Primavera ( pronunciación italiana: [primaˈvɛːra] , que significa "Primavera") es una gran pintura al temple realizada por elpintor renacentista italiano Sandro Botticelli a finales de la década de 1470 o principios de la de 1480 (las fechas varían). Se la ha descrito como "una de las pinturas más controvertidas y sobre las que más se ha escrito en el mundo", [1] y también como "una de las pinturas más populares del arte occidental". [2]
La pintura representa a un grupo de figuras de la mitología clásica en un jardín, pero no se ha encontrado ninguna historia que una a este grupo en particular. [3] La mayoría de los críticos coinciden en que la pintura es una alegoría basada en el exuberante crecimiento de la primavera, pero los relatos sobre su significado preciso varían, aunque muchos involucran al neoplatonismo renacentista que entonces fascinaba a los círculos intelectuales de Florencia . El tema fue descrito por primera vez como Primavera por el historiador de arte Giorgio Vasari , quien lo vio en Villa Castello , en las afueras de Florencia, en 1550. [4]
Aunque ahora se sabe que no forman pareja, es inevitable hablar de la pintura junto con otra pintura mitológica de gran tamaño de Botticelli, El nacimiento de Venus , también en los Uffizi. Se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo y son iconos del Renacimiento italiano ; de las dos, El nacimiento es incluso más conocido que La primavera . [5] Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, prácticamente no tenían precedentes en el arte occidental desde la antigüedad clásica. [6]
La historia de la pintura no se conoce con certeza; puede haber sido encargada por uno de los miembros de la familia Medici , pero se desconoce la certeza de su encargo. Se nutre de varias fuentes literarias clásicas y renacentistas, incluidas las obras del poeta romano antiguo Ovidio y, con menos certeza, Lucrecio , y también puede aludir a un poema de Poliziano , el poeta de la casa Medici que puede haber ayudado a Botticelli a idear la composición. Desde 1919, la pintura ha sido parte de la colección de la Galería Uffizi en Florencia , Italia.
El cuadro presenta seis figuras femeninas y dos masculinas, junto a un cupido, en un huerto de naranjos. El movimiento de la composición es de derecha a izquierda, por lo que siguiendo esa dirección la identificación estándar de las figuras es la siguiente: En el extremo derecho, « Céfiro , el viento cortante de marzo, rapta y posee a la ninfa Cloris , con quien más tarde se casa y transforma en una deidad; ella se convierte en la diosa de la primavera, eterna portadora de vida, y se la ve esparciendo rosas por el suelo». [7] La transformación está indicada por las flores que salen de la boca de Cloris [8]
En el centro (pero no exactamente) y algo apartada de las otras figuras, se encuentra Venus, una mujer vestida de rojo y vestida de azul. Al igual que la recolectora de flores, devuelve la mirada del espectador. Los árboles detrás de ella forman un arco roto para atraer la mirada. En el aire sobre ella, un Cupido con los ojos vendados apunta su arco hacia la izquierda. [9] A la izquierda de la pintura, las Tres Gracias , un grupo de tres mujeres también vestidas de blanco diáfano, se dan la mano en una danza. En el extremo izquierdo, Mercurio , vestido de rojo con una espada y un casco, levanta su caduceo o vara de madera hacia unas tenues nubes grises. [10]
Las interacciones entre las figuras son enigmáticas. Céfiro y Cloris se miran el uno al otro. Flora y Venus miran al espectador, Cupido tiene los ojos vendados y Mercurio les ha dado la espalda a los demás y mira hacia las nubes. La Gracia central mira hacia él, mientras que los otros dos parecen mirarse entre sí. La sonrisa de Flora era muy inusual en la pintura de esta época. [11]
El paisaje pastoral es elaborado. Hay 500 especies de plantas identificadas representadas en la pintura, con alrededor de 190 flores diferentes, [12] de las cuales al menos 130 pueden identificarse específicamente. [1] La apariencia general y el tamaño de la pintura son similares a los tapices flamencos de mil flores que eran decoraciones populares para los palacios en esa época. [13]
En la década de 1480, estos tapices no habían alcanzado el nivel de los avances artísticos del Renacimiento italiano, y la composición de la pintura tiene aspectos que pertenecen a este estilo todavía gótico. Las figuras están distribuidas en una línea irregular a lo largo del frente del espacio pictórico, "colocadas una al lado de la otra como perlas en un collar". [14] Ahora se sabe que en el entorno para el que se diseñó la pintura, la parte inferior estaba aproximadamente a la altura de los ojos, o ligeramente por encima de ellos, lo que explica en parte "el plano que se eleva suavemente" en el que se encuentran las figuras. [15]
Los pies de Venus son considerablemente más altos que los de las demás, lo que demuestra que está detrás de ellas, pero tiene la misma escala, si no más grande, que las otras figuras. La superposición de otras figuras con la espada de Mercurio y las manos de Cloris muestra que están ligeramente delante de Grace y Flora, respectivamente, a la izquierda, lo que podría no ser obvio de otra manera, por ejemplo desde sus pies. Se ha argumentado que las flores no se hacen más pequeñas en la parte posterior del espacio del cuadro, sin duda una característica de los tapices de mil flores. [16]
Los trajes de las figuras son versiones de la vestimenta de la Florencia contemporánea, aunque el tipo de "trajes cuasi teatrales diseñados para mascaradas del tipo que Vasari escribió fueron inventados por Lorenzo de' Medici para festivales cívicos y torneos". [17] La falta de una narrativa obvia puede relacionarse con el mundo de los desfiles y los tableaux vivants , así como con las alegorías góticas típicamente estáticas.
