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Anselm Kiefer (nacido el 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor alemán. Estudió con Peter Dreher y Horst Antes a finales de la década de 1960. Sus obras incorporan materiales como paja , ceniza, arcilla , plomo y goma laca . Los poemas de Paul Celan han desempeñado un papel en el desarrollo de los temas de Kiefer sobre la historia alemana y los horrores del Holocausto , al igual que los conceptos espirituales de la Cábala .
En toda su obra, Kiefer se enfrenta al pasado y aborda temas tabú y controvertidos de la historia reciente. Los temas del régimen nazi se reflejan especialmente en su obra; por ejemplo, el cuadro Margarete (óleo y paja sobre lienzo) se inspiró en el conocido poema de Celan " Todesfuge " ("Fuga de la muerte").
Sus obras se caracterizan por una voluntad inquebrantable de enfrentarse al oscuro pasado de su cultura y a su potencial no realizado, en obras que a menudo se realizan a gran escala y de confrontación, muy adecuadas para los temas. También es característico de su trabajo encontrar firmas y nombres de personas de importancia histórica, figuras legendarias o lugares históricos. Todos ellos son sigilos codificados a través de los cuales Kiefer busca procesar el pasado; esto ha dado lugar a que su obra se vincule con los movimientos Nuevo Simbolismo y Neoexpresionismo . [4]
Kiefer vive y trabaja en Francia desde 1992. Desde 2008, vive y trabaja principalmente en París. [5] En 2018, recibió la ciudadanía austriaca. [6]
Hijo de un profesor de arte alemán, [7] Kiefer nació en Donaueschingen unos meses antes del final de la Segunda Guerra Mundial . Su ciudad había sido fuertemente bombardeada, por lo que Kiefer creció rodeado por la devastación de la guerra. En 1951, su familia se mudó a Ottersdorf y asistió a la escuela pública en Rastatt , graduándose de la escuela secundaria en 1965. Estudió en la Universidad de Friburgo , donde estudió derecho y lenguas romances . Sin embargo, después de tres semestres se pasó al arte, estudiando en academias de arte en Friburgo y Karlsruhe . En Karlsruhe, estudió con Peter Dreher , un pintor realista y figurativo. [8] Recibió un título en arte en 1969. [4]
En 1971 Kiefer se trasladó a Hornbach ( Walldürn ) y estableció un estudio. Permaneció en el distrito de Neckar-Odenwald hasta 1992; su producción durante este primer período creativo se conoce como Los años alemanes . En 1992 se trasladó a Francia. [9]
Kiefer dejó a su primera esposa e hijos en Alemania cuando se mudó a Barjac en 1992. Desde 2008 vivió en París, en una casa grande en el distrito de Marais , con su segunda esposa, la fotógrafa austríaca Renate Graf, y sus dos hijos. [10] Kiefer y Graf se divorciaron en 2014. [11]
En 2017, Kiefer fue clasificado como una de las 1.001 personas y familias más ricas de Alemania por la publicación económica mensual Manager Magazin . [12]
Kiefer es el protagonista del documental en 3D Anselm (2023), dirigido por Wim Wenders . [13]
En general, Kiefer considera la mitología tradicional, los libros y las bibliotecas como sus principales temas y fuentes de inspiración. En su mediana edad, su inspiración provino de figuras literarias, en concreto Paul Celan e Ingeborg Bachmann . Sus obras posteriores incorporan temas de las culturas judeocristiana , egipcia antigua y oriental, que combina con otros motivos. La cosmogonía también es un gran foco de atención en sus obras. En conjunto, Kiefer busca el sentido de la existencia y la "representación de lo incomprensible y lo no figurativo".
