Un tableau vivant ( francés: [tablo vivɑ̃] ; a menudo abreviado como tableau ; plural: tableaux vivants ), francés para "imagen viviente", es una escena estática que contiene uno o más actores o modelos. Están estacionarios y en silencio, generalmente disfrazados, posados cuidadosamente, con accesorios y/o escenografía, y pueden estar iluminados teatralmente. Combina así aspectos del teatro y las artes visuales.
Eran una forma medieval popular que revivió considerablemente a partir del siglo XIX, probablemente porque eran muy adecuados para el registro fotográfico . Los participantes eran ahora en su mayoría aficionados, que participaban en una forma rápida y sencilla de teatro amateur que podía realizarse en una velada y requería poca habilidad para actuar o hablar. También eran populares para diversos tipos de eventos y desfiles comunitarios.
A finales del siglo XIX y principios del XX, también se utilizaba una especie de cuadro en el teatro profesional, aprovechando la libertad adicional que la ley permitía para la exhibición de desnudos siempre que los actores no se movieran. Tableaux presentaba poses plastiques ('poses flexibles') de modelos prácticamente desnudas, proporcionando una forma de entretenimiento erótico , tanto en el escenario como en forma impresa. Los cuadros continúan hasta el día de hoy en forma de estatuas vivientes , artistas callejeros que tocan la calle posando disfrazados. En el cine o el teatro en vivo, los artistas a veces se quedan brevemente en posición para lograr un efecto de cuadro vivo .
En la Edad Media, ocasionalmente una misa estaba salpicada de breves escenas dramáticas y cuadros que parecían pinturas . Eran una característica importante de las festividades de bodas reales, coronaciones y entradas reales a las ciudades. A menudo los actores imitaban estatuas o pinturas, muy a la manera de los artistas callejeros modernos, pero en grupos más grandes y montados en elaboradas gradas temporales a lo largo del camino de la procesión principal. [1] Johan Huizinga , en El otoño de la Edad Media , describe el uso y diseño de tableaux vivants en la Baja Edad Media . Muchas pinturas y esculturas probablemente recrean cuadros vivos, mediante los cuales los historiadores del arte a veces explican grupos de figuras bastante estáticas. Los artistas eran a menudo los diseñadores de espectáculos públicos de este tipo.
La historia de las artes visuales occidentales en general, hasta la era moderna, se ha centrado en la presentación simbólica y organizada y (aparte de los retratos personales directos) ha dependido en gran medida de los modelos de artistas estacionarios vestidos (que pueden considerarse pequeños). escala tableaux vivants con el artista como audiencia temporal. El movimiento del realismo , con representaciones más naturalistas , no comenzó hasta mediados del siglo XIX, una reacción directa contra el romanticismo y su gran dependencia del formato de cuadro estilizado .
La invención de la fotografía provocó un renacimiento en la forma. Al principio, la fotografía era cara y la forma floreció en las fiestas de los ricos en las casas de campo inglesas . La reina Victoria fue una de las primeras en adoptarlo (solo ella misma tomó parte de la audiencia). A mediados de la década de 1850, los actores eran sus hijos, que representaban cuadros para el 14º aniversario de bodas de sus padres en 1854. En la década de 1890, los escenarios se habían vuelto muy elaborados, como cuando su tercer hijo, el príncipe Arturo, duque de Connaught y Strathearn , su esposa y sus tres hijos posaron para una escena japonesa , en 1891. [2]
Se hicieron populares para eventos y festivales comunitarios, y muy a menudo utilizaban niños, que desfilaban antes de instalarse en un cuadro para el público y una cámara.
Antes de la radio , el cine y la televisión , los tableaux vivants eran formas populares de entretenimiento, incluso en las ciudades fronterizas de Estados Unidos. [3] Antes de la era de la reproducción de imágenes en color, el cuadro se utilizaba a veces para recrear obras de arte en el escenario, basadas en un grabado o boceto de una pintura. Esto podría hacerse como una aventura amateur en un salón, o como una serie de cuadros producidos más profesionalmente presentados en un escenario de teatro, uno tras otro, generalmente para contar una historia sin requerir todos los adornos y la producción habituales de una representación teatral completa. . Por lo tanto, influyeron en la forma adoptada por los espectáculos de linterna mágica de las épocas victoriana y eduardiana posteriores , y quizás también en las tiras cómicas narrativas secuenciales (que aparecieron por primera vez en forma moderna a finales de la década de 1890).
Los tableaux vivants se representaban a menudo como parte de las obras de teatro de la Natividad escolares en Inglaterra durante el período victoriano; la costumbre todavía se practica en la escuela secundaria de Loughborough (que se cree que es una de las escuelas primarias para niñas más antiguas de Inglaterra). Cada año se representan varios cuadros en el servicio de villancicos de la escuela, incluida la representación de un grabado en grisalla (en el que los sujetos están pintados y vestidos completamente de gris).
