El Concierto para piano n.º 1 en si ♭ menor , op. 23, fue compuesta por Pyotr Ilyich Tchaikovsky entre noviembre de 1874 y febrero de 1875. [1] Fue revisada en 1879 y 1888. Fue interpretada por primera vez el 25 de octubre de 1875 en Boston por Hans von Bülow en honor al pianista deseado de Tchaikovsky, Nikolai Rubinstein. , criticó la pieza. Más tarde, Rubinstein retiró sus críticas y se convirtió en un ferviente defensor de la obra. Es una de las composiciones más populares de Tchaikovsky y uno de los conciertos para piano más conocidos . [2]
De 2021 a 2022 sirvió como himno deportivo del Comité Olímpico Ruso en sustitución del actual himno nacional del país a raíz del escándalo de dopaje que prohíbe el uso de sus símbolos patrios.
Tchaikovsky revisó el concierto tres veces, la última en 1888, que es la versión que se toca habitualmente. Una de las diferencias más destacadas entre la versión original y la final es que en la sección inicial, los acordes tocados por el pianista, sobre los cuales la orquesta toca el tema principal, fueron escritos originalmente como arpegios . Tchaikovsky también arregló la obra para dos pianos en diciembre de 1874; esta edición fue revisada en 1888. [3]
Existe cierta confusión sobre a quién se dedicó originalmente el concierto. Durante mucho tiempo se pensó que Tchaikovsky inicialmente dedicó la obra a Nikolai Rubinstein , y Michael Steinberg escribe que el nombre de Rubinstein está tachado en la partitura autógrafa. [4] Pero en su biografía de Tchaikovsky, David Brown escribe que la obra nunca estuvo dedicada a Rubinstein. [5] Tchaikovsky esperaba que Rubinstein interpretara la obra en uno de los conciertos de 1875 de la Sociedad Musical Rusa en Moscú . Por este motivo le mostró la obra a él y a otro amigo musical, Nikolai Hubert, en el Conservatorio de Moscú el 24 de diciembre de 1874/5 de enero de 1875, tres días después de terminarla. [6] Brown escribe: "Esta ocasión se ha convertido en uno de los incidentes más notorios en la biografía del compositor". [7] Tres años más tarde, Tchaikovsky compartió lo sucedido con su patrona, Nadezhda von Meck :
Toqué el primer movimiento. ¡Ni una sola palabra, ni un solo comentario! ¡Si supieras cuán estúpida e intolerable es la situación de un hombre que cocina y sirve a un amigo una comida, que éste procede a comer en silencio! Oh, una palabra, un ataque amistoso, pero, por el amor de Dios, una palabra de simpatía, aunque no de alabanza. Rubinstein estaba acumulando su tormenta y Hubert estaba esperando a ver qué pasaría y si habría una razón para unirse a un lado o al otro. Sobre todo no quería sentencia sobre el aspecto artístico. Necesitaba comentarios sobre la técnica virtuosa del piano. El elocuente silencio de R fue de suma importancia. Parecía decir: "Amigo mío, ¿cómo puedo hablar de detalles cuando todo el asunto es antipático?". Me fortalecí con paciencia y jugué hasta el final. Aún silencio. Me levanté y pregunté: "¿Y bien?" Entonces de la boca de Nikolái Grigórievich brotó un torrente, suave al principio y luego cada vez más fuerte hasta convertirse en el sonido de un Júpiter Tonans . Resultó que mi concierto no valía nada y no se podía tocar; los pasajes estaban tan fragmentados, tan torpes, tan mal escritos que no podían ser rescatados; la obra en sí era mala, vulgar; en lugares que les había robado a otros compositores; sólo valía la pena conservar dos o tres páginas; el resto debe desecharse o reescribirse por completo. "Aquí, por ejemplo, esto... ¿qué es todo eso?" (caricaturizó mi música en el piano) "¿Y esto? ¿Cómo puede alguien...", etc., etc. Lo principal que no puedo reproducir es el tono en el que se dijo todo esto. En una palabra, una persona desinteresada en la sala podría haber pensado que yo era un maníaco, un truhán talentoso y sin sentido que había venido a entregar su basura a un músico eminente. Al notar mi obstinado silencio, Hubert se quedó estupefacto y escandalizado de que se le estuviera dando tal reprimenda a un hombre que ya había escrito mucho y dado un curso de composición libre en el Conservatorio, que se hubiera pronunciado un juicio tan despectivo y sin apelación sobre juicio que no se pronunciaría sobre un alumno con el más mínimo talento que hubiera descuidado algunas de sus tareas; luego comenzó a explicar el juicio de NG, sin discutirlo en lo más mínimo, sino simplemente suavizando lo que Su Excelencia había expresado con demasiado pequeña ceremonia.
