La pintura japonesa (絵画, kaiga ; también gadō画道) es una de las artes visuales japonesas más antiguas y refinadas , que abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que ocurre con la historia de las artes japonesas en general, la larga historia de la pintura japonesa exhibe síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas, principalmente de la pintura china , que fue especialmente influyente en varios puntos; la influencia occidental significativa solo llega a partir del siglo XIX en adelante, comenzando al mismo tiempo que el arte japonés estaba influyendo en el de Occidente .
Las áreas temáticas en las que la influencia china ha sido significativa en repetidas ocasiones incluyen la pintura religiosa budista, la pintura de paisajes con tinta china en la tradición de la pintura literaria china, la caligrafía de sinogramas [1] y la pintura de animales y plantas, especialmente pájaros y flores . Sin embargo, se han desarrollado tradiciones distintivamente japonesas en todos estos campos. El tema que se considera ampliamente como el más característico de la pintura japonesa, y más tarde del grabado , es la representación de escenas de la vida cotidiana y escenas narrativas que a menudo están repletas de figuras y detalles. Esta tradición sin duda comenzó en el período medieval temprano bajo la influencia china que ahora es más allá de rastrear excepto en los términos más generales, pero a partir del período de las primeras obras sobrevivientes se había desarrollado en una tradición específicamente japonesa que perduró hasta el período moderno.
La Lista oficial de Tesoros Nacionales de Japón (pinturas) incluye 162 obras o conjuntos de obras del siglo VIII al XIX que representan logros máximos o supervivencias muy raras de períodos tempranos.
Los orígenes de la pintura en Japón se remontan al período prehistórico de Japón . Se pueden encontrar representaciones figurativas simples, así como diseños botánicos, arquitectónicos y geométricos en la cerámica del período Jōmon y en las campanas de bronce dōtaku del período Yayoi (1000 a. C. - 300 d. C.) . Se han encontrado pinturas murales con diseños geométricos y figurativos en numerosos túmulos que datan del período Kofun y el período Asuka (300-700 d. C.).
Junto con la introducción del sistema de escritura chino ( kanji ), los modos chinos de administración gubernamental y el budismo en el período Asuka, se importaron muchas obras de arte a Japón desde China y comenzaron a producirse copias locales en estilos similares.
Con la consolidación del budismo en el Japón de los siglos VI y VII, la pintura religiosa floreció y se utilizó para adornar numerosos templos erigidos por la aristocracia. Sin embargo, el Japón del período Nara es reconocido más por sus importantes contribuciones en el arte de la escultura que por la pintura.
Las primeras pinturas supervivientes de este periodo incluyen los murales de las paredes interiores del Kondō (金堂) del templo Hōryū-ji en Ikaruga, prefectura de Nara . Estas pinturas murales, así como las imágenes pintadas en el importante santuario Tamamushi, incluyen narraciones como jataka , episodios de la vida del Buda histórico, Shakyamuni , además de imágenes icónicas de budas, bodhisattvas y varias deidades menores. El estilo recuerda a la pintura china de la dinastía Sui o de finales del periodo de los Dieciséis Reinos . Sin embargo, a mediados del periodo Nara, las pinturas al estilo de la dinastía Tang se hicieron muy populares. Entre ellas también se incluyen los murales de la tumba de Takamatsuzuka , que datan de alrededor del año 700 d. C. Este estilo evolucionó hasta convertirse en el género Kara-e, que siguió siendo popular hasta principios del periodo Heian .
Como la mayoría de las pinturas del periodo Nara son de naturaleza religiosa, la gran mayoría son de artistas anónimos. Una gran colección de arte del periodo Nara, tanto japonés como de la dinastía china Tang [2], se conserva en el Shōsō-in , un depósito del siglo VIII que antiguamente era propiedad de Tōdai-ji y que actualmente administra la Agencia de la Casa Imperial .
