La Virgen con el Niño y el canónigo van der Paele es una gran pintura al óleo sobre tabla de roble terminada alrededor de 1434-1436 por elpintor flamenco Jan van der Paele . Muestra al donante de la pintura , Joris van der Paele , dentro de una aparición de santos. La Virgen María está entronizada en el centro del espacio semicircular, que probablemente representa el interior de una iglesia, con el Niño Jesús en su regazo. San Donaciano está a su derecha, san Jorge —el santo que da nombre al donante— a su izquierda. El panel fue encargado por van der Paele como retablo . Entonces era un clérigo rico de Brujas , pero anciano y gravemente enfermo, y pretendía que la obra fuera su memorial.
Los santos son identificables por las inscripciones en latín que bordean los bordes del marco de bronce de imitación, que es original. Van der Paele es identificable por los registros históricos. Está vestido con las mejores galas de un canónigo medieval, incluida la sobrepelliz blanca , mientras lee piadosamente un libro de horas . Es presentado a María por San Jorge, su santo tocado, que sostiene en alto su casco de metal en señal de respeto. San Donaciano , vestido con vestimentas de colores brillantes , está de pie a la izquierda. El panel se destaca por la finura de la ropa, que incluye exquisitas representaciones de pieles, sedas y brocados, y la elaborada y detallada iconografía religiosa . El trono de la Virgen está decorado con representaciones talladas de Adán y Eva , Caín y Abel , prefiguraciones de la Crucifixión y Resurrección de Jesús y escenas del Antiguo Testamento . La pintura está revestida con una serie de inscripciones que comentan sobre los santos e incluyen la firma de van Eyck.
El panel de van der Paele es considerado ampliamente como una de las obras más completas y ambiciosas de van Eyck, y ha sido descrito como una "obra maestra de obras maestras". [1]
Joris van der Paele es identificable tanto por su parecido como por el escudo de armas paterno y materno en las esquinas de cada marco. [2] Nació en Brujas alrededor de 1370 y pasó su carrera temprana como escriba papal en Roma antes de regresar a su ciudad natal en 1425 como un hombre rico. [3] Fue designado para una canonjía de la iglesia colegial de San Donaciano , un puesto que le proporcionó ingresos de las diversas parroquias bajo su competencia. [4]
Una enfermedad en torno a 1431 [5] dejó a van der Paele incapaz de cumplir con las funciones de su cargo y le llevó a reflexionar sobre su posición como canónigo y sobre su mortalidad. En respuesta, dotó a la iglesia de una capellanía y encargó esta obra a van Eyck. El artista estaba en la cima de su fama y era muy solicitado, y esto, junto con el gran tamaño del panel, significó que el encargo tardó mucho más de lo previsto inicialmente; se pueden encontrar dos fechas de finalización en el marco, lo que implica que la fecha anterior era una aspiración y no se cumplió. [6]
A cambio de su legado, la Iglesia concedió al canónigo una misa de réquiem , una misa diaria y tres misas votivas a la semana, destinadas a interceder ante lo divino en su nombre. Una segunda capellanía en 1443 [7] se centró en las oraciones por su familia, [8] y garantizó que, tras su muerte, la misa de réquiem terminaría con la lectura del Miserere mei y el De profundis . [9]
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Es posible que Van der Paele guardara el panel en sus aposentos privados o como altar de la iglesia. [10] Lo donó a la iglesia en 1436 o cuando murió en 1443; [8] permaneció allí hasta que la iglesia fue demolida en 1779. Lo más probable es que la obra estuviera situada en la nave como acompañamiento de un altar para los santos Pedro y Pablo y se usara para misas conmemorativas para van der Paele y su familia. Fue instalada en el altar principal después de la iconoclasia de 1566. [ 11]
Una inscripción en el marco inferior de imitación alude a la donación de Der Paele : "Joris van der Paele, canónigo de esta iglesia, encargó esta obra al pintor Jan van Eyck y fundó aquí dos capellanías en el coro del Señor en 1434, aunque no las terminó hasta 1436". [11]
