In the Mood for Love ( en chino :花樣年華; lit. 'Años floridos') es unapelícula de drama romántico de 2000 escrita, producida y dirigida por Wong Kar-wai . Una coproducción entre Hong Kong y Francia, retrata a un hombre ( Tony Leung ) y una mujer ( Maggie Cheung ) en 1962 cuyos cónyuges tienen una aventura juntos y que lentamente desarrollan sentimientos el uno por el otro. Forma la segunda parte de una trilogía informal , junto con Days of Being Wild [6] y 2046 .
La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes el 20 de mayo de 2000, [7] con gran éxito de crítica y una nominación a la Palma de Oro ; Leung ganó el premio al Mejor Actor (el primer actor de Hong Kong en ganar el premio). Fue seleccionada como la entrada de Hong Kong para la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 73.ª edición de los Premios Óscar , pero no fue nominada. [8] A menudo se la considera una de las mejores películas de todos los tiempos y una de las principales obras del cine asiático . [9] [10]
En el Hong Kong británico de 1962 , los expatriados shanghaineses Chow Mo-wan, periodista, y Su Li-zhen (la señora Chan), secretaria de una empresa naviera, alquilan habitaciones en apartamentos adyacentes. Cada uno tiene un cónyuge que trabaja y a menudo los deja solos en turnos de horas extras. Debido a la presencia amistosa pero autoritaria de la casera shanghainesa de Su, la señora Suen, y sus bulliciosos vecinos que juegan al mahjong , Chow y Su a menudo están solos en sus habitaciones y rara vez cenan con los otros inquilinos. Aunque al principio son amistosos entre sí solo cuando es necesario, se vuelven más cercanos cuando se dan cuenta de que sus cónyuges tienen una aventura entre sí y, posteriormente, intentan recrear cómo podría haber comenzado la aventura.
Chow invita a Su a ayudarlo a escribir una serie de artes marciales . El aumento del tiempo que pasan juntos atrae la atención de sus vecinos, lo que lleva a Chow a alquilar una habitación de hotel donde pueden trabajar juntos sin distracciones. A medida que pasa el tiempo, reconocen que han desarrollado sentimientos el uno por el otro. Cuando Chow acepta un trabajo en Singapur , le pide a Su que lo acompañe. Ella acepta, pero llega al hotel demasiado tarde para acompañarlo.
Al año siguiente, en Singapur, Chow le cuenta a su amigo una historia sobre cómo, en la antigüedad, cuando alguien tenía un secreto, subía a la cima de una montaña, hacía un hueco en un árbol, lo susurraba en el hueco y lo cubría con barro. Su llega a Singapur y visita el apartamento de Chow. Llama a Chow, pero permanece en silencio cuando Chow contesta el teléfono. Más tarde, Chow se da cuenta de que había visitado su apartamento después de ver una colilla de cigarrillo manchada de lápiz labial en su cenicero.
Tres años después, Su visita a la señora Suen, que está a punto de emigrar a los Estados Unidos, y le pregunta si su apartamento está disponible para alquilar. Algún tiempo después, Chow regresa a Hong Kong para visitar a sus antiguos propietarios, los Koo, que han emigrado a Filipinas. Pregunta por la familia Suen, que vive al lado, y el nuevo propietario le dice que ahora viven allí una mujer y su hijo. Chow se va.
Durante la guerra de Vietnam , Chow viaja a Camboya y visita Angkor Wat . Mientras un monje lo observa, Chow susurra algo en un hueco de una pared y lo tapa con barro.
El título original en chino de la película, que significa "la era de las flores" o "los años floridos" (una metáfora china del fugaz tiempo de la juventud, la belleza y el amor), deriva de una canción del mismo nombre de Zhou Xuan de una película de 1946. El título en inglés deriva de la canción " I'm in the Mood for Love ". El director Wong había planeado titular la película Secrets hasta que escuchó la canción en la última fase de posproducción.
