¡Whaam! es una pintura díptico de 1963 del artista estadounidense Roy Lichtenstein . Es una de las obras de arte pop más conocidas y una de las pinturas más importantes de Lichtenstein. [1] ¡Whaam! se exhibió por primera vez en la galería Leo Castelli de la ciudad de Nueva York en 1963 y fue adquirida por la Tate Gallery de Londres en 1966. Ha estado en exhibición permanente en la Tate Modern desde 2006.
El panel de la izquierda muestra un avión de combate disparando un cohete que, en el panel de la derecha, golpea a un segundo avión que explota en llamas. Lichtenstein adaptó la imagen de varios paneles de cómics , siendo la fuente principal un panel ilustrado por Irv Novick de un cómic de guerra de 1962. Lichtenstein transformó la fuente presentándola como un díptico al tiempo que alteraba la relación de los elementos gráficos y narrativos. Whaam! se destaca por la integración temporal, espacial y psicológica de sus dos paneles. El título de la pintura es parte integral de la acción y el impacto de la pintura, y se muestra en una gran onomatopeya en el panel derecho.
Lichtenstein estudió como artista antes y después de servir en el Ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial . Practicó ejercicios antiaéreos durante el entrenamiento básico y fue enviado a un entrenamiento de piloto, pero el programa fue cancelado antes de comenzar. Entre los temas que abordó después de la guerra estaban el romance y la guerra . Representó el combate aéreo en varias obras. Whaam! es parte de una serie sobre la guerra en la que trabajó entre 1962 y 1964, y junto con As I Opened Fire (1964) es una de sus dos grandes pinturas con temática bélica.
En 1943 Lichtenstein dejó sus estudios de pintura y dibujo en la Universidad Estatal de Ohio para servir en el Ejército de los EE. UU., donde permaneció hasta enero de 1946. Después de ingresar a programas de capacitación para idiomas, ingeniería y pilotaje, todos los cuales fueron cancelados, sirvió como ordenanza, dibujante y artista en roles no combatientes. [2] [3] Una de sus tareas en Camp Shelby era agrandar las caricaturas de Stars and Stripes de Bill Mauldin . [2] Fue enviado a Europa con un batallón de ingenieros, pero no vio combate activo. [2] Como pintor, finalmente se decidió por un estilo expresionista abstracto con elementos parodistas. [4] Alrededor de 1958 comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas. [5]
A finales de los años 1950 y principios de los 1960 surgió una nueva generación de artistas con un enfoque más objetivo y "cool" caracterizado por los movimientos artísticos conocidos hoy como minimalismo , [6] pintura de bordes duros , [7] pintura de campos de color , [8] el movimiento neo-Dada , [9] Fluxus , [10] y el arte pop , todos los cuales redefinieron el arte contemporáneo de vanguardia de la época. El arte pop y el neo-Dada reintrodujeron y cambiaron el uso de las imágenes al apropiarse de temas del arte comercial, los bienes de consumo, la historia del arte y la cultura dominante. [11] [12] Lichtenstein alcanzó reconocimiento internacional durante la década de 1960 como uno de los iniciadores del movimiento de arte pop en Estados Unidos. [13] Con respecto a su uso de imágenes , la curadora del MoMA Bernice Rose observó que Lichtenstein estaba interesado en "desafiar la noción de originalidad tal como prevalecía en ese momento". [14]
