Alexey Vyacheslavovich Brodovitch (también Brodovich ; bielorruso : Аляксей Брадовіч , ruso : Алексе́й Вячесла́вович Бродо́вич ; 1898 - 15 de abril de 1971) fue un fotógrafo, diseñador e instructor ruso-estadounidense, famoso por su dirección artística de la revista de moda Harper' s Bazar de 1934 hasta 1958.
Alexey Brodovitch nació en Ogolichi , Imperio ruso (ahora Bielorrusia) en una familia adinerada en 1898. Su padre, Cheslau o Vyacheslav Brodovitch, era un respetado médico, psiquiatra y cazador. Su madre era una pintora aficionada. Durante la guerra ruso-japonesa , su familia se mudó a Moscú , donde su padre trabajó en un hospital para prisioneros japoneses. Alexey fue enviado a estudiar a la Escuela Príncipe Tenisheff, una prestigiosa institución en San Petersburgo , con la intención de inscribirse eventualmente en la Academia Imperial de Arte. [1] No tuvo una formación formal en arte durante su infancia, pero a menudo dibujaba perfiles nobles entre el público en los conciertos de la ciudad. [2] [3]
Al comienzo de la Primera Guerra Mundial , a la temprana edad de 16 años, Brodovitch abandonó su sueño de ingresar en la Academia Imperial de Arte y huyó de su hogar para unirse al ejército ruso . Poco después, su padre lo llevó a casa y contrató a un tutor privado para ayudar a Alexey a terminar la escuela. Al graduarse, Brodovitch volvió a escaparse en varias ocasiones. [1] Recuerda:
Después de una semana más o menos, me escapé al frente para matar alemanes. Pero mi padre, que ahora era un general militar al mando de un tren hospital de la Cruz Roja, tenía mucha influencia y pronto me llevaron de vuelta a su lado. En el tren de regreso me emplearon como ayudante de enfermera. En Prusia Oriental, me escapé de nuevo y me uní a un regimiento cercano. Una vez más me atraparon y esta vez me enviaron a una escuela de oficiales, el Cuerpo de Pajes. [4]
Durante la Guerra Civil Rusa , Brodovitch sirvió en el Ejército Blanco . Mientras luchaba contra los bolcheviques en Odesa, resultó gravemente herido y estuvo hospitalizado durante un tiempo en Kislovodsk, en el Cáucaso . En 1918, la ciudad fue rodeada por los bolcheviques, lo que obligó a Brodovitch a exiliarse. Fue durante esta retirada hacia el sur a través del Cáucaso y Turquía que conoció a su futura esposa, Nina. [2]
Por suerte, el hermano de Alexey, Nicolás, resultó ser uno de los soldados que custodiaban a los refugiados en Novorossiysk . No mucho después, su padre, que había sido encarcelado en San Petersburgo por los bolcheviques, logró huir a Novorossiysk con la esperanza de encontrar a su familia. Los tres volvieron a estar juntos y organizaron que la madre de Brodovitch y otros familiares se reunieran con ellos en Constantinopla . Finalmente reunidos, los Brodovitch se dirigieron a Francia. [5]
Al llegar a París , Brodovitch quería ser pintor. Brodovitch, un emigrante ruso blanco en París, se encontró pobre y tuvo que trabajar por primera vez en su vida. Consiguió un trabajo pintando casas, mientras que su esposa Nina trabajaba como costurera. [6] Vivían en un apartamento pequeño y barato en el área de Montparnasse , entre artistas rusos que se habían establecido en París a finales del siglo XIX. Este grupo de artistas, entre los que se encontraban Archipenko , Chagall y Nathan Altman , se reunían en la económica Académie Vassilieff, que ofrecía clases de pintura y escultura sin instructor. [7] Sus conexiones con estos jóvenes artistas rusos lo llevaron a realizar un trabajo más artístico como pintor de telones de fondo para los Ballets Rusos de Diághilev . [8]
París era una ciudad cosmopolita por la que pasaron muchos artistas y movimientos artísticos. Brodovitch estuvo expuesto a todo, desde el dadaísmo de Zúrich y Berlín, el suprematismo y el constructivismo de Moscú, el diseño Bauhaus de Alemania, el futurismo de Italia, el De Stijl de los Países Bajos y las corrientes nativas del cubismo , el fauvismo , el purismo y el surrealismo . Entre estas diversas influencias artísticas, Brodovitch encontró sus inicios como diseñador. [9]
