Agnès Varda ( francés: [aɲɛs vaʁda] ; nacidaArlette Varda; 30 de mayo de 1928 - 29 de marzo de 2019) fue una directora de cine, guionista y fotógrafa francesa nacida en Bélgica.[1]
El trabajo de Varda empleó el rodaje en exteriores en una época en la que las limitaciones de la tecnología del sonido hacían que fuera más fácil y habitual filmar en interiores, con decorados construidos y fondos pintados de paisajes, en lugar de exteriores, en exteriores. Su uso de actores no profesionales también fue poco convencional para el cine francés de la década de 1950. El debut cinematográfico de Varda fue La Pointe Courte (1955), seguido de Cléo de 5 a 7 (1962), una de sus películas narrativas más notables, Vagabond (1985) y Kung Fu Master (1988). Varda también fue conocida por su trabajo como documentalista con obras como Black Panthers (1968), The Gleaners and I (2000), The Beaches of Agnès (2008), Faces Places (2017) y su última película, Varda by Agnès (2019).
El director Martin Scorsese describió a Varda como "uno de los dioses del cine". [2] Entre varios otros galardones, Varda recibió una Palma de Oro honoraria en el Festival de Cine de Cannes de 2015 , convirtiéndose en la primera mujer en ganar el premio, un León de Oro por Vagabond en el Festival de Cine de Venecia de 1985 , un Premio Honorario de la Academia y una nominación al Premio de la Academia al Mejor Largometraje Documental por Faces Places , convirtiéndose en la persona de mayor edad en ser nominada a un Óscar competitivo. En 2017, se convirtió en la primera directora en ganar un Óscar honorario. [3]
Varda nació como Arlette Varda el 30 de mayo de 1928 en Ixelles , Bruselas, Bélgica, hija de Christiane (née Pasquet) y Eugène Jean Varda, un ingeniero. [4] Su madre era de Sète , Francia, y su padre era miembro de una familia de refugiados griegos de Asia Menor en el Imperio Otomano . Fue la tercera de cinco hijos. Varda cambió legalmente su primer nombre a Agnès a los 18 años. [5] [6]
En 1940 abandonó Bélgica con su familia para trasladarse a Sète, donde pasó su adolescencia y, durante la Segunda Guerra Mundial , vivió allí en un barco con su familia. [6] Aquí comenzó su amistad de por vida con el escultor Valentine Schlegel . [7]
Varda estudió historia del arte en la École du Louvre y fotografía en la École des Beaux-Arts , antes de trabajar como fotógrafa en el Théâtre National Populaire de París. [6] Varda asistió al Lycée et collège Victor-Duruy y recibió una licenciatura en literatura y psicología de la Sorbona . [8] Ella calificó su reubicación en París como "verdaderamente insoportable", diciendo que le dio "un recuerdo espantoso de mi llegada a esta ciudad gris, inhumana y triste". No se llevaba bien con sus compañeros de estudios y dijo que las clases en la Sorbona eran "estúpidas, anticuadas, abstractas [y] escandalosamente inadecuadas para las elevadas necesidades que uno tenía a esa edad". [9]
Varda tenía la intención de convertirse en conservadora de museos y estudió historia del arte en la École du Louvre , [8] pero decidió estudiar fotografía en la Escuela de Fotografía Vaugirard en su lugar. [9] Comenzó su carrera como fotógrafa fija antes de convertirse en una de las principales voces del cine de la Rive Gauche y la Nouvelle Vague francesa . Mantuvo una interrelación fluida entre las formas fotográficas y cinematográficas: "Tomo fotografías o hago películas. O pongo películas en las fotografías, o fotos en las películas". [10] [11]
Varda habla de sus comienzos en el mundo de la fotografía fija: «Empecé a ganarme la vida con la fotografía inmediatamente, tomando fotografías triviales de familias y bodas para ganar dinero. Pero inmediatamente quise hacer lo que yo llamaba 'composiciones'. Y fue con ellas que tuve la impresión de que estaba haciendo algo en lo que planteaba preguntas sobre la composición, la forma y el significado». [10] En 1951, su amigo Jean Vilar abrió el Théâtre National Populaire y contrató a Varda como fotógrafa oficial. Antes de aceptar su puesto allí, trabajó como fotógrafa de escena para el Festival de Teatro de Avignon. [8] Trabajó en el Théâtre National Populaire durante diez años, de 1951 a 1961, durante los cuales su reputación creció y finalmente obtuvo trabajos de fotoperiodista en toda Europa. [9]
La fotografía fija de Varda inspiró en ocasiones sus películas posteriores. [12] Ella misma contó: «Cuando hice mi primera película, La Pointe Courte —sin experiencia, sin haber sido asistente antes, sin haber ido a la escuela de cine— tomé fotografías de todo lo que quería filmar, fotografías que son casi modelos para las tomas. Y comencé a hacer películas con la única experiencia de la fotografía, es decir, ¿dónde colocar la cámara, a qué distancia, con qué lente y con qué luces?».