No sólo me sentí asombrado sino indignado por toda la escena. Ya no soy un niño que intenta componer y ya no necesito lecciones de nadie, especialmente cuando me las imparten con tanta dureza y hostilidad. Necesito y necesitaré siempre una crítica amistosa, pero no hubo nada parecido a una crítica amistosa. Fue una censura indiscriminada y decidida, pronunciada de tal manera que me hirió en lo más vivo. Salí de la habitación sin decir palabra y subí las escaleras. En mi agitación y rabia no pude decir nada. En ese momento R. me dio órdenes y, al ver lo alterado que estaba, me invitó a pasar a una de las habitaciones distantes. Allí repitió que mi concierto era imposible, señaló muchos lugares donde tendría que ser revisado completamente y dijo que si dentro de un tiempo limitado reelaboraba el concierto de acuerdo con sus exigencias, entonces me haría el honor de tocar lo mío. en su concierto. "No alteraré ni una sola nota", respondí, "¡publicaré la obra exactamente como está!" Esto lo hice. [8]
El biógrafo de Tchaikovsky, John Warrack, escribe que, incluso si Tchaikovsky estuviera reformulando los hechos a su favor,
Fue, como mínimo, una falta de tacto por parte de Rubinstein al no ver cuánto molestaría al notoriamente susceptible Tchaikovsky. ... Además, ha sido una costumbre duradera entre los rusos, preocupados por el papel de su trabajo creativo, introducir el concepto de "corrección" como una consideración estética importante, y por lo tanto someterse a la dirección y la crítica de una manera desconocido en Occidente, desde Balakirev y Stasov organizando las obras de Tchaikovsky según sus propios planes, hasta, en nuestros días, la intervención oficial y la voluntad de incluso los principales compositores de prestarle atención. [9]
Warrack añade que las críticas de Rubinstein se dividen en tres categorías. En primer lugar, pensó que la composición de la parte solista era mala, "y ciertamente hay pasajes que incluso el mayor virtuoso se alegra de sobrevivir ilesos, y otros en los que las elaboradas dificultades son casi inaudibles bajo la orquesta". [10] En segundo lugar, mencionó "influencias externas y desigualdades en la invención... pero hay que admitir que la música es desigual y que, como todas las obras, parecería aún más desigual en una primera audiencia antes de que su estilo hubiera cambiado". sido entendido correctamente." [11] En tercer lugar, el trabajo probablemente sonó incómodo para un músico conservador como Rubinstein. [11] Si bien la introducción en la tonalidad "incorrecta" de D ♭ (para una pieza que se supone que está en si ♭ menor) puede haber tomado por sorpresa a Rubinstein, explica Warrack, puede haber sido "precipitado al condenar el trabajo por este motivo o para la estructura formal de todo lo que sigue." [11]
Brown escribe que no se sabe por qué Tchaikovsky se acercó a continuación al pianista alemán Hans von Bülow para estrenar la obra, [5] aunque había escuchado a Bülow tocar en Moscú a principios de 1874 y quedó cautivado por su combinación de intelecto y pasión; Bülow también admiraba la música de Tchaikovsky. [12] Bülow se estaba preparando para realizar una gira por los Estados Unidos. Esto significaba que el concierto se estrenaría al otro lado del mundo de Moscú. Brown sugiere que los comentarios de Rubinstein pueden haber sacudido profundamente a Tchaikovsky, aunque no cambió la obra y terminó de orquestarla el mes siguiente, y que su confianza en la pieza pudo haber sido tan sacudida que quería que el público la escuchara en un lugar donde no tendría que soportar personalmente ninguna humillación si no le fuera bien. [5] Tchaikovsky dedicó la obra a Bülow, quien la calificó de "tan original y noble".
