Atom Heart Mother es el quinto álbum de estudio de la banda de rock inglesa Pink Floyd . Fue lanzado por Harvest el 2 de octubre de 1970 en el Reino Unido y el 10 de octubre de 1970 en los Estados Unidos. [3] Fue grabado en los estudios EMI (ahora Abbey Road Studios ) en Londres, y fue el primer álbum de la banda en alcanzar el número 1 en el Reino Unido, mientras que alcanzó el número 55 en los EE. UU., donde finalmente se convirtió en disco de oro . [4]
La portada fue diseñada por Hipgnosis y fue la primera de la banda en no incluir su nombre ni fotografías de ellos en ninguna parte. Esta fue una tendencia que continuaría en las portadas posteriores a lo largo de la década de 1970. La portada muestra una vaca Holstein en un paisaje de pradera.
Aunque fue un éxito comercial en el momento de su lanzamiento, la banda (en particular Roger Waters y David Gilmour ) ha expresado opiniones negativas sobre el álbum. Se lanzó un CD remasterizado en 1994 en el Reino Unido y los EE. UU., y nuevamente en 2011. Ron Geesin , que había influenciado y colaborado con Waters, co-compuso la canción principal.
Pink Floyd comenzó a trabajar en el álbum después de completar sus contribuciones a la banda sonora de la película Zabriskie Point en Roma, que había terminado de forma un tanto amarga. Volvieron a Londres a principios de 1970 para ensayar. Se utilizaron varias tomas descartadas de las sesiones de Roma para ensamblar material nuevo durante estos ensayos, aunque parte de él, como "The Violent Sequence", que más tarde se convertiría en " Us and Them ", no se usaría durante algún tiempo. [5]
La canción principal de Atom Heart Mother surgió de una serie de figuras instrumentales que la banda había compuesto durante estos ensayos, incluida la progresión de acordes del tema principal, que el guitarrista David Gilmour había llamado "Theme from an Imaginary Western", [6] [7] y la primera interpretación en vivo documentada fue el 17 de enero de 1970 [7] en la Universidad de Hull . [8] La banda sintió que las presentaciones en vivo desarrollaron la pieza en una forma manejable. [5] La grabación de la pista comenzó en EMI Studios (ahora Abbey Road Studios ) en Londres, y fue algo engorrosa, ya que fue la primera grabación en usar una nueva cinta de una pulgada de ocho pistas y una consola de mezcla transistorizada EMI TG12345 (8 pistas, 24 entradas de micrófono) en el estudio. Como resultado, EMI insistió en que a la banda no se le permitiera hacer ningún empalme de la cinta para editar piezas juntas. [ Se necesita más explicación ] En consecuencia, los miembros de la banda Roger Waters y Nick Mason no tuvieron más opción que tocar el bajo y la batería, respectivamente, durante toda la pieza de 23 minutos de una sola vez. Los otros instrumentos que tocó la banda fueron sobregrabados más tarde. Mason recordó que la falta de precisión en el tiempo de la pista de acompañamiento final causaría problemas más adelante. [5] Geesin negó el relato de Mason y dijo que las cintas que le dieron para arreglar la banda sonora eran un collage de secciones cortas. [9]
En marzo, habían terminado de grabar la canción, [10] pero sintieron que estaba bastante desenfocada y necesitaba algo más. La banda había sido presentada a Ron Geesin a través del manager de gira de los Rolling Stones , Sam Cutler , y quedaron impresionados con sus capacidades de composición y edición de cintas, particularmente Waters y Mason. [5] Geesin recibió las pistas de acompañamiento completas que la banda había grabado y le pidió que compusiera un arreglo orquestal sobre ellas mientras la banda se iba de gira a los EE. UU. [5] Geesin describió la composición y los arreglos como "un montón de trabajo. Nadie sabía lo que se quería, no podían leer música ..." [10] Según él, Gilmour ideó algunas de las líneas melódicas, mientras que los dos junto con el tecladista Richard Wright trabajaron en la sección central con el coro. [7] [11] Durante la grabación de su obra en junio con la EMI Pops Orchestra, [12] los músicos de sesión presentes no se impresionaron con su tendencia a favorecer la música de vanguardia sobre las obras clásicas establecidas y, combinado con la relativa dificultad de algunas de las partes, lo acosaron durante la grabación. John Alldis , cuyo coro también actuaría en la pista, tenía experiencia en el trato con músicos de orquesta y logró dirigir la interpretación grabada en lugar de Geesin. [5] [13]
