El desollamiento de Marsias es una pintura del artista italiano del Renacimiento tardío Tiziano , probablemente pintada entre 1570 y su muerte en 1576, cuando tenía ochenta años. Ahora se encuentra en el Palacio Arzobispal de Kroměříž , República Checa , y pertenece al Arzobispado de Olomouc (administrado por el Museo de Arte de Olomouc – Museo Arquidiocesano). Es una de las últimas obras de Tiziano y puede que esté inacabada, aunque hay una firma parcial en la piedra en primer plano. [1]
El cuadro muestra el asesinato desollado o desollado vivo de Marsias , un sátiro que desafió temerariamente al dios Apolo a un concurso musical. Es uno de los varios lienzos con temas mitológicos de Ovidio que Tiziano ejecutó en sus últimos años, principalmente la serie de poesías para el rey Felipe II de España , de la que esta pintura parece no haber formado parte.
El cuadro se encuentra desde 1673 en Kroměříž, Moravia , y fue bastante olvidado, ya que se encontraba fuera de lo común en lo que respecta a la pintura veneciana . [2] "No entró en la literatura crítica hasta 1909". [3] En la década de 1930 fue "ampliamente aceptado como un trabajo tardío importante" entre los estudiosos, [4] pero poco conocido por un público más amplio.
En su primera aparición moderna en el extranjero, "fue recibido con asombrada admiración" como la "atracción estrella" de una importante exposición en la Royal Academy de Londres en 1983, [5] Era nuevo para la mayoría de los espectadores y fue descrito por John Russell en el New York Times como "la imagen más sorprendente del programa". [6] Al comenzar un extenso análisis, Sir Lawrence Gowing escribió que "Todos estos meses – no es mucho decir – Londres ha estado medio bajo el hechizo de esta obra maestra, en la que el sentido trágico que se apoderó de la poesía de Tiziano cuando tenía setenta años alcanzó su extremo cruel y solemne, a todas horas y casi todos los días, hay un grupo de visitantes fascinados y bastante perplejos ante él... En la Academia todavía se pregunta, y en la radio los críticos bien intencionados debaten cómo es. Es posible que un tema terriblemente doloroso sea motivo de belleza o grandeza en el arte". [7]
La elección de una escena tan violenta tal vez se inspiró en la muerte de Marcantonio Bragadin , el comandante veneciano de Famagusta en Chipre que fue desollado por los otomanos cuando la ciudad cayó en agosto de 1571, provocando una enorme indignación en Venecia. [8] La composición de Tiziano se deriva sin duda de la de Giulio Romano de varias décadas antes (ver "Fuentes visuales" más abajo). [9]
Ambos artistas siguen el relato de las Metamorfosis de Ovidio (Libro 6, líneas 382–400), [10] que cubre la contienda muy rápidamente, pero describe la escena del desollado con relativa extensión, aunque con pocas indicaciones que ayudarían a visualizarla. [11] Marsias grita "¿Por qué me arrancas de mí mismo?". [12]
Marsias era un hábil intérprete de la clásica aulos o flauta doble, que en la época de Tiziano solían sustituirse en el arte por flautas de pan , [13] y su conjunto cuelga del árbol sobre su cabeza. Apolo tocaba su lira habitual , que aquí está representada por una moderna lira da braccio , antepasado del violín de hasta siete cuerdas. Esto lo interpreta una figura de identidad incierta, que algunos eruditos han dicho que es el propio Apolo, quizás apareciendo por segunda vez, ya que Apolo es claramente la figura que lleva una corona de laurel y está arrodillado y usando su cuchillo para desollar el pecho de Marsias. [14] También se ha sugerido que el músico es Orfeo , u Olimpo, un devoto alumno de Marsias, a quien Apolo más tarde convierte para tocar la lira, y Ovidio menciona. [15] A menudo se piensa que el mítico rey Midas , el anciano sentado a la derecha, es un autorretrato. [16] Su línea de mirada descendente hacia Marsias es paralela a la del músico mirando hacia el cielo al otro lado de la pintura.