Kiefer valora una “conexión espiritual” con los materiales con los que trabaja, “extrayendo el espíritu que ya vive dentro de [ellos]”. [14] Para ello, transforma sus materiales con baños de ácido y golpes físicos con palos y hachas, entre otros procesos. [15]
Kiefer suele elegir los materiales por sus propiedades alquímicas, en particular el plomo. La atracción inicial de Kiefer por el plomo surgió cuando tuvo que reparar las viejas tuberías de la primera casa que tuvo. Con el tiempo, llegó a admirar sus cualidades físicas y sensoriales y comenzó a descubrir más sobre su conexión con la alquimia . [14] Físicamente, a Kiefer le gusta especialmente cómo se ve el metal durante el proceso de calentamiento y fusión cuando ve muchos colores, especialmente el oro, que asocia con el oro simbólico buscado por los alquimistas. [16]
El uso que hace Kiefer de la paja en sus obras representa la energía. Según él, esto se debe a las cualidades físicas de la paja, entre ellas el color dorado y la liberación de energía y calor que produce al quemarse. La ceniza resultante da paso a una nueva creación, lo que evoca los motivos de la transformación y el ciclo de la vida. [16]
Kiefer también valora el equilibrio entre el orden y el caos en su obra, afirmando que “si hay demasiado orden, [la pieza] está muerta; o si hay mucho caos, no tiene coherencia”. Además, se preocupa profundamente por el espacio en el que residen sus obras. Afirma que sus obras “pierden su poder por completo” si se colocan en los espacios equivocados. [14]
Kiefer comenzó su carrera creando performances y documentándolas en fotografías tituladas Ocupaciones y Heroische Sinnbilder (Símbolos heroicos) . Vestido con el uniforme de la Wehrmacht de su padre, Kiefer imitó el saludo nazi en varios lugares de Francia, Suiza e Italia. Pidió a los alemanes que recordaran y reconocieran la pérdida de su cultura a través de la xenofobia loca del Tercer Reich . En 1969, en la Galerie am Kaiserplatz, Karlsruhe , presentó su primera exposición individual "Besetzungen (Ocupaciones)" con una serie de fotografías de acciones políticas controvertidas. [17]
Kiefer es más conocido por sus pinturas, que han ido creciendo en escala con la incorporación de plomo, vidrio roto y flores o plantas secas, lo que da como resultado superficies incrustadas y gruesas capas de empasto . [18]
En 1970, mientras estudiaba informalmente con Joseph Beuys en la Kunstakademie Düsseldorf , [19] sus inclinaciones estilísticas se parecían al enfoque de Georg Baselitz . Trabajaba con vidrio, paja, madera y partes de plantas. El uso de estos materiales significaba que sus obras de arte se volvían temporales y frágiles, como el propio Kiefer era muy consciente; también quería mostrar los materiales de tal manera que no estuvieran disfrazados y pudieran representarse en su forma natural. La fragilidad de su trabajo contrasta con la austeridad temática de sus pinturas. Este uso de materiales familiares para expresar ideas fue influenciado por Beuys, quien utilizó grasa y fieltro de alfombra en sus obras. También es típico del estilo neoexpresionista . [20]
Kiefer regresó a su lugar de nacimiento en 1971. En los años siguientes, incorporó la mitología alemana en particular a su obra, y en la década siguiente estudió la Cábala , así como a cabalistas como Robert Fludd. [21] Realizó largos viajes por Europa, Estados Unidos y Oriente Medio; los dos últimos viajes influyeron aún más en su obra. Además de pinturas, Kiefer creó esculturas, acuarelas, fotografías y xilografías, utilizando en particular las xilografías para crear un repertorio de figuras que pudiera reutilizar repetidamente en todos los medios durante las décadas siguientes, lo que le dio a su obra su intrincada coherencia temática. [21]
A lo largo de la década de 1970 y principios de la de 1980, Kiefer realizó numerosas pinturas, acuarelas, xilografías y libros sobre temas interpretados por Richard Wagner en su ciclo de cuatro óperas Der Ring des Nibelungen (El anillo del Nibelungo). [22]
A principios de la década de 1980, creó más de treinta pinturas, fotografías pintadas y acuarelas que hacen referencia en sus títulos e inscripciones al poema "Todesfuge" ("Fuga de la muerte") del escritor judío rumano Paul Celan . [23]