Los primeros trabajos de Lichtenstein basados en cómics, como Look Mickey, se centraban en personajes animados populares. En 1963, había avanzado hacia temas más serios y dramáticos, centrándose típicamente en situaciones románticas o escenas de guerra. [15] Los cómics como género estaban poco valorados en aquella época. La antipatía pública llevó en 1954 a que se examinaran las supuestas conexiones entre los cómics y la delincuencia juvenil durante las investigaciones del Senado sobre la delincuencia juvenil ; [16] a finales de esa década, los cómics se consideraban material "de la más baja clase comercial e intelectual", según Mark Thistlethwaite del Museo de Arte Moderno de Fort Worth . [16] Lichtenstein no era un entusiasta de los cómics cuando era joven, [17] pero se sintió atraído como artista por el desafío de crear arte basado en un tema alejado de la típica "imagen artística". [18] Lichtenstein admitió que estaba "muy entusiasmado y muy interesado en el contenido altamente emocional pero el tratamiento desprendido e impersonal del amor, el odio, la guerra, etc., en estas imágenes de dibujos animados". [15]
Las obras de Lichtenstein, basadas en cómics de guerra y romance, tomaron temas heroicos de pequeños paneles originales y los monumentalizaron. [19] ¡Whaam! es comparable en tamaño a los lienzos generalmente grandes pintados en esa época por los expresionistas abstractos. [20] Es una de las muchas obras de Lichtenstein con un tema aeronáutico. [21] Dijo que "los héroes representados en los cómics son tipos fascistas, pero no los tomo en serio en estas pinturas; tal vez haya un motivo para no tomarlos en serio, un motivo político. Los uso por razones puramente formales". [22]
¡Whaam! adapta un panel de Irv Novick de la historia "Star Jockey" del número 89 de All-American Men of War de DC Comics (febrero de 1962). [23] [24] [25] El original forma parte de una secuencia de sueños en la que el piloto ficticio del Mustang P-51 de la Segunda Guerra Mundial , Johnny Flying Cloud, "el as navajo ", se imagina volando un caza a reacción mientras derriba otros aviones a reacción. [26] [27] En la pintura de Lichtenstein, tanto los aviones atacantes como los objetivos son reemplazados por diferentes tipos de aeronaves. Paul Gravett sugiere que Lichtenstein sustituyó el avión atacante por un avión de "Wingmate of Doom", ilustrado por Jerry Grandenetti en el número posterior (#90, abril de 1962), [28] y que el avión objetivo fue tomado prestado de un dibujo de Russ Heath [29] en el tercer panel de la página 3 de la historia "Aces Wild" en el mismo número 89. [28] La pintura también omite el globo de diálogo de la fuente en el que el piloto exclama "¡El enemigo se ha convertido en una estrella llameante!" [30]
Una pintura al óleo más pequeña de un solo panel de Lichtenstein de la misma época, Tex!, tiene una composición similar, con un avión en la parte inferior izquierda disparando un misil aire-aire a un segundo avión que está explotando en la parte superior derecha, con una burbuja de diálogo. [31] El mismo número de All-American Men of War fue la inspiración para al menos otras tres pinturas de Lichtenstein, Okay Hot-Shot, Okay!, Brattata y Blam , además de Whaam! y Tex! [32] El boceto a lápiz de grafito, Jet Pilot, también fue de ese número. [33] Varias de las otras obras basadas en cómics de Lichtenstein están inspiradas en historias sobre Johnny Flying Cloud escritas por Robert Kanigher e ilustradas por Novick, incluyendo Okay Hot-Shot, Okay!, Jet Pilot y Von Karp . [27]
Lichtenstein representó repetidamente combates aéreos entre Estados Unidos y la Unión Soviética . [3] A principios y mediados de la década de 1960, produjo esculturas de "explosiones", tomando temas como la "liberación catastrófica de energía" de pinturas como Whaam! y representándolos en formas independientes y en relieve. [34] En 1963, estaba parodiando una variedad de obras de arte, desde publicidad y cómics hasta obras maestras modernas de " alta arte " de Cézanne , Mondrian , Picasso y otros. En ese momento, Lichtenstein señaló que "las cosas que aparentemente he parodiado en realidad las admiro". [35]
