La historia de la grabación de sonido , que ha progresado en oleadas, impulsada por la invención y la introducción comercial de nuevas tecnologías, se puede dividir aproximadamente en cuatro períodos principales:
Los experimentos para capturar sonido en un medio de grabación para su conservación y reproducción comenzaron en serio durante la Revolución Industrial del siglo XIX. Durante la segunda mitad del siglo XIX se realizaron muchos intentos pioneros de grabar y reproducir sonido (en particular, el fonógrafo de Édouard-Léon Scott de Martinville de 1857), y estos esfuerzos culminaron con la invención del fonógrafo por parte de Thomas Edison en 1877. La grabación digital surgió a fines del siglo XX y desde entonces ha florecido con la popularidad de la música digital y los servicios de transmisión en línea. [1]
Las primeras tecnologías de grabación prácticas eran dispositivos completamente mecánicos. Estas grabadoras normalmente utilizaban un gran cuerno cónico para recoger y concentrar la presión física del aire de las ondas sonoras producidas por la voz humana o los instrumentos musicales. Una membrana sensible o diafragma, situado en el vértice del cono, estaba conectado a un punzón o aguja articulada y, a medida que la presión del aire cambiante movía el diafragma hacia adelante y hacia atrás, la aguja rayaba o grababa un análogo de las ondas sonoras en un medio de grabación en movimiento, como un rollo de papel estucado o un cilindro o disco recubierto con un material blando como cera o un metal blando.
Estas primeras grabaciones eran necesariamente de baja fidelidad y volumen y capturaban solo un segmento estrecho del espectro de sonido audible , típicamente solo desde alrededor de 250 Hz hasta aproximadamente 2,500 Hz, por lo que los músicos e ingenieros se vieron obligados a adaptarse a estas limitaciones sonoras. Los conjuntos musicales de la época a menudo favorecían instrumentos más fuertes como la trompeta , la corneta y el trombón ; los instrumentos de metal de registro más bajo, como la tuba y el bombardino, duplicaron o reemplazaron al contrabajo , y los bloques de madera reemplazaron a los bombos . Los intérpretes también tuvieron que organizarse estratégicamente alrededor del instrumento para equilibrar el sonido y tocar lo más fuerte posible. La reproducción de los fonógrafos domésticos estaba igualmente limitada tanto en rango de frecuencia como en volumen.
Al final de la era acústica, el disco se había convertido en el medio estándar para la grabación de sonido, y su dominio en el mercado de audio doméstico duró hasta finales del siglo XX. [2]
La segunda ola de la historia de la grabación de sonido fue marcada por la introducción del sistema integrado de micrófonos eléctricos , amplificadores de señal electrónicos y grabadoras electromecánicas de Western Electric , que fue adoptado por los principales sellos discográficos estadounidenses en 1925. La grabación de sonido ahora se convirtió en un proceso híbrido: el sonido ahora se podía capturar, amplificar , filtrar y equilibrar electrónicamente, y el cabezal de corte del disco ahora estaba alimentado eléctricamente, pero el proceso de grabación real seguía siendo esencialmente mecánico: la señal todavía estaba inscrita físicamente en un disco maestro de cera, y los discos de consumo se producían en masa mecánicamente estampando un electroformado de metal hecho a partir del maestro de cera en una sustancia adecuada, originalmente un compuesto a base de goma laca y más tarde plástico de polivinilo .
El sistema Western Electric mejoró enormemente la fidelidad de la grabación de sonido, aumentando el rango de frecuencia reproducible a una banda mucho más amplia (entre 60 Hz y 6000 Hz) y permitiendo que una nueva clase de profesional -el ingeniero de audio- capturara un sonido más completo, más rico, más detallado y equilibrado en la grabación, utilizando múltiples micrófonos conectados a amplificadores electrónicos multicanal, compresores, filtros y mezcladores . Los micrófonos eléctricos llevaron a un cambio dramático en el estilo de interpretación de los cantantes, marcando el comienzo de la era del crooner , mientras que la amplificación electrónica tuvo un amplio impacto en muchas áreas, permitiendo el desarrollo de la radiodifusión, los sistemas de megafonía y los tocadiscos domésticos amplificados electrónicamente.