La canción se llamó originalmente "The Amazing Pudding", aunque la banda sonora original de Geesin se refería a ella como "Untitled Epic". [7] [14] Una versión refinada y mejorada (con las partes escritas por Geesin) se tocó en el Bath Festival of Blues and Progressive Music el 27 de junio. [13] [15] Su nombre se cambió después de que la banda debía tocar en una transmisión "en concierto" para BBC Radio 1 el 16 de julio de 1970, y necesitaba un título para que John Peel lo anunciara. [a] [13] [16] Geesin señaló una copia del Evening Standard y sugirió a Waters que encontraría un título allí. El titular de un artículo, en la página 9, era: " NOMBRAMIENTO DE LA MADRE DEL CORAZÓN DEL ÁTOMO " , una historia sobre una mujer a la que se le colocó un marcapasos alimentado con plutonio-238 . [17] [18] [19]
La pieza tal como se presenta en el álbum completo es una progresión de las piezas instrumentales anteriores de Pink Floyd, como " A Saucerful of Secrets " e incluso antes, " Interstellar Overdrive ". La suite "Atom Heart Mother" ocupa todo el lado uno y está dividida en seis partes, nombradas individualmente. Geesin eligió el nombre de la sección de apertura, "Father's Shout" en honor a Earl "Fatha" Hines , mientras que otros nombres como "Breast Milky" y "Funky Dung" se inspiraron en la portada del álbum. [12] Los arreglos orquestales cuentan con una sección de metales completa, [11] un violonchelo [20] y el coro de 16 piezas de John Alldis, [21] [22] que toman la mayoría de las líneas melódicas principales, mientras que Pink Floyd proporciona principalmente las pistas de acompañamiento; [11] un reverso de la práctica de la música pop de los años 60 de usar la orquestación como fondo y poner a la banda de rock al frente. [23]
El concepto del álbum es similar al de su anterior álbum Ummagumma , en el sentido de que presenta a la banda completa en la primera mitad y se centra en los miembros individuales en la segunda mitad. [23] [25] El lado dos abre con tres canciones de cinco minutos: una de cada uno de los tres compositores residentes de la banda; luego cierra con una suite musical dominada por efectos de sonido concebida principalmente por Mason y acreditada a todo el grupo. [23] [26] Waters contribuye con una balada folk llamada " If ", tocando la guitarra acústica. [23] [27] Pink Floyd rara vez tocó la canción en vivo, pero Waters a menudo la interpretó en shows en solitario [27] en apoyo de su álbum Radio KAOS , más de una década después. A esto le sigue " Summer '68 " de Wright, que también presenta un uso destacado de metales en algunos lugares. Fue publicado como sencillo japonés en 1971, [28] y fue la única pista del álbum que nunca se tocó en vivo en un concierto. Se informó que la canción trataba sobre Wright y una groupie en gira, y tenía el título provisional de "One Night Stand". [29]
Según Mason, Gilmour, que en ese momento tenía poca experiencia como compositor, recibió la orden de permanecer en EMI hasta que compusiera una canción adecuada para incluirla en el álbum. Se le ocurrió una melodía con influencia folk, " Fat Old Sun ", [23] que todavía cita como una de sus favoritas. [5] La canción fue una parte habitual del repertorio en vivo de la banda en 1970-71, y se convirtió en un elemento básico del set en solitario de Gilmour en 2006. [30]