Más tarde recordó otro ejemplo:
En 1982 hice una película titulada Ulises , que se basa en otra fotografía que tomé en 1954, una que había hecho con la misma cámara de fuelle, y comencé Ulises con las palabras: “Solía ver la imagen al revés”. Hay una imagen de una cabra en el suelo, como una constelación caída, y ese fue el origen de la fotografía. Con esas cámaras, se encuadraba la imagen al revés, así que vi a Brassaï a través de la cámara con su cabeza en la parte inferior de la imagen. [10]
En 2010, Varda se unió a la galería Nathalie Obadia . [13]
La carrera cinematográfica de Varda es anterior a la Nouvelle Vague francesa, pero contiene muchos elementos específicos de ese movimiento. [14] : 3 Mientras trabajaba como fotógrafa, Varda se interesó en hacer una película, aunque afirmó que sabía poco sobre el medio y que solo había visto alrededor de 20 películas a la edad de 25 años. Más tarde dijo que escribió su primer guion "justo como una persona escribe su primer libro. Cuando terminé de escribirlo, pensé: 'Me gustaría filmar ese guion', y entonces algunos amigos y yo formamos una cooperativa para hacerlo". Encontró difícil el proceso de realización cinematográfica porque no permitía la misma libertad que escribir una novela; dijo que su enfoque era instintivo y femenino. En una entrevista con The Believer , Varda dijo que quería hacer películas relacionadas con su tiempo (en referencia a La Pointe Courte ), en lugar de centrarse en las tradiciones o los estándares clásicos. [15]
A Varda le gustaba la fotografía, pero estaba interesada en dedicarse al cine. Después de pasar unos días filmando el pequeño pueblo pesquero francés de La Pointe Courte para un amigo enfermo terminal que ya no podía visitarlo por su cuenta, Varda decidió filmar un largometraje propio, dejando la dirección artística en manos de su amiga Valentine Schlegel . [7] Así, en 1954, se estrenó la primera película de Varda, La Pointe Courte , sobre una pareja infeliz que trabaja en su relación en un pequeño pueblo pesquero. La película es un precursor estilístico de la Nouvelle Vague francesa. [16] En ese momento, Varda estaba influenciada por la filosofía de Gaston Bachelard , con quien había estudiado una vez en la Sorbona. "Estaba particularmente interesada en su teoría de ' l'imagination des matières ', en la que se encontraba que ciertos rasgos de personalidad se correspondían con elementos concretos en una especie de psicoanálisis del mundo material". [17] Esta idea encuentra expresión en La Pointe Courte , donde los rasgos de personalidad de los personajes chocan, lo que se muestra a través de la oposición de objetos como la madera y el acero. Para fomentar su interés en la abstracción de los personajes, Varda utilizó a dos actores profesionales, Silvia Monfort y Philippe Noiret , junto con los residentes de La Pointe Courte, para proporcionar un elemento realista que se presta a una estética documental inspirada en el neorrealismo. Varda continuó utilizando esta combinación de elementos ficticios y documentales en sus películas. [18]
La película fue editada por el amigo de Varda y compañero cineasta de la "Ribera izquierda" Alain Resnais , quien se mostró reacio a trabajar en ella porque era "tan parecida a la película que quería hacer él mismo"; la película de Resnais de 1959 Hiroshima mon amour presentaría más tarde una estructura similar. Resnais y Varda siguieron siendo amigos de por vida, aunque Resnais dijo que no tenían nada en común "aparte de los gatos". [9] La película fue inmediatamente elogiada por Cahiers du Cinéma : André Bazin dijo: "Hay una libertad total en el estilo, que produce la impresión, tan rara en el cine, de que estamos en presencia de una obra que obedece solo a los sueños y deseos de su autor sin otras obligaciones externas". [19] François Truffaut la llamó "una obra experimental, ambiciosa, honesta e inteligente". [20] Varda dijo que la película "fue un golpe de cañón porque yo era una mujer joven, ya que antes de eso, para convertirse en director tenías que pasar años como asistente". [ Esta cita necesita una cita ] Pero la película fue un fracaso financiero, y Varda solo hizo cortometrajes durante los siguientes siete años. [9]
Varda es considerada la abuela y madre de la Nouvelle Vague francesa. La Pointe Courte es considerada extraoficialmente, pero ampliamente, la primera película del movimiento. [21] Fue la primera de muchas que hizo que se centran en los problemas que enfrenta la gente común. Más tarde en su vida, dijo que no estaba interesada en los relatos de personas en el poder, sino "mucho más interesada en los rebeldes, la gente que lucha por su propia vida". [22]
Después de La Pointe Courte , Varda realizó varios cortometrajes documentales; dos de ellos fueron encargados por la oficina de turismo francesa. Entre ellos, uno de sus trabajos favoritos, L'opéra-mouffe , una película sobre el mercado callejero de la calle Mouffetard que ganó un premio en el Festival de Cine Experimental de Bruselas de 1958. [9]