En las noches y los fines de semana, cuando no trabajaba en los Ballets Rusos , Brodovitch empezó a esbozar diseños para textiles, porcelana y joyería. Cuando terminó su trabajo para el ballet, ya había recopilado una amplia cartera de estos proyectos secundarios y vendía sus diseños a tiendas de moda. [10] Trabajó a tiempo parcial haciendo maquetaciones para Cahiers d'Art , una importante revista de arte, y Arts et Métiers Graphiques , una influyente revista de diseño. Mientras trabajaba en las maquetaciones, Brodovitch era responsable de unir tipos, fotografías e ilustraciones en las páginas de las revistas. Tuvo la rara oportunidad de influir en el aspecto de la revista, ya que no había un director de arte. [11]
Obtuvo reconocimiento público por su trabajo en las artes comerciales al ganar el primer premio en un concurso de carteles para una velada de artistas llamada Le Bal Banal el 24 de marzo de 1924. El cartel se exhibió en las paredes de todo Montparnasse junto con un dibujo de Picasso , que obtuvo el segundo lugar. [12] Brodovitch se mantuvo orgulloso de este cartel durante toda su carrera, y siempre mantuvo una copia del mismo clavada en la pared de su estudio. La inversión gráfica de claro a oscuro de la forma de la máscara, el tipo y el fondo sugieren no solo el proceso de la fotografía, sino que también representan el proceso de intercambiar la identidad de uno por la de otro cuando se usa una máscara. [13] Es la obra más antigua que se conserva de Brodovitch. Continuó ganando reconocimiento como artista aplicado debido a su éxito en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París en 1925. Recibió cinco medallas: tres medallas de oro por diseño de quiosco y joyería, dos medallas de plata por telas y el máximo galardón por el pabellón Beck Fils "Amour de l'Art". [14]
Tras estos triunfos, la carrera de Brodovitch como artista aplicado despegó. En 1928, Athélia, el estudio de diseño de los grandes almacenes parisinos Aux Trois Quartiers, lo contrató para diseñar e ilustrar catálogos y anuncios para su boutique de lujo para hombres, Madelios. [15] Brodovitch era consciente de que muchos de los clientes tenían gustos bastante tradicionales, por lo que equilibró sus diseños modernos con referencias griegas clásicas.
Aunque trabajaba a tiempo completo para Athélia, Brodovitch ofrecía sus servicios como diseñador freelance. Abrió su propio estudio, L'Atelier AB, donde produjo carteles para varios clientes, entre ellos Union Radio Paris y la compañía naviera Cunard. También recibió el encargo de la editorial parisina La Pléiade para ilustrar tres libros: Nouvelles de Alexander Pushkin , Contes Fantastiques de Fiódor Dostoyevsky y Monsieur de Bougrelon de Jean Lorrain . [16]
Brodovitch adoptó los avances técnicos de las esferas del diseño industrial, la fotografía y la pintura contemporánea. Su amplia curiosidad comenzó a asimilar los aspectos más interesantes de todos estos campos en su trabajo, haciéndolos finalmente suyos. [12] Más tarde inculcó esta misma curiosidad en sus estudiantes, alentándolos a utilizar nuevas técnicas como el aerógrafo, las lacas industriales, las agujas de acero flexibles y los bisturíes. [17]
A los 32 años, Brodovitch ya había incursionado en la producción de carteles, porcelana, joyas, textiles, anuncios y pinturas. Con el tiempo, se especializó en publicidad y diseño gráfico y se convirtió en uno de los diseñadores de arte comercial más respetados de París. Sin embargo, en 1930, París había perdido su brillo para Brodovitch. El espíritu de aventura y experimentación que alguna vez floreció se estaba desvaneciendo. Aunque le ofrecieron muchos puestos de diseño, Brodovitch los rechazó, presumiblemente buscando nuevos lugares para desarrollar sus diseños. [18]