También se realizaron cuadros para eventos benéficos. La edición de febrero de 1917 de la revista estadounidense Harper's Bazar informó, con numerosas fotografías, sobre dos eventos en Londres donde damas de alta sociedad posaron, principalmente como pinturas. Un evento se concentró en pinturas de James McNeill Whistler y John Singer Sargent , posadas por damas de origen estadounidense en Londres. El otro incluía a Violet Trefusis y Lady Diana Cooper . [4]
Por una peculiaridad de la ley inglesa, la desnudez en el escenario no estaba permitida a menos que los artistas permanecieran inmóviles mientras el telón del escenario estaba abierto; la situación en lugares de los Estados Unidos era a menudo similar. En los primeros años del siglo XX, los artistas aprovecharon esta excepción para montar "representaciones plásticas", como a veces se las llamaba, centradas en la desnudez. La intérprete más persistente en esta línea fue la bailarina alemana Olga Desmond , que comenzó en Londres y que más tarde presentó en Alemania "Tardes de belleza" ( Schönheitsabende ), en la que posaba desnuda imitando obras de arte clásicas reales o imaginarias ( "cuadros vivientes"). [5] La tradición inglesa en el entretenimiento atrevido continuó hasta que se cambió la ley inglesa en la década de 1960.
En el siglo XIX, los tableaux vivants tomaron títulos como "Ninfas bañándose" y "Diana la Cazadora" y se encontraban en lugares como el Salón de Roma en Great Windmill Street , Londres. Otros lugares fueron el Coal Hole en Strand y el Cyder Cellar en Maiden Lane. Las poses plásticas de desnudos y semidesnudos también fueron una característica frecuente de los espectáculos de variedades en los EE. UU.: primero en Broadway en la ciudad de Nueva York y luego en otras partes del país. The Ziegfeld Follies presentó cuadros de este tipo de 1917. El Windmill Theatre de Londres (1932-1964) presentó poses plásticas de desnudos en el escenario; fue el primer, y durante muchos años el único, lugar para celebrarlos en el Londres del siglo XX.
Los tableaux vivants se incluían a menudo en espectáculos de feria (como se ve en la película de 1961 A Taste of Honey ). Estos espectáculos desaparecieron en gran medida en la década de 1970, pero continúan en el Carnaval de Bridgewater en Somerset . [6] Los cuadros siguen siendo una atracción importante en el certamen anual de Maestros en Laguna Beach, California . [7]
Jean-François Chevrier fue el primero en utilizar el término cuadro en relación con una forma de fotografía artística, que comenzó en las décadas de 1970 y 1980 en un ensayo titulado "Las aventuras de la forma de imagen en la historia de la fotografía" en 1989. [8 ] La traducción inicial de este texto sustituye la palabra inglesa picture por la palabra francesa tableau . Sin embargo, Michael Fried conserva el término francés al referirse al ensayo de Chevrier, porque según Fried (2008), no existe una traducción directa al inglés de tableau en este sentido. Si bien imagen es similar, "... carece de las connotaciones de construcción, de ser producto de un acto intelectual que conlleva la palabra francesa". (p. 146) [9] Otros textos [10] [11] y la teoría de la especificidad del medio de Clement Greenberg también cubren este tema.
Las características clave del cuadro fotográfico contemporáneo según Chevrier son, en primer lugar:
Están diseñados y fabricados para la pared. convocando una experiencia de confrontación por parte del espectador que contrasta marcadamente con los procesos habituales de apropiación y proyección mediante los cuales las imágenes fotográficas normalmente son recibidas y "consumidas" (p. 116) [8]
Con esto, Chevrier señala que la escala y el tamaño son obviamente importantes si los cuadros van a "sujetar la pared". Pero el tamaño tiene otra función; distancia al espectador del objeto, lo que requiere que uno se aleje de la imagen para asimilarlo todo. Esta experiencia de "confrontación", señala Fried, [9] es en realidad una ruptura bastante grande con la recepción convencional de la fotografía, que hasta ahora ese punto a menudo se consumía en libros o revistas.