Cléo de 5 a 7 sigue a una cantante pop durante dos horas extraordinarias en las que espera los resultados de una biopsia reciente. La película trata superficialmente de una mujer que acepta su mortalidad, un tropo común para Varda. [23] En un nivel más profundo, Cléo de 5 a 7 confronta a la mujer tradicionalmente objetivada al darle a Cléo su propia visión. No puede ser construida a través de la mirada de otros, que a menudo se representa a través de un motivo de reflejos y la capacidad de Cléo de despojar a su cuerpo de atributos "para ser mirados" (como ropa o pelucas). Estilísticamente, Cléo de 5 a 7 mezcla documental y ficción, como lo hizo La Pointe Courte . La película representa una acción diegética que se dice que ocurre entre las 5 y las 7 p. m., aunque su duración es de 89 minutos. [18]
En 1977, Varda fundó su propia productora, Ciné-Tamaris, para tener más control sobre el rodaje y la edición. [24] En 2013, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles celebró la primera exposición estadounidense de Varda, Agnès Varda en Californialand . Presentó una instalación escultórica, varias fotografías y cortometrajes, y se inspiró en el tiempo que pasó en Los Ángeles en la década de 1960. [25]
Producida por Cine-Tamaris, L'une chante, l'autre pas —también conocida como Una canta, la otra no— se centra en dos mujeres a lo largo de 14 años durante el Movimiento de Mujeres de la Francia de los años 70. Suzanne, de 22 años, está embarazada de su tercer hijo, que no puede mantener. La cantante Pomme, de 17 años, paga el aborto de Suzanne. Pomme se convierte en cantante pop y feminista, y forma un grupo dedicado a la liberación de la mujer, mientras Suzanne cría a sus hijos y escribe sobre la vida en la granja. La historia sigue a las dos mientras viven sus vidas separadas, pero se mantienen en contacto a lo largo de los años.
En 1985, Varda hizo Sans toit ni loi ("sin techo ni ley"; conocida en la mayoría de los países de habla inglesa como Vagabond ), un drama sobre la muerte de una joven vagabunda llamada Mona. La muerte es investigada por un entrevistador invisible e inaudible que se centra en las personas que la vieron por última vez. Vagabond está contada a través de técnicas no lineales, con la película dividida en 47 episodios, y cada episodio sobre Mona contado desde la perspectiva de una persona diferente. Vagabond es considerada una de las mayores obras feministas de Varda debido a cómo la película trata la desfetichización del cuerpo femenino desde la perspectiva masculina. [26]
En 1991, poco después de la muerte de su marido Jacques Demy , Varda creó la película Jacquot de Nantes , que trata sobre su vida y su muerte. La película está estructurada al principio como una recreación de su vida temprana, estando obsesionada con las diversas técnicas utilizadas para la realización cinematográfica, como la animación y el diseño de escenarios. Pero luego Varda proporciona elementos de documental al insertar clips de las películas de Demy, así como imágenes de él muriendo. La película continúa con el tema común de Varda de aceptar la muerte, pero en el fondo se considera un homenaje de Varda a su difunto esposo y su trabajo. [23]
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Les Glaneurs et la Glaneuse ( Los espigadores y yo ), un documental, se centra en las interacciones de Varda con los espigadores (cosechadores) que viven en la campiña francesa, y también incluye sujetos que crean arte a partir de material reciclado, así como una entrevista con el psicoanalista Jean Laplanche . La película es notable por su naturaleza fragmentada y de forma libre, además de ser la primera vez que Varda utilizó cámaras digitales. Este estilo de realización cinematográfica a menudo se interpreta como una declaración de que aún se pueden crear grandes cosas como el arte a partir de restos, pero las economías modernas alientan a las personas a utilizar solo el mejor producto. [27]
En 2017, Varda codirigió Faces Places con el artista JR . La película se proyectó fuera de competencia en el Festival de Cine de Cannes de 2017 [28] [29] donde ganó el premio L'Œil d'or . [30] La película sigue a Varda y JR viajando por la Francia rural, creando retratos de las personas con las que se encuentran. Varda fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Largometraje Documental por esta película, lo que la convirtió en la persona de mayor edad en ser nominada a un Oscar competitivo. [31] Aunque la nominación fue su primera, Varda no la consideró importante y afirmó: "No hay nada de qué enorgullecerse, excepto feliz. Feliz porque hacemos películas para amar. Hacemos películas para que ames la película". [32] [33] La película termina con Varda y JR llamando a la puerta principal de Jean-Luc Godard en Rolle para una entrevista. Godard aceptó la reunión pero "los deja plantados". [34]
La última película dirigida por Varda, Varda by Agnes, muestra a Varda mirando y comentando sus películas y su trabajo. Relata su recorrido artístico de 60 años a través de la fotografía y el cine. Expresa la importancia de tres palabras clave: inspiración, creación y compartir. La película muestra a Varda sentada y reflexionando sobre las cosas que ama, como su marido, los gatos, los colores, las playas y las patatas con forma de corazón.