Con el desarrollo de las sectas budistas esotéricas de Shingon y Tendai , la pintura de los siglos VIII y IX se caracteriza por la imaginería religiosa, sobre todo el mandala pintado (曼荼羅, mandara ) . Se crearon numerosas versiones de mandala, las más famosas el mandala del Reino de Diamante y el mandala del Reino del Útero en Tōji en Kioto, como pergaminos colgantes y también como murales en las paredes de los templos. Un ejemplo temprano notable se encuentra en la pagoda de cinco pisos de Daigo-ji , un templo al sur de Kioto .
La Escuela Kose fue una familia de artistas de la corte fundada por Kanaoka Kose en la segunda mitad del siglo IX, durante el período Heian temprano. Esta escuela no representa un único estilo de pintura como otras escuelas, sino los diversos estilos de pintura creados por Kanaoka Kose y sus descendientes y alumnos. Esta escuela transformó las pinturas de estilo chino con temas chinos en estilo japonés y jugó un papel importante en la formación del estilo de pintura yamato-e . [3] [4]
Con la creciente importancia de las sectas de la Tierra Pura del budismo japonés en el siglo X, se desarrollaron nuevos tipos de imágenes para satisfacer las necesidades devocionales de estas sectas. Estas incluyen raigōzu (来迎図) , que representa al Buda Amida junto con los bodhisattvas Kannon y Seishi que lo acompañan llegando para dar la bienvenida a las almas de los fieles difuntos al Paraíso Occidental de Amida. Un ejemplo temprano notable que data de 1053 está pintado en el interior del Salón del Fénix del Byōdō-in , un templo en Uji, Kioto . Este también se considera un ejemplo temprano del llamado yamato-e (大和絵, "pintura de estilo japonés") , en la medida en que incluye elementos del paisaje como suaves colinas onduladas que parecen reflejar algo de la apariencia real del paisaje del oeste de Japón.
El período Heian medio se considera la edad de oro del Yamato-e, que inicialmente se usaba principalmente para puertas corredizas ( fusuma ) y biombos ( byōbu ). Sin embargo, también surgieron nuevos formatos de pintura, especialmente hacia el final del período Heian, incluido el emakimono o largos rollos de mano ilustrados. Las variedades de emakimono abarcan novelas ilustradas, como Genji Monogatari , obras históricas, como Ban Dainagon Ekotoba , y obras religiosas. En algunos casos, los artistas emaki emplearon convenciones narrativas pictóricas que se habían utilizado en el arte budista desde la antigüedad, mientras que en otras ocasiones idearon nuevos modos narrativos que se cree que transmiten visualmente el contenido emocional de la narrativa subyacente. Genji Monogatari está organizado en episodios discretos, mientras que el más animado Ban Dainagon Ekotoba utiliza un modo narrativo continuo para enfatizar el movimiento hacia adelante de la narrativa. Estos dos emaki también difieren estilísticamente: las pinceladas rápidas y los colores claros de Ban Dainagon contrastan marcadamente con las formas abstractas y los pigmentos minerales vibrantes de los rollos Genji . El asedio del palacio Sanjō es otro ejemplo famoso de este tipo de pintura.
Los e-maki también son algunos de los primeros y más grandes ejemplos de onna-e ("pinturas de mujeres") y otoko-e ("pinturas de hombres") y de estilos de pintura. Existen muchas diferencias sutiles entre ambos estilos. Aunque los términos parecen sugerir las preferencias estéticas de cada género, los historiadores del arte japonés han debatido durante mucho tiempo el significado real de estos términos, y siguen sin estar claros. Quizás lo más fácil de notar sean las diferencias en la temática. Onna-e , ejemplificado por el rollo de mano Historia de Genji , generalmente trata sobre la vida de la corte y el romance cortesano, mientras que otoko-e , a menudo, trata sobre eventos históricos o semilegendarios, en particular batallas.