Además, el desarrollo de amplificadores electrónicos para instrumentos musicales permitió que instrumentos más silenciosos como la guitarra y el contrabajo compitieran en igualdad de condiciones con los instrumentos de viento y trompa, naturalmente más ruidosos, y los músicos y compositores también comenzaron a experimentar con instrumentos musicales electrónicos completamente nuevos, como el Theremin , el Ondes Martenot , el órgano electrónico y el Hammond Novachord , el primer sintetizador polifónico analógico del mundo .
Al mismo tiempo que estos avances, varios inventores se embarcaron en una carrera para desarrollar métodos prácticos para proporcionar sonido sincronizado con las películas. Algunas de las primeras películas sonoras , como la emblemática película de 1927 El cantante de jazz , utilizaban grandes discos de banda sonora que se reproducían en un plato giratorio interconectado mecánicamente con el proyector . A principios de la década de 1930, la industria cinematográfica había adoptado casi universalmente la tecnología de sonido en película , en la que la señal de audio que se iba a grabar se utilizaba para modular una fuente de luz que se proyectaba sobre la película en movimiento a través de una ranura estrecha, lo que permitía fotografiarla como variaciones en la densidad o el ancho de una banda sonora que recorría un área específica de la película. El proyector utilizaba una luz fija y una célula fotoeléctrica para convertir las variaciones en una señal eléctrica, que se amplificaba y se enviaba a unos altavoces situados detrás de la pantalla.
La adopción del sonido en las películas también ayudó a los ingenieros de audio de la industria cinematográfica a realizar rápidos avances en el proceso que ahora conocemos como multipista , mediante el cual múltiples fuentes de audio grabadas por separado (como voces, efectos de sonido y música de fondo) se pueden reproducir simultáneamente, mezclar y sincronizar con la acción en la película para crear nuevas pistas de audio combinadas de gran sofisticación y complejidad. Uno de los ejemplos más conocidos de un sonido compuesto construido de esa época es el famoso " grito de Tarzán " creado para la serie de películas de Tarzán protagonizada por Johnny Weissmuller .
Entre los grandes y a menudo rápidos cambios que han tenido lugar durante el último siglo en la grabación de audio, es notable que haya un dispositivo de audio crucial, inventado al comienzo de la Era Eléctrica, [3] que ha sobrevivido prácticamente sin cambios desde su introducción en la década de 1920: el transductor electroacústico o altavoz . La forma más común es el altavoz dinámico , que en realidad es un micrófono dinámico al revés. Este dispositivo generalmente consiste en un diafragma cónico poco profundo, generalmente de un material rígido similar al papel, con pliegues concéntricos para hacerlo más flexible, firmemente sujeto en su perímetro, con la bobina de un controlador electromagnético de bobina móvil unida alrededor de su vértice. Cuando una señal de audio de una grabación, un micrófono o un instrumento electrificado se alimenta a través de un amplificador al altavoz, el campo electromagnético variable creado en la bobina hace que esta y el cono unido se muevan hacia atrás y hacia adelante, y este movimiento genera las ondas de presión de audiofrecuencia que viajan a través del aire hasta nuestros oídos, que las escuchan como sonido.
Aunque se han producido numerosos refinamientos en la tecnología y se han introducido otras tecnologías relacionadas (por ejemplo, el altavoz electrostático ), el diseño básico y la función del altavoz dinámico no han cambiado sustancialmente en 90 años y sigue siendo, abrumadoramente, el medio más común, sonoramente preciso y confiable de convertir señales de audio electrónicas nuevamente en sonido audible.