Muchas de las películas de Varda utilizan protagonistas que son miembros marginados o rechazados de la sociedad, y son de naturaleza documental. Realizó un cortometraje sobre los Panteras Negras después de ver que su líder, Huey Newton , fue arrestado por matar a un oficial de policía. La película se centra en las manifestaciones en apoyo de Newton y la campaña " Free Huey ". [35]
Al igual que muchos otros directores de la Nouvelle Vague francesa, Varda probablemente estuvo influenciada por la teoría del autor , creando su propio estilo característico al usar la cámara "como un bolígrafo". Varda llamó a su método de realización cinematográfica " cinécriture " ("escritura cinematográfica" o "escritura sobre película"). [14] : 12 En lugar de separar los roles fundamentales que contribuyen a una película (como director de fotografía, guionista y director), creía que todos los roles deberían trabajar juntos simultáneamente para crear una película más cohesiva, y todos los elementos de la película deberían contribuir a su mensaje. Afirmó que hizo la mayoría de sus descubrimientos mientras editaba, buscando la oportunidad de encontrar imágenes o diálogos que crearan un motivo. [36]
Debido a su formación fotográfica, las imágenes fijas suelen ser importantes en sus películas. Pueden tener propósitos simbólicos o narrativos, y cada elemento de ellas es importante. A veces hay un conflicto entre imágenes fijas y en movimiento en sus películas, y a menudo mezcla imágenes fijas (instantáneas) con imágenes en movimiento. [14] : 13 Varda prestaba mucha atención a los detalles y era muy consciente de las implicaciones de cada elección cinematográfica que hacía. Los elementos de la película rara vez son simplemente funcionales, cada elemento tiene sus propias implicaciones, tanto por sí mismo como porque contribuye al mensaje de toda la película. [14] : 15
Muchas de sus influencias fueron artísticas o literarias, incluido el surrealismo , William Faulkner , Franz Kafka y Nathalie Sarraute . [14] : 6, 12, 106
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Debido a sus influencias literarias y a que su obra es anterior a la Nouvelle Vague, las películas de Varda pertenecen más precisamente al movimiento cinematográfico de la Rive Gauche , junto con las de Resnais, Chris Marker , Marguerite Duras , Alain Robbe-Grillet , Jean Cayrol y Henri Colpi . Categóricamente, el lado de la Rive Gauche del movimiento de la Nouvelle Vague adoptó un estilo más experimental que el grupo Cahiers du Cinéma , pero esta distinción es irónica considerando que la propia Nouvelle Vague se consideraba experimental en su tratamiento de metodologías y temas tradicionales. [37]
El cine de la Rive Gauche estaba fuertemente vinculado al movimiento literario del nouveau roman . Los miembros del grupo tenían en común su experiencia en la realización de documentales, la política de izquierdas y un gran interés en la experimentación y el tratamiento del cine como arte. Varda y otros cineastas de la Rive Gauche crearon un modo de hacer cine que combina uno de los enfoques más motivados socialmente del cine, el documental, con uno de sus enfoques más formalmente experimentales, la vanguardia. Sus miembros colaboraban a menudo entre sí. Según la académica Delphine Bénézet, Varda se resistía a las "normas de representación y los dictados de la producción". [38] : 6
El trabajo de Varda a menudo se considera feminista debido a su uso de protagonistas femeninas y su creación de una voz cinematográfica femenina. [24] Ella dijo: "No soy en absoluto una teórica del feminismo. Hice todo eso (mis fotos, mi oficio, mi película, mi vida) en mis términos, mis propios términos, y no para hacerlo como un hombre". [9] : 1142–1148 Aunque no participó activamente en ninguna agenda estricta del movimiento feminista, Varda a menudo se centró en cuestiones de mujeres temáticamente y nunca intentó cambiar su oficio para hacerlo más convencional o masculino. [39] [40] También fue profesora de Cine en la European Graduate School .