Mientras aún vivía en París, Brodovitch recibió una oferta de trabajo de John Story Jenks, el padre de una joven a la que Brodovitch había mostrado la escena artística de París. Jenks, un administrador de la Escuela de Arte Industrial del Museo de Pensilvania (actualmente la Universidad de las Artes ), quedó abrumado por el talento de Brodovitch y le pidió que dirigiera el Departamento de Diseño Publicitario de la escuela. En septiembre de 1930, Brodovitch se mudó a Filadelfia con su esposa y su hijo para aceptar el trabajo. Brodovitch comenzó a enseñar diseño publicitario, creando un departamento especial dedicado a la materia. [3]
La tarea de Brodovitch era llevar el diseño publicitario americano al nivel del europeo, que se pensaba que tenía un espíritu mucho más moderno. [19] Antes de su llegada, los estudiantes de publicidad simplemente copiaban los estilos de revista de NC Wyeth y Howard Pyle . Las ilustraciones eran hermosas, pero habían evolucionado a partir de la tradición del realismo romántico del siglo XIX , algo del pasado. [20] La técnica de enseñanza de Brodovitch, por otro lado, era diferente a cualquier otra a la que los estudiantes habían estado expuestos. Siempre enseñaba con una ayuda visual. Brodovitch traía a clase revistas francesas y alemanas para examinar las páginas con sus estudiantes, explicando el trabajo o la técnica del artista. Planteaba preguntas como: "¿Podría ser mejor esta línea? ¿Podría ser como, por ejemplo, Cocteau ?" [21] Cuando no estaba en el aula, Brodovitch llevaba a la clase a excursiones por Filadelfia para ver fábricas, laboratorios, centros comerciales, proyectos de vivienda, vertederos y el zoológico. A continuación, se pidió a los estudiantes que hicieran una "impresión gráfica" de lo que habían visto, ya fuera una interpretación fotográfica, un dibujo o una abstracción. Brodovitch no enseñaba en el sentido convencional, sino que obligaba a sus estudiantes a descubrir sus propios recursos creativos internos. [17]
En 1933, Brodovitch añadió el Laboratorio de Diseño a las clases que impartía. Se suponía que sería un taller para sus estudiantes avanzados que querían experimentar con todos los aspectos del diseño. Brodovitch compartía la creencia de la Bauhaus de que era necesario educar a la persona en su totalidad dirigiendo su atención a una variedad de soluciones modernas en sus proyectos gráficos. [22] La descripción de su curso para el Laboratorio de Diseño decía:
El objetivo del curso es ayudar al estudiante a descubrir su individualidad, cristalizar su gusto y desarrollar su sensibilidad hacia las tendencias contemporáneas estimulando su sentido de la invención y perfeccionando su capacidad técnica. El curso se lleva a cabo como un laboratorio experimental, inspirado en el ritmo siempre cambiante de la vida, el descubrimiento de nuevas técnicas, nuevos campos de operación... en estrecho contacto con los problemas actuales de las principales revistas, grandes almacenes, agencias de publicidad y fabricantes. Los temas incluyen diseño, maquetación, tipografía, carteles, reportajes, ilustración, maquillaje de revistas, diseño de envases y productos, exposición, estilismo y dirección artística. [23]
El laboratorio se dividía en dos secciones por semana, una para diseño y otra para fotografía. Los talleres eran inmensamente populares y no era raro que más de sesenta personas se presentaran a su clase la primera noche. Entre los fotógrafos que asistieron a sus clases se encontraban Diane Arbus , Eve Arnold , David Attie , Richard Avedon , Harvey Lloyd , Hiro , Lisette Model , Garry Winogrand , [24] Joel Meyerowitz y Tony Ray-Jones .