Una serie de pinturas que Kiefer ejecutó entre 1980 y 1983 representan imponentes edificios de piedra, en referencia a ejemplos famosos de la arquitectura nacionalsocialista, en particular los edificios diseñados por Albert Speer y Wilhelm Kreis . La gran plaza en Al pintor desconocido (1983) se refiere específicamente al patio exterior de la Cancillería de Hitler en Berlín, diseñado por Speer en 1938 en honor al Soldado Desconocido. [24] En 1984-85, realizó una serie de obras sobre papel que incorporaban fotografías manipuladas en blanco y negro de paisajes desolados con postes de servicios públicos y líneas eléctricas. Tales obras, como Nube pesada (1985), fueron una respuesta indirecta a la controversia en Alemania Occidental a principios de la década de 1980 sobre el estacionamiento de misiles nucleares tácticos de la OTAN en suelo alemán y la ubicación de instalaciones de procesamiento de combustible nuclear. [25]
A mediados de la década de 1980, los temas de Kiefer se ampliaron desde un enfoque en el papel de Alemania en la civilización hasta el destino del arte y la cultura en general. Su trabajo se volvió más escultórico e involucró no solo la identidad nacional y la memoria colectiva, sino también el simbolismo oculto , la teología y el misticismo . El tema de toda la obra es el trauma experimentado por sociedades enteras y el renacimiento y la renovación continuos en la vida. Durante la década de 1980, sus pinturas se volvieron más físicas y presentaron texturas y materiales inusuales. [26] La gama de sus temas se amplió para incluir referencias a la historia antigua hebrea y egipcia, como en la gran pintura Osiris e Isis (1985-87). Sus pinturas de la década de 1990, en particular, exploran los mitos universales de la existencia y el significado en lugar de los de la identidad nacional. [27] De 1995 a 2001, produjo un ciclo de grandes pinturas del cosmos. [28]
A lo largo de los años, Kiefer ha realizado muchas obras inusuales, pero una obra se destaca entre el resto como particularmente extraña: su pieza 20 Years of Solitude. Tardó más de 20 años en crearse (1971-1991), 20 Years of Solitude es una pila hasta el techo de cientos de libros pintados de blanco y libros hechos a mano, esparcidos con tierra y vegetación seca, cuyas páginas están manchadas con el semen del artista. La palabra soledad en el título hace referencia a la frecuente masturbación del artista sobre papel durante los 20 años que tardó en crearse. Pidió al crítico de arte estadounidense Peter Schjeldahl que escribiera un texto para un catálogo de los libros de masturbación. Schjeldahl intentó complacerlo, pero finalmente fracasó en su intento. Ningún otro crítico aceptó la tarea, por lo que la obra ha caído en gran medida en el olvido. [29]
En mayo de 1993, Kiefer volvería a sorprender al mundo del arte en una cena. Kiefer y su segunda esposa, Renate Graf, decoraron un loft comercial iluminado con velas en Nueva York con muselina blanca, cubrieron el suelo con arena blanca y lo atendieron con camareros vestidos como mimos con la cara blanca. A un puñado de miembros de la élite del mundo del arte, como Sherrie Levine, se les sirvieron varios platos de vísceras misteriosas, como páncreas, que eran en su mayoría de color blanco. No es de extrañar que los invitados no encontraran la comida especialmente apetitosa. [29]
Desde 2002, Kiefer trabaja con hormigón, creando las torres destinadas a los almacenes Pirelli en Milán, la serie de homenajes a Velimir Khlebnikov (pinturas del mar, con barcos y una serie de objetos de plomo, 2004-5), un retorno a la obra de Paul Celan [30] con una serie de pinturas con motivos rúnicos (2004-06), y otras esculturas. En 2003, realizó su primera exposición individual en la Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg Villa Katz, Anselm Kiefer: Am Anfang [31] dedicada a una serie de nuevas obras, centradas en los temas recurrentes de la historia y los mitos. En 2005, realizó su segunda exposición en la Galerie Thaddaeus Ropac de Salzburgo, Für Paul Celan [32], que se centró en la preocupación de Kiefer