In the Mood for Love pasó por un largo período de gestación. En la década de 1990, Wong Kar-wai tuvo cierto éxito comercial, muchas críticas positivas y una amplia influencia en otros cineastas de Asia y el mundo con películas como Chungking Express y Fallen Angels , ambas ambientadas en el Hong Kong actual. Su película de 1997 Happy Together también tuvo éxito internacional, lo que le valió el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes y sorprendió a muchos. Incluso fue popular entre el público general de Hong Kong, a pesar de su enfoque, entonces inusual, en una historia de amor gay y de haber sido en gran parte improvisada en Argentina, un paisaje desconocido para Wong. A finales de la década, cuando la soberanía de Hong Kong se transfirió de Gran Bretaña a la República Popular China, Wong estaba ansioso por trabajar una vez más en el continente, donde había nacido. No estaba satisfecho con el resultado final de su epopeya wuxia de 1994 Ashes of Time , que se ambienta en tiempos antiguos y se filmó en regiones desérticas remotas, y decidió abordar un entorno más urbano del siglo XX.
En 1998, Wong había desarrollado un concepto para su siguiente película, Summer in Beijing . Aunque no había un guion finalizado, él y el camarógrafo Christopher Doyle habían estado en la Plaza de Tiananmen y otras áreas de la ciudad para hacer una pequeña cantidad de rodaje no autorizado. Wong dijo a los periodistas que la película iba a ser un musical y una historia de amor. Wong consiguió la participación de Tony Leung Chiu-wai y Maggie Cheung como protagonistas, y con su experiencia en diseño gráfico, incluso había hecho carteles para la película. Había comenzado a trabajar en tratamientos de guion, que desde Days of Being Wild , tendía a tratar solo como una base muy vaga para su trabajo para asegurar la financiación, prefiriendo dejar las cosas abiertas a cambios durante el rodaje.
Resultó que habría dificultades para obtener el permiso para rodar en Pekín con los métodos de trabajo espontáneos de Wong y las posibles sensibilidades políticas al ambientar su película en la China de mediados del siglo XX. Wong había llegado a pensar en Verano en Pekín como un tríptico de historias, muy parecido a su concepto original de Chungking Express (en el que la tercera historia se había derivado en la película Ángeles caídos ). Rápidamente, Wong decidió deshacerse de esta estructura, guardando solo una de las tres historias planeadas, que se había titulado provisionalmente, Una historia de comida , y trataba sobre una mujer y un hombre que compartían fideos y secretos. Cuando se reunió con sus actores y equipo de producción, la mayoría de los cuales habían colaborado varias veces antes, Wong decidió que Una historia de comida sería el corazón de su próxima película. La historia evolucionaría lentamente hacia Deseando amar , después de trasladar su ambientación fuera de China continental y de regreso a Hong Kong en la década de 1960.
Wong había ambientado su gran éxito Days of Being Wild en esa época en Hong Kong, cuando los chinos nacidos en el continente y sus recuerdos, incluidos los de Wong, entonces un niño pequeño, tenían una fuerte presencia en el territorio. Todavía saturado con los sonidos de las estrellas de la canción de Shanghai de los años 30 y 40 y los ideales que representaban, la época también le recordó la amplia gama de vibrante música de baile que flotaba sobre el Pacífico desde Filipinas, Hawái, América Latina y los Estados Unidos, que Wong había utilizado como telón de fondo en Days of Being Wild . Wong había considerado Days of Being Wild cuando se estrenó en 1990 como un éxito artístico, y había planeado una secuela. Sin embargo, sus productores habían quedado decepcionados por sus ganancias de taquilla, en particular teniendo en cuenta que su rodaje había sido prolongado y costoso, y Wong, que había salido de la industria de Hong Kong, primero intentó trabajar de forma más independiente, incluida la colaboración por primera vez con el director de fotografía Christopher Doyle, que favorecía la espontaneidad similar al jazz en sus métodos de rodaje. A pesar de que en la película participaron muchas de las principales estrellas de Hong Kong, las ganancias habían sido modestas, por lo que Wong no tuvo la oportunidad de seguir adelante. Sin embargo, a medida que avanzaba en otras películas, siempre mantuvo el sueño de hacerlo. Ante la imposibilidad de la idea original de Verano en Pekín , ahora pudo seguir adelante.
