Las naturalezas muertas de Vincent van Gogh (París) son el tema de muchos dibujos, bocetos y pinturas de Vincent van Gogh en 1886 y 1887, después de mudarse a Montmartre en París desde los Países Bajos. Durante su estancia en París, Van Gogh transformó los temas, el color y las técnicas que utilizó para crear sus naturalezas muertas .
Vio la obra y conoció a los fundadores y artistas clave del impresionismo , el puntillismo y otros movimientos y comenzó a incorporar lo aprendido en su trabajo. El arte japonés , el ukiyo-e y los grabados en madera también influyeron en su enfoque de la composición y la pintura.
El tono sombrío de su obra en los Países Bajos fue cambiando gradualmente hacia un enfoque mucho más variado y expresivo a medida que comenzó a introducir colores más brillantes en su obra. Pintó muchas naturalezas muertas de flores, experimentando con el color, la luz y las técnicas que aprendió de varios artistas modernos diferentes antes de pasar a otros temas.
En 1887, su obra incorporó varios elementos del arte moderno a medida que comenzaba a acercarse a su obra madura. Excelentes ejemplos son las pinturas Pares de zapatos , donde en el espacio de cuatro pinturas se puede observar la diferencia entre el primer par de botas realizado en 1886, similar a algunas de sus pinturas campesinas anteriores de Nuenen , a la pintura realizada en 1887 que incorpora colores complementarios y contrastantes y el uso de la luz. Otro ejemplo son las pinturas Jarrones azules realizadas en 1887 que incorporan mejoras tanto en el color como en la técnica que dan como resultado pinturas de flores edificantes y coloridas.
En la primavera de 1887, Van Gogh abandonó la ciudad para visitar Asnières con su amigo Émile Bernard . Allí, su obra se transformó aún más estilísticamente y mediante el uso de colores y luces brillantes y contrastantes. Vea sus obras de Asnières y Seine .
Entre 1880 y 1885, Van Gogh comenzó a trabajar como artista en serio. No solo recibió la influencia de los grandes maestros holandeses , sino también, en gran medida, de su primo político Anton Mauve, pintor realista holandés y miembro destacado de la Escuela de La Haya . [1]
La paleta de Van Gogh se componía principalmente de tonos tierra oscuros, en particular marrón oscuro. Su hermano Theo , un comerciante de arte, comentó que su obra era demasiado sombría para ser comercializable y lo alentó a explorar el arte moderno, en particular el impresionismo por sus pinturas brillantes y coloridas. [2]
En 1886, Van Gogh abandonó los Países Bajos y viajó a París para explorar los movimientos artísticos emergentes bajo la guía y el apoyo continuo de su hermano Theo van Gogh , un comerciante de arte. [1] Sorprendido de que Vincent hubiera llegado a París sin previo aviso, y en oposición a sus conversaciones sobre el momento de su llegada, Vincent se quedó en el apartamento de Theo en la Rue Laval hasta que pudiera adquirir un apartamento más grande. [3] Durante cuatro meses, Van Gogh estudió con Fernand Cormon , pintando moldes de yeso, modelos desnudos en vivo y accesorios disponibles en el estudio de Cormon. Cormon también alentó la pintura al aire libre. Allí conoció a Henri de Toulouse-Lautrec , Émile Bernard y Louis Anquetin . [4] A través de Theo y los círculos sociales artísticos, también conoció a Edgar Degas , Camille Pissarro , [5] Paul Signac , Georges Seurat , [6] y Paul Gauguin . A través de su relación con estos hombres, Van Gogh conoció a los impresionistas , simbolistas , puntillistas y el arte japonés , el ukiyo-e y los grabados en madera . [1] A pesar de su comportamiento inusual, su ropa desaliñada y su manera a menudo aterradora, París fue el único lugar donde Van Gogh desarrolló amistades con otros artistas. Tanto es así que cuando Toulouse-Lautrec escuchó comentarios despectivos contra Van Gogh, lo desafió a duelo. [7] Al ver e intercambiar obras de arte con los artistas de vanguardia parisinos, Van Gogh entendió lo que Theo había estado tratando de decirle durante años sobre el arte moderno. [8] Pudo experimentar con cada uno de los movimientos para desarrollar su propio estilo, convirtiéndose en lo que algunos dicen es "uno de los artistas más importantes del arte moderno". [4]