La última pista, " Alan's Psychedelic Breakfast ", está dividida en tres segmentos, cada uno con su propio título descriptivo, unidos por diálogos y efectos de sonido del entonces roadie Alan Styles preparando, discutiendo y desayunando. [31] La idea de la pieza surgió cuando Waters experimentó con el ritmo de un grifo que gotea, [32] que combinaba efectos de sonido y diálogos grabados por Mason en su cocina [32] con piezas musicales grabadas en EMI. [33] Una versión ligeramente reelaborada se presentó en el escenario el 22 de diciembre de 1970 en Sheffield City Hall , Sheffield, Inglaterra, con los miembros de la banda haciendo una pausa entre las piezas para comer y beber su desayuno. El LP original termina con el sonido del grifo que continúa en el surco interior y, por lo tanto, se reproduce indefinidamente. [15] [34]
El líder original de Floyd, Syd Barrett, grabó su álbum Barrett casi al mismo tiempo que Atom Heart Mother , con la ayuda de Gilmour y Wright. Ocasionalmente visitaba las sesiones de su antigua banda para ver qué estaban haciendo. [20]
La portada original del álbum, diseñada por el colectivo artístico Hipgnosis , muestra una vaca Holstein-Friesian parada en un pasto sin texto ni ninguna otra pista sobre lo que podría haber en el disco. [32] [35] Algunas ediciones posteriores tienen el título y el nombre del artista agregados a la portada. Este concepto fue la reacción del grupo a las imágenes psicodélicas del rock espacial asociadas con Pink Floyd en el momento del lanzamiento del álbum; la banda quería explorar todo tipo de música sin limitarse a una imagen o estilo de interpretación en particular. Por lo tanto, solicitaron que su nuevo álbum tuviera "algo simple" en la portada, que terminó siendo la imagen de una vaca. [32] [35] Storm Thorgerson , inspirado por el famoso " papel tapiz de vaca " de Andy Warhol , ha dicho que simplemente condujo hasta una zona rural cerca de Potters Bar y fotografió la primera vaca que vio. [32] [35] El dueño de la vaca identificó su nombre como "Lulubelle III". [32] [35] [36] Aparecen más vacas en la contraportada, nuevamente sin texto ni títulos, y en el interior del álbum desplegable . Además, un globo rosa con forma de ubre de vaca acompañó al álbum como parte de la campaña de estrategia de marketing de Capitol para "dar a conocer" a la banda en los EE. UU. [32] [35] [37] Al mirar en retrospectiva la obra de arte, Thorgerson recordó: "Creo que la vaca representa, en términos de Pink Floyd, parte de su humor, que creo que a menudo se subestima o simplemente no se escribe sobre ello". [38]
A mediados de la década de 1980, apareció un bootleg que contenía sencillos raros y caras B titulado The Dark Side of the Moo , con una portada similar. Al igual que Atom Heart Mother , la portada no tenía ninguna escritura, aunque en este caso era para proteger el anonimato del bootlegger en lugar de cualquier declaración artística. [39] La portada del álbum conceptual de KLF Chill Out también se inspiró en Atom Heart Mother . [40]
Atom Heart Mother fue lanzado el 2 de octubre de 1970 en el Reino Unido y el 10 de octubre en los EE. UU. [49] Alcanzó el número 1 [50] y el número 55, [51] respectivamente en las listas de esos países. Fue lanzado en formato cuadrafónico en el Reino Unido, [32] Alemania [b] y Australia. [c] Un CD remasterizado fue lanzado en 1994 en el Reino Unido y los EE. UU. Mobile Fidelity Sound Lab lanzó un CD de oro de 24 KT en los EE. UU. en 1994, mientras que una versión LP fue lanzada en los EE. UU. en el mismo año. Una edición remasterizada fue lanzada en 2011. [52] Fue reeditado nuevamente en 2016 en el sello Pink Floyd Records de la banda. [53]
La reacción crítica a la suite siempre ha sido mixta, y todos los miembros de la banda han expresado negatividad hacia ella. [18] Gilmour ha dicho que el álbum era "un montón de basura. Estábamos en un punto realmente bajo... Creo que estábamos raspando el barril un poco en ese período" [54] y "una buena idea pero fue terrible... Atom Heart Mother suena como si no tuviéramos ninguna idea entre nosotros, pero nos volvimos mucho más prolíficos después de eso". [55] De manera similar, en una entrevista de 1984 en BBC Radio 1 , Waters dijo "Si alguien me dijera ahora -aquí tienes un millón de libras, sal y toca Atom Heart Mother- , diría que debes estar bromeando". [12]