Los graduados de estos primeros cursos continuaron su carrera profesional en ese campo. El departamento de Brodovitch llegó a ser conocido como una "escuela preparatoria" para agencias y revistas de todo el país. [28]
En la primavera de 1934, el Art Directors Club de Nueva York le pidió a Brodovitch que diseñara su «13.ª Exposición Anual de Directores de Arte» en el Rockefeller Center de Nueva York. [30] Fue allí donde Carmel Snow , la recién nombrada redactora jefe de Harper's Bazaar , vio por primera vez el trabajo de Brodovitch. Supo de inmediato que Brodovitch sería quien transformaría la revista en un verdadero renacimiento de Vogue , donde había comenzado su carrera. [31]
Vi una nueva concepción de la técnica de maquetación que me resultó una revelación: páginas que "sangraban" fotografías bellamente recortadas, tipografía y diseño que eran audaces y llamativos. En menos de diez minutos le pedí a Brodovitch que tomara unos cócteles conmigo y esa noche firmé un contrato provisional con él como director artístico. [32]
La oferta dependía, por supuesto, de la aprobación del propietario de Harper's Bazaar , William Randolph Hearst . Brodovitch regresó con entusiasmo a Filadelfia y encargó a sus estudiantes que estaban haciendo prácticas en su estudio de Van Pelt Street que hicieran dos ejemplares ficticios de la revista. Insistió en que cada página tuviera un "valor de impacto" propio para diferenciar la revista, "recortando muñecos de papel de papel estampado o frascos de perfume ilustrados para que parecieran fotografías de alta definición; se probó todo lo que fuera diferente a otras revistas de moda". [33] Aunque prefería un diseño más conservador, Hearst depositó su confianza en Carmel Snow y le permitió asumir a Brodovitch como director artístico, puesto que ocupó durante 24 años.
La nueva imagen de Harper's Bazaar enfatizaba la cultura por sí misma. Aprovechando los contactos de Brodovitch en Europa y su amplio conocimiento de la fotografía, la revista presentó el trabajo de muchos artistas y fotógrafos a su audiencia estadounidense. Antes de comenzar en Harper's Bazaar , Brodovitch organizó un viaje de regreso a Francia, con la esperanza de convencer a viejos amigos para que trabajaran con él en la revista. Cada verano regresaba para ofrecer encargos a artistas y fotógrafos hasta 1939, cuando el comienzo de la Segunda Guerra Mundial lo hizo imposible. Al traer continuamente fuerzas creativas del extranjero, mantuvo la revista permanentemente fresca y de vanguardia. Entre los artistas que trabajaron para Bazaar estaban Jean Cocteau , Raoul Dufy , Leonor Fini , Marc Chagall , Man Ray y A. M. Cassandre , el cartelista más eminente de Francia en ese momento, que reemplazó al antiguo favorito de la portada, Erté . [34] [35]
Para quienes trabajaron con él en Bazaar , la cumbre de la carrera de Brodovitch como diseñador fue la elegancia infalible de sus páginas. Esta elegancia, combinada con un elemento de innovación, era la mezcla ideal para una revista de moda. La cualidad que garantizó su éxito fue su devoción por lo nuevo, la sorpresa y la vitalidad sin fin. [36] Frances MacFadden, editora ejecutiva de Bazaar durante gran parte del mandato de Brodovitch, explicó su método de trabajo:
Era un placer verlo trabajar. Era tan rápido y seguro. En situaciones de emergencia, como cuando el Clipper que llevaba el informe de las colecciones de París fue asaltado en Bermudas, su velocidad era deslumbrante. Un par de salpicaduras rápidas en la tabla de cortar, un minuto de malabarismo con las fotocopias, una capa de pegamento para arte y las dieciséis páginas estaban completas. Sus diseños, por supuesto, eran la desesperación de los redactores cuyos preciados poemas sinfónicos sobre fajas o visones tenían que ser sacrificados a su sagrado espacio blanco. Justo antes de que entráramos a la imprenta, todos los diseños se colocaron en secuencia en el suelo de Carmel Snow, y allí, bajo su supervisión, se reordenaron hasta que el ritmo de la revista le convenía. [37]