El Romanticismo fue un movimiento artístico y literario formado por personas que buscaban escapar del mundo monótono. Sus características son pinturas de "tierras exóticas" con sentimiento grandioso y color intenso. [9] Adolphe Joseph Thomas Monticelli desarrolló un estilo de pintura romántica muy individual con pinturas ricamente coloreadas, moteadas y texturizadas y superficies vidriadas. [10] Monticelli fue un pintor francés de la generación anterior a los impresionistas que era amigo de Narcisse Diaz , miembro de la escuela de Barbizon , y los dos solían pintar juntos en el bosque de Fontainebleau . Vincent van Gogh , admiró mucho su trabajo después de verlo en París cuando llegó allí en 1886. [11] Van Gogh se vio influenciado por la riqueza que percibió en el trabajo de Monticelli. [12] En 1890, Van Gogh y su hermano Theo fueron fundamentales en la publicación del primer libro sobre Monticelli. [13] [14]
El movimiento impresionista supuso un cambio con respecto a las técnicas artísticas tradicionales. Con el impresionismo, la intención era representar los colores y las imágenes tal como se ven, no como se les enseñaba a los artistas a pintarlos. Algunos aspectos del impresionismo incluyen el uso de puntos de luz brillantes, color en sombras, colores directamente del tubo en puntos o rayas y contornos firmes y diluidos. [15]
Van Gogh estuvo influenciado por los impresionistas Edgar Degas y Claude Monet , pero aún más por el neoimpresionista Georges Seurat , en parte debido al uso de puntos de colores contrastantes para intensificar la imagen, una técnica llamada puntillismo . Van Gogh comparó la pintura con la construcción de pequeños trazos de color cuidadosamente colocados con la escritura de "palabras en un discurso o una carta". [16]
El cloisonnismo es un estilo de pintura postimpresionista con formas llamativas y planas separadas por contornos oscuros. El término fue acuñado por el crítico Édouard Dujardin con motivo del Salón de los Independientes , en marzo de 1888. [17] Los artistas Émile Bernard , Louis Anquetin , Paul Gauguin , Paul Sérusier y otros comenzaron a pintar en este estilo a fines del siglo XIX. El nombre evoca la técnica del cloisonné , donde se sueldan alambres (cloisons o "compartimentos") al cuerpo de la pieza, se rellenan con vidrio en polvo y luego se hornean. Muchos de los mismos pintores también describieron sus obras como sintetismo, un movimiento estrechamente relacionado. [18]
El término posimpresionismo fue acuñado por el artista y crítico de arte británico Roger Fry en 1910 para describir el desarrollo del arte francés desde Manet . Fry utilizó el término cuando organizó la exposición de 1910 Manet y el posimpresionismo . Los posimpresionistas ampliaron el impresionismo al tiempo que rechazaban sus limitaciones: continuaron utilizando colores vivos, una aplicación espesa de pintura, pinceladas distintivas y temas de la vida real, pero se inclinaron más a enfatizar las formas geométricas, a distorsionar la forma para lograr un efecto expresivo y a utilizar colores poco naturales o arbitrarios. [19]