Ovidio evita la pregunta de quiénes fueron los jueces del concurso. En la mayoría de los relatos griegos, las Tres Musas desempeñaron el papel, pero la historia pronto se confundió con otra, el "Juicio de Midas", que sucedió aquí. Este fue otro concurso musical, siempre con lira versus flauta de pan, pero con el propio Pan en la flauta. Por supuesto, Apolo ganó, pero en algunos relatos el rey Midas prefirió a Pan y recibió orejas de burro como castigo, mientras que Pan simplemente fue humillado. La figura sentada de la derecha lleva una diadema y es Midas, aunque sus orejas no parecen afectadas. [17] También se pintó en ocasiones el "Juicio de Midas". Ambas historias estaban ambientadas en Frigia , en la Turquía moderna , donde gobernaba Midas, que en el mundo antiguo tenía diversas asociaciones con la música. Los frigios no eran griegos hasta que fueron helenizados después de Alejandro Magno , pero vivían en el borde del mundo griego. El humano con el cuchillo lleva un gorro frigio .
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Apolo cuenta con la ayuda de una siniestra figura "escita" a la izquierda, que trabaja en la pierna de Marsias, y un sátiro con un cubo detrás de Midas, tal vez para recoger sangre o sostener la piel extirpada, que en algunas versiones de la historia Apolo tenía más tarde. clavado en un templo. Un niño pequeño, o un niño sátiro, [18] sujeta a un perro grande a la derecha, mientras un perro mucho más pequeño lame la sangre que ha caído al suelo. [19] Como era típico en la época de Tiziano, y especialmente en sus obras, el sátiro se muestra con las piernas y los pies de una cabra, y al invertirlos se enfatizan, además de darle la posición típica de los animales de tamaño mediano al ser sacrificados. o desollado antes del corte. [20] La mayor parte de su cuerpo todavía parece ileso, pero Apolo sostiene un gran trozo de piel desprendida en la mano que no sostiene su cuchillo.
Desde el punto de vista compositivo, la forma de "V" formada por las piernas de Marsyas se refleja en las "V" resaltadas de los brazos doblados de las cuatro figuras más cercanas a él, todas las cuales lo miran. De hecho, su ombligo está casi exactamente en el centro del lienzo como está ahora. [21] Los exámenes técnicos han determinado que dos de las principales diferencias con la composición de Giulio Romano son cambios realizados mucho después de que la pintura estuviera en marcha; Originalmente, el músico simplemente sostenía su instrumento, como en la composición de Giulio Romano, y el niño o pequeño sátiro y el perro grande no estaban presentes. [22] Una versión del tema con estas características, no de Tiziano ni de su taller, pero quizás más o menos contemporánea, se encuentra en una colección privada de Venecia. Puede estar basado en una versión diferente de Tiziano o en un estudio, y en estos aspectos se acerca más al dibujo de Giulio Romano (ilustrado a continuación). [23]
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Muchos escritores han intentado captar el significado de la pintura "famosa y salvaje", [24] que, a pesar de "la brutalidad del tratamiento", [25] ha sido considerada poderosamente convincente por muchos y descrita como "la pintura más discutida y venerada". y detestado de todas las pinturas de Tiziano". [26] Una sugerencia común ha sido que la pintura refleja ideas del neoplatonismo renacentista sobre la "liberación del espíritu del cuerpo", [27] o la adquisición de una visión o claridad superior. [28] Generalmente se considera que estas ideas están involucradas en otro famoso tratamiento del desollado: la piel desollada que lleva un rostro autorretrato de Miguel Ángel , sostenido por San Bartolomé como su atributo en El Juicio Final en la Capilla Sixtina . Uno de los poemas de Miguel Ángel utilizó la metáfora de una serpiente que se muda de su vieja piel para expresar su esperanza de una nueva vida después de su muerte. [29]
Con este espíritu, Dante comenzó su Paradiso con una oración dirigida a Apolo, a quien le pide: "Entra en mi pecho e infúndeme tu espíritu como lo hiciste con Marsias cuando lo arrancaste de la cubierta de sus miembros. [30] En algunos En otras representaciones renacentistas, las piernas peludas de Marsias parecen humanas cuando están desolladas, por lo que "es redimido de la animalidad que lo condenó a este terrible destino" .