Por lo general, Brodovitch comenzaba sus diseños diseñando a mano los diseños como ilustraciones. Su asistente recibía estos bocetos para que los revisara, pero los fotógrafos y escritores independientes a menudo recibían poca o ninguna orientación, además de la de idear algo nuevo e inusual. Cuando llegaban las fotografías para la edición, escogía las más interesantes visualmente y hacía que se hicieran reproducciones de distintos tamaños en una máquina fotostática . A partir de ellas, cada página se hacía de una en una y luego se organizaba entre las demás para crear una revista con un ritmo adecuado. [38]
Su estilo para la revista era radicalmente diferente al de cualquiera de sus contemporáneos. Brodovitch quería que sus páginas fueran innovadoras y frescas. Mientras que otras revistas de moda pensaban que era importante mostrar la prenda completa, Brodovitch recortaba las imágenes de forma inesperada o descentrada para aportar un nuevo dinamismo al diseño. Utilizaba formas en las fotografías o ilustraciones como una pista para saber cómo manejar la forma del texto. En sus primeros diseños, disponía las fotografías como si fueran naipes, desplegadas en la página o en forma de abanico. Sin embargo, más adelante en su carrera abandonó esta técnica a favor de utilizar sólo una o dos imágenes por página. El surrealismo encontró su camino en las páginas de las revistas en diversas formas experimentales. Por ejemplo, Brodovitch utilizó una vez fotografías de moda enviadas por radio desde París a Nueva York en formas borrosas para comunicar esta nueva forma de compartir información. Los diseños también incluían bordes rasgados en las fotografías o páginas que parecían haber sido rasgadas con la figura de una mujer saliendo de ellas. El motivo de partes del cuerpo aisladas, otro tema surrealista común, se podía ver en las portadas y páginas de Harper's en forma de labios, manos y ojos.
Brodovitch era consciente de que el color era algo relativamente nuevo en las revistas, con una preparación laboriosa y unos costes elevados. Al utilizar colores de proceso o de segunda color de forma inventiva, Brodovitch pudo dar a la revista una sensación adicional de actualidad y lujo. Aplicaba el color a sus diseños de forma expresiva, y a menudo optaba por utilizar colores más atrevidos que los que se podrían ver en el mundo real. Incluso después de que la reproducción a todo color se convirtiera en una práctica habitual, siguió utilizando amplias franjas de un solo color para dar un énfasis audaz.
En cuanto a la fotografía, Brodovitch tenía una percepción muy clara de lo que la revista necesitaba. Prefería la fotografía de moda en exteriores , en lugar de las tomas de estudio que se suelen utilizar en otras publicaciones de moda. Instaba a sus fotógrafos a buscar yuxtaposiciones discordantes en sus imágenes. En una de esas páginas aparece una mujer con un vestido largo de Dior posando entre dos elefantes de circo. El efecto cinematográfico, una característica distintiva de sus diseños, implicaba utilizar fotografías como si fueran fotogramas de una película. Repetía una pose o un vestido varias veces a lo largo de una página para dar una sensación narrativa y temporal. A veces, Brodovitch tomaba arbitrariamente una serie de fotografías y adoptaba una línea argumental para acompañarlas, como si estuviera recapitulando una película. Se sabía que llevaba esta idea aún más lejos añadiendo bordes de engranajes de película a las fotografías en ocasiones. Brodovitch también enfatizaba a menudo las ilusiones espaciales, utilizando tipos y fotografías para crear múltiples perspectivas dentro de un espacio. La noción de espejo y duplicación también le interesaba, como se puede ver en la forma en que emparejaba imágenes similares en una página o dividía las mitades de una imagen en el margen de la página.
