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Brenda Zlamany es una artista estadounidense conocida por sus retratos que combinan la técnica de los viejos maestros con un enfoque conceptual posmoderno . [4] [5] [6] [7] Ganó atención a partir de la década de 1990, cuando críticos como Barry Schwabsky , Donald Kuspit y John Yau de Artforum la identificaron entre un pequeño grupo de pintores figurativos que revivían los legados olvidados del retrato y la técnica clásica al introducir temas de confrontación, perspicacia psicológica y crítica social. [8] [9] [10] [11] Sus primeros retratos de artistas masculinos conocidos, como Chuck Close y Leon Golub , invirtieron las dinámicas convencionales de género y poder entre artistas y retratados; [12] [13] [14] sus proyectos posteriores trastocan la naturaleza tradicionalmente "heroica" del retrato al presentar grupos subrepresentados y gente común. [15] [16]
Zlamany ha expuesto en instituciones como la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian , el Museo de Arte Contemporáneo de Taipei , el Museo Nacional de Gdansk y la Sociedad Histórica de Nueva York . [17] [18] [19] Su trabajo ha sido reconocido con una beca Fulbright , el premio de la Fundación Pollock-Krasner y encargos de la Universidad de Yale , el Banco Mundial y The New York Times Magazine , entre otros; [20] [7] [21] [22] pertenece a colecciones públicas como el Museo de Arte Neuberger y el Museo de Bellas Artes de Virginia . [23] Tiene su sede en Brooklyn , Nueva York. [24]
Brenda Zlamany nació en 1959 en la ciudad de Nueva York y se crió en Queens , Nueva York. [24] Después de que su familia se mudara a Connecticut, se postuló y fue aceptada en el Educational Center for the Arts , una escuela secundaria de artes en New Haven ; asistió de 1974 a 1977, viviendo sola en varios arreglos informales. [24] Durante ese tiempo, trabajó para un programa de la ciudad pintando murales, ilustró un libro infantil, [25] y fue invitada a asistir al Yale College Before College Program, donde estudió grabado, pintura y antropología. [26] [24] Después de la escuela secundaria, estudió en la Wesleyan University (BA, 1981), [24] la Tyler School of Art en Roma, el Atelier 17 de SW Hayter en París y la Skowhegan School of Painting and Sculpture . [2] [24] [1]
En 1984, Zlamany aprovechó una beca de la Fundación Jerome y se mudó a la ciudad de Nueva York, trabajando como maestra impresora con artistas como Julian Schnabel , Vija Celmins y Sol LeWitt , y haciendo grabados en el Bob Blackburn Printmaking Workshop. [27] Después de mudarse a Williamsburg, Brooklyn , comenzó a pintar y a llamar la atención con naturalezas muertas de animales. [28] Entre 1984 y 1994, participó en exposiciones individuales en Hallwalls y EM Donahue Gallery (Nueva York), Sabine Wachters Fine Arts (Bruselas) y Galerie Quintessens (Utrecht), [8] [27] [9] [29] [30] en exposiciones colectivas en White Columns , Art in General y Artists Space , y junto a artistas como Bruce Nauman y Andy Warhol , en exposiciones en Jack Tilton y Blum Helman. [31] [32] En los años siguientes, Zlamany ha tenido exposiciones individuales en las galerías Stux [33] y Jessica Fredericks [5] (Nueva York), el Centro de Bellas Artes (UMass) (2001) [34] y el Museo de Arte Contemporáneo de Taipei (2012), [18] y apareció en exposiciones colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver , la Galería Nacional de Retratos y varios museos europeos. [35] [19] [36] [17] Sigue viviendo en Williamsburg con su hija, Oona. [24]
Los críticos destacan el retrato de Zlamany por su inclinación conceptual, interrogaciones posmodernas de la mirada masculina, temas tradicionales, belleza y representación, y técnica de viejos maestros. [8] [11] [19] John Yau y otros conectan su trabajo, en sensibilidad si no en estilo, con modernistas figurativos como Alice Neel , Otto Dix e Ivan Albright , pintores contemporáneos como Vija Celmins, Chuck Close, Gregory Gillespie y Alex Katz que integran elementos de abstracción en el trabajo representativo, y artistas posmodernos como John Currin , Elizabeth Peyton y Lisa Yuskavage que han marcado el comienzo de formas nuevas, críticas y democráticas de retrato en las últimas décadas. [11] [10] [37] [38] [14] Al distinguirla de los artistas que se apropian o parodian la técnica clásica, Donald Kuspit colocó a Zlamany en medio de una tendencia que llamó "nuevo viejo magisterio" que buscaba "restaurar la belleza perdida por la innovación de vanguardia". [39] [19] Otros críticos, como Holland Cotter de The New York Times , han invocado a pintores como Rembrandt , Zurbarán y Chardin para describir el manejo del color, la superficie y la aplicación de la pintura por parte de Zlamany. [5] [4] [9] [32] [40]