por el libro, vinculando referencias a la mitología germánica con la poesía de Paul Celan, un judío de habla alemana de Czernowitz. La exposición incluyó once obras sobre lienzo, una serie de libros encuadernados exhibidos en vitrinas y cinco esculturas, incluida una poderosa y monumental escultura al aire libre de hormigón armado y elementos de plomo, dos pilas de libros de plomo combinadas con girasoles de bronce, barcos de plomo y cuñas, y dos monumentales libros de plomo de la serie La vida secreta de las plantas. La exposición viajó a la Galerie Thaddaeus Ropac, París, y a la Galerie Yvon Lambert, París, el año siguiente. [32]
En 2006, la exposición de Kiefer, Velimir Chlebnikov , se mostró por primera vez en un pequeño estudio cerca de Barjac, luego se trasladó a White Cube en Londres, y luego terminó en el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich en Connecticut. La obra consta de 30 pinturas grandes (2 × 3 metros), colgadas en dos bancos de 15 en paredes enfrentadas de un edificio de acero corrugado construido expresamente que imita el estudio en el que fueron creadas. La obra se refiere a las teorías excéntricas del filósofo/poeta futurista ruso Velimir Chlebnikov , quien inventó un "lenguaje del futuro" llamado " Zaum ", y quien postuló que las batallas navales cataclísmicas cambian el curso de la historia una vez cada 317 años. En sus pinturas, los acorazados de juguete de Kiefer, deformes, maltratados, oxidados y colgando de cables retorcidos, están arrastrados por olas de pintura y yeso. Las notas de color recurrentes de la obra son negro, blanco, gris y óxido; y sus superficies son rugosas y cubiertas de pintura, yeso, barro y arcilla. [33]
En 2007, se convirtió en el primer artista al que se le encargó instalar una obra permanente en el Louvre de París, desde Georges Braque unos 50 años antes. Ese mismo año, inauguró la serie de exposiciones Monumenta en el Grand Palais [34] de París, con obras que rindieron un homenaje especial a los poetas Paul Celan e Ingeborg Bachmann.
En 2009 Kiefer montó dos exposiciones en la galería White Cube de Londres. Una serie de dípticos y trípticos de bosques encerrados en vitrinas de cristal, muchos llenos de densas espinas marroquíes, se tituló Karfunkelfee , un término del Romanticismo alemán que proviene de un poema de la escritora austriaca de posguerra Ingeborg Bachmann . En The Fertile Crescent , Kiefer presentó un grupo de pinturas épicas inspiradas en un viaje a la India quince años antes, donde conoció por primera vez fábricas rurales de ladrillos. Durante la última década, las fotografías que Kiefer tomó en la India "resonaron" en su mente para sugerir una amplia gama de referencias culturales e históricas, que abarcaban desde la primera civilización humana de Mesopotamia hasta las ruinas de Alemania después de la Segunda Guerra Mundial , donde jugó cuando era niño. "Quien busque una meditación resonante sobre la inestabilidad de la grandeza construida", escribió el historiador Simon Schama en su ensayo del catálogo, "haría bien en estudiar atentamente La Media Luna Fértil de Kiefer ". [35]
En Morgenthau Plan (2012), la galería está llena de una escultura de un campo de trigo dorado, encerrado en una jaula de acero de cinco metros de altura. [36] Ese mismo año, Kiefer inauguró el espacio de la galería de la Galerie Thaddaeus Ropac en Pantin, con una exposición de nuevas obras monumentales, Die Ungeborenen. La exposición fue acompañada por una publicación con una carta de Anselm Kiefer y ensayos de Alexander Kluge y Emmanuel Daydé. Sigue siendo representado por la galería y participa en exposiciones grupales e individuales en sus diversas ubicaciones. [ cita requerida ]
En 1969 Kiefer comenzó a diseñar libros. Los primeros ejemplos son típicamente fotografías trabajadas; sus libros más recientes consisten en láminas de plomo recubiertas con pintura, minerales o materia vegetal seca. Por ejemplo, reunió numerosos libros de plomo en estantes de acero en bibliotecas, como símbolos del conocimiento histórico almacenado y descartado. [37] El libro Rin (1981) comprende una secuencia de 25 xilografías que sugieren un viaje a lo largo del río Rin ; el río es central para el desarrollo geográfico e histórico de Alemania, adquiriendo un significado casi mítico en obras como El anillo de los nibelungos de Wagner . Las escenas del río virgen se ven interrumpidas por páginas oscuras y arremolinadas que representan el hundimiento del acorazado Bismarck en 1941, durante una salida al Atlántico llamada en código Ejercicio Rin . [38] [39]