Estos géneros continuaron durante el periodo Kamakura en Japón. Este estilo de arte se ejemplificó en gran medida en la pintura titulada Ataque nocturno al palacio Sanjo , una pieza llena de colores vibrantes, detalles y una gran visualización de una novela titulada Heiji Monogatari . Se siguieron produciendo e-maki de varios tipos; sin embargo, el periodo Kamakura se caracterizó mucho más por el arte de la escultura que por la pintura. "El periodo Kamakura se extendió desde finales del siglo XII hasta el siglo XIV. Fue una época de obras de arte, como pinturas, pero principalmente esculturas que aportaron una visión más realista de la vida y sus aspectos en ese momento. En cada una de estas estatuas se incorporaron muchos rasgos realistas a la producción de su realización. Muchas esculturas incluían narices, ojos, dedos individuales y otros detalles que eran nuevos en el lugar de la escultura en el arte".
Como la mayoría de las pinturas de los períodos Heian y Kamakura son de naturaleza religiosa, la gran mayoría son de artistas anónimos. Un artista conocido por su perfección en este nuevo estilo artístico del período Kamakura fue Unkei, quien finalmente dominó esta forma de arte escultórico y abrió su propia escuela llamada Escuela Kei. A medida que avanzaba esta era, "se produjo el resurgimiento de estilos clásicos aún más antiguos, la importación de nuevos estilos del continente y, en la segunda mitad del período, el desarrollo de estilos únicos del Japón oriental centrados en la era Kamakura".
Durante el siglo XIV, el desarrollo de los grandes monasterios zen en Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto en las artes visuales. Suibokuga , un estilo austero y monocromático de pintura con tinta introducido desde la dinastía Ming de China de los estilos de tinta china Song y Yuan, especialmente Muqi (牧谿), reemplazó en gran medida las pinturas policromadas en rollo del arte zen temprano en Japón apegadas a las normas de la iconografía budista de siglos anteriores, como Takuma Eiga (宅磨栄賀). A pesar de la nueva ola cultural china generada por la cultura Higashiyama , algunos retratos policromados permanecieron, principalmente en forma de pinturas chinso de monjes zen. [5]
La captura de un siluro con una calabaza (ubicada en Taizō-in , Myōshin-ji , Kioto), del sacerdote pintor Josetsu , marca un punto de inflexión en la pintura de Muromachi. En primer plano, se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran siluro resbaladizo. La niebla llena el plano medio y, al fondo, las montañas parecen estar muy lejos. En general, se asume que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutada alrededor de 1413, hace referencia a un sentido más chino del espacio profundo dentro del plano del cuadro.
A finales del siglo XIV, las pinturas de paisajes monocromáticos (山水画sansuiga ) habían encontrado el patrocinio de la familia gobernante Ashikaga y eran el género preferido entre los pintores zen, evolucionando gradualmente desde sus raíces chinas hacia un estilo más japonés. Un desarrollo posterior de la pintura de paisajes fue el rollo de imágenes de poemas, conocido como shigajiku .
Los artistas más destacados del periodo Muromachi son los sacerdotes pintores Shūbun y Sesshū . Shūbun, un monje del templo Shōkoku-ji de Kioto , creó en la pintura Leyendo en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en su origen. Paisaje de las cuatro estaciones ( Sansui Chokan ; c. 1486) es una de las obras más logradas de Sesshu, que representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.
A finales del período Muromachi, la pintura con tinta había migrado de los monasterios zen al mundo del arte en general, ya que los artistas de la escuela Kanō y la escuela Ami (ja:阿弥派) adoptaron el estilo y los temas, pero introduciendo un efecto más plástico y decorativo que continuaría en los tiempos modernos.