La primera representación de la versión original tuvo lugar el 25 de octubre de 1875 en Boston , dirigida por Benjamin Johnson Lang con Bülow como solista. Inicialmente, Bülow había contratado a otro director, pero se pelearon y trajeron a Lang con poca antelación. [13] Según Alan Walker , el concierto fue tan popular que Bülow se vio obligado a repetir el final, un hecho que Tchaikovsky encontró sorprendente. [14] Aunque el estreno fue un éxito de público, los críticos no quedaron tan impresionados. Uno escribió que la pieza "difícilmente estaba destinada... a convertirse en clásica". [15] George Whitefield Chadwick , que estaba entre el público, recordó en una memoria años más tarde: "No habían ensayado mucho y los trombones se equivocaron en el 'tutti' en medio del primer movimiento, después de lo cual Bülow cantó en una voz perfectamente audible, Los jefes pueden irse al infierno ". [16] A la obra le fue mucho mejor en su presentación en la ciudad de Nueva York el 22 de noviembre, bajo la dirección de Leopold Damrosch . [17]
Lang apareció como solista en una interpretación completa del concierto con la Orquesta Sinfónica de Boston el 20 de febrero de 1885, bajo la dirección de Wilhelm Gericke . [13] Lang interpretó previamente el primer movimiento con la Orquesta Sinfónica de Boston en marzo de 1883, dirigida por Georg Henschel , en un concierto en Fitchburg, Massachusetts .
El estreno ruso tuvo lugar el 13 de noviembre [ OS 1 de noviembre] de 1875 [18] en San Petersburgo , con el pianista ruso Gustav Kross y el director de orquesta checo Eduard Nápravník . En opinión de Tchaikovsky, Kross redujo la obra a "una cacofonía atroz". [19] El estreno en Moscú tuvo lugar el 3 de diciembre [ OS 21 de noviembre] de 1875, con Sergei Taneyev como solista. El director era Rubinstein, el hombre que había criticado exhaustivamente la obra menos de un año antes. [12] Rubinstein había llegado a ver sus méritos y tocó el papel solista muchas veces en toda Europa. Incluso insistió en que Tchaikovsky le confiara el estreno de su Segundo Concierto para piano , y el compositor lo habría hecho si Rubinstein no hubiera muerto. [ cita necesaria ] En ese momento, Tchaikovsky consideró volver a dedicar la obra a Taneyev, quien la había interpretado espléndidamente, pero finalmente la dedicación fue para Bülow.
En 1875, Tchaikovsky publicó la obra en su forma original, [20] pero en 1876 aceptó felizmente los consejos para mejorar la escritura para piano del pianista alemán Edward Dannreuther , quien había estrenado la obra en Londres, [21] y del pianista ruso. Alexander Siloti varios años después. Los acordes sólidos tocados por el solista al inicio del concierto pueden haber sido, de hecho, idea de Siloti, ya que aparecen en la primera edición (1875) como acordes enrollados , algo ampliados mediante la adición de una o, a veces, dos notas que los hacían más incómodo de tocar pero sin alterar significativamente el sonido del pasaje. También se incorporaron otras ligeras simplificaciones en la versión publicada de 1879. Se llevaron a cabo pequeñas revisiones adicionales para una nueva edición publicada en 1890.
El pianista estadounidense Malcolm Frager desenterró e interpretó la versión original del concierto. [22] [ ¿ cuándo? ]
En 2015, Kirill Gerstein realizó el estreno mundial de la versión de 1879. Recibió un premio ECHO Klassik en la categoría Grabación de Concierto del Año. Basada en la partitura de dirección de Tchaikovsky de su último concierto público, la nueva edición crítica de urtext fue publicada en 2015 por el Museo Tchaikovsky en Klin, coincidiendo con el 175 aniversario de Tchaikovsky y marcando los 140 años desde el estreno mundial del concierto en Boston en 1875. Para la grabación , Gerstein obtuvo acceso especial previo a la publicación de la nueva edición de urtext. [23]
Después de que la Agencia Mundial Antidopaje prohibiera a Rusia participar en todas las competiciones deportivas importantes de 2021 a 2023 como resultado de un escándalo de dopaje , a aquellos autorizados a competir se les permitió representar al Comité Olímpico Ruso o al Comité Paralímpico Ruso en los Juegos Olímpicos de Verano de 2020 y Juegos Paralímpicos , [a] y en los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de Invierno de 2022 . En lugar del himno nacional de Rusia , se utilizó un fragmento del concierto como "Himno del Comité Olímpico Ruso" cuando los atletas que competían bajo esa bandera recibían una medalla de oro. La introducción al primer movimiento se interpretó durante la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2014 en Sochi , Rusia, y durante el tramo final del relevo de la antorcha olímpica durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1980 en Moscú. [24] [25] [26] [27]
La obra está compuesta para dos flautas , dos oboes , dos clarinetes en si ♭ , dos fagotes , cuatro trompas en fa, dos trompetas en fa, tres trombones (dos tenores, un bajo), timbales , piano solo y cuerdas .