La filósofa convertida en novelista Iris Murdoch quedó especialmente fascinada por la pintura, que describió en una entrevista como "la más grande del canon occidental". Se menciona en tres de sus novelas y, en ocasiones, los personajes lo comentan. En su retrato para la Galería Nacional de Retratos de Tom Phillips , una reproducción ocupa la mayor parte de la pared detrás de su cabeza. [32] Ella dijo que era "algo que ver con la vida humana y todas sus ambigüedades y todos sus horrores y terrores y miseria, y al mismo tiempo hay algo hermoso, la imagen es hermosa, y algo también que ver con la entrada de lo espiritual en la situación humana y la cercanía de los dioses..." [33]
La interpretación general de la historia de Marsias fue como una ilustración del desastre inevitable que siguió a la arrogancia en forma de desafío a un dios. La idea de que la contienda reforzaba la superioridad moral y artística general de la lira cortesana, o los instrumentos de cuerda modernos, sobre la rústica y frívola familia de viento estuvo presente en muchas discusiones antiguas, y tal vez conservó cierta relevancia en el siglo XVI. Gowing comenta: "Fue en nombre del orden y de las leyes de proporción armoniosa que suenan en la música de cuerdas que Apolo reclamó la victoria sobre el sonido caótico e impulsivo de las flautas". [34] Para Edgar Wind, la contienda determinó "los poderes relativos de la oscuridad dionisíaca y la claridad apolínea; y si la contienda terminó con el desollamiento de Marsias, fue porque el desollamiento era en sí mismo un rito dionisíaco, una trágica prueba de purificación mediante la cual la fealdad del hombre exterior fue desechado y la belleza de su yo interior se reveló". [35] Alternativamente, ha habido sugerencias de que la pintura tiene un significado político, ya sea general o específico, y representa el "castigo justo" de oponentes arrogantes. [36]
Las "tres edades del hombre" están todas representadas (si se permite contar a los sátiros); de hecho, a la derecha están alineadas en diagonal. El niño o el joven sátiro mira vagamente al espectador, los que están en su mejor momento se concentran en sus tareas con una variedad de expresiones, y Midas contempla la escena, aparentemente con melancólica resignación, pero sin hacer ningún otro intento de intervenir. [37]
Se desconoce si la pintura tenía un destinatario previsto; El principal cliente de Tiziano en sus últimos años fue el rey Felipe II de España , pero el cuadro no se menciona en la correspondencia conservada. [38] La pintura bien puede ser una de las que todavía se encontraban en el estudio de Tiziano cuando murió en 1576. [39] Hay varias de ellas, incluida, por ejemplo, La muerte de Acteón en la Galería Nacional de Londres (sin duda destinada a Felipe). , [40] y existe un debate general sobre si deben considerarse terminados o no. En este caso, la firma y las áreas de acabado detallado pueden sugerir que la pintura ya se había completado. [41]
No se sabe nada de su historia antes de que aparezca en un inventario de 1655 de la Colección Arundel, para entonces exiliado de la Guerra Civil Inglesa en Ámsterdam . Fue formada por Thomas Howard, vigésimo primer conde de Arundel (muerto en 1646) y su esposa Alethea Howard , y fue dispersada en su mayor parte por su hijo después de la muerte de Alethea en 1655. La colección se había formado principalmente en la década de 1620, cuando los Howard continuaron. una larga visita a Italia, y se presume que el cuadro fue comprado allí. [42]
El cuadro fue comprado por Franz Imstenraed en 1655. [43] Era sobrino de (Edvard, Everard o) Everhard Jabach , un banquero de Colonia que fue uno de los más grandes coleccionistas privados del siglo, y también actuó como agente de Cardenal Mazarino y Luis XIV de Francia . En la década de 1650, la magnífica colección del amigo de Arundel, Carlos I de Inglaterra, se estaba dispersando en Londres, y Jabach, actuando en nombre de Luis, era uno de los muchos compradores internacionales activos, con agentes sobre el terreno. [44]
En 1673 fue adquirido por Karl II von Liechtenstein-Kastelkorn , obispo de Olomouc , tras ser premio de una lotería . [45] También compró la mayor parte de la colección de los hermanos Bernhard y Franz Imstenraed, que permanece intacta en el castillo de Kroměříž , el antiguo palacio arzobispal, hoy Museo Nacional, en Kroměříž . [46]
Parece que la pintura fue cortada en la parte superior e inferior y ampliada en los lados, especialmente en el lado derecho, durante el siglo XVIII. [47] En los tiempos modernos, la pintura se ha exhibido en el extranjero en Londres en 1983 [48] y 2003, [49] en Washington en 1986, [50] y en París, Viena, Venecia, Roma, [51] y Nueva York. , más recientemente en "Unfinished: Thoughts Left Visible", una exposición de obras inacabadas, en Met Breuer en 2016. [52]