La primera exposición individual de Lichtenstein se celebró en la Galería Leo Castelli de la ciudad de Nueva York, del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962. Se agotó antes de su inauguración. [36] La exposición incluyó Look Mickey , [37] Engagement Ring , Blam y The Refrigerator . [38] Según el sitio web de la Fundación Lichtenstein, Whaam! fue parte de la segunda exposición individual de Lichtenstein en la Galería Leo Castelli del 28 de septiembre al 24 de octubre de 1963, que también incluyó Drowning Girl , Baseball Manager , In the Car , Conversation y Torpedo...Los! [2] [36] Los materiales de marketing para la muestra incluyeron la obra de arte litográfica , Crak! [39] [40]
El sitio web de la Fundación Lichtenstein dice que Lichtenstein comenzó a utilizar su técnica de proyector opaco en 1962. [2] En 1967 describió su proceso para producir arte basado en cómics de la siguiente manera:
Los hago de la forma más directa posible. Si trabajo a partir de una caricatura, una fotografía o lo que sea, dibujo una imagen pequeña, del tamaño que quepa en mi proyector opaco... No dibujo una imagen para reproducirla, sino para recomponerla... Paso de tener mi dibujo casi igual al original a inventármelo por completo. [41]
En 1966, la Tate Gallery compró Whaam!. [2] En 1969, Lichtenstein donó su dibujo inicial en grafito sobre papel Drawing for ' Whaam! ' , describiéndolo como un "garabato a lápiz". [42] Según la Tate, Lichtenstein afirmó que este dibujo representaba su "primera visualización de Whaam! y que fue ejecutado justo antes de comenzar la pintura". [43] Aunque había concebido una obra de arte unificada en un solo lienzo, hizo el boceto en dos hojas de papel de igual tamaño: 14,9 cm × 30,5 cm (5,9 pulgadas × 12,0 pulgadas). [43] La pintura ha estado expuesta en la Tate Modern desde 2006. [44] En 2012-13, ambas obras se incluyeron en la retrospectiva de Lichtenstein más grande exhibida hasta ahora, visitando el Instituto de Arte de Chicago , la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, la Tate Modern en Londres y el Centro Pompidou . [45]
¡Whaam! muestra un avión de combate en el panel izquierdo disparando un cohete contra un avión enemigo en el panel derecho, que se desintegra en una explosión de vivos colores rojo y amarillo. El estilo de dibujos animados se enfatiza con el uso de la letra onomatopéyica "¡WHAAM!" en el panel derecho y un subtítulo en un recuadro amarillo con letras negras en la parte superior del panel izquierdo. La exclamación textual "¡WHAAM!" puede considerarse el equivalente gráfico de un efecto de sonido . [46] Esto se convertiría en una característica de su obra, como otras de sus pinturas onomatopéyicas que contienen exclamaciones como Bratatat! y Varoom! [47]
Whaam! es una de las series de imágenes de guerra de Lichtenstein, que típicamente combina colores vibrantes con una narrativa expresiva. [48] Whaam! es muy grande, mide 1,7 m × 4,0 m (5 pies 7 pulgadas × 13 pies 4 pulgadas). [23] Es menos abstracto que As I Opened Fire , otra de sus escenas de guerra. [46] Lichtenstein emplea su estilo habitual de cómic: imágenes estereotipadas en colores primarios brillantes con contornos negros, junto con imitaciones de los puntos Ben-Day de la impresora mecánica . [49] El uso de estos puntos, que fueron inventados por Benjamin Day para simular variaciones de color y sombreado, se considera el "método característico" de Lichtenstein. [50] Whaam! se aleja de los dípticos anteriores de Lichtenstein, como Step-on-Can with Leg y Like New , en que los paneles no son dos variaciones de la misma imagen. [25]
