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Un taller ( en francés: [atəlje] ) es el taller o estudio privado de un artista profesional en bellas artes o artes decorativas o de un arquitecto , donde un maestro principal y varios asistentes, estudiantes y aprendices pueden trabajar juntos para producir bellas artes o artes visuales publicadas bajo el nombre o la supervisión del maestro.
Los talleres fueron la práctica vocacional estándar para los artistas europeos desde la Edad Media hasta el siglo XIX, y eran comunes en otras partes del mundo. En la Europa medieval, esta forma de trabajar y enseñar a menudo era impuesta por las regulaciones de los gremios locales , como las del gremio de pintores de San Lucas y de otros gremios de artesanos. Los aprendices generalmente comenzaban a trabajar en tareas simples cuando eran jóvenes y, después de algunos años, con un aumento de conocimientos y experiencia, se convertían en oficiales , antes de posiblemente convertirse ellos mismos en maestros. Este sistema de maestro-aprendiz fue reemplazado gradualmente a medida que los gremios, una vez poderosos, declinaron y la academia se convirtió en un método favorito de capacitación. Sin embargo, muchos artistas profesionales continuaron utilizando estudiantes y asistentes como lo habían hecho en los talleres; a veces, el artista pagaba a los estudiantes-asistentes, mientras que otras veces pagaban al artista honorarios para aprender. [1]
En el arte, el taller consiste en un artista maestro , generalmente un pintor , escultor o arquitecto profesional (o, desde mediados del siglo XIX, un fotógrafo de bellas artes ) que trabaja con un pequeño número de estudiantes para capacitarlos en artes visuales o bellas artes. Un taller también puede ser el espacio de trabajo y estudio de un diseñador de moda de alta costura , un estilista o artistas en general. Se pueden encontrar escuelas de taller en todo el mundo, particularmente en América del Norte y Europa Occidental . [2]
Aunque los métodos varían, la mayoría de los talleres de pintura capacitan a los estudiantes en las habilidades y técnicas asociadas con la creación de alguna forma de arte figurativo, la creación de imágenes bidimensionales que parecen reales para el espectador. Tradicionalmente, incluyen sesiones de dibujo o pintura de desnudos .
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El dibujo a escala es un método para dibujar y pintar un objeto exactamente como lo ve el artista, en una escala de uno a uno. El artista primero establece un punto de observación donde el sujeto y la superficie de dibujo parecen tener el mismo tamaño. Luego, utilizando una variedad de herramientas de medición, que pueden incluir niveles , espejos , plomadas , cuerdas y palos, el artista dibuja el sujeto de modo que, cuando se ve desde el punto de observación establecido, el dibujo y el sujeto tengan exactamente las mismas dimensiones . Cuando se hace correctamente, el dibujo a escala puede dar como resultado dibujos extremadamente precisos y realistas. También se puede utilizar para dibujar las dimensiones exactas de un modelo en preparación para una pintura. [ cita requerida ]
Los talleres que siguen el método de la vista a tamaño real generalmente coinciden en que la práctica del dibujo cuidadoso es la base de la pintura , enseñando una forma de realismo basada en observaciones cuidadosas de la naturaleza con atención al detalle. Con este método, los estudiantes progresan a través de una serie de tareas como el dibujo de yeso, la pintura de yeso, el dibujo y la pintura a partir del modelo vivo y la naturaleza muerta. Los estudiantes deben completar cada tarea a satisfacción del instructor antes de avanzar a la siguiente. Este sistema se conoce como "progresión sistemática" o "enseñanza y aprendizaje sistemáticos". [ cita requerida ]
Los estudiantes de taller suelen comenzar esta progresión dibujando moldes de yeso . Estos moldes suelen ser rostros, manos u otras partes de la anatomía humana . Los moldes de yeso proporcionan algunos de los beneficios de los modelos humanos vivos, como la presencia de sombras naturales . También tienen sus propias ventajas distintivas: permanecen perfectamente inmóviles y su color blanco permite al estudiante centrarse en los tonos puros de escala de grises de las sombras. [ cita requerida ]
Uno de los objetivos de los estudiantes de este método es adquirir la habilidad suficiente para transferir una imagen precisa al papel o al lienzo sin la ayuda de un dispositivo mecánico. El pintor realista contemporáneo Adrian Gottlieb señala que "si bien los pintores profesionales que se dedican a una carrera a tiempo completo desarrollarán un 'ojo' que les impedirá usar dispositivos de medición y plomadas (herramientas necesarias durante el período de formación), el método de observación en sí no se abandona, sino que se convierte en algo natural. El método de observación se puede enseñar y aplicar junto con una sensibilidad particular a los gestos para crear imágenes realistas; especialmente cuando se aplica a retratos y obras figurativas". [ cita requerida ]
Darren R. Rousar, ex alumno de Richard F. Lack y Charles Cecil , así como autor de Cast Drawing Using the Sight-Size Approach , coincide y define la medición en términos generales. Dice que "un artista completamente capacitado que utiliza el método Sight-Size tal vez nunca utilice una plomada o ni siquiera piense conscientemente en la medición literal. Se esforzará por lograr la misma impresión retiniana en la pintura que se ve en la naturaleza". [3]