Zlamany atrajo la atención por primera vez por sus pinturas meticulosamente representadas de cadáveres de animales (pájaros, peces globo, serpientes, tiburones, iguanas), aislados y flotando ambiguamente en campos abstractos oscuros y pictóricos (por ejemplo, Shark Head #2 , 1992). [31] [8] [32] Comenzó este trabajo a mediados de la década de 1980 como una forma de conectarse con la experiencia visceral y los elementos de la práctica artística (pintura, artesanía, belleza) que sentía que a las mujeres se les desalentaba de seguir. [28] Los críticos notaron su dominio de las técnicas académicas de esmaltado, el delicado sentido del color y la textura, y la aplicación de pintura que sugiere tanto la técnica de los viejos maestros como la del expresionismo abstracto ; [27] [4] [9] [41] en términos psicológicos, describieron las pinturas como "inquietantemente seductoras", [42] contemplaciones vagamente alegóricas, como íconos, de la vida, la muerte, el deseo y la espiritualidad. [43] [44] [45] [46] Janine Cirincione escribió que "se tambalean en el borde de la abstracción y la representación, la bravura de los viejos maestros y la teoría posmoderna, entre lo seductor y lo horripilante", con préstamos históricos del arte que desafiaban tanto los valores pictóricos tradicionales como las negaciones contemporáneas del trabajo representativo. [8] Barry Schwabsky también señaló la preferencia conceptual de la obra por investigar la materialidad y el ilusionismo y la fascinación "medio temida, medio deseada" del arte con la representación y la belleza sobre el realismo. [4] [28] En una serie posterior, Zlamany pintó serpientes vivas posadas que enfatizaban la decoración lineal, el patrón y la sexualidad masculina al tiempo que subvertían las asociaciones culturales tradicionales de las serpientes con lo femenino. [13] [44] [11]
En 1992, Zlamany pintó su primer retrato humano y lo exhibió junto a naturalezas muertas de animales, interesada en cómo sería recibido el género pasado de moda. [4] La respuesta positiva inspiró su muestra de 1994, "Doce hombres y doce pájaros", una pareja inexpresiva de pájaros muertos y retratos de artistas (incluidos Chuck Close, Glenn Ligon , Gary Stephan ). [12] [ 47] [13] Los escritores los describieron como semejanzas concisas, melancólicas y brillantes que emergían de fondos negros aterciopelados y reflectantes y enfatizaban la composición, la superficie y el volumen en lugar de la personalidad o la reproducción fotográfica. [43] [48] [49] [50] [51] Su muestra de 1995 en Sabine Wachters presentó retratos de otros artistas de la galería, generalmente artistas conceptuales masculinos, calvos y de mediana edad, que Guy Gilsoul llamó "mezclas de atracción y repulsión, fascinación y aversión" meticulosamente pintadas e inaccesibles. [47] En términos conceptuales, críticos como Robert C. Morgan consideraron esta obra una deconstrucción provocadora que indujo a "ejemplares de la virilidad del mundo del arte" [13] a un papel pasivo para vislumbrar la realidad masculina y la dinámica sexual y de poder, revirtiendo siglos de cosificación de los sujetos femeninos. [12] [52] John Yau los describió como poseedores de un "erotismo perturbador" sellado en un espacio anónimo oscuro y esmaltes embalsamadores que disolvieron el poder de los sujetos. [11]
A finales de los años 1990 y 2000, Zlamany continuó pintando retratos de artistas masculinos y otras figuras públicas, [53] [17] [14] mientras ampliaba su práctica para incluir una gama más amplia de temas figurativos [33] [7] [37] y una serie de paisajes del sudeste asiático. [41] [54] Sus obras de "Estudios de color" de múltiples paneles configuraban paneles monocromáticos y retratos (de Chuck Close, Evander Holyfield y John Yau) mezclaban figuración y abstracción, jugando con la teoría modernista del color, los rectángulos (por ejemplo, el ring de boxeo), el espacio negativo y el uso de la repetición y la cuadrícula de Close. [55] [34] [54] Enfatizaron la naturaleza minimalista del trabajo de Zlamany, que durante mucho tiempo había evitado los elementos arquitectónicos y paisajísticos y las señales iconográficas en favor de la composición, la proporción, el color de fondo y la forma de representación como medios para transmitir contenido narrativo o psicológico. [34] [54] [37] Durante este tiempo, Zlamany también produjo retratos de los artistas Leonardo Drew , David Humphrey , David Hockney y Alex Katz, entre otros; los dos últimos fueron selecciones del concurso de la National Portrait Gallery. [17] [53] [14]