Entre los artistas importantes del período Muromachi en Japón se incluyen:
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En marcado contraste con el anterior período Muromachi, el período Azuchi-Momoyama se caracterizó por un estilo policromado grandioso, con un uso extensivo de láminas de oro y plata que se [6] aplicarían a pinturas, prendas de vestir, arquitectura, etc.; y por obras a gran escala. [6] En contraste con el estilo lujoso que muchos conocían, la élite militar apoyaba la simplicidad rústica, especialmente en la forma de la [7] ceremonia del té donde usarían utensilios desgastados e imperfectos en un entorno similar. Este período comenzó la unificación de los líderes "guerreros" bajo un gobierno central. La fecha inicial para este período a menudo se cree que es 1568 cuando Nobunaga entró en Kioto o 1573 cuando el último shogun Ashikaga fue expulsado de Kioto. La escuela Kanō, patrocinada por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores, ganó enormemente en tamaño y prestigio. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula para la creación de paisajes monumentales en las puertas corredizas que encierran una habitación. Estas enormes pantallas y pinturas murales fueron encargadas para decorar los castillos y palacios de la nobleza militar. En particular, Nobunaga mandó construir un enorme castillo entre 1576 y 1579 que resultó ser uno de los mayores desafíos artísticos para Kanō Eitoku. Su sucesor, Toyotomi Hideyoshi, también construyó varios castillos durante este período. Estos castillos fueron algunas de las obras artísticas más importantes en lo que respecta a la experimentación en este período. Estos castillos representan el poder y la confianza de los líderes y guerreros en la nueva era. [8] Este estatus continuó en el posterior período Edo, ya que el bakufu Tokugawa continuó promoviendo las obras de la escuela Kanō como el arte oficialmente sancionado por el shōgun, los daimyōs y la corte imperial.
Sin embargo, durante el período Azuchi-Momoyama también existieron y se desarrollaron artistas y corrientes ajenos a la escuela Kano, que adaptaron temas chinos a materiales y estéticas japonesas. Un grupo importante fue la escuela Tosa , que se desarrolló principalmente a partir de la tradición yamato-e y que era conocida principalmente por obras a pequeña escala e ilustraciones de clásicos literarios en formato de libro o emaki.
Entre los artistas importantes del período Azuchi-Momoyama se incluyen:
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El desarrollo económico que acompañó la llegada de una sociedad pacífica en el período Edo condujo al desarrollo de una amplia variedad de formas de arte, y muchas pinturas se produjeron en un estilo diferente al de las escuelas Kano y Tosa , que habían sido la escuela ortodoxa de pintura. En 1970, Nobuo Tsuji (ja) publicó un libro titulado Kisō no Keifu (奇想の系譜, Linaje de excéntricos) , que se centró en pintores del "linaje de excéntricos" que rompieron con la tradición, como Iwasa Matabei , Kanō Sansetsu , Itō Jakuchū , Soga Shōhaku , Nagasawa Rosetsu y Utagawa Kuniyoshi . Esta obra ha revolucionado la forma en que se ve la historia del arte japonés, y la pintura del período Edo se ha convertido en una de las áreas más populares del arte japonés en Japón. En los últimos años, los académicos y las exposiciones de arte han añadido a menudo a Hakuin Ekaku y Suzuki Kiitsu a los seis artistas enumerados por Tsuji, llamándolos los pintores del "Linaje de los Excéntricos". [9] [10] [11]
Una escuela muy importante que surgió a principios del período Edo fue la escuela Rinpa , que utilizó temas clásicos, pero los presentó en un formato audaz y profusamente decorativo. Sōtatsu en particular desarrolló un estilo decorativo al recrear temas de la literatura clásica, utilizando figuras de colores brillantes y motivos del mundo natural sobre fondos de pan de oro. Un siglo después, Korin reelaboró el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente magníficas que eran exclusivamente suyas.