Aunque Lichtenstein se esforzó por permanecer fiel a las imágenes originales, construyó sus pinturas de manera tradicional, comenzando con un boceto que ajustó para mejorar la composición y luego proyectó sobre un lienzo para hacer la pintura terminada. [51] En el caso de Whaam!, el boceto está en dos hojas de papel y la obra terminada está pintada con acrílico Magna y pintura al óleo sobre lienzo. [31] Aunque la transformación de una concepción de un solo panel a una pintura díptico ocurrió durante el boceto inicial, la obra final varía del boceto en varias formas. El boceto sugiere que el motivo "WHAAM!" estaría coloreado de blanco, aunque es amarillo en la obra terminada. [42] [43] Lichtenstein amplió el tema gráfico principal de cada panel (el avión a la izquierda y las llamas a la derecha), acercándolos como resultado. [43]
Lichtenstein construyó la imagen con múltiples capas de pintura. La pintura se aplicó utilizando un cepillo de fregar y una pantalla de metal hecha a mano para producir puntos Ben-Day mediante un proceso que dejaba evidencia física. [52] [53] La técnica de los puntos Ben-Day le permitió a Lichtenstein dar a sus obras una sensación de reproducción mecánica. Lichtenstein dijo que la obra "se supone que debe parecer una falsificación, y lo logra, creo". [50]
Lichtenstein dividió la composición en dos paneles para separar la acción de su consecuencia. [25] El panel izquierdo presenta el avión atacante, colocado en diagonal para crear una sensación de profundidad, debajo del globo de texto, que Lichtenstein ha relegado al margen sobre el avión. [25] En el panel derecho, el avión en explosión, representado de frente, está delineado por las llamas, acompañado por la audaz exclamación "¡WHAAM!". [25] Aunque están separados, con un panel que contiene el lanzamiento del misil y el otro su explosión, lo que representa dos eventos distintos, [54] los dos paneles están claramente vinculados espacial y temporalmente, sobre todo por la estela de humo horizontal del misil. [55] Lichtenstein comentó sobre esta pieza en una carta del 10 de julio de 1967: "Recuerdo que me preocupaba la idea de hacer dos pinturas casi separadas que tuvieran poco indicio de conexión compositiva y cada una tuviera un carácter estilístico ligeramente separado. Por supuesto, existe la conexión humorística de un panel que dispara al otro". [56]
Lichtenstein alteró la composición para hacer la imagen más convincente, al hacer que el avión en explosión fuera más prominente en comparación con el avión atacante que en el original. [25] La estela de humo del misil se convierte en una línea horizontal. Las llamas de la explosión dominan el panel derecho, [25] pero el piloto y el avión en el panel izquierdo son el foco narrativo. [46] Ejemplifican el minucioso detalle de Lichtenstein de las características físicas como la cabina del avión. [57] El otro elemento del contenido narrativo es un globo de texto que contiene el siguiente texto: "Presioné el control de fuego ... y delante de mí los cohetes atravesaron el cielo ..." [52] Este es uno de los textos que se cree que fue escrito por el editor de All-American Men of War , Robert Kanigher . [28] [58] [59] La palabra amarilla "¡WHAAM!", alterada del rojo del panel del cómic original y del blanco del boceto a lápiz, vincula el amarillo de la explosión debajo de ella con el cuadro de texto a la izquierda y las llamas del misil debajo del avión atacante.