En 1998, Zlamany pintó retratos de su hermana embarazada y dos series de autorretratos, uno desnudo y otro en poses de perfil que recordaban obras de della Francesca ; su muestra de 2007 "Facing Family" presentó retratos de sus padres y su hija. [56] [33] [7] Críticos como Donald Kuspit continuaron notando su confrontación con las convenciones representacionales y la técnica y los dispositivos de los Viejos Maestros en estas obras y en el posterior Autorretrato con Oona amamantando (2003-4), una representación contemporánea austera del motivo de la Virgen y el Niño. [19] [33] [40] También notaron su habilidad en estas obras para crear narrativa, contexto y presencia interior. [7] [19]
El proyecto internacional plurianual de Zlamany, "The Itinerant Portraitist" (2011– ), explora el retrato centrado en temas no tradicionales: comunidades indígenas en Taipei, niñas huérfanas de los Emiratos, taxistas en Cuba y residentes de hogares de ancianos en el Bronx. [15] [57] [16] La serie comenzó con un proyecto financiado por la beca Fulbright en el que pintó 888 retratos en acuarela a partir de la observación directa de personas en la remota Taiwán, acompañada por su hija, Oona, que habla mandarín con fluidez; [18] [15] se realizó en la instalación multimedia, "888: Portraits in Taiwan" (exhibida en Taipei y Nueva York, 2012). [18]
En capítulos posteriores del proyecto, Zlamany comenzó a señalar las implicaciones sociales y políticas de hábitats específicos. [58] En 2017 pintó a 100 residentes ancianos del Hebrew Home en el Bronx usando una cámara lúcida ; ese trabajo se exhibió en el Museo Derfner Judaica y se documentó en el video colaborativo, 100/100 (2019, con el compositor Aaron Jay Kernis ), que se proyectó en varios festivales de cine y ganó el premio al Mejor Cortometraje Documental en el Festival de Cine de Greenpoint. [16] [2] [59] Continuó el proyecto en 2018 con sus retratos "Clima en Estados Unidos" de residentes de la región vinícola de Key West y Sonoma y diversos habitantes de Alaska durante una residencia en el Parque Nacional Denali . [60] [58] En 2020-21, durante la pandemia de COVID-19 , pintó a personas con mascarillas en el norte del estado de Nueva York. [58]
Zlamany ha recibido encargos de retratos de individuos, publicaciones e instituciones como el Banco Mundial y la Universidad de Yale, entre otros. [7] [38] Realizó retratos de Osama bin Laden (portada), [61] Slobodan Milosevic y Mirjana Marković, [62] Marian Anderson, [63] y Jeffrey Dahmer para números especiales de The New York Times Magazine . [64]
Ganó un concurso nacional para su primer encargo en Yale, Yale's First Women Ph.Ds., 1894 (2015), que conmemora a las primeras siete mujeres en obtener títulos de doctorado en la universidad. [20] [26] La pintura implicó una extensa investigación sobre las mujeres y el vestuario, peinados y objetos de finales del siglo XIX; su composición se desarrolló mediante el uso de recortes de papel de las mujeres en varias poses y relaciones. [26] [20] [24] The Davenport Dining Room Scene (2018) es un retrato grupal en dos lienzos de un decano universitario saliente entre una mezcla de ocho profesores, estudiantes y empleados universitarios de la universidad con los que había formado amistades durante varias décadas en la escuela. [24] Posteriormente, Yale encargó a Zlamany que pintara el retrato de Elga Ruth Wasserman , quien lideró el esfuerzo en 1969 para incluir la primera cohorte de mujeres universitarias y facilitar la coeducación; La colorida pintura la representa sentada a una mesa, con una variedad de libros escritos por mujeres y sobre mujeres esparcidos frente a ella. [65] [66]
En 2022, la Universidad Rockefeller presentó el retrato grupal encargado a Zlamany, Five Trailblazing Women Scientists at The Rockefeller University (2021), que creó después de una investigación en el campus sobre las científicas y su ropa, instrumentos y muebles. [67] Zlamany fue una de los tres artistas seleccionados en 2023 para pintar retratos de destacados abolicionistas negros del siglo XIX (en su caso, William y Martha Brown) para la galería Great Hall de Mechanics Hall en Worcester, Massachusetts. [68] [69]
Zlamany ha sido reconocido con una beca Fulbright (2011), premios de la Fundación Pollock-Krasner (2006), la Fundación Peter S. Reed (2018) y la Fundación de Nueva York para las Artes (1994), y residencias de artistas en el Parque Nacional Denali, ADAH Abu Dhabi, Ucross Foundation , Yaddo , MacDowell Colony , Millay Colony for the Arts y Triangle Arts Trust , entre otros. [21] [22] [70] [71] [72] [73] [74]
Su obra pertenece a las colecciones de arte público del Museo de Arte de Cincinnati , el Deutsche Bank , el Museo de Arte Neuberger, el Museo Kaneko , la Universidad Rockefeller, el Museo de Bellas Artes de Virginia, el Banco Mundial y la Universidad de Yale. [75] [67] [23] [59] [26]