Se han propuesto varias interpretaciones de las figuras, [18] pero en general se acepta que al menos en un nivel la pintura es "una elaborada alegoría mitológica de la creciente fertilidad del mundo". [2] Se cree que Botticelli recibió ayuda para idear la composición de la pintura y los significados que se pretendía que contuviera, ya que parece que la pintura refleja un profundo conocimiento de la literatura y la filosofía clásicas que es poco probable que Botticelli poseyera. Se suele pensar que Poliziano estuvo involucrado en esto, [19] aunque también se ha mencionado a menudo a Marsilio Ficino , otro miembro del círculo de Lorenzo de' Medici y una figura clave en el neoplatonismo renacentista . [20]
Un aspecto de la pintura es una representación del progreso de la estación de primavera, que se lee de derecha a izquierda. El viento de principios de primavera sopla sobre la tierra y produce crecimiento y flores, presidido por Venus, diosa de abril, con a la izquierda Mercurio, el dios del mes de mayo en un calendario romano primitivo, ahuyentando las últimas nubes antes del verano. [21] Además de ser parte de una secuencia a lo largo de la estación, Mercurio al disipar las nubes actúa como el guardián del jardín, lo que explica en parte su vestimenta militar y su orientación hacia el exterior del espacio del cuadro. Un pasaje de la Eneida de Virgilio lo describe despejando los cielos con su caduceo. [22] Una visión neoplatónica más positiva de las nubes es que son "los velos benéficos a través de los cuales el esplendor de la verdad trascendente puede llegar al espectador sin destruirlo". [23]
Venus preside el jardín, un naranjal (símbolo de los Medici). También es el Jardín de las Hespérides del mito clásico, de donde procedían las manzanas de oro utilizadas en el Juicio de Paris ; los griegos helenísticos habían decidido que se trataba de frutas cítricas , exóticas para ellos. [24] Según Claudiano , allí no se permitían nubes. [25] Venus está de pie delante de las hojas oscuras de un arbusto de mirto . Según Hesíodo , Venus había nacido del mar después de que el semen de Urano cayera sobre las aguas. Al llegar a la orilla en una concha, había vestido su desnudez con mirto, y así la planta se volvió sagrada para ella. [26] Venus aparece aquí en su carácter de diosa del matrimonio, vestida y con el cabello modestamente cubierto, como se esperaba que aparecieran en público las mujeres casadas. [27]
Las Tres Gracias son hermanas y tradicionalmente acompañan a Venus. En el arte clásico (pero no en la literatura) normalmente están desnudas y suelen estar inmóviles mientras se toman de la mano, pero la representación que se muestra aquí es muy parecida a una adaptación de Séneca de Leon Battista Alberti en su De pictura (1435), que Botticelli conocía sin duda. [28] Desde la izquierda, Edgar Wind las identifica como Voluptas , Castitas y Pulchritudo (Placer, Castidad y Belleza), [29] aunque se encuentran otros nombres en la mitología y es notable que muchos escritores, incluidos Lightbown y los Ettlinger, se abstengan de nombrar las Gracias de Botticelli.
La flecha de Cupido apunta a la Gracia media —la Castidad, según el Viento— y el impacto del amor en la castidad, que conduce al matrimonio, aparece en muchas interpretaciones. [31] La Castidad mira hacia Mercurio, y algunas interpretaciones, especialmente aquellas que identifican las figuras como modeladas a partir de individuos reales, ven a esta pareja como una pareja que coincide con Cloris y Céfiro en el otro lado de la pintura.