Charles H. Cecil, propietario de una escuela de arte, escribe:
El arte de los talleres que utilizan el método de tamaño natural suele recordar a la escultura griega y romana de la antigüedad clásica , como el Apolo de Belvedere . Las pinturas pueden preferir la imaginería visual del arte neoclásico de mediados del siglo XVIII al XIX. El método de tamaño natural también se presta a estilos de retratos en los que los artistas desean una imagen precisa, natural, fiel a la vida o incluso casi fotográfica del modelo, como es evidente en la obra de Bouguereau . [ cita requerida ]
El método de medición comparativa requiere una precisión proporcional, pero permite al artista variar el tamaño de la imagen creada. Esta técnica abarca en términos generales cualquier método de dibujo que implique realizar mediciones precisas utilizando principalmente el ojo desnudo. En el período inicial de formación, los estudiantes pueden ayudarse con un lápiz, un pincel o una plomada para hacer comparaciones, pero no hay transferencia de mediciones 1:1 del sujeto directamente al papel. Las escuelas que enseñan este método incluyen The Water Street Atelier y The Swedish Academy of Realist Art. [ cita requerida ]
En su ensayo "El método del tamaño visual y sus desventajas", el pintor e instructor Hans-Peter Szameit, de la Academia Sueca de Arte Realista, analiza las desventajas del método del tamaño visual, describiéndolo esencialmente como la creación de una imagen producida mecánicamente y limitada a un tamaño, el "tamaño visual". [5]
Otro método tradicional de taller incorpora el uso de ilusiones que engañan al espectador y le hacen creer que una imagen es exacta. Este método se enseña con mayor frecuencia junto con la teoría de composición avanzada. Dado que no es necesario copiar el tema con precisión para lograr una ilusión exitosa, este método permite al artista experimentar con muchas opciones mientras conserva lo que parece ser una imagen realista.
En un ejemplo, el Estudio de una figura masculina para Mercurio descendiendo (c. 1613-1614 (dibujado), en La educación de María de Médici [6] ), Rubens ha oscurecido el punto donde las piernas se unen al torso. Este es un factor que contribuye a la facilidad con la que puede experimentar con éxito con una variedad de posiciones de piernas dramáticamente diferentes. Al menos tres pares de pies son visibles. El espectador no se molesta por una unión ilógica si la unión no es visible y la imagen bidimensional resultante es agradable a la vista. Esto permite al artista elegir entre una gran cantidad de alternativas muy diferentes, haciendo su selección en función de la preferencia personal o la estética en lugar de la precisión. En el ejercicio al que se hace referencia es posible experimentar con numerosas manipulaciones con respecto al tamaño y la ubicación de cada parte del cuerpo mientras que al mismo tiempo se utiliza una colección de ilusiones de escorzo bidimensionales para conservar la apariencia de realismo. [7]
Además de las partes del cuerpo, los artistas pueden recurrir a la manipulación de muchos otros elementos para lograr una ilusión exitosa. Estos pueden incluir: la manipulación del color, el valor, las características de los bordes, las formas superpuestas y una serie de diferentes tipos de aplicaciones de pintura, como veladuras y esfumados . El trabajo desarrollado de esta manera no comenzaría con un dibujo, sino más bien con la colocación de todos los elementos relevantes necesarios para el éxito de las ilusiones, así como de la composición en su conjunto. [8] [9]
Muchas de las ilusiones diseñadas para imitar la realidad también aceleran el proceso de pintura, permitiendo a los artistas más tiempo para diseñar y completar obras complejas a gran escala. [ cita requerida ]
Los estudiantes individuales de este método estudian una selección diversa de viejos maestros, aunque muchos comienzan sus estudios con los pintores del Alto Renacimiento (década de 1490-1527), el manierismo (1520-1580), el barroco (1600-1725) y el impresionismo (década de 1870-1880), incluidos Leonardo da Vinci , Degas , Miguel Ángel , Rafael , Rubens y Tiziano . Sin embargo, debido a que el énfasis está en la creatividad, a menudo se estudia el diseño de la composición y la aplicación y el uso de materiales, con menos atención a la reproducción de un estilo o tema en particular. [ cita requerida ]
Los estudiantes de estos talleres exhibirán, por tanto, una amplia gama de estilos personales y una creciente cantidad de experimentación creativa. El resultado es un grupo cuyo arte es muy individualizado, en el que cada estudiante persigue sus propios intereses individuales. Había una gran diversidad en el taller de Léon Bonnat (1846-1855). Julius Kaplan caracterizó a Bonnat como "un profesor liberal que enfatizaba la simplicidad en el arte por encima del alto nivel académico, así como el efecto general en lugar del detalle". [10] [11]
Algunos de los estudiantes más notables de Bonnat incluyen: Fred Barnard , Georges Braque , Gustave Caillebotte , Suzor-Coté , Raoul Dufy , Thomas Eakins , Aloysius O'Kelly , John Singer Sargent , Henri de Toulouse-Lautrec y Marius Vasselon [11] [12 ] [13]
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