Con este objetivo de contar historias, Harper's Bazaar puede considerarse un ejemplo de paisaje mediático , en el que Brodovitch intentaba construir una realidad para la imaginación de los lectores. Creaba versiones de pequeñas imágenes fijas o páginas de películas en las que se suponía que las mujeres debían verse a sí mismas en lugar de a la modelo. Por ejemplo, a menudo utilizaba la silueta de una modelo en lugar de su cuerpo completo, o mantenía su rostro en la sombra, de modo que cualquier lector pudiera situarse en esas modas, llevando una vida encantada. El resultado sería una revista de imágenes "a partir de las cuales se pueden formar guiones de vidas imaginarias". [39]
Uno de sus asistentes en la revista fue el futuro director artístico de Rolling Stone, Tony Lane . [40]
Brodovitch diseñó su propia tipografía en 1949. "Al-Bro", una abreviatura de su nombre, tiene trazos anchos y estrechos inspirados en los símbolos de la notación musical. Un diseño que muestra la tipografía se incluyó en Portfolio #1 , invierno de 1950. [41]
En 1949, Brodovitch colaboró en la producción de la revolucionaria publicación Portfolio , que ha sido ampliamente reconocida como quizás la revista de diseño gráfico definitiva del siglo XX. La idea de la publicación surgió del director artístico Frank Zachary, que quería publicar una revista que se centrara únicamente en el arte y el diseño, pero que al mismo tiempo fuera un ejemplo sobresaliente del diseño en sí. Brodovitch se sintió intrigado por el concepto. Aunque disfrutaba de su trabajo en Harper's Bazaar , las limitaciones de espacio y temática a menudo limitaban su estilo creativo. Portfolio lo liberó de las restricciones prácticas y estéticas a las que se había acostumbrado. Las páginas de la publicación eran un espacio para que su imaginación gráfica se desbocara. George S. Rosenthal, cuya familia era propietaria de una imprenta dedicada a los libros de bolsillo ilustrados para el mercado masivo, también se unió. [42] [43]
Con tanto capital gastado en publicidad, Zachary y Rosenthal decidieron que Portfolio tendría que incluir publicidad. Sin embargo, al ver los anuncios, no pudieron soportar arruinar la apariencia de la publicación publicándolos. Se decidió que Portfolio se publicaría sin la carga estética de la publicidad, liberando más espacio para el diseño general. Brodovitch fue responsable de clasificar los artículos e ilustraciones para crear las páginas. [44] Zachary describió cómo vio a Brodovitch en acción:
Él revisaba todo rápido, muy rápido, y siempre escogía lo correcto, ya sabes, y luego lo marcaba [para copiar], una pulgada, pulgada y media, dos pulgadas y media... Pero de todos modos, volvía a verlo, tenía estas malditas estadísticas por todo el piso, hasta los tobillos, y miraba a su alrededor, tomaba una, hasta que había seis u ocho o diez y luego las colocaba y funcionaba... esa era la magia, ¿sabes? [45]
En Portfolio , Brodovitch promovía artículos dedicados a artistas y diseñadores respetados, contribuía con artículos sobre diseño vernáculo y realizaba diseños increíblemente imaginativos. La revista abarcaba una gran variedad de temas y estilos de diseño. Las obras de grandes poetas franceses se intercalaban con artículos poco convencionales sobre grafitis de vagabundos. Era una mezcla hermosamente compuesta de todo lo relacionado con el arte. Desafortunadamente, la publicación duró solo tres números. El espíritu de no escatimar en gastos de la revista, junto con la falta de publicidad, hicieron que la revista cerrara rápidamente. [43] [46]