Los rasgos característicos de las xilografías ukiyo-e incluyen su temática ordinaria, el recorte distintivo de sus composiciones, contornos audaces y asertivos, perspectiva ausente o inusual, regiones planas de color uniforme, iluminación uniforme, ausencia de claroscuro y su énfasis en los patrones decorativos. [20] Una o más de estas características se pueden encontrar en varias pinturas de Vincent desde su período de Amberes en adelante. [21] [22] Van Gogh escribió: "Si estudiamos el arte japonés, vemos a un hombre que es indudablemente sabio, filosófico e inteligente, que pasa su tiempo... estudiando una sola brizna de hierba. Pero esta brizna de hierba lo lleva a dibujar cada planta, y luego las estaciones, los amplios aspectos del campo, luego los animales, luego la figura humana... ¿no es casi una verdadera religión lo que estos japoneses simples nos enseñan, que viven en la naturaleza como si ellos mismos fueran flores? Y no se puede estudiar arte japonés, me parece, sin volverse mucho más alegre y feliz". [23]
.jpeg/1280px-Van_Gogh_-_Die_Br%C3%BCcke_im_Regen_(nach_Hiroshige).jpeg)
Uno de los elementos más transformadores de la obra de Van Gogh durante su estancia en París fue su uso del color. Van Gogh utilizó colores complementarios y contrastantes para aportar intensidad a su obra. Dos colores complementarios del mismo grado de intensidad y brillo colocados uno junto al otro producen una reacción intensa, llamada la "ley del contraste simultáneo". [24]
Desde sus días en los Países Bajos, Van Gogh se familiarizó con la teoría del color de Delacroix y quedó fascinado por el color. [25] Mientras estaba en Nuenen, Van Gogh se familiarizó con las leyes de Michel Eugène Chevreul en el tejido para maximizar la intensidad de los colores a través de su contraste con los colores adyacentes. [26]
En París, Van Gogh estudió con entusiasmo el uso de colores complementarios de Seurat . Entusiasmado por probar estudios complementarios, Van Gogh dividía un lienzo grande en varias secciones rectangulares, probando "todos los colores del arco iris". [25] Allí también conoció, a través de su hermano Theo, la obra de bodegones con flores de Adolphe Monticelli , que admiraba. Veía el uso del color de Monticelli como una expansión de las teorías de Delacroix sobre el color y el contraste. También admiraba el efecto que Monticelli creaba con la aplicación intensa de pintura. [10]
En la serie de naturalezas muertas, en particular de flores, Van Gogh experimentó con la relación cromática, como los colores complementarios y contrastantes, que son colores que se encuentran uno frente al otro en el círculo cromático. Una segunda relación cromática, los colores armoniosos, son los colores adyacentes en el círculo cromático. También utilizó el trío de colores, donde la relación en el círculo cromático forma un triángulo.
Para ayudarle a elegir los colores de sus estudios, Van Gogh recogió hilos de distintos tonos de estambre para experimentar con combinaciones de colores. Enrolló los hilos seleccionados para formar bolas en combinaciones que coincidían con pinturas específicas, como las combinaciones de amarillo y ocre que se encuentran en Naturaleza muerta con membrillos y limones (F383). La caja y sus bolas de muestra de estambre han sobrevivido y se conservan en el Museo Van Gogh . [27]
Poco después de llegar a París, Van Gogh comenzó a pintar naturalezas muertas con el objetivo de experimentar con colores contrastantes. Le escribió a un amigo en Inglaterra que su objetivo era crear "coloración intensa, no armonía gris". [28]
Comenzó con bodegones de flores. Al principio, sus bodegones conservaban los tonos tenues que utilizaba en los Países Bajos. A medida que se sumergía más en su pintura, iba añadiendo colores cada vez más brillantes a su obra hasta que llegó a utilizar colores directamente del tubo. Luego pasó a otros temas de la vida cotidiana que reflejan su uso de colores vivos y una pincelada libre. [29]