En una reseña de 1970, Alec Dubro de Rolling Stone evaluó negativamente a Atom Heart Mother , afirmando que "si Pink Floyd está buscando nuevas dimensiones, no las han encontrado aquí". [56] En Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981), Robert Christgau dijo que la suite era más fácil de digerir que la segunda cara de las canciones: "Sí, dejan el canto a un coro semiclásico anónimo, y sí, probablemente consiguieron los cuernos para las fanfarrias en la misma sala de contratación. Pero al menos la suite proporciona algunas de las melodías hipnóticas que hicieron de Ummagumma un disco tan admirable para quedarse dormido". [42] El álbum está clasificado en el número 990 en All-Time Top 1000 Albums . [57]
La banda inicialmente se mostró entusiasmada con la idea de interpretar la suite. Se grabó una presentación temprana para la estación de televisión de San Francisco KQED , en la que aparecía solo la banda, el 28 de abril de 1970. [58] Dos presentaciones importantes fueron en el Bath Festival of Blues and Progressive Music el 27 de junio y en la "Blackhills Garden Party" en Hyde Park , Londres, el 18 de julio. En ambas ocasiones, la banda estuvo acompañada por el John Alldis Choir y el Philip Jones Brass Ensemble . [59] Más tarde, la banda llevó una sección completa de metales y un coro de gira solo con el propósito de interpretar esta pieza. [15] Sin embargo, esto provocó que la gira perdiera dinero y la banda tuvo problemas con los músicos contratados, que cambiaban de concierto en concierto, ya que simplemente tomaban a quien estaba disponible, lo que, combinado con la falta de ensayo y los problemas para microfonear a todo el conjunto, hizo que una presentación en vivo completa fuera más problemática. Reflexionando sobre esto, Gilmour dijo que "algunos de los músicos de metales han sido realmente inútiles". [33] Según Mason, la banda llegó a un concierto en Aachen , Alemania, solo para descubrir que habían olvidado la partitura, lo que obligó al manager de la gira Tony Howard a regresar a Londres y buscarla. [5]
Un arreglo posterior sin metales ni coro, y reducido de 25 minutos a quince al omitir las secciones de "collage" y la repetición final del tema principal, permaneció en su repertorio en vivo hasta 1972. La primera presentación en vivo de la suite The Dark Side of the Moon en Brighton fue abandonada a mitad de camino; después de un descanso, la banda tocó Atom Heart Mother en su lugar. [60] La última presentación en vivo de la suite por parte de Pink Floyd tuvo lugar el 22 de mayo de 1972 en el Olympisch Stadion, Ámsterdam , Países Bajos. [61]
Stanley Kubrick quería utilizar la canción que da título al álbum en La naranja mecánica . [32] El grupo le negó el permiso, principalmente porque Kubrick no estaba seguro de qué piezas musicales quería exactamente ni qué deseaba hacer con ellas. En retrospectiva, Waters dijo que "tal vez fue mejor que no se usara después de todo". [33] Sin embargo, el álbum es visible detrás del mostrador en la escena de la tienda de discos de la película. [62]
El 14 y 15 de junio de 2008, Geesin interpretó "Atom Heart Mother" con la banda tributo italiana Mun Floyd durante dos noches como parte del Festival de Chelsea. [63] Geesin la presentó con una presentación de diapositivas y una historia. Las interpretaciones contaron con la participación del coro de cámara Canticum, [64] metales y la violonchelista Caroline Dale, que ha trabajado con Gilmour. La segunda noche, Gilmour se unió a Geesin en el escenario para la actuación, que se extendió a 30 minutos. [65]
En 2013, Geesin produjo un libro, The Flaming Cow , que documentó su experiencia trabajando con Pink Floyd, incluida la realización de este álbum desde su punto de vista. [66]
Tomado de las notas de la funda. [67] Los números de pista indicados entre paréntesis a continuación se basan en la numeración de pistas del CD.
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