La Sinfonía n.º 14 en sol menor, op . 135, de Dmitri Shostakovich , se completó en la primavera de 1969 y se estrenó ese mismo año. Se trata de una obra para soprano , bajo y pequeña orquesta de cuerda con percusión , compuesta por once montajes enlazados de poemas de cuatro autores. La mayoría de los poemas tratan el tema de la muerte, particularmente el de la muerte injusta o temprana. Fueron ambientadas en ruso, aunque existen otras dos versiones de la obra con los textos retrotraducidos del ruso a sus idiomas originales o al alemán. La sinfonía está dedicada a Benjamin Britten (quien se estrenó en el Reino Unido el año siguiente en Aldeburgh ). [1]
Además de los solistas, la sinfonía está escrita para una orquesta de cámara compuesta únicamente por cuerdas y percusión . Las cuerdas están compuestas por diez violines , cuatro violas , tres violonchelos y dos contrabajos , y la sección de percusión (dos intérpretes) incluye bloque de madera , castañuelas , látigo , tom-toms de soprano, alto y tenor , xilófono , campanas tubulares , vibráfono , y celesta . La sección de percusión no incluye instrumentos comunes como timbales , bombo , platillos o triángulo .
La obra cuenta con once movimientos enlazados , cada uno de ellos un escenario de un poema, con una duración total de alrededor de 50 minutos:
El primer movimiento comienza con los violines interpretando un tema que recuerda al Dies irae , que juega un papel destacado en la historia de la música rusa. Fragmentos del tema se desarrollan en varias secciones a lo largo de la sinfonía; se repite en su totalidad en el penúltimo movimiento culminante.
La obra muestra la voluntad de Shostakovich de adoptar nuevas técnicas. Todos los movimientos, excepto dos, incluyen temas que utilizan filas tonales , que utiliza para transmitir una sensación de abstracto. [2] También hace un uso dramático de grupos de tonos , como el acorde fortissimo que ilustra el lirio que crece en la boca del suicida en el cuarto movimiento.
La Decimocuarta Sinfonía fue una respuesta creativa a las Canciones y danzas de la muerte de Modest Mussorgsky , que Shostakovich había orquestado en 1962. [3] Al igual que Mussorgsky, Shostakovich recupera el tema de la muerte en diversas imágenes y situaciones. El ciclo de Mussorgsky contiene sólo cuatro canciones, demasiado pocas para hacer justicia al concepto de Mussorgsky, consideró Shostakovich. Procedió a ampliarlo seleccionando 11 poemas de Federico García Lorca , Guillaume Apollinaire , Wilhelm Küchelbecker y Rainer Maria Rilke . [4]
Shostakovich concedió gran importancia a este trabajo y comentó en una carta a Glikman: "Todo lo que he escrito hasta ahora durante estos largos años ha sido una preparación para este trabajo". [5] Añadió que pretendía que la sinfonía fuera un contrapeso a la presentación positiva de la muerte en la música:
"En parte intento polemizar con los grandes clásicos que tocaron el tema de la muerte en sus obras... Recuerden la muerte de Boris Godunov . Cuando... él muere, se produce una especie de iluminación. Recuerden Otello de Verdi . Cuando toda la tragedia termina, y Desdémona y Otello mueren, también experimentamos una hermosa tranquilidad. Recuerda a Aida . Cuando ocurre la trágica desaparición del héroe y la heroína, se suaviza con una música radiante." [6]
En el ciclo de canciones de Mussorgsky, Shostakovich encontró un modelo que hablaba contra la muerte; En su sinfonía intentó ampliar aún más esta protesta. [4] El compositor escribió en el prefacio de la partitura:
Quiero que los oyentes reflexionen sobre mi nueva sinfonía... que se den cuenta de que deben llevar una vida pura y fructífera para la gloria de su Patria, su pueblo y las ideas más progresistas que motivan nuestra sociedad socialista. En eso estaba pensando mientras escribía mi nuevo trabajo. Quiero que mis oyentes, cuando salgan de la sala después de escuchar mi sinfonía, piensen que la vida es verdaderamente hermosa. [7]