La pintura está situada en una iglesia de planta redondeada con deambulatorios . [13] María ocupa el área donde normalmente se ubicaría el retablo. [8] El panel tiene un aspecto escultórico; el trono, las ventanas, los arcos y los lienzos colgantes toman prestado de las convenciones de la arquitectura románica . [14] La pintura es, después del panel "La Adoración del Cordero Místico" del Retablo de Gante , la segunda pintura más grande existente de van Eyck, y la única en un marco horizontal. La Virgen con el Niño se caracteriza por su uso innovador del ilusionismo y la composición espacial compleja. Conserva su marco de roble original, [15] que contiene varias inscripciones en latín, incluida la firma de van Eyck, la fecha de finalización, el nombre del donante y textos relacionados con San Jorge y San Donaciano. [16] [8] El borde superior contiene frases del Libro de la Sabiduría , comparando a María con un "espejo sin mancha". [11]
Las figuras, los vestidos minuciosamente detallados y la arquitectura de la habitación y las ventanas están representados con un alto grado de realismo. La maestría de Van Eyck en el manejo del óleo se puede ver en las diferentes amplitudes de las pinceladas. La precisión del detalle logrado es especialmente notable en la reproducción de los hilos de la capa pluvial y la mitra bordadas en azul y oro de San Donaciano , en el tejido de la alfombra oriental y en la barba incipiente y las venas del rostro envejecido de Van der Paele. [17]
Al igual que en la Madonna del canciller Rolin de van Eyck , el panel crea un entorno íntimo entre el donante y la Virgen. Esto se enfatiza por la proximidad física del donante a la Virgen que, según el historiador de arte Jeffrey Chipps Smith , "mental y pictóricamente [rompe] las barreras entre el cielo y la tierra" e implica que los "mecenas son inmortalizados visualmente como merecedores de la atención personal de la Virgen y el Niño". [18] La intimidad se ve reforzada por pequeños detalles como la superposición entre el donante y San Jorge, que proyecta una sombra sobre van der Paele [19] y parece haber pisado accidentalmente su sobrepelliz cuando se inclina hacia adelante para presentar al canónigo a la Virgen. [18]
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San Donaciano está situado a la izquierda de la Virgen, la posición más significativa en términos heráldicos, y que refleja su condición de devoto de la catedral para la que se hizo la pintura, y de la ciudad de Brujas. [20] Lleva una capa pluvial y una mitra , vestimentas que se encuentran en inventarios contemporáneos de la iglesia. [9] Su capa pluvial de brocado azul y dorado está bordada con imágenes de San Pablo y San Pedro . [13] El colorido de sus vestimentas es muy similar al del Arcángel en el Tríptico de Dresde de van Eyck de 1437. [21]
Donaciano se encuentra de pie frente a un conjunto de ventanas que están justo fuera del espacio pictórico. [22] Sostiene una cruz procesional adornada con joyas en su mano izquierda, [20] y una rueda que contiene cinco velas cónicas encendidas en su derecha. [14] La rueda es su atributo habitual, [13] y se refiere a un incidente en el que casi se ahoga después de ser arrojado al Tíber , pero se salvó después de que el Papa Dionisio le arrojara una rueda de carruaje que pudo usar como flotador. [23]
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El panel es una de las primeras pinturas conocidas del norte de Europa de sacra conversazione (la Virgen y el Niño se muestran con un grupo de santos en una agrupación relativamente informal). [24] La Virgen está sentada en un trono elevado, situado debajo de un baldaquino de brocado minuciosamente detallado y extravagantemente decorado que contiene patrones de rosas blancas, que simbolizan su pureza. [25] Dado el entorno de la iglesia, María ocupa el área donde normalmente estaría el retablo. Los escalones que conducen al trono están cubiertos con una alfombra oriental . [24] Su tipo facial idealizado (y el de San Jorge) es muy similar a la Virgen en la Anunciación de Washington de van Eyck . [26]
Aunque el trono de la Virgen está en el plano medio, su cabeza está al mismo nivel que las figuras de pie en primer plano, que están más cerca en perspectiva . El ábside en el que se sienta se suma a la ilusión de profundidad y es un área expandida para su trono. [24] Un enfoque similar se puede ver en el Tríptico de Dresde posterior , pero esa obra contiene un mejor manejo de la profundidad espacial; el trono de María se mueve hacia atrás y los donantes y los santos se relegan a los paneles de las alas. Las figuras en Canon van der Paele están dentro de un espacio más confinado, son algo estrechas, pero mucho más monumentales. [27]