El reparto de Maggie Cheung y Tony Leung en A Story of Food (que pronto se convertiría en In the Mood for Love ) brindó la oportunidad de retomar un hilo suelto de Days of Being Wild , ya que los actores habían aparecido en esa película, aunque nunca juntos. Las pocas escenas de Leung habían quedado incompletas, a la espera de la secuela planeada de Wong que nunca se realizó. 2046 , una secuela en su trama de In the Mood for Love , serviría más tarde para Wong como una secuela en espíritu de Days of Being Wild , conectando la historia del personaje de Leung en Days y In the Mood . La escritura de 2046 comenzó esencialmente al mismo tiempo que la de In the Mood for Love . Debido a que ninguna de las películas tenía su trama, estructura o incluso todos sus personajes escritos de antemano, Wong comenzó a trabajar en las ideas que finalmente llegaron a 2046 durante el rodaje de In the Mood for Love . A medida que él y sus colaboradores hicieron la película en una variedad de escenarios, su historia tomó forma. Al final, estas ideas en constante desarrollo, tomadas de uno de los restos de Verano en Pekín , se desarrollaron demasiado para encajar en una sola película. Wong descartó la mayor parte del metraje y la historia antes de llegar a In the Mood , y luego volvió a filmar y reimaginó el resto como 2046 .
El plan de Wong de rodar una película ambientada principalmente en Hong Kong no simplificó las cosas a la hora de rodar. La apariencia de la ciudad había cambiado mucho desde los años 60, y la nostalgia personal de Wong por esa época se sumaba a su deseo de precisión histórica. A Wong no le gustaba mucho trabajar en estudios, y mucho menos utilizar efectos especiales para imitar el aspecto de tiempos pasados. Christopher Doyle comentó más tarde la necesidad de rodar en un lugar donde las calles, los edificios e incluso la visión de la ropa tendida (como en el Hong Kong de los años 60) pudieran dar una energía real a los actores y a la historia, cuyos esquemas estaban constantemente abiertos a revisión a medida que avanzaba el rodaje. Aunque la filmación se desarrolla en Hong Kong, una parte de la filmación (como las escenas al aire libre y en hoteles) se rodó en barrios menos modernizados de Bangkok, Tailandia. Además, una breve parte más adelante de la película se desarrolla en Singapur (una de las inspiraciones iniciales de Wong para la historia había sido un cuento ambientado en Hong Kong, Intersection , del escritor hongkonés Liu Yichang). En sus secuencias finales, la película también incorpora imágenes de Angkor Wat , Camboya, donde el personaje de Leung trabaja como periodista.
La película tardó 15 meses en rodarse. [7] Los actores encontraron el proceso inspirador pero exigente. Les costó mucho trabajo entender los tiempos, siendo ligeramente más jóvenes que Wong y habiendo crecido en un Hong Kong en rápida transformación o, en el caso de Maggie Cheung, en parte en el Reino Unido.
Cheung interpretó al icono de la pantalla china de los años 30, Ruan Lingyu , en la película Center Stage de Stanley Kwan de 1992 , para la que vistió qipao , los vestidos que usaron las elegantes mujeres chinas durante gran parte de la primera mitad del siglo XX. Había sido la actuación más reconocida de Cheung hasta la fecha y la más difícil, en parte debido a la ropa, que restringía su libertad de movimiento. Para la película de Wong, Cheung, que interpreta a una mujer casada de unos treinta años que había conservado la elegancia de sus años de juventud en el continente prerrevolucionario, volvería a usar qipao, conocido en cantonés como cheongsam, y habló de ello como la forma de entender a su personaje Su Li-zhen, cuya tranquila fuerza Cheung sentía que era diferente a su propio espíritu más espontáneo.