La tercera ola de desarrollo de la grabación de audio comenzó en 1945, cuando las naciones aliadas obtuvieron acceso a un nuevo invento alemán: la grabación en cinta magnética . La tecnología se inventó en la década de 1930, pero permaneció restringida a Alemania (donde se utilizó ampliamente en la radiodifusión) hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. La cinta magnética proporcionó otro salto espectacular en la fidelidad del audio; de hecho, los observadores aliados se dieron cuenta por primera vez de la existencia de la nueva tecnología porque notaron que la calidad del audio de los programas obviamente pregrabados era prácticamente indistinguible de las transmisiones en vivo.
A partir de 1950, la cinta magnética se convirtió rápidamente en el medio estándar de grabación de audio en las industrias de la radio y la música, y condujo al desarrollo de las primeras grabaciones estéreo de alta fidelidad para el mercado doméstico, al desarrollo de la grabación en cinta multipista para música y a la desaparición del disco como principal medio de masterización de sonido. La cinta magnética también supuso una reestructuración radical del proceso de grabación: hizo posible grabaciones de mucha mayor duración y fidelidad que nunca antes, y ofreció a los ingenieros de grabación la misma plasticidad excepcional que la película daba a los editores de cine: los sonidos capturados en cinta ahora podían manipularse sonoramente, editarse y combinarse fácilmente de maneras que eran simplemente imposibles con las grabaciones en disco.
Estos experimentos alcanzaron su máximo auge en la década de 1950 con las grabaciones de Les Paul y Mary Ford , quienes fueron pioneros en el uso de la edición de cintas y la grabación multipista para crear grandes conjuntos virtuales de voces e instrumentos, construidos completamente a partir de múltiples grabaciones en cinta de sus propias voces e instrumentos. La cinta magnética impulsó una expansión rápida y radical de la sofisticación de la música popular y otros géneros, lo que permitió a los compositores, productores, ingenieros e intérpretes alcanzar niveles de complejidad previamente inalcanzables. Otros avances simultáneos en la tecnología de audio llevaron a la introducción de una gama de nuevos formatos y dispositivos de audio para el consumidor, tanto en disco como en cinta, incluido el desarrollo de la reproducción de discos de rango completo de frecuencias, el cambio de la goma laca al plástico de polivinilo para la fabricación de discos, la invención del disco de larga duración (LP) de 33 rpm y 12 pulgadas y el sencillo de 7 pulgadas a 45 rpm , la introducción de grabadoras de cinta portátiles domésticas y profesionales (que permitieron grabaciones de alta fidelidad de actuaciones en directo), los populares formatos de cartucho de 4 pistas y casete compacto , e incluso los primeros teclados de muestreo del mundo , el pionero instrumento de teclado basado en cinta, el Chamberlin , y su sucesor más famoso, el Mellotron .
La cuarta y actual fase, la era digital, ha visto una serie de cambios rápidos, dramáticos y de largo alcance. En un período de menos de 20 años, todas las tecnologías de grabación anteriores fueron rápidamente reemplazadas por la codificación de sonido digital, y la corporación electrónica japonesa Sony en la década de 1970 fue fundamental con el primer codificador PCM de consumo PCM-F1, presentado en 1981. [4] A diferencia de todas las tecnologías anteriores, que capturaban un análogo continuo de los sonidos que se estaban grabando, la grabación digital capturaba el sonido por medio de una serie muy densa y rápida de muestras discretas del sonido. [5] Cuando se reproducen a través de un convertidor digital a analógico , estas muestras de audio se recombinan para formar un flujo continuo de sonido. El primer álbum de música popular grabado completamente digitalmente, Bop 'Til You Drop de Ry Cooder , se lanzó en 1979, y desde ese momento, la grabación y reproducción de sonido digital rápidamente se convirtió en el nuevo estándar en todos los niveles, desde el estudio de grabación profesional hasta el equipo de alta fidelidad doméstico.