Bénézet ha defendido la importancia de Varda como "una mujer singular" ( au feminin singulier ), y de la máxima importancia en la historia del cine. Varda abrazó su feminidad con una audacia distintiva. [38]
En 1958, mientras estaba en un festival de cortometrajes en Tours , Varda conoció a su futuro esposo, Jacques Demy , también director francés. [41] Se mudaron juntos en 1959. Estuvo casada con Demy desde 1962 hasta su muerte en 1990. Varda tuvo dos hijos: una hija, Rosalie Varda (nacida en 1958), de una unión previa con el actor Antoine Bourseiller (que protagonizó Cléo de 5 a 7 ), y un hijo, Mathieu Demy (nacido en 1972), con Demy. [24] Demy adoptó legalmente a Rosalie Varda. [23] Varda trabajó en el documental nominado al Oscar Faces Places con su hija. [32]
En 1971, Varda fue una de las 343 mujeres que firmaron el Manifiesto de las 343 admitiendo que habían tenido un aborto a pesar de que era ilegal en Francia en ese momento y pidiendo que el aborto se legalizara. [42] Ese mismo año, fue una de las cuatro personas que asistieron al funeral de su amigo Jim Morrison en el cementerio de Père Lachaise . [43]
Varda era prima del pintor Jean Varda . En 1967, mientras vivía en California , Varda conoció al primo de su padre por primera vez. Él es el tema de su cortometraje documental Uncle Yanco . Jean Varda se hacía llamar "Yanco" y Varda lo llamaba cariñosamente "tío" debido a su diferencia de edad. [44] [45]
Varda murió de cáncer el 29 de marzo de 2019 en París , a la edad de 90 años . [46] [47] Fue enterrada en el cementerio de Montparnasse el 2 de abril. [48] [49] Entre los que asistieron a su funeral se encontraban Catherine Deneuve , Julie Gayet , Jean-Pierre Léaud , Jane Birkin y Sandrine Bonnaire . [50] Los dolientes dejaron flores y patatas fuera de su casa en la rue Daguerre. [51]
Su muerte provocó una respuesta apasionada de la comunidad cinematográfica y Martin Scorsese publicó una declaración en la que decía: "Dudo seriamente que Agnès Varda haya seguido alguna vez los pasos de alguien más, en cualquier rincón de su vida o de su arte. Cada una de sus notables imágenes hechas a mano, tan bellamente equilibradas entre documental y ficción, no se parece a ninguna otra: cada imagen, cada corte... Qué obra dejó atrás: películas grandes y pequeñas, divertidas y duras, generosas y solitarias, líricas e inquebrantables... y vivas". [52] Barry Jenkins tuiteó: "El trabajo y la vida se fusionaron innegablemente para esta leyenda. Vivió plenamente cada momento de esos 90 malditos años". Ava DuVernay escribió sobre su relación con Varda y terminó su declaración con "Merci, Agnes. Por tus películas. Por tu pasión. Por tu luz. Sigue brillando". Otros cineastas y artistas que rindieron homenaje a Varda incluyen a Guillermo del Toro , los hermanos Safdie , Edgar Wright , JR y Madonna . [53] Jean-Luc Godard le envió a la hija de Varda, Rosalie (que produjo Faces Places ) "una especie de collage de fotografías de Agnès... Era algo especial. Es un secreto. Pero me envió algo bonito. Creo que le importaba mucho Agnès. Vio todas sus películas", dijo. [34]
Varda ha logrado la rara hazaña de ganar los galardones más importantes: un Oscar de Hollywood, un Oso de Berlín, un León de Venecia, una Palma honorífica de Cannes y varios César. Fue miembro del jurado del Festival de Cine de Cannes en 2005 y miembro del jurado del Festival de Cine de Venecia en 1983. [54] [55] A continuación se presenta una lista incompleta centrada en los premios más importantes.