Otro género importante que comenzó durante el período Azuchi-Momoyama, pero que alcanzó su pleno desarrollo durante el período Edo temprano fue el arte Nanban , tanto en la representación de extranjeros exóticos como en el uso del estilo de extranjeros exóticos en la pintura. Este género se centró en el puerto de Nagasaki , que después del inicio de la política de aislamiento nacional del shogunato Tokugawa fue el único puerto japonés abierto al comercio exterior y, por lo tanto, fue el conducto por el que llegaron a Japón las influencias artísticas chinas y europeas. Las pinturas de este género incluyen pinturas de la escuela de Nagasaki y también de la escuela Maruyama-Shijo , que combinan influencias occidentales con elementos tradicionales japoneses.
Una tercera tendencia importante en el período Edo fue el surgimiento del género Bunjinga (pintura literaria), también conocido como la escuela Nanga (escuela de pintura del sur). Este género comenzó como una imitación de las obras de los pintores chinos eruditos y aficionados de la dinastía Yuan , cuyas obras y técnicas llegaron a Japón a mediados del siglo XVIII. El maestro Kuwayama Gyokushū fue el mayor defensor de la creación del estilo bunjin . Teorizó que los paisajes policromáticos debían considerarse al mismo nivel que las pinturas monocromáticas de los literatos chinos. [12] Los artistas bunjinga posteriores modificaron considerablemente tanto las técnicas como la temática de este género para crear una mezcla de estilos japoneses y chinos. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga , Uragami Gyokudō , Yosa Buson , Tanomura Chikuden , Tani Bunchō y Yamamoto Baiitsu .
Debido a las políticas de austeridad fiscal y social del shogunato Tokugawa, los lujosos estilos y estilos de este género se limitaban en gran medida a los estratos superiores de la sociedad y no estaban disponibles, o incluso prohibidos, para las clases bajas. La gente común desarrolló un tipo de arte independiente, el fūzokuga (風俗画, arte de género ), en el que eran populares las pinturas que representaban escenas de la vida cotidiana, especialmente la de la gente común, el teatro kabuki , las prostitutas y los paisajes. Estas pinturas del siglo XVI dieron lugar a las pinturas y grabados en madera del ukiyo-e .
Entre los artistas importantes del período Edo se incluyen:
El período anterior a la guerra estuvo marcado por la división del arte en estilos europeos en competencia y estilos indígenas tradicionales.
Durante el período Meiji , Japón experimentó un tremendo cambio político y social en el curso de la campaña de europeización y modernización organizada por el gobierno Meiji . La pintura de estilo occidental ( yōga ) fue promovida oficialmente por el gobierno, que envió a jóvenes artistas prometedores al extranjero para estudiar y contrató a artistas extranjeros para que vinieran a Japón a establecer un plan de estudios de arte en las escuelas japonesas. Kuroda Seiki es considerado el líder del movimiento yōga y el padre de la pintura de estilo occidental en Japón. [13]
Sin embargo, después de un estallido inicial de entusiasmo por el arte de estilo occidental, el péndulo osciló en la dirección opuesta y, liderado por el crítico de arte Okakura Kakuzō y el educador Ernest Fenollosa , hubo un renacimiento de la apreciación por los estilos tradicionales japoneses ( Nihonga ). En la década de 1880, el arte de estilo occidental fue prohibido en las exposiciones oficiales y fue duramente criticado por los críticos. Hashimoto Gahō , un pintor de la Escuela de Kano , fue el fundador del lado práctico de este movimiento de renacimiento. No se limitó a pintar cuadros de estilo japonés utilizando técnicas tradicionales, sino que revolucionó la pintura japonesa tradicional al incorporar la expresión realista del Yōga y marcó la dirección del posterior movimiento Nihonga . Como primer profesor de la Escuela de Bellas Artes de Tokio (ahora Universidad de las Artes de Tokio ), formó a muchos pintores que más tarde serían considerados maestros del Nihonga , entre ellos Yokoyama Taikan , Shimomura Kanzan , Hishida Shunsō y Kawai Gyokudō . [14] [15]
Los pintores del estilo Yōga formaron la Meiji Bijutsukai (Sociedad de Bellas Artes Meiji) para realizar sus propias exposiciones y promover un renovado interés en el arte occidental.