El Niño tiene el pelo rubio rizado y está sentado sobre una tela blanca, animado y erguido, al lado del regazo de la Virgen. Al igual que María, su cuerpo se muestra de frente, con la cabeza en una vista de tres cuartos. [28] Se estira para alcanzar lo que parece ser un loro posado en su regazo. [29] En algún momento, la desnudez del Niño fue cubierta; esta capa fue eliminada durante una restauración de finales del siglo XX. [14] Se pretende que represente tanto la hostia como la Eucaristía , alusiones comunes en el arte neerlandés temprano y que reflejan que el panel estaba destinado a la celebración de la misa . [8]
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San Jorge aparece de pie con una armadura profusamente decorada y parece relajado y despreocupado, levantando su casco y su mano izquierda para presentar a van der Paele. [30] El santo era el santo homónimo del donante y la Catedral de San Donaciano se construyó ( c. 950 ) para albergar una reliquia de uno de los huesos de su brazo. [31] La armadura de Jorge es similar a la de San Miguel en el Tríptico de Dresde de van Eyck , mientras que su escudo de acero se parece a los del panel de los Caballeros de Cristo del retablo de Gante. [22]
El historiador de arte Max Jakob Friedländer señala que San Jorge parece vacilante e inseguro de sí mismo en un entorno tan solemne y reservado. Tiene un rostro muy joven, y parece apenas un adolescente, con un rostro desgarbado, que según Friedländer "forma un extraño contraste con el canon anciano y pesado". Jorge se mantiene inestable sobre sus pies y parece tener dificultades para levantar su casco mientras presenta simultáneamente al donante, y "esto parece avergonzarlo". [32] Jorge es la única figura cuyos pies están expuestos. La manera incierta en que hace un gesto hacia la Virgen da la impresión de una naturaleza tímida e insegura; y levanta su casco de manera vacilante. Friedländer observa que la cabeza de Jorge está ligeramente inclinada, su rostro "torcido en una sonrisa vacía". [33]
La Virgen y el Niño se pueden ver reflejados en el casco de Jorge. Van Eyck alude a su propio arte al incluir su autorretrato como reflejo en el escudo del caballero. El artista se representa a sí mismo de pie ante su caballete, de una manera que se parece mucho al autorretrato reflejado en el espejo en su Retrato de Arnolfini . [34]
En ambas obras se muestra a sí mismo con un turbante rojo similar al que se ve en el posible autorretrato de 1433 Retrato de un hombre . [35] [36]
El cuadro marca un alejamiento de los epitafios europeos convencionales y contemporáneos al colocar a los santos y al donante mortal dentro del mismo espacio pictórico. [37] Van der Paele se arrodilla a la derecha de la Virgen y el Niño y parece una figura algo distraída y distraída. Esto es intencional, una indicación de que está, en palabras del historiador de arte Bret Rothstein, "desconectado del mundo perceptible" y completamente absorto en el reino espiritual. Esta noción se ve reforzada por sus gafas que, aunque implican educación, riqueza y conocimiento, también aluden a la falibilidad de los sentidos humanos y terrenales. [38] En consonancia con las convenciones del arte medieval tardío, van der Paele no mira directamente a ninguna de las figuras celestiales, sino que mira fijamente a la distancia media, observando el decoro social y espiritual. [39]
Van Eyck no se avergüenza de mostrar los efectos físicos de la enfermedad del canónigo, incluida la piel desgastada, agrietada y cansada, la visión débil, las arterias temporales agrandadas y los dedos hinchados. La torpeza con la que van der Paele agarra su breviario sugiere debilidad en su brazo izquierdo; van de Paele probablemente sufría un dolor agudo en el brazo y el hombro, confirmado por los registros eclesiásticos de principios de la década de 1430 que documentan que fue excusado de los deberes matutinos y ausente todo el día en 1434. Su condición ha sido diagnosticada por los médicos modernos como posiblemente polimialgia reumática y arteritis temporal . [40] [41] Una restauración de la pintura en 1934 por Jef Van der Verken pintó sobre una lesión en el labio inferior de van der Paele que era visible en fotografías antiguas en blanco y negro tomadas por Fierens Gevaert . El crítico de arte y dermatólogo Jules Desneux la diagnosticó como una placa queratósica potencialmente maligna . [42]