Entre 1935 y 1937, Brodovitch fotografió a varias compañías de ballet , incluido el Ballet Russe de Monte Carlo , durante sus visitas a Nueva York en giras mundiales. Aunque en ese momento afirmó que las fotos solo estaban destinadas a ser recuerdos, evolucionaron hacia algo más grande. El estilo en el que Brodovitch fotografiaba se desviaba de la fotografía nítida y directa popular en ese momento. [47] Según un colega, sus imágenes "escupieron en la cara de la técnica y señalaron una nueva forma en la que los fotógrafos podían trabajar". [48]
Brodovitch publicó un libro de estas fotografías en 1945, titulado simplemente Ballet , a través de una pequeña editorial de Nueva York. El libro contiene 104 fotografías de varios ballets y está dividido en once segmentos, uno para cada actuación de ballet. En la página de contenidos, Brodovitch presenta cada capítulo en un estilo tipográfico que emula la sensación de la danza que describe. Fotografió con una cámara Contax de 35 mm, sin flash y con una velocidad de película lenta. [49] Las figuras borrosas de los bailarines permiten al espectador no solo sentir la música, sino también seguir la línea de las extremidades del bailarín a mitad de paso. Las imágenes capturan hermosamente la atmósfera en el escenario, la frenética acción detrás de escena y los momentos mágicos del ballet. Al sangrar las imágenes borrosas y granulosas de las páginas y hacia los canales, comunicó el impacto emocional de la danza sin palabras. [50] “ El ballet es uno de los intentos más exitosos de expresar el movimiento en la fotografía y, sin duda, uno de los libros de fotografía más cinematográficos y dinámicos jamás publicados”. [51]
Aunque nunca se publicó ni se vio, Brodovitch hizo el trabajo de diseño para lo que habría sido la primera publicación de la novela corta de Truman Capote Desayuno en Tiffany's en Harper's Bazaar . La novela corta iba a aparecer en el número de julio de 1958. Iba a ser ilustrada con una serie de montajes fotográficos de David Attie , que había sido alumno de Brodovitch el año anterior y se le ofreció el trabajo la última noche de la clase. Alice Morris, la editora de ficción de Harper's, recordó que "Brodovitch ... se tomó estas maravillosas fotos que no tenían nada que ver con la historia de Desayuno, sino con el gato de Holly Golightly. Un gato en una ventana, de aspecto misterioso, ligeramente sombrío y brumoso". [52] Sin embargo, después de que se programó la publicación, la editora de Harper's de mucho tiempo, Carmel Snow , que había ejercido una influencia considerable, fue expulsada por el editor de la revista, Hearst Corporation, y reemplazada por su sobrina. Los ejecutivos de Hearst comenzaron entonces a pedir cambios en el lenguaje ácido de la novela. Para entonces, los montajes de Attie y el trabajo de diseño de Brodovitch ya se habían completado, y Morris contó que, si bien Capote inicialmente se negó a hacer ningún cambio, cedió "en parte porque le mostré los diseños. Teníamos unas seis páginas con fotografías hermosas y atmosféricas". [53] Sin embargo, a pesar de los cambios de Capote, Hearst ordenó a Harper's que no publicara la novela de todos modos. Su lenguaje y tema seguían considerándose "no adecuados", y existía la preocupación de que Tiffany's, un importante anunciante, reaccionara negativamente. [52] [54] Un Capote indignado pronto llevó el trabajo a Esquire , y apareció en el número de noviembre de 1958 con solo una foto de página completa de Attie's, a pesar de la insistencia de Capote en que se utilizara más trabajo.
