[16]​ En 1851, la pintura entró en el Nuevo Hermitage, y en 1897 fue transferida a la colección del difunto emperador Alejandro III de Rusia (hoy Museo Ruso).

El artista no muestra las hazañas de un héroe, sino un desastre natural que ha golpeado a muchas personas, lo que por primera vez trajo la pintura histórica a la corriente principal del público popular en lugar de permanecer confinado en un pequeño círculo aristocrático.

[33]​ Las excavaciones sistemáticas comenzaron en 1748, continuaron a principios del siglo XIX,[34]​ y entonces se crearon obras de arte relacionadas con el evento, por ejemplo, en 1822, el artista inglés John Martin pintó un gran cuadro Destrucción de Pompeya y Herculano (pintura al óleo, 161,6 × 253,0 cm, ahora en la galería Tate Britain).

[35]​ y en 1824 se produjo la ópera italiana del compositor Giovanni Pacini L'ultimo giorno di Pompei, decorada por Alessandro Sanquirico.

[38]​ Gracias a ello, en el mismo año 1824, Aleksandr Briulov visitó Pompeya, lo que le causó una gran impresión.

[51]​[52]​ En Pompeya, pasó cuatro días visitando las ruinas que le causaron una gran impresión,[53]​ entre los que lo acompañaron en este viaje se encontraban la condesa María Razumovskaya, el futuro senador Hipólito Podchasski,[5]​ y también la condesa Yulia Samoilova y el príncipe Anatole Demidoff.

<...> Por otro lado, una espantosa nube negra invade el cielo, atravesada por zigzags de fuego; se despliega en bandas amplias y extravagantes como un gran rayo.

En la misma carta Sylvestre Shchedrin señala que entre ellos estaba Karl Briulov, «Pero tan pronto como llegó a mi casa, fue gracioso, pero el volcán se calmó y dejó su actividad volcánica, así que después de cuatro días Briulov regresó a Roma».

[84]​ En 1832, poco antes de su muerte, Briulov fue visitado por el escritor escocés Walter Scott, quien pasó varias horas frente al lienzo.

Durante dos semanas Briulov fue a su taller para tratar de entender el error que había cometido.

La crítica publicada por la revista Débats fue incluso más negativa: «No hay inspiración en este trabajo, deja al espectador frío y sin interés».

[112]​ El emperador Nicolás I ordenó que se le ofreciera a Briulov un anillo de diamantes.

Después de eso, Iván guardó silencio durante mucho tiempo, sentado frente al cuadro, y por primera vez en mucho tiempo, no tosió, sino que cerró los ojos y los abrió como si quisiera capturar la imagen del cuadro para conservarla en él.

[126]​ Se realizó un brindis a Karl Briulov por su pintura que «glorificó en Europa el nombre de un pintor ruso».

[145]​ Algunos personajes se convierten en personificaciones de generosidad:[146]​ ante el peligro muestran sentimientos exaltados, devoción, coraje y amor.

Una madre y sus dos hijas arrodilladas permanecen inmóviles: su fe en Dios es tan fuerte que ponen toda su fuerza en la oración.

[151]​ La joven que se cayó de un carro con su hijo es el grupo más central en la versión final del lienzo.

En una primera versión, la pintura representaba a un ladrón apoyado en el cuerpo de la mujer muerta para robar sus joyas.

[158]​ Al describir este grupo en una carta a su hermano Teodoro, escribe: «... presento un episodio que le sucedió al propio Plinio: la madre de este último, debilitada por su avanzada edad, no está en un estado de huir y le ruega a su hijo que se vaya solo.

Pero el hijo usa toda su fuerza para llevarla con él.» Este episodio ocurrió en Cabo Miseno, como dice Plinio en una carta a Tácito.

Sin embargo, según la crítica de arte Magdalena Rakova, en el lienzo este grupo parece congelado e inmóvil.

[184]​ El artista con sus pinceles y la joven con su jarra en la cabeza son los personajes últimos introducidos en la composición del lienzo de Briulov.

[205]​ Es aquí donde Gógol sitúa la perfección alcanzada por el artista en que, en esta catástrofe, consigue mostrar toda la belleza del hombre y la gracia suprema de la naturaleza.

En homenaje a Briulov, escribe que este nuevo cuadro de su «competidor» «es muy bello, sobre todo para el público».

[210]​ En la misma carta señala la insuficiente diversidad psicológica de los actores del lienzo y escribe: «Puedo ser un poco quisquilloso, pero me gusta ver en la pintura sentimientos profundos».

Al mismo tiempo, Benois sintió que el público y los pintores se habían entusiasmado con esta pintura porque llamaba mucho la atención «por su viejo pero violento pathos».

El éxito del joven pintor ruso fue sin embargo prodigioso en Italia, donde los extranjeros están celosos de buena gana.

[19]​ A la luz de las concepciones artísticas del siglo XX, el entusiasmo por esta pintura ha disminuido, casi desaparecido.

Aunque su producción fue abundante, Briulov sigue siendo el hombre de una única pintura que le valió una reputación europea en su época.

Los dos retratos de la graciosa Yulia Samoilova y su hija adoptiva se encuentran entre los más atractivos del período romántico.