La Virgen con el Niño es rica en iconografía perfectamente entrelazada. [43] En líneas generales, los elementos de la izquierda, incluidas las tallas de imitación, hacen referencia a la muerte de Cristo, y los de la derecha a su Resurrección. [11] [44] La pintura contiene ejemplos del hábito de van Eyck de presentar al espectador lo que el historiador de arte Craig Harbison describe como "una visión transfigurada de la realidad visible", a través de la colocación de pequeños detalles discretos que "ilustraban no la existencia terrenal sino lo que [van Eyck] consideraba una verdad sobrenatural. Habrían sido fáciles de discernir para un espectador medieval". [45]
Las figuras están en una iglesia, rodeadas por una arcada de arcos de medio punto, lo que sugiere que podría ser un coro . [46] La escena parece estar iluminada por ventanas invisibles, con luz derramándose desde el primer plano izquierdo y las ventanas emplomadas detrás del trono de la Virgen. [47] El trono de María está colocado donde normalmente se ubicaría el altar. [30] La tela blanca del Niño está envuelta sobre la túnica roja de María, que puede representar la hostia velada durante la celebración de la Eucaristía; una referencia a la muerte y resurrección de Cristo . [3]
Las iglesias en la obra de van Eyck no se basan en edificios históricos, sino que eran amalgamas de diferentes edificios y espacios ficticios. [48] La iglesia podría parecerse a San Donaciano, que desde entonces ha sido demolida; parece compartir similitudes con la Iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén , con elementos de arquitectura románica. [46] Las pinturas de Van Eyck son a menudo espacialmente ambiguas; cuanto más las mira el espectador, más preguntas surgen. Reflejando un consenso entre los historiadores del arte, Ward interpreta las contradicciones como "curiosamente incoherentes o deliberadamente diseñadas para representar un mensaje simbólico complejo". [29] María sostiene un tallo que parece crecer de las plumas del loro, culminando en un ramo de flores rojas, blancas y azules. [29] Un loro a veces se usaba como emblema de la Virgen, pero su yuxtaposición con la planta es incongruente. El loro y la planta resaltan el fondo floral, que simboliza el Jardín del Edén, acentuado por las figuras de Adán y Eva. Los colores de las flores representan la pureza, el amor y la humildad; sus pétalos son un símbolo de la cruz y el sacrificio de Cristo. La narración del pecado original , la expulsión y la redención se plasman así en un único recurso realista. [49]
Las representaciones talladas de Adán y Eva aparecen en los montantes del trono. Los capiteles de los brazos del trono muestran a Caín golpeando a Abel hasta matarlo con un garrote a la izquierda de María, y a Sansón abriendo las fauces del león a su izquierda. [50] Las tallas de los capiteles arquitectónicos representan escenas del Antiguo Testamento, incluido el encuentro de Abraham y Melquisedec y el sacrificio de Isaac . [9] [11]
El panel está hecho de seis tablas horizontales unidas por juntas a tope reforzadas con una varilla cilíndrica , con las juntas pegadas con fibras vegetales. El reverso no está pintado, lo que indica que estaba destinado a colgarse contra una pared. [52] El marco consta de un marco principal clavado y atornillado en el lateral a dos partes exteriores. Los bordes no muestran signos de tener bisagras, lo que indica que la obra estaba pensada como un panel independiente, y no como parte de un tríptico. [53] Las esquinas están ensambladas con mortaja y espiga. Cada esquina está reforzada por dos clavijas. [54] Las tablas estaban pintadas originalmente de un marrón uniforme, y se degradaron por el brillo y la sobreimpresión a lo largo de los siglos. Después de una serie de restauraciones, principalmente por Jef Van der Veken en 1933-34 y Edmond Florens en 1977, [55] están en buenas condiciones. [55] Las inscripciones se colocaron en tiras planas entre las molduras . [15]