Si bien la intención de Shostakovich pudo haber sido enfatizar que la vida es verdaderamente hermosa, lo hizo subrayando claramente lo contrario: que el final de la vida es feo e irremediablemente negativo. [8] Con este fin, la música de Shostakovich es de naturaleza sobria, y el compositor pronto extendió estas ideas en sus últimos cuatro cuartetos de cuerda como reflexiones musicales sobre los temas del sufrimiento y la muerte. [9] Al igual que en su orquestación de Canciones , su orquestación de la sinfonía es sobria pero extremadamente imaginativa. Su escritura para la voz se realiza en pequeños intervalos , con mucha repetición tonal y atención a la declamación natural. Esta práctica está tomada directamente de Mussorgsky. [10]
La obra recibió su estreno oficial en Leningrado el 29 de septiembre de 1969 por la Orquesta de Cámara de Moscú bajo la dirección de Rudolf Barshai . En las primeras presentaciones de la obra participaron cuatro cantantes: las sopranos Galina Vishnevskaya y Margarita Miroshnikova, y los bajos Mark Reshetin ru y Yevgeny Vladimirov. Miroshnikova y Vladimirov ofrecieron una actuación inicial, antes de los estrenos oficiales de Moscú y Leningrado, pero las fuentes difieren en cuanto a los vocalistas de los estrenos oficiales. La grabación oficial del estreno de Melodiya fue con Miroshnikova y Vladimirov. [11]
La actuación previa al estreno se destacó por la conmoción que causó en el público Pavel Apostolov, uno de los críticos más crueles del compositor, que sufrió un infarto o un derrame cerebral. No murió durante el concierto, como se suele afirmar (el propio Shostakovich pensó que así fue), sino aproximadamente un mes después. [ cita necesaria ]
El estreno en el Reino Unido se llevó a cabo en el Festival de Aldeburgh en 1970 y fue dirigido por el dedicatario, Benjamin Britten .
Inicialmente, el propio compositor no estaba seguro de cómo llamar la obra, y finalmente la designó como una sinfonía en lugar de un ciclo de canciones para enfatizar la unidad de la obra musical y filosóficamente: la mayoría de los poemas tratan el tema de la mortalidad (rechazó el título oratorio porque la obra carece de coro; no es una sinfonía coral por la misma razón).
No todos los movimientos están vinculados; hay algunas pausas entre movimientos que efectivamente dividen el trabajo en una estructura "convencional" de cuatro movimientos.
Muchos en ese momento (incluidos Aleksandr Solzhenitsyn y Lev Lebedinsky) criticaron el trabajo por considerarlo demasiado pesimista. Wilson sostiene que, por el contrario, "a través de una cuidadosa ordenación de los textos [él] transmite un mensaje específico de protesta contra el poder arbitrario ejercido por los dictadores al enviar a inocentes a la muerte" (p. 411).
Según se informa, Shostakovich respondió a sus críticos en Testimonio :
[Mis críticos] leen esta idea en la Decimocuarta Sinfonía: "la muerte es todopoderosa". Querían que el final fuera reconfortante, que dijera que la muerte es sólo el comienzo. Pero no es un comienzo, es el verdadero final, no habrá nada después, nada. Siento que debes mirar la verdad directamente a los ojos... Negar la muerte y su poder es inútil. Lo niegues o no, morirás de todos modos... Es una estupidez protestar contra la muerte como tal, pero puedes y debes protestar contra la muerte violenta. Es malo cuando la gente muere antes de tiempo debido a enfermedades o pobreza, pero es peor cuando un hombre es asesinado por otro hombre. [12]
La ausencia de la sinfonía de redención o trascendencia provocó protestas no sólo en la Unión Soviética sino también en Occidente, donde la obra se consideraba obsesiva y limitada espiritualmente. Shostakovich estaba decidido a evitar falsos consuelos. Esta intención fue un estímulo primordial a la hora de escribir la obra. Algunos han descubierto que la aceptación de la mortalidad humana en la obra se ha expresado con tremenda claridad. [13] Otros han encontrado la obra sombríamente pesimista y, especialmente en su apertura De Profundis , prácticamente nihilista. Independientemente de la opinión, se acepta que la actuación del Decimocuarto es una experiencia profunda y poderosa. [14]