El cuadro fotográfico tiene sus raíces no en el cuadro vivo teatral , sino en la fotografía pictorialista , como la de Alfred Stieglitz , un movimiento con raíces en el esteticismo , que ya hacía un uso intensivo del cuadro como estilo de arte visual no teatral. El pictorialismo, según Jeff Wall [11] podría verse como un intento de los fotógrafos de imitar la pintura (quizás sin éxito):
La fotografía pictorialista quedó deslumbrada por el espectáculo de la pintura occidental e intentó, en cierta medida, imitarla en actos de pura composición. Al carecer de los medios para hacer que la superficie de sus imágenes fuera impredecible e importante, la primera fase del pictorialismo, la fase de Stieglitz, emuló las bellas artes gráficas, reinventó la apariencia bella, estableció estándares para la magnificencia de la composición y se desvaneció. (pág. 75) [11]
Sin embargo, la fotografía tenía la capacidad de volverse impredecible y espontánea. Esto se logró realizando fotografías relacionadas con las capacidades inherentes de la propia cámara. Y esto, sostiene Wall, [11] fue un resultado directo del fotoperiodismo y de las industrias de los medios de comunicación y la cultura pop .
Al despojarse de las cargas y ventajas heredadas de formas artísticas más antiguas, el reportaje o el aspecto espontáneo y fugaz de la imagen fotográfica empuja hacia el descubrimiento de cualidades aparentemente intrínsecas al medio, cualidades que necesariamente deben distinguir el medio de los demás y a través de uno mismo. -examen de que puede emerger como un arte modernista en un plano con otros. (págs. 76–78) [11]
El argumento es que, a diferencia de la mayoría de las otras formas de arte, la fotografía puede beneficiarse de la captura de sucesos fortuitos. A través de este proceso –la instantánea, la imagen "accidental"- la fotografía inventa su propio concepto de imagen: una forma híbrida de la "imagen occidental" (fotografía pictorialista) y la instantánea espontánea. Esta es la etapa en la que Wall [11] sostiene que la fotografía entra en una "dialéctica modernista". Wall afirma que la imprevisibilidad es clave para la estética moderna. Este nuevo concepto de imagen que propone Wall, con los aspectos compositivos de la imagen occidental combinados con la imprevisibilidad que la cámara ofrece a través de su obturador, se puede ver en el trabajo de muchos artistas fotográficos contemporáneos, entre ellos Luc Delahaye , Andreas Gursky , Thomas Struth , Irene César y Philip-Lorca diCorcia .
El cuadro como forma todavía domina el mercado de la fotografía artística. Como señala Fried: "Podría decirse que el desarrollo más decisivo en el surgimiento de la nueva fotografía artística ha sido la aparición, a partir de finales de los años 1970 y ganando impulso en los años 1980 y después, de lo que el crítico francés Jean-François Chevrier ha llamado el " forma de cuadro " (p. 143). [9]
Sin embargo, parece haber sólo un puñado de artistas jóvenes y emergentes que trabajan en forma de cuadro . Los ejemplos incluyen a Florian Maier Aichen, Matthew Porter y Peter Funch . Más recientemente, la artista canadiense Sylvia Grace Borda ha trabajado desde 2013 para seguir montando cuadros para la cámara dentro del motor Google Street View . [12] [13] Su trabajo crea imágenes inmersivas de cuadro vivo de 360° para que el espectador las explore. Gracias a sus esfuerzos por ser pionera en los tableaux vivant para la exploración en línea, ella y su colaborador, John M. Lynch, ganaron el Premio Lumen 2016 de Artes Web. [14]
En la película La ricotta de Pier Paolo Pasolini de 1963 , un cineasta intenta que los actores representen dos pinturas, de Jacopo Pontormo y Rosso Fiorentino , de la Pasión de Jesús.
La película de 1969 El color de las granadas , dirigida por Sergei Parajanov, presenta una biografía libre del poeta armenio Sayat Nova en una serie de cuadros vivos de trajes, bordados y rituales religiosos armenios que representan escenas y versos de la vida del poeta.
La película Passion (1982) de Jean-Luc Godard trata sobre la realización de una ambiciosa película artística que utiliza recreaciones de pinturas clásicas europeas como tableaux vivants , ambientadas con música clásica europea. Las pinturas incluyen La Ronda de Noche de Rembrandt ; El Parasol de Goya , 3 de mayo de 1808 , La Maja Desnuda , Carlos IV de España y su familia ; Ingres ' El bañista de Valpinçon , El baño turco ; La entrada de los cruzados en Constantinopla de Delacroix , Jacob luchando con el ángel ; La Asunción de la Virgen de El Greco ; El embarque hacia Citera, de Watteau .
A lo largo de la película Caravaggio (película de 1986) de Derek Jarman , muchas de las pinturas de Caravaggio se recrean en tableau vivant para explorar su relación con su vida.
La película de 1991 My Own Private Idaho presenta sus escenas de sexo utilizando este efecto.
La película de 2013, Un campo en Inglaterra , [15] hace uso del efecto para agregar al aspecto ocultista general de la película.
Hay un largometraje estonio de 2014 producido íntegramente en formato cuadro titulado In the Crosswind . [dieciséis]