En 1907, con la creación del Bunten bajo la égida del Ministerio de Educación , ambos grupos en competencia encontraron reconocimiento mutuo y coexistencia, e incluso comenzaron el proceso hacia la síntesis mutua.
El período Taishō vio el predominio del Yōga sobre el Nihonga . Después de largas estancias en Europa, muchos artistas (incluido Arishima Ikuma) regresaron a Japón bajo el reinado de Yoshihito, trayendo consigo las técnicas del impresionismo y el postimpresionismo temprano . Las obras de Camille Pissarro , Paul Cézanne y Pierre-Auguste Renoir influyeron en las pinturas del período Taishō temprano. Sin embargo, los artistas del yōga en el período Taishō también tendieron hacia el eclecticismo , y hubo una profusión de movimientos artísticos disidentes. Estos incluyeron la Sociedad Fusain ( Fyuzankai ) que enfatizaba los estilos del postimpresionismo, especialmente el fauvismo . En 1914, surgió la Nikakai (Sociedad de la Segunda División) para oponerse a la Exposición Bunten patrocinada por el gobierno.
La pintura japonesa durante el período Taishō estuvo sólo levemente influenciada por otros movimientos europeos contemporáneos, como el neoclasicismo y el postimpresionismo tardío.
Sin embargo, fue el resurgimiento del Nihonga , hacia mediados de la década de 1920, el que adoptó ciertas tendencias del postimpresionismo. La segunda generación de artistas del Nihonga formó la Academia de Bellas Artes de Japón ( Nihon Bijutsuin ) para competir contra el Bunten patrocinado por el gobierno , y aunque las tradiciones del yamato-e se mantuvieron fuertes, el uso creciente de la perspectiva occidental y los conceptos occidentales de espacio y luz comenzaron a desdibujar la distinción entre el Nihonga y el yōga .
La pintura japonesa del periodo Shōwa de preguerra estuvo dominada en gran medida por Sōtarō Yasui y Ryūzaburō Umehara , quienes introdujeron los conceptos de arte puro y pintura abstracta a la tradición Nihonga , y crearon así una versión más interpretativa de ese género. Esta tendencia fue desarrollada aún más por Leonard Foujita y la Sociedad Nika, para abarcar el surrealismo . Para promover estas tendencias, se formó la Asociación de Arte Independiente ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ) en 1931.
Durante la Segunda Guerra Mundial , los controles y la censura del gobierno hicieron que solo se pudieran expresar temas patrióticos. Muchos artistas fueron reclutados para la campaña de propaganda del gobierno y la revisión crítica y no emotiva de sus obras apenas está comenzando.
Entre los artistas importantes del período anterior a la guerra se incluyen:
En el período de posguerra, se formó en 1947 la Academia de Arte de Japón ( Nihon Geijutsuin ), patrocinada por el gobierno, que contenía divisiones de nihonga y yōga . El patrocinio gubernamental de las exposiciones de arte ha terminado, pero ha sido reemplazado por exposiciones privadas, como la Nitten , a una escala aún mayor. Aunque la Nitten fue inicialmente la exposición de la Academia de Arte de Japón, desde 1958 ha sido administrada por una corporación privada separada. La participación en la Nitten se ha convertido casi en un requisito previo para la nominación a la Academia de Arte de Japón, que en sí misma es casi un requisito previo no oficial para la nominación a la Orden de la Cultura .