Marsias, como figura única, era un tema muy conocido en la escultura romana y helenística , con un tipo famoso que lo muestra atado y colgado con los brazos por encima de la cabeza. Esto probablemente se originó en la Pérgamo helenística , [54] y fue bien conocido por varios ejemplos del Renacimiento tardío, seguido, por ejemplo, por Rafael en una pequeña escena en el techo de la Stanza della Segnatura en el Vaticano. Pero ésta no es una influencia muy directa en la composición de Tiziano. [55]
Mucho más cercano es "un boceto incómodo para un fresco ahora dañado " de Giulio Romano en el Palazzo Te en Mantua (1524-34), [56] del cual también hay un dibujo en el Louvre ; esta es claramente la fuente principal de la composición. Tiene todas las mismas figuras y elementos, excepto el niño y los perros, en aproximadamente las mismas posiciones, incluido, aparentemente por primera vez en el arte, a Marsias que se muestra atado boca abajo. La figura de pie a la izquierda es un sirviente que sostiene una lira, en lugar del intérprete de lira da bracchio de Tiziano. [57] La figura sentada de Midas tiene orejas de burro y está más claramente angustiada, tapándose la cara con las manos, y Apolo, inclinado en lugar de sobre una rodilla, no corta, sino que se arranca la piel como si fuera una chaqueta. [58]
El Juicio de Midas de Andrea Schiavone en la Colección Real Británica (en 2017 exhibido en la Galería del Palacio de Kensington ), es unos veinte años antes, de c. 1548-1550, y es comparable a Tiziano, en atmósfera y algunos detalles de la composición. Tiziano "también debe haber recordado elementos de esta pintura: las actitudes pensativas y abstractas de Apolo y Midas, y la pincelada impresionista radicalmente libre utilizada para realzar el tono dramático de la historia". Apolo también toca una lira da bracchio, y Midas, todavía con oídos normales, mira directamente a Pan. [59]
Midas o "Midas/Tiziano adopta la tradicional pose melancólica", que Tiziano habría conocido por el supuesto retrato de Rafael de Miguel Ángel como Heráclito en La Escuela de Atenas , y la Melencolia I de Alberto Durero , sin mencionar el Schiavone. [60]
La técnica es característica del estilo tardío de Tiziano. Nicholas Penny comentó que hay "verdes intensos, azules y rojos ( tanto bermellón como carmesí )... después de 1560 Tiziano comenzó a aplicar estos colores en scumbles , a menudo con los dedos, de modo que sólo pertenecen a la mitad a alguna de las formas". y parecen flotar en la superficie de la pintura: evidentemente fue él quien los pintó en último lugar... todavía se pueden ver pasajes de la pintura preliminar humeante (en particular, el cuerpo fantasmal de Apolo), pero la sangre, las lenguas de los perros y las cintas de los árboles. son de color rojo brillante." [61]
Al describir un grupo de obras tardías que considera terminadas, incluida esta, [62] y contrastarlas con la Muerte de Acteón , que considera inacabada, Penny nota "el impacto de las áreas borrosas de la pintura (... distancias indescifrables, luz penetrante). follaje) se ve realzado por el contraste con formas que estaban más modeladas, aunque a menudo todavía pintadas de forma tosca, y, de hecho, con algunas que eran más detalladas (la diadema de Midas...)". [63] Hay fuertes reflejos blancos en las hojas de los cuchillos, el cubo y otros lugares, comparables a los de Tarquino y Lucrecia , que Tiziano entregó en 1571. [64]
Más allá de los medios puramente técnicos, muchos críticos han intentado articular evocaciones del lenguaje pictórico de Tiziano en esta y otras pinturas muy tardías. [65] Según Sydney Freedberg , "las superficies de los cuerpos crean una incanescencia plateada y la atmósfera, casi irrespirablemente densa, es como un fuego apagado... Hay una comedia irónica dentro de la crueldad, la fealdad y la extrañeza dentro de la belleza magistral, y el terror acompaña la sensación de lo sublime." [66] Para John Steer "no son los colores individuales los que hablan, sino una emanación total de toques rotos, que evocan un oro verdoso, que está salpicado, apropiadamente al tema, con rojos como manchas de sangre. Visión y expresión son aquí tan uno que no pueden, ni siquiera para los fines de la discusión, separarse... La intensa lucha de Tiziano por captar en la pintura, a través del tono y el color, las realidades físicas de la escena es una parte fundamental de su significado. " [67]