El primer gran estudio de Kiefer estaba en el ático de su casa, una antigua escuela en Hornbach. Años más tarde instaló su estudio en un edificio industrial en Buchen, cerca de Hornbach. En 1988, Kiefer transformó una antigua fábrica de ladrillos en Höpfingen (también cerca de Buchen) en una extensa obra de arte que incluye numerosas instalaciones y esculturas. [40] En 1991, después de veinte años de trabajar en Odenwald, el artista dejó Alemania para viajar alrededor del mundo: a India, México, Japón, Tailandia, Indonesia, Australia y Estados Unidos. [41] En 1992 se estableció en Barjac , Francia, [42] donde transformó su complejo de estudios de 35 hectáreas La Ribaute en una Gesamtkunstwerk . Una fábrica de seda abandonada, [43] su estudio es enorme y en muchos sentidos es un comentario sobre la industrialización. Creó un amplio sistema de edificios de cristal, archivos, instalaciones, almacenes de materiales y pinturas, cámaras subterráneas y pasillos. [44]
Sophie Fiennes filmó el complejo de estudios de Kiefer en Barjac para su estudio documental Over Your Cities Grass Will Grow (2010), que registró tanto el entorno como al artista en acción. Un crítico escribió sobre la película: "Construida prácticamente desde cero en una fábrica de seda abandonada, Kiefer ideó un proyecto artístico que se extendía a lo largo de hectáreas: kilómetros de pasillos, enormes espacios de estudio con ambiciosas pinturas de paisajes y esculturas que corresponden a construcciones monumentales en el bosque circundante, y laberintos excavados en serpentinas con grandes columnas de tierra que parecen estalagmitas o termiteros. En ningún lugar está claro dónde se encuentra definitivamente el producto terminado; tal vez sea todo un trabajo en progreso, un organismo monumental de arte conceptual". [45]
En 2008, Kiefer abandonó su complejo de estudios en Barjac y se mudó a París. Una flota de 110 camiones transportó su obra a un almacén de 3300 m2 en Croissy -Beaubourg , en las afueras de París, que alguna vez fue el depósito de los grandes almacenes La Samaritaine . [46] [47] Un periodista escribió sobre el complejo de estudios abandonado de Kiefer: "Dejó atrás la gran obra de Barjac: el arte y los edificios. Un cuidador lo cuida. Deshabitado, espera tranquilamente a que la naturaleza tome el control, porque, como sabemos, sobre nuestras ciudades crece la hierba. Kiefer pasó el verano de 2019 viviendo y trabajando en Barjac". [48]
Fuente: [49]
En 1969, Kiefer realizó su primera exposición individual en la Galerie am Kaiserplatz de Karlsruhe . Junto con Georg Baselitz , representó a Alemania en la Bienal de Venecia de 1980. También participó en la Bienal de Venecia de 1997 con una exposición individual en el Museo Correr , centrada en pinturas y libros. [50]
Exposiciones individuales exhaustivas de la obra de Kiefer han sido organizadas por la Kunsthalle de Düsseldorf (1984); el Art Institute of Chicago (1987); el Museo de Arte Sezon de Tokio (1993); la Neue Nationalgalerie de Berlín (1991); el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1998); la Fondation Beyeler de Basilea (2001); el Museo de Arte Moderno de Fort Worth (2005); el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas de Washington DC (2006); el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Museo Guggenheim de Bilbao (2007). [28] En 2007, el Museo Guggenheim de Bilbao presentó un amplio estudio de su obra reciente. Varias de sus obras se expusieron en 2009 por primera vez en las Islas Baleares, en el museo Es Baluard de Palma de Mallorca . En 2012, la Art Gallery de Hamilton presentó algunas de sus pinturas. [51] La Real Academia de las Artes de Londres organizó la primera retrospectiva británica de la obra del artista en septiembre de 2014. [52]