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Las artes de los períodos Edo y de preguerra (1603-1945) fueron apoyadas por comerciantes y gente urbana. A diferencia de los períodos Edo y de preguerra, las artes del período de posguerra se hicieron populares. Después de la Segunda Guerra Mundial , los pintores, calígrafos y grabadores florecieron en las grandes ciudades, particularmente Tokio , y se preocuparon por los mecanismos de la vida urbana, reflejados en las luces parpadeantes, los colores de neón y el ritmo frenético de sus abstracciones. Todos los "ismos" del mundo artístico de Nueva York y París fueron adoptados fervientemente. Después de las abstracciones de la década de 1960, la década de 1970 vio un regreso al realismo fuertemente influenciado por los movimientos de arte "op" y "pop", encarnados en la década de 1980 en las obras explosivas de Ushio Shinohara . Muchos de estos destacados artistas de vanguardia trabajaron tanto en Japón como en el extranjero, ganando premios internacionales. Estos artistas sentían que no había "nada japonés" en sus obras y, de hecho, pertenecían a la escuela internacional. A finales de la década de 1970, la búsqueda de cualidades japonesas y un estilo nacional hizo que muchos artistas reevaluaran su ideología artística y se alejaran de lo que algunos consideraban las fórmulas vacías de Occidente. Tarō Okamoto se inspiró en la cerámica del período Jomon para crear muchas pinturas y esculturas de gran tamaño y de vanguardia para espacios públicos en Japón. Como artista y teórico del arte, mejoró enormemente la reputación del período Jomon en la historia del arte japonés. [16] Las pinturas contemporáneas dentro del idioma moderno comenzaron a hacer un uso consciente de las formas, los dispositivos y las ideologías artísticas tradicionales japonesas. Varios artistas mono-ha recurrieron a la pintura para recuperar los matices tradicionales en los arreglos espaciales, las armonías de color y el lirismo.
La pintura de estilo japonés o nihonga continúa con el estilo de antes de la guerra, actualizando las expresiones tradicionales pero conservando su carácter intrínseco. Algunos artistas de este estilo todavía pintan sobre seda o papel con colores y tintas tradicionales, mientras que otros utilizan materiales nuevos, como los acrílicos .
Muchas de las escuelas de arte más antiguas, sobre todo las del período Edo y de preguerra, todavía se practicaban. Por ejemplo, el naturalismo decorativo de la escuela rimpa , caracterizado por colores brillantes y puros y aguadas sangrantes, se reflejó en la obra de muchos artistas del período de posguerra en el arte de la década de 1980 de Hikosaka Naoyoshi. El realismo de la escuela de Maruyama Ōkyo y el estilo japonés caligráfico y espontáneo de los eruditos caballerosos se practicaron ampliamente en la década de 1980. A veces, todas estas escuelas, así como las más antiguas, como las tradiciones de tinta de la escuela Kanō , fueron inspiradas por artistas contemporáneos en el estilo japonés y en el idioma moderno. Muchos pintores de estilo japonés fueron honrados con premios y distinciones como resultado de la renovada demanda popular de arte de estilo japonés a partir de la década de 1970. Cada vez más, los pintores modernos internacionales también se inspiraron en las escuelas japonesas a medida que se alejaban de los estilos occidentales en la década de 1980. La tendencia había sido la de sintetizar Oriente y Occidente. Algunos artistas ya habían superado la brecha entre ambos, como lo hizo la destacada pintora Shinoda Toko . Sus audaces abstracciones con tinta sumi se inspiraban en la caligrafía tradicional, pero se plasmaban como expresiones líricas de la abstracción moderna.
También hay varios pintores contemporáneos en Japón cuyo trabajo está inspirado en gran medida en las subculturas del anime y otros aspectos de la cultura popular y juvenil. Takashi Murakami es quizás uno de los más famosos y populares de ellos, junto con otros artistas de su colectivo de estudio Kaikai Kiki . Su trabajo se centra en expresar cuestiones y preocupaciones de la sociedad japonesa de posguerra a través de formas que suelen parecer inocuas. Se inspira en gran medida en el anime y estilos relacionados, pero produce pinturas y esculturas en medios más tradicionalmente asociados con las bellas artes, difuminando intencionalmente las fronteras entre el arte comercial y popular y las bellas artes.
Entre los artistas importantes del período de posguerra se incluyen:
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