Van Gogh cortejó durante un tiempo a Agostina Segatori , la propietaria del Café du Tambourin en el bulevar de Clichy , y le regaló pinturas de flores "que durarían para siempre". [30]
La energía que Van Gogh puso en sus pinturas de naturalezas muertas es representativa de su hábito de "trabajar sistemáticamente, concentrándose en un tema hasta agotarlo". [31]
Las flores fueron el tema de muchas de las pinturas de Van Gogh en París, debido en gran parte a su afición por las flores. Conociendo el interés de Van Gogh por hacer bodegones de flores, sus amigos y conocidos en París le enviaban ramos de flores cada semana para sus cuadros. [32] También compraba ramos baratos, eligiendo flores de una variedad de tipos y colores para sus pinturas. [33] Muchas de sus pinturas de bodegones de flores reflejan una sensación de sobreabundancia de las naturalezas muertas europeas, donde las flores llenan el lienzo, las flores se derraman del jarrón o los tallos de las flores se tambalean en el borde del jarrón. [34]
Van Gogh estudió cuidadosamente el arte de los arreglos florales , las obras de los maestros holandeses , los grabados en madera japoneses y los arreglos de naturaleza muerta impresionistas para dominar sus pinturas de flores. [35] Expresando su entusiasmo por el tema y la cantidad de pinturas que completó en París, Van Gogh escribió a su hermana Wil : "No pinté casi nada más que flores para poder acostumbrarme a otros colores además del gris: rosa, verde suave o brillante, azul claro, violeta, amarillo, rojo glorioso". [36] Su experiencia en color, composición, textura y colocación puede haber impresionado a Constance Spry , una destacada arreglista floral que creó pautas para el arreglo floral como forma de arte. Aprendió mucho sobre "estructura, estilo, forma, equilibrio, armonía y ritmo" al estudiar las pinturas de grandes maestros de las flores. [35]
Cuanto más tiempo pasaba en París, más se afianzaba en él la estética asiática de las flores. Como le dijo a su hermano Theo : «Verás que si te acostumbras a mirar cuadros japoneses , te gustará aún más hacer ramos y cosas con flores». [32]
Van Gogh había llegado a un acuerdo con Agostina Segatori , propietaria del Café du Tambourin, un establecimiento que atendía a los artistas de Montmartre , para que le ofreciera comidas a cambio de unos cuantos cuadros por semana. Pronto las paredes del café se llenaron de bodegones de flores. [37]
Los crisantemos, que suelen aparecer en xilografías japonesas, fueron pintados por los impresionistas principalmente en arreglos florales. El crisantemo más deseado era una variedad de Japón que florece en otoño. [38]
Fritilarias imperiales en un jarrón de cobre (F213) refleja las influencias del neoimpresionista Paul Signac . El fondo está pintado con pinceladas puntillistas . La pintura se realizó con colores complementarios y contrastantes de azul y naranja. Van Gogh no era un purista; variaba los tonos de los colores contrastantes y elegía temas que disfrutaba, como pintar naturalezas muertas. La fritilaria es un bulbo que florece en primavera con entre tres y diez flores por bulbo. Las fritilarias imperiales , con una flor de color rojo anaranjado, se cultivaban en jardines franceses y holandeses a finales del siglo XIX. [30]
El gladiolo , en plural gladiolos, era una de las flores favoritas de Van Gogh. Disfrutaba especialmente de cómo se abrían como un abanico después de haberlos colocado en un jarrón. [39] Debido a su altura, a Van Gogh le gustaba utilizar gladiolos para crear composiciones de estructura triangular, [35] como Jarrón con gladiolos y clavel (F237) o un triángulo invertido como en Jarrón con gladiolos y ásteres de China (F248a).