Los préstamos de Lichtenstein de los cómics imitaron su estilo al tiempo que adaptaron su temática. [60] Explicó que "los carteles y las tiras cómicas son interesantes como tema. Hay ciertas cosas que son utilizables, contundentes y vitales en el arte comercial". Rebecca Bengal en PBS escribió que la claridad gráfica de Whaam! ejemplifica el estilo de línea clara asociado con Hergé , un dibujante cuya influencia reconoció Lichtenstein. [61] Lichtenstein se sintió atraído por usar un estilo fresco y formal para representar temas emotivos, dejando que el espectador interpretara la intención del artista. [51] Adoptó un esquema de color simplificado y técnicas similares a la impresión comercial. La técnica prestada fue "representar variaciones tonales con patrones de círculos de colores que imitaban las pantallas de medios tonos de los puntos Ben Day utilizados en la impresión de periódicos, y rodearlos con contornos negros similares a los utilizados para ocultar imperfecciones en el papel de periódico barato". [60] Lichtenstein dijo una vez sobre su técnica: "Tomo un cliché y trato de organizar sus formas para hacerlo monumental". [52]
La pintura fue, en general, bien recibida por los críticos de arte cuando se exhibió por primera vez. Una reseña de la revista Art Magazine de noviembre de 1963 escrita por Donald Judd describió Whaam! como una de las "pinturas amplias y poderosas" de la exposición de 1963 en la Galería Castelli. [36] En su reseña de la exposición, el crítico de arte del New York Times Brian O'Doherty describió la técnica de Lichtenstein como "puntillismo de máquina de escribir... que martilla laboriosamente momentos como un avión derribando a otro avión con un gran BLAM". Según O'Doherty, el resultado "ciertamente no era arte, [pero] el tiempo puede hacer que lo sea", dependiendo de si podía ser "racionalizado... y colocado en línea para que el futuro lo asimilara como historia, lo que muestra todas las señales de estar haciendo". [62] La Tate Gallery de Londres adquirió la obra en 1966, lo que provocó una acalorada discusión entre sus fideicomisarios y algunos miembros vocales del público. La compra se realizó a la marchante de arte Ileana Sonnabend , cuyo precio de venta de £4.665 (£109.763 en la moneda de 2024) se redujo mediante negociación a £3.940 (£92.704 en la moneda de 2024). [63] Algunos fideicomisarios de la Tate se opusieron a la adquisición, entre ellos la escultora Barbara Hepworth , el pintor Andrew Forge y el poeta y crítico Herbert Read . [63] En defensa de la adquisición, el historiador de arte Richard Morphet, entonces conservador asistente en la Tate, sugirió que la pintura aborda varios temas y estilos pictóricos al mismo tiempo: "pintura histórica, extravagancia barroca y el fenómeno cotidiano de las tiras cómicas de circulación masiva". [64] The Times en 1967 describió la adquisición como una "pintura muy grande y espectacular". [65] El director de la Tate, Norman Reid , dijo más tarde que la obra despertó más interés público que cualquiera de sus adquisiciones desde la Segunda Guerra Mundial. [66]
En 1968, Whaam! se incluyó en la primera exposición individual de la Tate sobre la obra de Lichtenstein. [66] La muestra atrajo a 52.000 visitantes y fue organizada en colaboración con el Museo Stedelijk de Ámsterdam, [63] que más tarde albergó la exposición del 4 de noviembre al 17 de diciembre de 1967, antes de viajar a otros tres museos. [2]
Para José Pierre, Whaam! representa la expansión de Lichtenstein en 1963 "hacia la vena 'épica'". [67] Keith Roberts, en un artículo de la revista Burlington de 1968, describió la explosión como una combinación de "la elegancia del art nouveau con una energía nerviosa que recuerda al expresionismo abstracto". [68] Wendy Steiner cree que la obra es la composición basada en cómic más lograda y armoniosa de Lichtenstein. Ella ve los elementos narrativos y gráficos como complementarios: la acción y la alineación espacial llevan la mirada del espectador de izquierda a derecha para enfatizar la relación entre la acción y su consecuencia explosiva. Las elipses del globo de texto presentan una progresión que culmina con un "¡WHAAM!". La "coincidencia del orden pictórico y verbal" es clara para el espectador occidental con el texto explicativo comenzando en la esquina superior izquierda y el vector de acción moviéndose desde el primer plano izquierdo al fondo derecho, culminando en una explosión gráfica en tándem con una exclamación narrativa. [69] Steiner dice que la sorprendente incongruencia de los dos paneles (el izquierdo parece estar "truncado", mientras que el derecho representa una explosión centralizada) realza el poder narrativo de la obra. [69]