El director de fotografía Christopher Doyle , para quien la película fue la sexta colaboración con Wong Kar-wai, [11] tuvo que irse cuando la producción se excedió del cronograma y fue reemplazado por Mark Lee Ping Bin , reconocido por su trabajo con el cineasta taiwanés Hou Hsiao-hsien . [7] Ambos directores de fotografía reciben el mismo crédito por la película final. Se cree que algunas escenas en el corte final fueron filmadas por cada uno, y algunos críticos notan diferencias entre el estilo más cinético de Doyle, como se ve en las películas anteriores de Wong, y los planos generales más sutiles de Lee enmarcando partes clave de In the Mood for Love .
Por otra parte, el crítico Tony Rayns señaló en un comentario sobre otra película de Wong que los diferentes estilos de los dos directores de fotografía se combinaban a la perfección con la estética fluida del propio Wong. Como todos los trabajos anteriores de Wong, éste se filmó en película, no en formato digital.
La marcha de Doyle no se debió a grandes discusiones artísticas con Wong. Sin embargo, a pesar de estar de acuerdo con el enfoque espontáneo de Wong para escribir guiones, le resultó frustrante volver a filmar muchos de los momentos clave una y otra vez en entornos de todo el sudeste asiático hasta que el director los sintiera bien. Tuvo que rechazar muchos otros proyectos debido al compromiso total, sin un límite de tiempo claro, requerido por Wong. Varios años después, Doyle firmó inicialmente para trabajar en la secuela 2046 , pero también abandonó ese proyecto a mitad de camino por razones similares (siendo reemplazado por una serie de directores de fotografía) y no ha trabajado con Wong desde entonces. Tony Leung, por otro lado, volvió a trabajar en 2046 , en la que protagonizó sin Maggie Cheung, quien solo hizo una breve aparición en metraje ya filmado de In the Mood for Love . Leung también protagonizó la película de Wong de 2013, The Grandmaster . Cheung sintió que In the Mood for Love fue el punto más alto de su carrera, y ha trabajado con mucha menos frecuencia desde entonces, protagonizando varias películas poco después, pero en cuatro años, prácticamente se retiró de la actuación, a pesar de ganar un Premio a Mejor Actriz en Cannes por Clean de 2004 .
Los últimos meses de producción y posproducción de In the Mood for Love , una película presentada al Festival de Cine de Cannes en mayo de 2000, fueron notorios por su confusión. La película apenas estuvo terminada a tiempo para el festival, como volvería a ocurrir cuatro años después, cuando Wong presentó 2046. Wong continuó filmando más y más de In the Mood for Love con el elenco y el equipo mientras trabajaba frenéticamente para editar las enormes cantidades de material que había filmado durante el año anterior. Eliminó grandes partes de la historia para reducirla a su elemento más básico, la relación entre estos personajes en la década de 1960, con breves alusiones a épocas anteriores y posteriores. Mientras tanto, Wong proyectó breves segmentos antes del festival para periodistas y distribuidores. A pesar de la falta general de interés comercial en el cine chino en ese momento por parte de las corporaciones de medios de comunicación norteamericanas, Wong recibió un acuerdo de distribución para un estreno limitado en cines en América del Norte en USA Films, basado solo en unos pocos minutos de metraje.
A principios de 2000, cuando se acercaba la fecha límite para Cannes, el director de Cannes se puso en contacto con Wong, quien lo animó a completar rápidamente un corte final y le ofreció una crítica constructiva sobre el título. Aunque el título en cantonés y mandarín se basa en una canción de Zhou Xuan cuyo título en inglés se traduce como "Age of Bloom", el título internacional resultó más complejo. Después de descartar Summer in Beijing y A Story of Food , Wong se había decidido provisionalmente por Secrets , pero Cannes sintió que este título no era tan distintivo como la película que Wong estaba preparando y le sugirió que lo cambiara.