Jarrón con amapolas rojas (F279) es otra ilustración de cómo Van Gogh utilizó los colores primarios complementarios rojo y verde para hacer que ambos colores parecieran más intensos, ante un fondo azul. Pinta de rosa los capullos sin abrir y de siena la mesa. [40]
Las pinturas de rosas o de cualquier flor de Van Gogh evocan su frase: "Ah, qué retratos podrían hacerse de la naturaleza con la fotografía y la pintura". [41]
Dos girasoles cortados (F375) es una de las cuatro pinturas que Van Gogh pintó en el verano de 1887. La primera (Museo Van Gogh, F377) era un boceto preparatorio. Paul Gauguin tenía la segunda y la tercera pinturas de Dos girasoles cortados (F375, F376) y las colgó orgullosamente en su apartamento de París sobre su cama. A mediados de la década de 1890 las vendió para financiar su viaje a los Mares del Sur. La imagen de los cuatro girasoles se pintó en un lienzo de gran tamaño. [42]
Jarrón con zinnias y geranios (F241) refleja la influencia de Adolphe Monticelli (1824-1886) en su color vivo y pintura empastada. Van Gogh admiraba, y más tarde coleccionaba, la obra de Monticelli. [43] Van Gogh había sido presentado por su hermano Theo a la obra de Monticelli de bodegones con flores en París. Admiraba el uso del color de Monticelli como una expansión de las teorías de Delacroix sobre el color y el contraste. En segundo lugar, admiraba el efecto que Monticelli creaba con la aplicación intensa de pintura llamada " empasto ". Fue en parte Monticelli, de Marsella, quien inspiró el traslado de Van Gogh al sur, a Provenza, en 1888. Sentía tal afinidad por el hombre y el deseo de emular su estilo, que escribió en una carta a su hermana Wil que se sentía como si fuera "el hijo de Monticelli o su hermano". [10] El primer propietario en la procedencia de esta pintura es "CM van Gogh Gallery, Ámsterdam, Países Bajos", que era propiedad del tío de Van Gogh y comerciante de arte, Cornelius Marinus van Gogh (1824-1908). [43]
Cuenco con zinnias y otras flores (F251), pintado en los días posteriores a Jarrón con zinnias y geranios (F241), es una prueba de la transición de Van Gogh a una paleta de colores más clara. Retomando elementos del impresionismo, Van Gogh pintó con una pincelada más vigorosa, con una aplicación espesa de pintura, llamada " empasto ", que creaba un relieve tridimensional. [32] [44]
Incapaz de pagar a modelos que posaran para retratos, Van Gogh se dedicó de lleno a pintar naturalezas muertas de flores, "amapolas rojas, flores de maíz azules y miosotis, rosas blancas y rojas, crisantemos amarillos". [45]
Jarrón con ásteres otoñales (F234) es un ejemplo de las numerosas naturalezas muertas que Van Gogh pintó tras su llegada a París. Como le dijo a un amigo, deseaba que sus cuadros tuvieran colores intensos, en lugar de tonos grises. [28] En esta composición, Van Gogh juega con colores armonizadores: rosa, rosa, rojo y marrón. [46]
La Cesta de pensamientos (F244) es un ejemplo de la experimentación de Van Gogh con colores contrastantes. En este caso, el par contrastante es el púrpura y el amarillo. [47] También utilizó el rojo contrastante en la pandereta y el verde en el fondo para la pintura, también conocida como Pandereta con pensamientos . Van Gogh encontró en los pensamientos un ejemplo de la teoría del color natural. [33]
El Jarrón con malvarrosas (F235) fue pintado en verano en tonos contrastantes de rojo y verde. Van Gogh creía que podía expresar la estación del año mediante los colores que utilizaba en su obra. En esta pintura experimentó con la creación de una imagen que fuera casi unidimensional. La jarra decorativa utilizada en esta pintura también aparece en el Jarrón con ásteres otoñales (F234) de Van Gogh. [33] Las malvarrosas , nativas de China y Japón, eran las favoritas de los impresionistas "por su crecimiento en forma de espira, sus hojas verdes profundamente lobuladas y sus flores satinadas en forma de copa que abrazan el tallo superior de la flor". [38]