Aunque en este período aparecieron varias tecnologías híbridas de estudio y de consumo que duraron poco tiempo (por ejemplo, la cinta de audio digital o DAT, que grababa muestras de señales digitales en cinta magnética estándar), Sony aseguró la preeminencia de su nuevo sistema de grabación digital al introducir, junto con Philips , el disco compacto digital (CD) . El disco compacto reemplazó rápidamente tanto al álbum de 12" como al sencillo de 7" como el nuevo formato estándar de consumo y marcó el comienzo de una nueva era de audio de alta fidelidad para el consumidor.
Los CD son pequeños, portátiles y duraderos, y pueden reproducir todo el espectro de sonido audible, con un amplio rango dinámico (~96 dB), una claridad perfecta y sin distorsión. Debido a que los CD se codificaban y leían ópticamente, utilizando un rayo láser , no había contacto físico entre el disco y el mecanismo de reproducción, por lo que un CD bien cuidado podía reproducirse una y otra vez, sin absolutamente ninguna degradación o pérdida de fidelidad. Los CD también representaron un avance considerable tanto en el tamaño físico del medio como en su capacidad de almacenamiento. Los LP solo podían contener prácticamente entre 20 y 25 minutos de audio por lado porque estaban limitados físicamente por el tamaño del disco en sí y la densidad de los surcos que se podían cortar en él: cuanto más larga era la grabación, más juntos estaban los surcos y, por lo tanto, menor era la fidelidad general. Los CD, por otro lado, tenían menos de la mitad del tamaño general del antiguo formato LP de 12", pero ofrecían aproximadamente el doble de duración que el LP promedio, con hasta 80 minutos de audio. [6]
A finales del siglo XX, el CD dominó casi por completo el mercado de audio para el consumidor, pero en una década, los rápidos avances en la tecnología informática hicieron que en pocos años se volviera prácticamente redundante gracias al invento más importante en la historia de la grabación de audio: el archivo de audio digital (.wav, .mp3 y otros formatos). Cuando se combinaron con algoritmos de compresión de señales digitales recientemente desarrollados, que redujeron enormemente el tamaño de los archivos, los archivos de audio digitales llegaron a dominar el mercado doméstico, gracias a innovaciones comerciales como la aplicación multimedia iTunes de Apple y su popular reproductor multimedia portátil iPod .
Sin embargo, la introducción de archivos de audio digitales, junto con los rápidos avances en la informática doméstica, pronto condujo a una consecuencia imprevista : la distribución generalizada sin licencia de archivos de audio y otros archivos multimedia digitales. La carga y descarga de grandes volúmenes de archivos multimedia digitales a alta velocidad se vio facilitada por tecnologías de intercambio de archivos de software gratuito como Napster y BitTorrent .
Aunque las infracciones siguen siendo un problema importante para los propietarios de derechos de autor, el desarrollo del audio digital ha tenido considerables beneficios para los consumidores y las discográficas. Además de facilitar la transferencia y el almacenamiento de archivos de audio digital en grandes cantidades y a bajo coste, esta nueva tecnología también ha impulsado una explosión en la disponibilidad de los denominados títulos de catálogo anterior almacenados en los archivos de las discográficas, gracias al hecho de que ahora las discográficas pueden convertir grabaciones antiguas y distribuirlas digitalmente a una fracción del coste de la reedición física de los álbumes en LP o CD. El audio digital también ha permitido mejoras espectaculares en la restauración y remasterización de grabaciones acústicas y eléctricas predigitales, e incluso el software digital gratuito para el consumidor puede eliminar de forma muy eficaz los arañazos, el ruido superficial y otros artefactos sonoros no deseados de las antiguas grabaciones de 78 rpm y de vinilo y mejorar en gran medida la calidad del sonido de todos los discos, salvo los más dañados. En el campo del almacenamiento de datos digitales a nivel de consumidor, la tendencia continua hacia el aumento de la capacidad y la caída de los costos significa que los consumidores ahora pueden adquirir y almacenar grandes cantidades de medios digitales de alta calidad (audio, video, juegos y otras aplicaciones) y crear bibliotecas multimedia que consisten en decenas o incluso cientos de miles de canciones, álbumes o videos: colecciones que, para todos excepto los más ricos, habrían sido física y financieramente imposibles de acumular en tales cantidades si estuvieran en formato de 78 o LP, pero que ahora pueden contenerse en dispositivos de almacenamiento no más grandes que un libro de tapa dura promedio.