Ernst A. Busche ha caracterizado la técnica de Lichtenstein como "la ampliación y unificación de su material de origen... sobre la base de estrictos principios artísticos". [60] Extraída de una narración más amplia, la imagen estilizada resultante se convirtió en algunos casos en una "abstracción virtual". Al recrear sus técnicas gráficas minimalistas, Lichtenstein reforzó la naturaleza artificial de las tiras cómicas y los anuncios publicitarios. La ampliación que hizo Lichtenstein de su material de origen hizo que sus motivos dibujados de forma impersonal parecieran aún más vacíos. Busche también dice que, aunque en estas imágenes se puede leer una crítica de la América industrial moderna, Lichtenstein "parecería aceptar el entorno tal como se revela en su material de referencia como parte de la cultura industrial capitalista estadounidense". [60]
David McCarthy contrastó la presentación "desapasionada, distante y extrañamente incorpórea" de Lichtenstein del combate aéreo con la obra de HC Westermann , para quien la experiencia del servicio militar en la Segunda Guerra Mundial inculcó una necesidad de horrorizar y escandalizar. En contraste, Lichtenstein registra su "comentario sobre la civilización estadounidense" al ampliar imágenes de cómics de varios centímetros de alto a las dimensiones sobredimensionadas de la pintura histórica . [3] Laura Brandon vio un intento de transmitir "la trivialización de la cultura endémica en la vida estadounidense contemporánea" al representar una escena impactante de combate como un acto banal de la Guerra Fría. [70]
Carol Strickland y John Boswell dicen que al ampliar los paneles de cómic a un tamaño enorme con puntos, "Lichtenstein abofeteó al espectador en la cara con su trivialidad". [49] HH Arnason señaló que Whaam! presenta "colores limitados y planos y un dibujo duro y preciso", que producen "una pintura temática de bordes duros que documenta mientras parodia suavemente las imágenes heroicas familiares de la América moderna". [71] El estilo plano y muy acabado de pinceladas planificadas puede verse como la reacción del arte pop contra la soltura del expresionismo abstracto. [72] Alastair Sooke dice que la obra puede interpretarse como un autorretrato simbólico en el que el piloto en el panel izquierdo representa a Lichtenstein "venciendo a sus competidores en una dramática pelea aérea en el mundo del arte" disparando un misil a la colorida "parodia de la pintura abstracta" en el panel derecho. [64]
Según Ernesto Priego, si bien la obra adapta una fuente de cómic, la pintura no es ni un cómic ni una viñeta de cómic, y "su significado es únicamente referencial y post hoc ". Dirige la atención de su audiencia a características como el género y los métodos de impresión. Visual y narrativamente, la viñeta original era el elemento culminante de una composición dinámica en página. Lichtenstein enfatiza la onomatopeya mientras minimiza el discurso articulado al eliminar el globo de diálogo. Según Priego, "al despojar a la viñeta de cómic de su contexto narrativo, ¡Whaam! es representativa en el ámbito de las bellas artes de la preferencia de la imagen-icono sobre la imagen-narrativa". [59]
A veces se dice que Whaam! pertenece al mismo género antibélico que el Guernica de Picasso , una sugerencia que Bradford R. Collins rechaza. En cambio, Collins ve la pintura como una fantasía de venganza contra la primera esposa de Lichtenstein, Isabel, concebida durante su amarga batalla de divorcio (la pareja se separó en 1961 y se divorció en 1965). [73]