En una interpretación diferente, el amor carnal terrenal representado por Céfiro a la derecha es renunciado por la figura central de las Gracias, que ha dado la espalda a la escena, indiferente a la amenaza que representa para ella Cupido. Su atención se centra en Mercurio, que mira más allá del lienzo a lo que muchos creen que fue colgado como la pieza complementaria de La Primavera : Palas y el Centauro , en la que "el amor orientado hacia el conocimiento" (encarnado por Palas Atenea ) triunfa sobre la lujuria (simbolizada por el centauro ). [32]
La identificación básica de las figuras es ampliamente aceptada en la actualidad, [33] pero en el pasado se han utilizado otros nombres para las mujeres de la derecha, que son dos etapas de la misma persona en la interpretación habitual. La mujer del vestido floreado puede llamarse Primavera (una personificación de la primavera), siendo Flora la figura perseguida por Céfiro. [34] [35] Un erudito sugirió en 2011 que la figura central no es Venus en absoluto, sino Perséfone . [36]
Además de su significado manifiesto, la pintura ha sido interpretada como una ilustración del ideal del amor neoplatónico popularizado entre los Medici y sus seguidores por Marsilio Ficino. [30] Los filósofos neoplatónicos vieron a Venus gobernando tanto el amor terrenal como el divino y argumentaron que ella era el equivalente clásico de la Virgen María; esto se alude a la forma en que está enmarcada en un entorno similar a un altar que es similar a las imágenes contemporáneas de la Virgen María. [37] [38] El gesto de bienvenida de la mano de Venus, probablemente dirigido al espectador, es el mismo que utilizó María hacia el Arcángel Gabriel en las pinturas contemporáneas de la Anunciación . [39]
Las alusiones a los nombres de los Medici probablemente incluyen las bolas doradas de las naranjas, que recuerdan a las del escudo de armas de los Medici, los árboles de laurel a la derecha, para Lorenzo, y las llamas en el traje tanto de Mercurio (para quien son un atributo regular) como de Venus, que también son un atributo de San Lorenzo (Lorenzo en italiano). Mercurio era el dios de la medicina y los "doctores", medici en italiano. Tales juegos de palabras para los Medici, y en Venus y Marte para Vespucci, están presentes en todas las pinturas mitológicas de Botticelli. [40]
De las muchas fuentes literarias que pueden haber alimentado la pintura, [41] la más clara fue señalada por primera vez en tiempos modernos por Aby Warburg en 1893, en su disertación seminal sobre la pintura. [42] El grupo a la derecha de la pintura se inspiró en una descripción del poeta romano Ovidio de la llegada de la primavera ( Fasti , Libro 5, 2 de mayo). En ella, la ninfa del bosque Cloris relata cómo sus encantos desnudos atrajeron al primer viento de la primavera, Céfiro. Céfiro la persiguió y, mientras ella estaba arrebatada, brotaron flores de su boca y se transformó en Flora, diosa de las flores. [43] En la obra de Ovidio se le dice al lector que "hasta entonces la tierra había sido de un solo color". Del nombre de Cloris se puede suponer que el color era verde -la palabra griega para verde es khloros , la raíz de palabras como clorofila- y puede ser la razón por la que Botticeli pintó a Céfiro en tonos de verde azulado. [44]
Otros elementos específicos pueden haber sido derivados de un poema de Poliziano . [45] Como el poema de Poliziano, "Rusticus", fue publicado en 1483 y se cree generalmente que la pintura fue terminada alrededor de 1482, [1] [46] algunos eruditos han argumentado que la influencia fue invertida, [47] teniendo en cuenta que generalmente se piensa que Poliziano ayudó a idear la alegoría en la pintura. [48]
Otra inspiración para la pintura parece haber sido el poema de Lucrecio " De rerum natura ", que incluye los versos: "Llega la primavera y Venus, y el hijo de Venus, / el heraldo alado, avanza delante, / y sobre las huellas de Céfiro, la Madre Flora, / rociando los caminos ante ellos, lo llena todo / con colores y con olores excelentes". [49] [50] [51]
Si bien existe una gran cantidad de fuentes literarias, la mayoría de las cuales probablemente no eran conocidas directamente por Botticelli ni le fueron propuestas por sus asesores, las fuentes visuales son un asunto diferente:
Pero, ¿de dónde, en el sentido visual más que en el literario, surgió la visión? Ese es el misterio del genio. A partir de sarcófagos antiguos, de unas cuantas gemas y relieves, y tal vez algunos fragmentos de cerámica aretina ; de esos dibujos de restos clásicos hechos por artistas contemporáneos que circulaban en los talleres florentinos, como los libros de muestras de los arquitectos del siglo XVIII; a partir de un material tan escaso y mediocre, Botticelli ha creado una de las evocaciones más personales de la belleza física en todo el arte, las Tres Gracias de la Primavera . ( Kenneth Clark ) [52]