Finalmente, tras haber completado el corte, pero sin saber qué título elegir, Wong estaba escuchando un álbum reciente de Bryan Ferry y Roxy Music titulado Slave to Love: The Very Best of the Ballads , y notó una resonancia en la canción "I'm in the Mood for Love", que compartía su título con un estándar de jazz popular de mediados del siglo XX. Muchos de los títulos anteriores de Wong en inglés provenían de canciones pop, por lo que encontró este título particularmente apropiado.
Wong afirma que se sintió influenciado por Vértigo de Hitchcock mientras hacía esta película y compara el personaje de Tony Leung con el de James Stewart :
[E]l papel de Tony en la película me recuerda al de Jimmy Stewart en Vértigo . Este personaje tiene un lado oscuro. Creo que es muy interesante que la mayoría de los espectadores prefieran pensar que se trata de una relación muy inocente. Estos son los buenos, porque sus cónyuges son los primeros en ser infieles y ellos se niegan a serlo. Nadie ve ninguna oscuridad en estos personajes, y sin embargo se reúnen en secreto para representar escenarios ficticios de enfrentamientos con sus cónyuges y de tener una aventura. Creo que esto sucede porque el rostro de Tony Leung es tan simpático. Imagínense si fuera John Malkovich el que interpretara este papel. Pensarían: "Este tipo es realmente raro". Es lo mismo en Vértigo . Todo el mundo piensa que James Stewart es un buen tipo, así que nadie piensa que su personaje esté realmente muy enfermo. [12]
La canción principal "Hua Yang De Nian Hua" es una canción del famoso cantante Zhou Xuan del período de la Isla Solitaria . La canción de 1946 es un himno a un pasado feliz y una metáfora oblicua de la oscuridad de Shanghái ocupada por los japoneses. Wong también puso la canción en su cortometraje de 2000, llamado Hua Yang De Nian Hua , en honor a la canción.
In the Mood for Love recaudó HK$8.663.227 durante su presentación en Hong Kong.
El 2 de febrero de 2001, la película se estrenó en seis cines norteamericanos y recaudó 113.280 dólares (18.880 dólares por pantalla) en su primer fin de semana. Terminó su recorrido norteamericano con una recaudación de 2.738.980 dólares. [5] En la colección de DVD también se incluye un material de archivo que presenta un montaje de imágenes de películas chinas antiguas. [14]
La recaudación total en taquilla a nivel mundial fue de 12.854.953 dólares estadounidenses. [5]
La película ha sido lanzada en DVD y Blu-ray , más notablemente por Criterion Collection , que lanzó una transferencia digital de alta definición restaurada en los Estados Unidos en 2012.
