaje de Luke ha aceptado su estado de salud relacionado con el VIH y adopta su comportamiento imprudente en consecuencia. Al ver la muerte a través de los ojos de Luke, le da mayor importancia a vivir el momento, el amor y el sexo. Luke aporta una sensación de libertad al nuevo estado de salud compartido de esta pareja, que se ve a través de las "imágenes provocativas de sexo gay sin condón, mamadas detrás del volante, sadomasoquismo y fenómenos relacionados que no se ven con frecuencia hasta ese momento en el cine estadounidense". [7]
La muerte es un tema inminente a lo largo de la película y la trama se desarrolla naturalmente gracias a ella. Ya sea la relación de Jon y Luke en su muerte compartida por el SIDA hasta las agresiones y asesinatos de Luke, que son seguidos continuamente por el dúo que se aleja en su coche para escapar de las consecuencias. Incluso en el clímax de la película, se entiende y se ve que la muerte los está esperando, pero la película termina con ellos escapando de ella una vez más.
B. Ruby Rich describe a los personajes principales como “uno aburrido y otro lleno de rabia, ambos sin nada que perder”. [8] La desesperación que se siente ante la muerte por SIDA coincide con las ideas nihilistas introducidas por Luke. Los lemas y graffitis compartidos a lo largo de la película ilustran sus pensamientos de “que se joda el mundo”, “yo culpo a la sociedad”, “que se joda el sistema”, “que se joda la policía” y “que se joda todo”. Sin duda, todos estos mensajes llegan. respuesta a la producción de la película en el contexto político de los Estados Unidos, donde los hombres homosexuales estaban siendo atacados y avergonzados por iniciar la epidemia del SIDA . Jon, Luke y la comunidad queer en general ya enfrentaban discriminación por su orientación sexual, pero ahora también por su orientación sexual. Estado de salud VIH positivo.
Jon adopta progresivamente el hedonismo de Luke a través de su relación y comprensión de la situación del otro. A través de su automóvil, "no se distraen con sermones morales, sino que se guían por una filosofía carpe diem en su situación nihilista en la que empuñan armas, extinguen a sus enemigos, salen a la carretera y tienen relaciones sexuales sin protección". [9] La película hace uso de escenas con humor y alegría demostrando que todavía puede haber vida a pesar de la presunta muerte por sida. Para Michael D. Klemm, “la mayoría de las escenas de amor entre Jon y Luke son tan tiernas como apasionantes (y fueron las escenas de amor masculino más explícitas que había visto en ese momento) y su historia de amor es a menudo bastante conmovedora. .” [10] Esta película deja su huella en el Nuevo Cine Queer al ampliar las representaciones de los hombres homosexuales para ir más allá de la primera década de la epidemia de SIDA. Una época en la que la televisión y los medios de comunicación “consistentemente patologizaron y demonizaron a los hombres homosexuales como 'asesinos del SIDA'. " [4]
"La violencia cinematográfica, para Araki, se utiliza para combatir el etiquetado generalizado de las personas con SIDA como víctimas de parásitos, una asociación que fue 'enfáticamente rechazada' tanto por los grupos de apoyo como por los activistas políticos durante toda la epidemia". [5] El personaje de Luke canaliza la ira y la frustración acumuladas de las comunidades queer que fueron victimizadas y villanizadas por el mismo gobierno estadounidense que las excluyó y ignoró la enfermedad. Incluso se hace mención explícita a la violencia contra la política y por el activismo. Luke sugiere ir a Washington y dispararle a Bush en la cabeza o “mejor aún, apuntarle con una pistola e inyectarle nuestra sangre”. Esta escena habla de la muerte inminente por SIDA que viven ambos personajes masculinos homosexuales y trae la injusticia de que habría investigación para una cura o ayuda si el propio presidente tuviera VIH. [10] También puede servir como comparación que la muerte que enfrentan es peor que un disparo porque es lenta y dolorosa, tanto psicológica como físicamente, mientras que la muerte por un disparo suele ser rápida y fatal.
El uso de un arma por parte de Luke se ve en casi todas las escenas violentas de la película. Al mismo tiempo, lo utiliza como una forma de volverse poderoso contra las figuras de autoridad y atacar a policías homofóbicos y a los que atacan a los homosexuales. Además, el arma puede simbolizar la epidemia del SIDA, ya que no está asociada exclusivamente a los hombres homosexuales. De hecho, Gregg Araki aporta esta idea cuando “hace uso de una forma específica de violencia incorpórea y retraída para disociar este acto de las connotaciones de contagio asociadas a los cuerpos queer a lo largo del discurso histórico popular”. [5] En una escena, la elección consciente de la cinematografía por parte de Araki y su enfoque en los hombres que reciben disparos del arma de Luke incluso funciona para "enfatizar que la fuente de violencia es externa al cuerpo de la persona con SIDA". [5] En resumen, Las representaciones de la violencia de The Living End buscan deconstruir las ideas preconcebidas de que el SIDA, su epidemia y el número de muertos están vinculados exclusivamente a los hombres homosexuales.
En el sitio web agregador de reseñas Rotten Tomatoes , el 75% de las reseñas de 12 críticos son positivas, con una calificación promedio de 6,8/10. [11] Metacritic , que utiliza un promedio ponderado , asignó a la película una puntuación de 65 sobre 100, basada en 15 críticas, lo que indica críticas "generalmente favorables". [12]
Janet Maslin de The New York Times consideró que The Living End es "una road movie sincera y libre" con "el poder de la honestidad y la originalidad, así como el peso de la frustración legítima. Milagrosamente, también tiene un espíritu alegre y travieso que trasciende cualquier atisbo de tristeza." Elogió a Araki por su sólida comprensión de la difícil situación de sus personajes principales y por no trivializarla ni inventar un final fácil. [13] Por el contrario, Rita Kempley para The Washington Post llamó a la película pretenciosa y a Araki un "poseur cinematográfico" en la línea de Jean-Luc Godard y Andy Warhol . The Living End , concluyó, "es mayormente molesto". [14] Peter Travers , de Rolling Stone, consideró The Living End un "grito salvajemente divertido, sexy y afligido" hecho más desgarrador por "el miedo cobarde de Hollywood a las películas sobre el SIDA". [15] The Star Observer elogió la película, calificándola de "un puñetazo cruel en el estómago que te deja incómodamente sin aliento e inolvidablemente conmovido". [dieciséis]
En una carta (fechada el 25 de septiembre de 1992) al dramaturgo Robert Patrick , el escritor y actor LGBT Quentin Crisp calificó la película de "espantosa". [17]
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