El concierto sigue la forma tradicional de tres movimientos :
Una actuación estándar dura entre 30 y 36 minutos, la mayor parte de los cuales está ocupada por el primer movimiento.
El primer movimiento comienza con un tema de trompa corto en si ♭ menor, acompañado de acordes orquestales que rápidamente modulan al tema lírico y apasionado en re ♭ mayor. Este tema subsidiario se escucha tres veces, la última de las cuales está precedida por una cadencia de piano , [28] y nunca vuelve a aparecer en todo el movimiento. La introducción termina de manera tenue. La exposición propiamente dicha comienza entonces en la tónica menor del concierto, con un tema popular ucraniano basado en una melodía que Tchaikovsky escuchó interpretada por lirnyks ciegos en un mercado en Kamianka (cerca de Kiev ). Un breve pasaje de transición es una sección de llamada y respuesta en el tutti y el piano, alternando entre registros altos y bajos. El segundo grupo de temas consta de dos temas alternos, el primero de los cuales presenta algunos de los contornos melódicos de la introducción. A esto se responde con un segundo tema más suave y consolador, interpretado por las cuerdas y ambientado en la clave subtónica (La ♭ mayor) sobre una punta de pedal , antes de una reaparición más turbulenta del tema de instrumentos de viento, esta vez reforzado por arpegios de piano . gradualmente llega a un clímax tormentoso en do menor que termina en una cadencia perfecta en el piano. Después de una breve pausa, una sección final, basada en una variación del tema consolador, cierra la exposición en La ♭ mayor. [29]
La sección de desarrollo transforma este tema en una secuencia de construcción siniestra, puntuada con fragmentos del primer material. Después de una ráfaga de octavas de piano, se revisan fragmentos del tema "quejumbroso" por primera vez en mi ♭ mayor y luego por segunda vez en sol menor. Luego, el piano y las cuerdas se turnan para tocar el tema por tercera vez en mi mayor mientras los timbales tocan furtivamente un trémolo en si bajo hasta que continúan los fragmentos del primer tema.
La recapitulación presenta una versión abreviada del primer tema, trabajando en do menor para la sección de transición. En el segundo grupo de temas, se omite el segundo tema consolador; en cambio, el primer tema se repite, con una reaparición del clima tormentoso que se escuchó anteriormente en la exposición, pero esta vez en si ♭ mayor . La emoción se ve truncada por una cadencia engañosa. Una breve sección de cierre comprende acordes en sol bemol mayor tocados por toda la orquesta y el piano. Luego aparece una cadencia de piano, cuya segunda mitad contiene fragmentos tenues del primer tema del segundo grupo temático en la tonalidad menor original de la obra. Si ♭ mayor se restaura en la coda, cuando la orquesta vuelve a entrar con el segundo tema del segundo grupo temático; Luego, la tensión aumenta gradualmente, lo que lleva a una conclusión triunfante, que termina con una cadencia plagal.
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El tema de la introducción se destaca por su aparente independencia formal del resto del movimiento y del concierto en su conjunto, especialmente dado que no está ambientado en la tonalidad nominal de la obra de si ♭ menor sino en re ♭ mayor , la tonalidad relativa mayor de esa tonalidad . A pesar de su naturaleza muy sustancial, este tema sólo se escucha dos veces y nunca reaparece en ningún punto posterior del concierto. [30]
El historiador de la música rusa Francis Maes escribe que debido a su independencia del resto de la obra,
Durante mucho tiempo, la introducción planteó un enigma tanto para analistas como para críticos. ... La clave del vínculo entre la introducción y lo que sigue es... el don de Tchaikovsky de ocultar conexiones motívicas detrás de lo que parece ser un destello de inspiración melódica. La melodía de apertura comprende los elementos centrales motívicos más importantes de toda la obra, algo que no es inmediatamente obvio debido a su calidad lírica. Sin embargo, un análisis más detenido muestra que los temas de los tres movimientos están sutilmente vinculados. Tchaikovsky presenta su material estructural de una manera lírica y espontánea, pero con un alto grado de planificación y cálculo. [31]