En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 92% basado en 187 críticas, con una calificación promedio de 8/10. El consenso crítico del sitio web dice: "Un escaparate exquisitamente filmado de Maggie Cheung y Tony Leung que marca una evolución sombría del estilo elegante de Wong Kar-wai, In the Mood for Love es una provocación tántrica que es capaz de romperte el corazón". [15] En Metacritic, la película tiene una puntuación promedio ponderada de 87 sobre 100 basada en 28 críticas de críticos, lo que indica "aclamación universal". [16]
Roger Ebert del Chicago Sun-Times le dio a la película tres estrellas de cuatro, calificándola de "una exuberante historia de amor no correspondido". [17] Elvis Mitchell, escribiendo para The New York Times , se refirió a ella como "probablemente la película más impresionantemente hermosa del año". [18]
Peter Travers de Rolling Stone escribió que "en manos de un periodista, In the Mood for Love podría haber sido una farsa sexual burlona. En manos de Wong Kar-wai... la película está viva con delicadeza y sentimiento". [19] Peter Walker de The Guardian , describiéndola como su "película favorita", escribió que proporciona "reflexiones profundas y conmovedoras sobre los fundamentos de la vida. Es una película sobre, sí, el amor; pero también la traición, la pérdida, las oportunidades perdidas, la memoria, la brutalidad del paso del tiempo, la soledad... la lista continúa". [20] David Parkinson de Empire le otorgó a la película cinco de cinco estrellas, escribiendo que "las actuaciones son magistrales y la fotografía hermosa. Es un romance genuinamente romántico y hace que el cine sea sublime". [21] jmc de Notes on Cinema escribe: "¿Por qué Wong Kar Wai comienza el final de la película con una breve mirada a las relaciones exteriores de Camboya? Camboya, como el resto del sudeste asiático en la década de 1960, es víctima de las acciones de otros [y] podría estar tratando de poner buena cara cuando Charles de Gaulle la visita; detrás de su semblante hay ira por lo que otros le han hecho". [22]
Sofia Coppola atribuyó a In the Mood for Love su mayor inspiración en su película ganadora del premio Oscar Lost in Translation , que terminó con secretos compartidos e hizo un uso importante de otra canción de Bryan Ferry . [ cita requerida ] La icónica toma de apertura de Lost in Translation se inspiró en una toma de In the Mood for Love . [ cita requerida ] Coppola agradeció a Wong Kar-wai en su discurso de aceptación del Oscar. [ 23 ] Barry Jenkins la citó como una de las 10 mejores películas de todos los tiempos. [ 24 ]
Los directores de la película ganadora del premio Oscar Everything Everywhere All at Once citaron a In the Mood for Love y a su director Wong Kar-wai como inspiraciones para partes de su historia multiverso. [25]
En 2000, Empire la clasificó en el puesto número 42 de su lista titulada "Las 100 mejores películas del cine mundial". [26] Entertainment Weekly la clasificó en el puesto 95 de las 100 mejores películas de 1983 a 2008. [27] En noviembre de 2009, Time Out New York clasificó a la película como la quinta mejor de la década, llamándola la "historia de amor consumada no consumada del nuevo milenio". [28]
They Shoot Pictures, Don't They?, un agregador de reseñas que cubre la historia del cine, enumera a In the Mood for Love como la decimonovena película más aclamada de todos los tiempos, lo que la convierte en la película más aclamada estrenada en cualquier parte del mundo desde su estreno en 2000. [29] En la encuesta de críticos de Sight & Sound de 2022 , In the Mood for Love apareció en el número 5, lo que la convierte en la película mejor clasificada de la década de 2000 y una de las dos únicas de la década de 2000 en figurar entre las 10 mejores de todos los tiempos, junto con Mulholland Drive de David Lynch . La película de Wong también fue la película mejor clasificada de un cineasta chino. La película debió su ubicación a los votos de 42 críticos (de 846) que la colocaron en sus propias listas individuales de las 10 mejores. [30]
En 2015, el Festival Internacional de Cine de Busan clasificó la película en el puesto número 3 en su lista Asian Cinema 100, detrás de Tokyo Story de Yasujirō Ozu y Rashomon de Akira Kurosawa . [31]
En 2016, la película apareció en el segundo lugar en la lista de la BBC de las 100 mejores películas del siglo XXI después de Mulholland Drive . [32] La película ocupó el noveno lugar en la lista de la BBC de 2018 de las 100 mejores películas en lengua extranjera votadas por 209 críticos de cine de 43 países de todo el mundo. [33]
En 2019, The Guardian clasificó la película en el quinto lugar de su lista de las mejores películas del siglo XXI. [34] En 2021, la película ocupó el puesto número 8 en la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos de la revista Time Out . [35]
En 2022, Sight & Sound clasificó la película en el quinto lugar en su encuesta de críticos "Las mejores películas de todos los tiempos". [36]