El archivo de audio digital marcó el fin de una era en la grabación y el comienzo de otra. Los archivos digitales eliminaron de manera efectiva la necesidad de crear o utilizar un medio de grabación físico específico y discreto (un disco, un rollo de cinta, etc.) como el medio principal para capturar, fabricar y distribuir grabaciones de sonido comerciales. Simultáneamente con el desarrollo de estos formatos de archivos digitales, los espectaculares avances en la informática doméstica y la rápida expansión de Internet significan que ahora las grabaciones de sonido digitales se pueden capturar, procesar, reproducir, distribuir y almacenar de manera totalmente electrónica, en una variedad de medios de grabación magnéticos y ópticos, y se pueden distribuir en cualquier parte del mundo, sin pérdida de fidelidad y, lo que es crucial, sin la necesidad de transferir primero estos archivos a algún tipo de medio de grabación permanente para su envío y venta.
Los servicios de streaming de música han ganado popularidad desde finales de la década de 2000. [7] La transmisión de audio no requiere que el oyente sea dueño de los archivos de audio. En cambio, escuchan a través de Internet. [8] Los servicios de streaming ofrecen un método alternativo de consumir música y algunos siguen un modelo de negocio freemium . El modelo freemium que utilizan muchos servicios de streaming de música, como Spotify y Apple Music , proporciona una cantidad limitada de contenido de forma gratuita y luego servicios premium de pago. [9] Hay dos categorías en las que se clasifican los servicios de streaming, radio o bajo demanda. Los servicios de streaming como Pandora utilizan el modelo de radio, lo que permite a los usuarios seleccionar listas de reproducción pero no canciones específicas para escuchar, mientras que servicios como Apple Music permiten a los usuarios escuchar tanto canciones individuales como listas de reproducción prefabricadas. [10]
El primer método de grabación y reproducción de sonido implicaba la grabación en vivo de una interpretación directamente en un medio de grabación mediante un proceso completamente mecánico, a menudo llamado grabación acústica . En el procedimiento estándar utilizado hasta mediados de la década de 1920, los sonidos generados por la interpretación hacían vibrar un diafragma con una aguja de grabación conectada a él mientras la aguja cortaba un surco en un medio de grabación blando que giraba debajo de él. Para que este proceso fuera lo más eficiente posible, el diafragma se ubicaba en el vértice de un cono hueco que servía para recolectar y concentrar la energía acústica, con los intérpretes apiñados alrededor del otro extremo. El equilibrio de la grabación se lograba empíricamente. Un intérprete que grababa con demasiada fuerza o no con la suficiente fuerza se alejaba o se acercaba a la boca del cono. El número y el tipo de instrumentos que se podían grabar eran limitados. Los instrumentos de viento metal, que grababan bien, a menudo sustituyeron a instrumentos como los violonchelos y los violines bajos, que no lo hacían. En algunas de las primeras grabaciones de jazz se utilizaba un bloque de madera en lugar del tambor , lo que podía sobrecargar fácilmente el diafragma de grabación.
En 1857, Édouard-Léon Scott de Martinville inventó el fonógrafo , el primer dispositivo que podía registrar las ondas sonoras a medida que pasaban por el aire. Estaba destinado únicamente al estudio visual de la grabación y no podía reproducir el sonido. El medio de grabación era una hoja de papel recubierta de hollín envuelta alrededor de un cilindro giratorio sostenido por una varilla roscada. Una aguja , unida a un diafragma a través de una serie de palancas, trazaba una línea a través del hollín, creando un registro gráfico de los movimientos del diafragma a medida que era impulsado minuciosamente hacia adelante y hacia atrás por las variaciones de audiofrecuencia en la presión del aire.