En 2007, Kiefer recibió el encargo de crear una enorme instalación específica del lugar de esculturas y pinturas para la inauguración de "Monumenta" en el Grand Palais de París. [53] Con la inauguración de un tríptico (el mural Athanor y las dos esculturas Danae y Hortus Conclusus ) en el Louvre en 2007, Kiefer se convirtió en el primer artista vivo en crear una instalación permanente específica del lugar en el museo desde Georges Braque en 1953. [54]
En 2008, Kiefer instaló Palmsonntag (Domingo de Ramos) (2006), una palmera monumental y 36 relicarios de acero y vidrio en el auditorio-gimnasio de la Primera Iglesia Bautista de Los Ángeles , un enorme edificio gótico español construido en 1927. La sala fue reconfigurada para acomodar la obra. Se lijaron los pisos para eliminar las marcas de la cancha de baloncesto y la pared para las pinturas relicario se construyó dentro del espacio. [55] En 2010, la pieza se instaló en el museo Art Gallery of Ontario en Toronto, donde Kiefer creó ocho nuevos paneles específicamente para la exhibición de esta obra de la AGO.
En El año que viene en Jerusalén (2010) en la Galería Gagosian, Kiefer explicó que cada una de las obras era una reacción a un “shock” personal iniciado por algo que había escuchado recientemente. [56]
En septiembre de 2013, The Hall Art Foundation, en asociación con el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts , inauguró una instalación a largo plazo de esculturas y pinturas en un edificio específicamente reutilizado de 10.000 pies cuadrados en el campus MASS MoCA. En 2014, la Fundación ajardinó el área que rodea este edificio para presentar instalaciones a largo plazo de esculturas al aire libre. [57] La exposición a largo plazo incluye Étroits sont les Vaisseaux ( Estrechos son los vasos ) (2002), una escultura ondulada de 82 pies de largo en forma de ola hecha de hormigón fundido, varillas de refuerzo expuestas y plomo; Las mujeres de la revolución ( Les Femmes de la Revolution ) (1992), compuesta por más de veinte lechos de plomo con fotografías y texto en la pared; Velimir Chlebnikov (2004), un pabellón de acero que contiene 30 pinturas que tratan sobre la guerra náutica e inspiradas en las teorías quijotescas del experimentalista matemático ruso Velimir Chlebnikov ; y una nueva fotografía de gran formato sobre plomo creada por el artista para la instalación en MASS MoCA. [58]
En 2015, el Centro Pompidou , la Bibliothèque Nationale de París y el Museum der bildenden Künste de Leipzig acogieron una exposición retrospectiva en honor al 70 cumpleaños de Kiefer. [11]
En 2016, la Albertina de Viena dedicó una exposición a sus xilografías, mostrando 35 realizadas entre 1977 y 2015, con un catálogo adjunto. [21]
En mayo de 2018, en el Rockefeller Center , presentó su primer encargo de arte público en los Estados Unidos . La escultura Uraeus se inspiró en parte en los símbolos religiosos de Egipto y Así habló Zaratustra . [59] Se exhibió hasta el 22 de julio. [60]
En 1990, Kiefer recibió el Premio Wolf . En 1999, la Asociación de Arte de Japón le otorgó el Praemium Imperiale por sus logros durante toda su vida. En la exposición de motivos se puede leer:
"La obra de Anselm Kiefer está impregnada de un complejo compromiso crítico con la historia. Sus pinturas, así como las esculturas de Georg Baselitz, causaron un gran revuelo en la Bienal de Venecia de 1980: los espectadores tuvieron que decidir si los aparentes motivos nazis tenían una intención irónica o si las obras pretendían transmitir ideas fascistas reales. Kiefer trabajaba con la convicción de que el arte podía curar a una nación traumatizada y a un mundo dividido y convulsionado. Creó pinturas épicas en lienzos gigantes que evocaban la historia de la cultura alemana con la ayuda de representaciones de figuras como Richard Wagner o Goethe , continuando así la tradición histórica de la pintura como medio para abordar el mundo. Sólo unos pocos artistas contemporáneos tienen un sentido tan pronunciado del deber del arte de abordar el pasado y las cuestiones éticas del presente, y están en condiciones de expresar la posibilidad de la absolución de la culpa a través del esfuerzo humano."