Jarrón con margaritas y anémonas (F323), también conocido como Flores en un jarrón azul , fue pintado al final de la estancia de Van Gogh en París. El jarrón contiene una animada selección de margaritas y anémonas realizadas con una gama de colores. El marrón rojizo oscuro se anima con tonos de amarillo, rosa y blanco. Trabaja particularmente con los diversos tonos de amarillo, probablemente habiendo seleccionado colores para las combinaciones de color y tonos que quería retratar. El jarrón está pintado en un tono de azul contrastante. Las técnicas del impresionismo y el divisionismo se reflejan en sus pinceladas del fondo, habiendo utilizado trazos rotos y puntos de color. [48]
Van Gogh prefería seleccionar elementos de la vida cotidiana para representarlos en sus bodegones. En Maceta con cebollinos (F337), Van Gogh utilizó un pincel fino para crear cuidadosamente esta pintura de una maceta con cebollinos. En esta obra se utilizan colores contrastantes de rojo y naranja contra verde. El fondo es un patrón que Van Gogh utilizó en otras obras, [49] como en Naturaleza muerta con jarra y limones (F340). [50] Desde que se realizó esta pintura en 1887 en adelante, Van Gogh utilizó fondos coloridos para sus naturalezas muertas y retratos. [49]
Naturaleza muerta con novelas francesas y una rosa es una pintura con varias novelas con encuadernaciones de colores contrastantes: verde contra rosa y rojo. Los libros están pensados para representar siete novelas parisinas que poseía Van Gogh, [51] que Van Gogh describió como "una gran fuente de luz", independientemente de la literatura sombría que contienen. Los toques de limón, rosa, naranja y verde parecen dar vida a los libros, como la flor en flor que [52] también añade la sensación de que la pintura está hecha para una mujer. En 1888, Van Gogh le regaló esta pintura y otra a su hermana, Wil , por su cumpleaños. La otra pintura fue realizada en Arles y se titula Rama de almendro en flor en un vaso con un libro (F393). [51]
Naturaleza muerta con libros (F335) fue pintada por Van Gogh en la tapa de una caja de té japonesa. Los libros son novelas naturalistas : "Braves Gens" de Jean Richepin , "Au Bonheur Des Dames" de Émile Zola y "La Fille Elisa" de Edmond de Goncourt . Van Gogh, un ávido lector, estaba particularmente interesado en los naturalistas franceses . A su hermana Wil , le escribió una vez: "Pintan la vida como nosotros mismos la sentimos, satisfaciendo así la necesidad que tenemos de que la gente nos diga la verdad". [53]
Van Gogh hizo Zapatos (F255) a partir de un par de botas que compró en un mercadillo. Las usó durante una larga caminata bajo la lluvia para crear el efecto que deseaba para esta pintura, que puede haber sido un homenaje al hombre trabajador. El Museo Van Gogh especula que también pueden ser un símbolo de su "difícil paso por la vida" para Van Gogh. [54] Se sabe que Van Gogh decía sobre su forma de caminar por el barro para que los zapatos parecieran más gastados y sucios: "Los zapatos sucios y las rosas pueden ser buenos de la misma manera". [55]
El amigo y compañero artista de Van Gogh, John Russell , recibió Tres pares de zapatos (F332) de Van Gogh en 1886. Russell había pintado un retrato de Van Gogh que amaba profundamente. A cambio del retrato que le había dado a Van Gogh, Russell seleccionó Tres pares de zapatos y una copia litográfica de Desgastado (La puerta de la eternidad) (F997) que Van Gogh hizo en 1882. Russell seleccionó estas obras en una época en la que Van Gogh había comenzado a hacer obras más coloridas. Las selecciones de Russell indican que comprendía quién era Van Gogh y los mensajes sobre el campesino o el trabajador que deseaba transmitir a través de su obra. [56]