El origen de la pintura no está claro. Botticelli estuvo en Roma durante muchos meses entre 1481 y 1482, pintando en la Capilla Sixtina , y las fechas sugeridas en años recientes son en su mayoría posteriores a esta fecha, pero a veces anteriores. La opinión ha cambiado un poco con la publicación en 1975 de un inventario de 1499 de la colección de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici. [55]
El inventario de 1499 registra que estaba colgado en el palacio de la ciudad de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici y su hermano Giovanni "Il Popolano" . Eran primos de Lorenzo de' Medici ("Lorenzo il Magnifico"), que era efectivamente el gobernante de Florencia, y después de la temprana muerte de su padre habían sido sus pupilos. [56] Colgaba sobre un gran lettuccio , un elaborado mueble que incluye una base elevada, un asiento y un respaldo, probablemente rematado con una cornisa . La parte inferior de la pintura estaba probablemente a la altura de los ojos del espectador, por lo que bastante más alta de lo que está colgada hoy. [57]
En la misma sala se encontraban Palas y el Centauro de Botticelli , así como un gran tondo con la Virgen y el Niño . El tondo no ha sido identificado en la actualidad, pero es un tipo de pintura especialmente asociada con Botticelli. Se le asignó el valor más alto de las tres pinturas, 180 liras. Un inventario posterior de 1503 registra que la Primavera tenía un gran marco blanco. [58]
En la primera edición de su Vida de Botticelli , publicada en 1550, Giorgio Vasari dijo que había visto esta pintura, y El nacimiento de Venus , colgadas en la Villa di Castello de la campiña de los Medici . Antes de que se conociera el inventario, se creía generalmente que ambas pinturas fueron realizadas para la villa, probablemente poco después de que fuera adquirida en 1477, ya sea por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco o tal vez se las regaló su primo mayor y tutor Lorenzo de' Medici . Curiosamente, Vasari dice que ambas pinturas contenían desnudos femeninos, lo que no es estrictamente el caso aquí. [59]
La mayoría de los estudiosos relacionan ahora la pintura con el matrimonio de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici . A menudo se regalaban cuadros y muebles para celebrar bodas. El matrimonio se celebró el 19 de julio de 1482, pero se pospuso tras la muerte de la madre de Lorenzo el 25 de marzo. Originalmente estaba previsto para mayo. [60] Las dataciones recientes tienden a preferir la fecha de principios de la década de 1480, después del regreso de Botticelli de Roma, lo que sugiere que se encargó directamente en relación con esta boda, una opinión apoyada por muchos. [61]
Otra teoría más antigua, que supone una fecha temprana, sugiere que Lorenzo mayor encargó el retrato para celebrar el nacimiento de su sobrino Giulio di Giuliano de' Medici (que más tarde se convirtió en Papa ), pero cambió de opinión después del asesinato del padre de Giulo, su hermano Giuliano en 1478, y lo completó como regalo de bodas para Lorenzo di Pierfrancesco. [7] [62]
Con frecuencia se sugiere que Lorenzo di Pierfrancesco es el modelo de Mercurio en el retrato, y su novia Semiramide representada como Flora (o Venus). [53] En teorías más antiguas, que ubican la pintura en la década de 1470, se propuso que el modelo de Venus fue Simonetta Vespucci , esposa de Marco Vespucci y según la leyenda popular la amante de Giuliano de' Medici (que también se dice a veces que fue el modelo de Mercurio); [54] estas identificaciones dependen en gran medida de una fecha temprana, en la década de 1470, ya que ambos estaban muertos en 1478. Simonetta era la tía de la novia de Lorenzo, Semiramide. [63] Resumiendo las muchas interpretaciones de la pintura, Leopold Ettlinger incluye "descender a lo ridículo: una pantomima wagneriana representada en memoria del asesinado Giuliano de' Medici y su amada Simonetta Vespucci con las Nornas germánicas disfrazadas de las Gracias mediterráneas". [64]
Desde entonces, esta pintura y El nacimiento de Venus se han mantenido juntos en Castello hasta 1815, cuando fueron trasladados a los Uffizi. Durante algunos años, hasta 1919, se conservaron en la Galleria dell'Accademia , otro museo gubernamental de Florencia. [65] Desde 1919, ha estado colgado en la Galería de los Uffizi en Florencia. Durante la campaña italiana de la Segunda Guerra Mundial, el cuadro se trasladó al castillo de Montegufoni, a unos diez kilómetros al suroeste de Florencia, para protegerlo de los bombardeos en tiempos de guerra. [66]
Fue devuelta a la Galería de los Uffizi, donde permanece hasta la actualidad. En 1978, la pintura fue restaurada . [67] La obra se ha oscurecido considerablemente con el paso del tiempo. [45]