En la primavera de 1877, otro inventor, Charles Cros , sugirió que el proceso podía revertirse utilizando fotograbado para convertir la línea trazada en una ranura que guiaría la aguja, haciendo que las vibraciones originales de la aguja se recrearan, se transmitieran al diafragma conectado y se enviaran de nuevo al aire en forma de sonido. La invención del fonógrafo por parte de Edison pronto eclipsó esta idea, y no fue hasta 1887 que otro inventor, Emile Berliner , fotograbó realmente una grabación fonoautográfica en metal y la reprodujo.
Las primeras grabaciones de Scott se quedaron en los archivos franceses hasta 2008, cuando investigadores interesados en resucitar los sonidos capturados en estos y otros tipos de grabaciones experimentales tempranas las localizaron. En lugar de utilizar tecnología rudimentaria del siglo XIX para crear versiones reproducibles, se escanearon en una computadora y se utilizó un software para convertir sus rastros de sonido modulado en archivos de audio digitales. Los resultados más sustanciales son breves extractos de dos canciones francesas y una recitación en italiano, todos grabados en 1860. [11]
El fonógrafo , inventado por Thomas Edison en 1877, [12] podía grabar y reproducir el sonido. El primer tipo de fonógrafo que se vendió grababa en una fina lámina de papel de aluminio envuelta alrededor de un cilindro de metal ranurado. Una aguja conectada a un diafragma que vibraba con el sonido hacía que la lámina entrara en la ranura a medida que el cilindro giraba. La vibración de la aguja se producía en ángulo recto con la superficie de grabación, por lo que la profundidad de la hendidura variaba con los cambios de audiofrecuencia en la presión del aire que transportaba el sonido. Esta disposición se conoce como grabación vertical o de colinas y valles . El sonido se podía reproducir haciendo pasar la aguja a lo largo de la ranura grabada y acoplando acústicamente sus vibraciones resultantes al aire circundante a través del diafragma y una bocina amplificadora .
El rudimentario fonógrafo de papel de aluminio resultó ser de poca utilidad, salvo como novedad. No fue hasta finales de la década de 1880 que se comercializó una forma mejorada y mucho más útil del fonógrafo. Las nuevas máquinas grababan en cilindros de cera huecos que se podían quitar fácilmente y la ranura estaba grabada en la superficie en lugar de estar hundida. El uso previsto era la comunicación comercial y, en ese contexto, el formato de cilindro tenía algunas ventajas. Cuando el uso para el entretenimiento resultó ser la verdadera fuente de ganancias, una desventaja aparentemente insignificante se convirtió en un problema importante: la dificultad de hacer copias de un cilindro grabado en grandes cantidades.
Al principio, los cilindros se copiaban conectando acústicamente una máquina de reproducción a una o más máquinas de grabación a través de tubos flexibles, un sistema que degradaba la calidad de audio de las copias. Más tarde, se utilizó un mecanismo de pantógrafo , pero sólo podía producir unas 25 copias en buen estado antes de que el original se desgastara demasiado. Durante una sesión de grabación, se podían colocar hasta una docena de máquinas delante de los intérpretes para grabar varios originales. Aun así, una sola toma acababa produciendo sólo unos pocos cientos de copias en el mejor de los casos, por lo que se contrataba a los intérpretes para sesiones de grabación maratónicas en las que tenían que repetir sus números más populares una y otra vez. En 1902, se habían desarrollado con éxito procesos de moldeo para la fabricación de cilindros pregrabados.
El cilindro de cera tuvo un competidor con la llegada del gramófono, que fue patentado por Emile Berliner en 1887. La vibración de la aguja de grabación del gramófono era horizontal, paralela a la superficie de grabación, lo que daba como resultado un surco en zigzag de profundidad constante. Esto se conoce como grabación lateral. La patente original de Berliner mostraba una grabación lateral grabada alrededor de la superficie de un cilindro, pero en la práctica, optó por el formato de disco. Los gramófonos que pronto comenzó a comercializar estaban destinados únicamente a reproducir discos de entretenimiento pregrabados y no podían usarse para grabar. El surco en espiral en la superficie plana de un disco era relativamente fácil de reproducir: un electrotipo de metal negativo del disco original podía usarse para estampar cientos o miles de copias antes de que se desgastara. Al principio, las copias se hacían de caucho duro y, a veces, de celuloide , pero pronto se adoptó un compuesto a base de goma laca .