Vaso de absenta y jarra (F339) fue pintado por Van Gogh en un café. Sobre la mesa hay un vaso de absenta, cuyo líquido verde amarillento se ve más claro por la luz del sol desde la ventana y en contraste con el fondo marrón. La pintura capta un momento en el café desde la perspectiva de un cliente, con una vista de peatones caminando por la calle. La absenta era popular para Van Gogh y otros artistas, tanto como bebida, aunque tóxica y en algunos casos mortal, como por su color único, también fue un tema favorito para sus pinturas. [57]
La absenta puede haber contribuido significativamente a la mala salud de Van Gogh. Cuando vivía en París, la absenta era una bebida popular entre los artistas. [58] Paul Signac comentó que Van Gogh bebía constantemente tragos de brandy tras tragos de absenta. [59] Cuando Van Gogh se fue de París, su salud era muy mala y se sabe que le dijo a un amigo que beber y fumar lo dejaban "seriamente enfermo de corazón y cuerpo y casi alcohólico". [58] Según la autora Doris Lanier, autora de "Absinthe the Cocaine of the Nineteenth Century": Muchos de los síntomas de Van Gogh después de su llegada a París son indicativos de envenenamiento por absenta: problemas de estómago y del sistema nervioso, alucinaciones y convulsiones. [59]
Como anécdota, un frío día parisino, Van Gogh, vestido más como un pastor de ganado que como un artista urbano, vendió un cuadro de camarones rosados sobre papel rosa a un tendero que vendía herrerías antiguas y pinturas al óleo baratas. Por caridad, el hombre le dio al hambriento Van Gogh cinco francos (menos de un dólar). En la calle, Van Gogh vio a una prostituta que había escapado recientemente de la prisión de Saint-Lazare . Pensando en la novela sobre una prostituta, "La Fille Elisa" de Edmond de Goncourt , Van Gogh le dio los cinco francos y rápidamente siguió su camino. [60] La novela aparece en Naturaleza muerta con libros de Van Gogh (F335). [53]
En los primeros meses de Van Gogh en París, se alojó en el pequeño apartamento de su hermano Theo en la Rue Laval. El comportamiento de Vincent podía ser perturbador y desconcertante para Theo y los demás. Un amigo de Theo escribió sobre Vincent: "El hombre no tiene la menor noción de las condiciones sociales. Siempre está peleándose con todo el mundo. En consecuencia, Theo tiene muchos problemas para llevarse bien con él". Como medio de calmarse, Vincent pintó frutas de otoño en el otoño de 1886, a las que imbuye de una vitalidad y belleza aparentemente "sobrenaturales". Pinceladas multicolores y de colores contrastantes irradian en un círculo desde la fruta con un "aura de resplandor eléctrico". [61]
Naturaleza muerta con manzanas, peras, limones y uvas (F382) fue la oportunidad de Van Gogh para explorar la recomendación de Blanc sobre la combinación de colores: "Si uno junta azufre (amarillo) y granate (rojo oscuro), que es su opuesto exacto, al estar equidistante de la capuchina (naranja) y la campanilla (azul malva), el granate y el azufre se excitarán mutuamente, porque son complementarios entre sí". En el fondo, Van Gogh utilizó pinceladas cortas de azul claro y rosa, dando la impresión de que la fruta está colocada en una canasta. Van Gogh puede haber visto Naturaleza muerta con manzanas y uvas de Claude Monet en París, pero si bien el tema es más o menos el mismo, la composición no lo es. Monet pinta la fruta sobre una mesa colocada en diagonal para "anclar su composición en el espacio". [62] Después de eliminar cualquier forma de distracción, como una mesa o un fondo, [61] Van Gogh colocó cada pieza de fruta por sí sola, creando un "efecto decorativo semiabstracto". [62]
Naturaleza muerta con membrillos y limones (F383) es un estudio en amarillo. La pintura, e incluso el marco, están en tonos de amarillo, ocre y marrón. La pintura también tiene reflejos en rosa, rojo, verde y azul. Un buen ejemplo de una pintura impresionista , Van Gogh dedicó la pintura a su hermano Theo para su guía e introducción al arte moderno. [27] Sobre el marco amarillo, Van Gogh pintó marcas entrecruzadas, evocando la caligrafía japonesa . [63] Agregar un marco pintado a una obra de arte no era inusual para los pintores de esta época; Georges Seurat y Paul Signac también pintaron sus marcos. Lo que es inusual es que el marco pintado permaneció con la pintura. En la mayoría de los casos, los marcos originales fueron reemplazados a lo largo de los años para adaptarse al gusto de su propietario. [27]