Marla F. Prather observó que la gran escala y la representación dramática de Whaam! contribuyeron a su posición como una obra histórica del arte pop. [72] Junto con As I Opened Fire , la otra pintura de guerra monumental de Lichtenstein, Whaam! se considera la culminación de las dramáticas obras de cómics de guerra de Lichtenstein, según Diane Waldman. [74] Se la describe ampliamente como la obra más famosa de Lichtenstein, [75] [76] [77] o, junto con Drowning Girl , como una de sus dos obras más famosas. [78] [79] Andrew Edgar y Peter Sedgwick la describen, junto con los grabados de Marilyn Monroe de Warhol , como una de las obras más famosas del arte pop. [80] Gianni Versace una vez vinculó las dos imágenes icónicas del arte pop a través de sus diseños de vestidos . [81] Según Douglas Coupland , la World Book Encyclopedia usó imágenes de Monroes y Whaam! de Warhol para ilustrar su entrada de arte pop. [82]
Los cómics, a su vez, se vieron afectados por el impacto cultural del arte pop. A mediados de los años 1960, algunos cómics mostraban un nuevo énfasis en los colores chillones, los efectos de sonido enfáticos y los diálogos forzados (los elementos del estilo de los cómics que habían llegado a considerarse exagerados ) en un intento de atraer a lectores mayores, universitarios, que apreciaban el arte pop. [83] Gravett observó que la "simplicidad y la obsolescencia [de los cómics] eran motivo de burla". [28]
Whaam! fue una de las obras claves exhibidas en una importante retrospectiva de Lichtenstein en 2012-2013 que fue diseñada, según Li-mei Hoang, para demostrar "la importancia de la influencia de Lichtenstein, su compromiso con la historia del arte y su legado perdurable como artista". [84] En su reseña de la retrospectiva de Lichtenstein en la Tate Modern , Adrian Searle de The Guardian —quien en general no se entusiasmó con la obra de Lichtenstein— atribuyó al título de la obra la descripción precisa de su contenido gráfico: "¡Whaam! dice la pintura, mientras el cohete impacta, y el caza enemigo explota en un rugido lívido de cómic". [85] El crítico del Daily Telegraph Alastair Smart escribió una reseña despectiva en la que reconocía la reputación de Lichtenstein como una figura destacada en "el descarado asalto del arte pop a los arrogantes y engreídos expresionistas abstractos", cuyas obras Smart dijo que Whaam! imitaba por su enorme escala. Smart dijo que la obra no era ni un comentario positivo sobre el espíritu combativo estadounidense ni una crítica, sino que era notable por marcar "el impacto incendiario de Lichtenstein en la escena artística estadounidense". [20]
Los detractores han expresado su preocupación por la apropiación de Lichtenstein , ya que hace referencia directa a imágenes de otras fuentes [86] en Whaam! y otras obras del período. [28] Algunos lo han denigrado como una mera copia, a lo que otros han respondido que Lichtenstein alteró sus fuentes de formas significativas y creativas. [64] En respuesta a las denuncias de plagio, la Fundación Roy Lichtenstein ha señalado que los editores nunca han demandado por infracción de derechos de autor , y que nunca plantearon el problema cuando el trabajo derivado de los cómics de Lichtenstein ganó atención por primera vez en la década de 1960. [87] Otras críticas se centran en el hecho de que Lichtenstein no dio crédito a los artistas originales de sus fuentes; [64] [88] [89] Ernesto Priego implica a National Periodicals en el caso de Whaam!, ya que los artistas nunca fueron acreditados en los cómics originales. [59]
En el documental de 2013 de Alastair Sooke para la BBC Four , que tuvo lugar frente a Whaam! en la Tate Modern, el dibujante de cómics británico Dave Gibbons cuestionó la afirmación de Sooke de que la pintura de Lichtenstein mejoraba el panel de Novick, diciendo: "Esto para mí parece plano y abstracto, hasta el punto de que a mis ojos es confuso. Mientras que el original tiene una calidad tridimensional, tiene una espontaneidad, tiene una emoción y una forma de involucrar al espectador de la que éste carece". [28] Gibbons ha parodiado la derivación de Lichtenstein de la obra de Novick. [28] [90]
una de las pinturas más famosas de Roy Lichtenstein al poner letras gigantes que deletreaban "¡WHAAM!" en un vestido de noche amarillo de Clevore. Adornó un vestido de seda con cuello halter con las célebres imágenes de Marilyn Monroe de Andy Warhol...