En 2008, Kiefer recibió el Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán , otorgado por primera vez a un artista visual. El historiador de arte Werner Spies dijo en su discurso que Kiefer es un lector apasionado que toma impulsos de la literatura para su trabajo. [61] En 2011, Kiefer fue designado para la cátedra de creatividad en el arte en el Collège de France .
Debido a la naturaleza espontánea de su proceso creativo, muchas de sus obras tienen problemas de estabilidad, una preocupación compartida por coleccionistas, comerciantes y curadores por igual. Reconoce el problema, pero dice que el cambio es parte del proceso y que su esencia, en última instancia, seguirá siendo la misma. Esta idea de transformación tiene una especie de atractivo para Kiefer y, por lo tanto, aparece en muchas de sus obras. Esta fascinación por el proceso puede haber surgido del gran interés del artista por la alquimia. A menudo elige materiales por sus propiedades alquímicas, siendo el plomo en particular el principal de ellos. En el caso del plomo, le gusta específicamente cómo se ve el metal durante el proceso de calentamiento y fusión cuando ve muchos colores, especialmente el oro, que él considera en un sentido simbólico como el oro buscado por los alquimistas. También le gusta especialmente la oxidación del blanco sobre el plomo. A menudo intentaba inducir la oxidación artificialmente con el uso de ácido para acelerar el proceso. El plomo también se asociaba con los conceptos alquímicos de los números mágicos y representaba al planeta Saturno.
La goma laca, otro material popular en su obra, se correspondía con el plomo en cuanto a cómo percibía sus posibilidades de color y energía. También le gustaba que al estar pulida adquiriera energía y se volviera cálida al tacto.
El uso de la paja en su obra también es en parte resultado de este tema común de la energía. La paja también presenta el color dorado y emite energía, calor y calidez cuando se quema. Esto daría paso a una nueva creación y así continuaría el ciclo de la vida a través del proceso de transformación. [85]
El artista estableció un nuevo récord mundial cuando su cuadro Al pintor desconocido (1983) se vendió por 3.554.500 dólares en Christie's Nueva York , el 11 de mayo de 2011, a un coleccionista privado estadounidense. [86] [87] El récord anterior lo tenía Let a Thousand Flowers Bloom (1999), que se había vendido por 3.549.350 dólares en Christie's Londres , el 8 de febrero de 2007. [88]
Las obras de Kiefer están incluidas en numerosas colecciones públicas, entre ellas la Hamburger Bahnhof , Berlín; el Museo de Arte Moderno y el Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York; el Instituto de Arte de Detroit , Detroit; la Tate Modern , Londres; el Museo de Arte Moderno de San Francisco ; la Galería de Arte de Ontario , Toronto; el Museo de Arte de Carolina del Norte , Raleigh; el High Museum of Art , Atlanta; la Galería de Arte Albright-Knox , Buffalo; el Museo de Arte de Filadelfia ; la Galería Nacional de Australia , Canberra; el Museo de Arte de Tel Aviv ; y la Albertina , Viena. El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York posee 20 de las raras acuarelas del artista. Entre los coleccionistas privados notables se incluyen Eli Broad y Andrew J. Hall . [86]