El trabajo de Brodovitch como diseñador de libros se puede ver en Observations , una colección de fotografías de Richard Avedon y comentarios de Truman Capote , ambos colaboradores habituales de Harper's Bazaar . En Observations , cada página cambia entre páginas de imágenes recortadas y páginas de bloques rectangulares de imágenes y texto, enmarcados por amplias extensiones de espacio en blanco. Aunque simple y elegante, el diseño del libro tiene una enorme cantidad de variedad visual. [55]
Brodovitch colaboró nuevamente con David Attie en una sección especial de Harper's que todavía hoy sigue siendo famosa y que se publicó en octubre de 1959, "Writing in America", que fue editada por el futuro editor de New York Review of Books, Robert B. Silvers , y que utilizó las imágenes evocadoras de Attie y los diseños innovadores de Brodovitch para ilustrar ensayos de Budd Schulberg , Kingsley Amis , Archibald MacLeish y otros; se ha vuelto a publicar en forma de libro, más recientemente en 2018. [56]
Otro ejemplo sólido del diseño de libros de Brodovitch son las memorias de Bill Manville, columnista del Village Voice , Saloon Society, The Diary of a Year Beyond Aspirin ( 1960) , que entrelaza ingeniosamente una serie de collages de fotografías de David Attie dentro y alrededor del texto del libro. [57] [58] Algunos de los montajes fotográficos originales e inéditos de Attie para Breakfast at Tiffany's se utilizaron en este libro, que todavía está disponible con sus fotos originales de Attie y el diseño de Brodovitch en una edición Kindle. [53] [52]
Brodovitch, que ya sufría de mala salud, se vio sumido en un agudo estado de depresión por la muerte de su esposa, Nina. Durante los dos años siguientes, Brodovitch fue enviado a varios hospitales en numerosas ocasiones para curar su depresión y alcoholismo que empeoraban . [59] Sin embargo, durante estas estancias en el hospital, Brodovitch tuvo un deseo incesante de iniciar nuevos proyectos. En un momento dado, comenzó a compilar una autobiografía, pero nunca la completó. Brodovitch recibió una pequeña cámara Minox de un antiguo estudiante, Ben Rose , que lo visitó en el Hospital Estatal de Manhattan . Metió la cámara en una vieja caja de cigarrillos Pall Mall y discretamente comenzó a fotografiar a sus compañeros pacientes. Brodovitch a menudo decidía darse de alta antes de que los tratamientos hubieran seguido su curso. Sin embargo, estaba tan enfermo que regresaba antes del final del día.
Sin pensión ni salario regular de Harper's Bazaar , Brodovitch se enfrentó a crecientes facturas de hospital. A menudo perdía el poco trabajo freelance que conseguía conseguir debido a su falta de voluntad para llegar a acuerdos con los clientes. Su mala salud le impedía asistir a los talleres del Laboratorio de Diseño con regularidad.
Harvey Lloyd , artista y fotógrafo, escribió: "Cuidé personalmente de Alexey Brodovitch y administré sus talleres de laboratorio de diseño durante sus últimos seis años en Nueva York para proporcionarle ingresos con los que vivir. Se mudó a mi edificio en Union Square en Nueva York con su hijo Nikita. Lo veía todos los días, trabajaba con él y supervisaba su salud que se deterioraba. Bebía demasiado y comía poco. Brodovitch asistía prácticamente a todas las sesiones de los talleres de laboratorio de diseño e invitaba a muchos de los famosos en los campos del diseño y la fotografía. Lo grabé a él y a sus visitantes conocidos hablando durante esas muchas sesiones. Estas grabaciones ahora están disponibles para escuchar en la biblioteca RIT en Rhode Island. Su mente se mantuvo lúcida y fiel a sus creencias durante esos últimos años en la ciudad de Nueva York. Fue el mayor privilegio hacer esto por él y aprender de él. Amaba Nueva York y tuve que obligarlo a irse con su hermano en Francia, ya que se estaba consumiendo. Nunca habrá otro Brodovitch".
Cuando Brodovitch dejó de asistir por completo, algunos estudiantes intentaron, sin mucho entusiasmo, mantener la clase en su honor. Sin embargo, sin su creador, el laboratorio llegó a su fin. [60]
En 1966, Brodovitch se cayó y se rompió la cadera. Su estado físico y económico era precario, por lo que se mudó de nuevo a Francia con su hijo Nikita para estar más cerca de sus numerosos familiares. [59] Dos años más tarde, se trasladó a Le Thor , un pequeño pueblo aún más cercano a su familia en Aviñón . Murió tres años después a los 73 años. [61]
En 1971, el Philadelphia College of Art le confirió póstumamente el título de Doctor en Bellas Artes. En 1972, el Philadelphia College of Art celebró la exposición "Alexey Brodovitch y su influencia" y Brodovitch fue incluido en el Salón de la Fama del Art Directors Club de Nueva York. [62] En 1982, se celebró la exposición "Hommage à Alexey Brodovitch" en el Grand-Palais de París. [63] En 2002, Phaidon Press publicó el libro Alexey Brodovitch de Kerry William Purcell.