El nombre comercial de Berliner, Gramophone , fue abandonado en los EE. UU. en 1900 debido a complicaciones legales, con el resultado de que en inglés americano, los gramófonos y los discos de gramófono, junto con los discos y reproductores fabricados por otros fabricantes, se incluyeron hace mucho tiempo bajo el término general phonograph , una palabra que los competidores de Edison evitaron usar pero que nunca fue su marca registrada, simplemente un término genérico que introdujo y aplicó a cilindros, discos, cintas y cualquier otro formato capaz de llevar un surco modulado por sonido. En el Reino Unido, el uso propietario del nombre Gramophone continuó durante otra década hasta que, en un caso judicial, se juzgó que se había convertido en genérico y, por lo tanto, podía ser utilizado libremente por los fabricantes de discos de la competencia, con el resultado de que en inglés británico un disco de disco se llama gramophone record y tradicionalmente se asume que phonograph record significa un cilindro.
No todos los discos cilíndricos son iguales. Estaban hechos de diversas formulaciones de cera blanda o dura o de plásticos primitivos, a veces en tamaños inusuales; no todos usaban el mismo paso de surco; y no todos se grababan a la misma velocidad. Los primeros cilindros de cera marrón se cortaban generalmente a unas 120 rpm , mientras que los cilindros posteriores funcionaban a 160 rpm para obtener un sonido más claro y fuerte a costa de reducir el tiempo máximo de reproducción. Como medio de entretenimiento, el cilindro ya estaba perdiendo la guerra de formatos con el disco en 1910, pero la producción de cilindros de entretenimiento no cesó por completo hasta 1929 y el uso del formato para fines de dictado comercial persistió hasta la década de 1950.
Los discos de vinilo también se fabricaban a veces en tamaños inusuales, o con materiales inusuales, o se desviaban de las normas de formato de sus épocas de alguna manera sustancial. La velocidad a la que se giraban los discos de vinilo finalmente se estandarizó en aproximadamente 78 rpm, pero a veces se usaban otras velocidades. Alrededor de 1950, las velocidades más lentas se convirtieron en estándar: 45, 33⅓ y las raramente utilizadas 16⅔ rpm. El material estándar para los discos cambió de la goma laca al vinilo , aunque el vinilo se había utilizado para algunos discos de propósito especial desde principios de la década de 1930 y algunos discos de goma laca de 78 rpm todavía se fabricaban a fines de la década de 1950.
Hasta mediados de la década de 1920, los discos se reproducían en tocadiscos puramente mecánicos, normalmente accionados por un motor de resorte a cuerda. El sonido se amplificaba mediante una bocina externa o interna que se acoplaba al diafragma y a la aguja , aunque no había una amplificación real: la bocina simplemente mejoraba la eficiencia con la que las vibraciones del diafragma se transmitían al aire libre. El proceso de grabación era, en esencia, el mismo sistema no electrónico que funcionaba a la inversa, pero con una aguja de grabación que grababa un surco en un disco maestro blando y ceroso y que era transportado lentamente hacia el interior por un mecanismo de alimentación.
La aparición de la grabación eléctrica en 1925 hizo posible el uso de micrófonos sensibles para captar el sonido y mejoró enormemente la calidad de audio de los discos. Se podía grabar una gama mucho más amplia de frecuencias, el equilibrio entre frecuencias altas y bajas se podía controlar mediante filtros electrónicos elementales y la señal se podía amplificar hasta el nivel óptimo para accionar la aguja de grabación. Las principales discográficas cambiaron al proceso eléctrico en 1925 y el resto no tardó en seguirles, aunque una rezagada en Estados Unidos resistió hasta 1929.