La Cesta de manzanas (F99) fue pintada en 1885, cuando Van Gogh experimentó con la teoría del color de Delacroix . A su hermano Theo , Van Gogh le escribió: "Hay un cierto rojo brillante puro para las manzanas, luego algunas cosas verdosas. Ahora hay una o dos manzanas de otro color, en una especie de rosa, para mejorar el conjunto. El rosa es el color roto, creado al mezclar el primer rojo y el verde mencionados. Es por eso que hay una conexión entre los colores. Luego pinté un segundo contraste, en el fondo y en el primer plano. A uno se le dio un color neutro al "romper" el azul con naranja; al otro el mismo color neutro, solo que esta vez modificado al agregarle un poco de amarillo". [64]
.jpeg/1280px-Van_Gogh_-_Stillleben_mit_Apfelkorb_(Lucien_Pissarro_gewidmet).jpeg)
Naturaleza muerta con limones en un plato (F338) es una de las pinturas que Enrica Crispino, autora de "Van Gogh", utiliza para ilustrar la progresión de Van Gogh en el uso de la luz y el movimiento desde colores oscurecidos con negro hasta "color puro". [65]
Van Gogh pintó Naturaleza muerta con jarra y limones (F340) rápidamente, con una capa muy fina de pintura que no oscurece por completo el lienzo. La jarra de agua capta el reflejo del fondo empapelado. Los colores complementarios están bien utilizados en la pintura, como los limones amarillos contra su sombra púrpura. El verde del primer plano contrasta con el rojo del fondo. Van Gogh firmó esta naturaleza muerta, lo que indica que estaba satisfecho con el resultado. [50]
La obra de Van Gogh en naturalezas muertas refleja su surgimiento como un importante artista del arte moderno, en particular la integración de técnicas del impresionismo. La tabla identifica las técnicas impresionistas clave y ejemplos de cómo Van Gogh las utilizó en esta serie de pinturas de naturalezas muertas.
Van Gogh experimentó con cada una de las tres relaciones de color:
Van Gogh experimentó con el uso de la luz a lo largo de sus diez años de carrera como pintor. Un trío de naturalezas muertas muestra su estilo en desarrollo para manejar la luz. Al principio, colocó sujetos claros contra un fondo, como en Naturaleza muerta con cuatro botellas de piedra, frasco y taza blanca (1884). Luego se dio cuenta de la eficacia de usar "colores puros, como en Naturaleza muerta con limones en un plato (1887) y aún más en Naturaleza muerta: tablero de dibujo, pipa, cebollas y lacre (1889)". [65]
Después de realizar la mayoría de sus pinturas de naturalezas muertas, Van Gogh abandonó la ciudad en abril de 1887 para trasladarse al tranquilo suburbio parisino llamado Asnières [66] y pintar con sus amigos y residentes de Asnières, Paul Signac y Émile Bernard . [67] Asnières está situada más allá de las fortificaciones de la ciudad, a lo largo de las orillas del Sena y la isla de Grand Jatte. Allí experimentó con una paleta aún más ligera y colorida que la utilizada en sus primeras pinturas de Montmartre , Naturaleza muerta y pinturas holandesas [68] y definió con más plenitud su pincelada única: una que era rápida con trazos gruesos pintados colocados muy juntos. [69]
Para los libros, consulte también la bibliografía utilizando el apellido del autor y, si se indica, el año de publicación del libro.
_-_Edouard_Manet_(Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris).jpg/1280px-Oeillets_et_cl%C3%A9matite_dans_un_vase_de_cristal_(ca.1882)_-_Edouard_Manet_(Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris).jpg)
_-_Camille_Pissarro.jpg/1280px-Kinder_auf_einem_Bauernhof_(1887)_-_Camille_Pissarro.jpg)
.jpg/1280px-%C3%89mile_Bernard_1888-08_-_Breton_Women_in_the_Meadow_(Le_Pardon_de_Pont-Aven).jpg)