El marco está profusamente inscrito, con la firma de van Eyck, los escudos de armas de las familias paterna y materna de Van der Paele, [16] letras que identifican a cada uno de los dos santos asistentes y un pasaje que alaba a la Virgen. [15] Las inscripciones están pintadas de manera ilusionista. Las del borde inferior parecen estar en letras de latón fundido en relieve, las de los bordes de la orden parecen haber sido talladas en la madera del marco. [34]
La inscripción en el marco al lado de San Donaciano dice : "SOLO P[AR]TV NON[VS] FR[ATRV]M. MERS[VS] REDIT[VR]. RENAT[VS] ARCH[IEPISC]O[PVS] PR[I]M[VS]. REMIS CONSTITVITVR. QVI NV[N]C DEO FRVITVR". ( Era el más joven de nueve hermanos; arrojado al agua, volvió a la vida y se convirtió en el primer arzobispo de Reims. Ahora disfruta de la gloria de Dios ). [7] [56] Los que están al lado de San Jorge dicen "NATUS CAPADOCIA. X[PIST]O MILITAVIT. MVNDI FVG[I]E[N]S OTIA. CESU TRIVMPHAVIT. HIC DRACONEM STRAVIT" ( Nacido en Capadocia, fue soldado de Cristo. Huyendo de la ociosidad / placeres del mundo, triunfó sobre la muerte y venció al dragón . Las letras ADONAI están inscritas en el pectoral de Jorge. [7]
El manto de María está bordado con un texto en latín, tomado de la Sabiduría de Salomón 7:29: Est enim haec speciosior sole et super omnem stellarum dispositionem. Luci conparata invenitur prior ("Pues ella es más hermosa que el sol, y supera a todas las constelaciones de las estrellas. Comparada con la luz, se la encuentra superior"). Van Eyck utilizó un recurso similar en su Madonna in the Church de Berlín , terminada hacia 1438-1440 . [57]
El cuadro permaneció en la iglesia para la que fue pintado hasta después de la Revolución Francesa y era una de las atracciones artísticas más conocidas de Brujas para los visitantes. Presumiblemente fue una de las pinturas de la iglesia elogiadas por Alberto Durero en su diario en 1521. En 1547 María de Hungría , institutriz de los Países Bajos españoles , quiso comprarlo para su colección, pero el capítulo se negó cortésmente, diciendo que esto crearía "gemidos, protestas, alboroto y quejas" del pueblo. Durante una oleada de iconoclasia de la turba calvinista en 1578, se trasladó a una casa privada por seguridad y en 1600 se le había dado un entorno con alas laterales y ahora formaba el retablo principal, reemplazando un retablo de metal destruido del siglo XIV. Pero quizás en 1628 estaba en la sacristía y desde 1643 sobre un nuevo altar lateral. [58]
El cuadro fue adquirido, junto con otras muchas obras neerlandesas y flamencas, por el Museo del Louvre en 1794, [14] durante el saqueo de las propiedades de los aristócratas en los años de la ocupación del sur de los Países Bajos por parte del ejército revolucionario francés. Otras obras adquiridas de esta manera incluyen los paneles centrales del Retablo de Gante de van Eyck , el Tríptico Moreel de Hans Memling y El juicio de Cambises de Gerard David . Muchas, incluido el panel de van der Paele, fueron devueltos a Brujas en 1816. [59] La devolución del panel se vio enredada en una disputa sobre el control y la propiedad entre los funcionarios de habla francesa y holandesa de Brujas, [60] pero fue confiado a la Academia Flamenca de Brujas. En 1855 pasó a formar parte de las colecciones municipales, primero en el Museo Bogaerdeschool, hasta que en 1930 pasó a formar parte de la colección del Groeningemuseum . [15]
La pintura ejerció una gran influencia en los siglos XV y XVI. La Virgen entronizada de Van Eyck, con un Niño distraído en su regazo, fue ampliamente copiada y se convirtió en un referente durante los 150 años siguientes. Existen numerosas copias contemporáneas, tanto en papel como en papel, de las cuales la más importante se encuentra en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes . [33] Adriaen Isenbrandt incluyó la cabeza de van der Paele en su Misa de San Gregorio de 1550. [33]
Tanto el panel como el marco están en buenas condiciones. El hecho de que el panel conserve su marco original lo hace especialmente interesante para los historiadores del arte, además de por sus cualidades estéticas. Ha sufrido pocas pérdidas de pintura, grietas en el tablero u otros daños, y se ha limpiado varias veces desde que llegó a manos del Groeningemuseum. [55]
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