Maes añade que todos los temas están unidos por un fuerte vínculo motivador. Estos temas incluyen la canción popular ucraniana "Oi, kriache, kriache, ta y chornenkyi voron ..." como primer tema del primer movimiento propiamente dicho; la chansonette francesa "Il faut s'amuser, danser et rire" ("Hay que divertirse, bailar y reír") en la sección central del segundo movimiento; y una vesnianka ucraniana "Vyidy, vyidy, Ivanku" o saludo a la primavera que aparece como primer tema del final. El segundo tema del final se deriva motivativamente de la canción popular rusa "Poydu, poydu vo Tsar-Gorod" ("Voy a la capital") [32] y también comparte este vínculo motivacional. La relación entre ellos a menudo se ha atribuido al azar porque todas eran canciones muy conocidas en el momento en que Tchaikovsky compuso el concierto. Pero parece probable que utilizara estas canciones precisamente por su conexión motívica. "La selección del material folclórico", escribe Maes, "fue de la mano de la planificación de la estructura a gran escala de la obra". [33]
Todo esto está en línea con el análisis anterior del concierto realizado por la autoridad de Tchaikovsky, David Brown , quien sugiere además que la Primera Sinfonía de Alexander Borodin puede haberle dado a Tchaikovsky tanto la idea de escribir tal introducción como de vincular la obra motivadamente como lo hace. Brown también identifica una frase musical de cuatro notas cifrada a partir del propio nombre de Tchaikovsky y una frase de tres notas igualmente tomada del nombre de la soprano Désirée Artôt , con quien el compositor había estado comprometido algunos años antes. [34]
El segundo movimiento, en re ♭ mayor, está en6
8tiempo. La marca del tempo, "andantino semplice", se presta a una variedad de interpretaciones; la grabación de la época de la Segunda Guerra Mundial realizada por Vladimir Horowitz y Arturo Toscanini completó el movimiento en menos de seis minutos, [35] mientras que, en el otro extremo, Lang Lang grabó el movimiento con la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por Daniel Barenboim en ocho minutos. [36]
Después de una breve introducción en pizzicato, la flauta transmite la primera exposición del tema. Las cuatro notas iniciales de la flauta son A ♭ –E ♭ –F – A ♭ , mientras que cada otra declaración de este motivo en el resto del movimiento sustituye el F por un B (más alto) ♭ . El pianista británico Stephen Hough sugiere que esto puede ser un error en la partitura publicada y que la flauta debería tocar en si ♭ . [37] Después de la declaración inicial de la melodía de la flauta, el piano continúa y modula en fa mayor. Después de una sección de puente, regresan dos violonchelos con el tema en re ♭ mayor y el oboe lo continúa. La sección La termina con el piano tocando un acorde de fa mayor alto, pianissimo. La sección B del movimiento está en re menor (la relativa menor de fa mayor) y está marcada como "allegro vivace assai" o "prestissimo", según la edición. Comienza con una introducción virtuosa al piano antes de que el piano asuma un papel de acompañamiento y las cuerdas comiencen una nueva melodía en re mayor. La sección B termina con otro pasaje virtuoso de piano solo, que conduce al regreso de la sección A. En el regreso, el piano hace la primera exposición, ahora ornamentada, del tema. El oboe continúa el tema, esta vez resolviéndolo en la tónica (D ♭ mayor) y estableciendo una breve coda que termina ppp en otra cadencia plagal.
El movimiento final, en forma de rondó , comienza con una brevísima introducción . El tema La , en si ♭ menor, es alegre y parecido a una marcha. Esta melodía es tocada por el piano hasta que la orquesta toca una variación de la misma ff . El tema en si , en re ♭ mayor, es más lírico y la melodía la tocan primero los violines y luego el piano. Un conjunto de escalas descendentes conduce a la versión abreviada del tema A.
El tema en Do se escucha después, modulando a través de varias tonalidades, que contiene un ritmo punteado, y un solo de piano conduce a:
Se escuchan los últimos compases de la sección A , y luego aparece el B , esta vez en mi ♭ mayor. Otro conjunto de escalas descendentes conduce a la A una vez más. Esta vez termina con media cadencia en una dominante secundaria, en la que comienza la coda . Una preparación urgente conduce a un colapso repentino con las octavas de fa mayor como punto de transición a la última melodía de si♭ mayor interpretada junto con la orquesta, y se fusiona en un episodio culminante dramático y extendido, que gradualmente se convierte en una prolongación dominante. Luego se escuchan las melodías del tema B en B ♭ mayor. Después de eso, la parte final de la coda, marcada allegro vivo, lleva la obra a su fin con una cadencia perfecta y auténtica.
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