Hubo un período de casi cinco años, de 1925 a 1930, en el que la tecnología audiófila de punta para la reproducción de sonido en el hogar consistió en una combinación de discos grabados eléctricamente con el especialmente desarrollado Victor Orthophonic Victrola , un fonógrafo acústico que utilizaba ingeniería de guía de ondas y una bocina plegada para proporcionar una respuesta de frecuencia razonablemente plana . Los primeros tocadiscos amplificados electrónicamente llegaron al mercado solo unos meses después, alrededor de principios de 1926, pero al principio eran mucho más caros y su calidad de audio se veía afectada por sus altavoces primitivos ; no se volvieron comunes hasta fines de la década de 1930.
La grabación eléctrica aumentó la flexibilidad del proceso, pero la interpretación se seguía grabando directamente en el soporte de grabación, por lo que si se cometía un error se arruinaba toda la grabación. La edición de disco a disco era posible, utilizando múltiples tocadiscos para reproducir partes de diferentes tomas y grabarlas en un nuevo disco maestro, pero cambiar las fuentes con una precisión de fracciones de segundo era difícil y la calidad del sonido era inevitable, por lo que, salvo para su uso en la edición de algunas de las primeras películas sonoras y grabaciones de radio, rara vez se hacía.
La grabación eléctrica hizo más factible grabar una parte en un disco y luego reproducirla mientras se tocaba otra parte, grabando ambas partes en un segundo disco. Esta y otras técnicas conceptualmente relacionadas, conocidas como sobregrabación , permitieron a los estudios crear interpretaciones grabadas en las que uno o más artistas cantan varias partes o tocan partes de varios instrumentos y que, por lo tanto, no podían ser duplicadas por el mismo artista o artistas tocando en vivo. Los primeros discos editados comercialmente que utilizaban sobregrabación fueron lanzados por la Victor Talking Machine Company a fines de la década de 1920. Sin embargo, la sobregrabación tuvo un uso limitado hasta la llegada de la cinta de audio . El uso de la sobregrabación de cinta fue pionero por Les Paul en la década de 1940.
La grabación por cable o grabación por cable magnético es un tipo de almacenamiento de audio analógico en el que se realiza una grabación magnética en un cable delgado de acero o acero inoxidable.
El cable se pasa rápidamente por un cabezal de grabación, que magnetiza cada punto a lo largo del cable de acuerdo con la intensidad y polaridad de la señal de audio eléctrica que se suministra al cabezal de grabación en ese instante. Al pasar posteriormente el cable por el mismo cabezal o por uno similar mientras no se suministra ninguna señal eléctrica al cabezal, el campo magnético variable presentado por el cable que pasa induce una corriente eléctrica de variación similar en el cabezal, recreando la señal original a un nivel reducido.
La grabación con hilo magnético fue sustituida por la grabación con cinta magnética, pero los dispositivos que empleaban uno u otro de estos medios se habían estado desarrollando más o menos simultáneamente durante muchos años antes de que cualquiera de ellos se generalizara. Los principios y la electrónica implicados son casi idénticos. La grabación con hilo magnético inicialmente tenía la ventaja de que el medio de grabación en sí ya estaba completamente desarrollado, mientras que la grabación con cinta se vio frenada por la necesidad de mejorar los materiales y los métodos utilizados para fabricar la cinta.
La grabación magnética fue demostrada en principio en 1898 por Valdemar Poulsen en su Telegraphone . La grabación por hilo magnético, y su sucesora, la grabación en cinta magnética , implican el uso de un medio magnetizado que se mueve a una velocidad constante pasando por un cabezal de grabación . Una señal eléctrica, que es análoga al sonido que se va a grabar, se alimenta al cabezal de grabación, induciendo un patrón de magnetización similar a la señal. Un cabezal de reproducción puede entonces captar los cambios en el campo magnético de la cinta y convertirlos en una señal eléctrica.
Con la incorporación de la amplificación electrónica desarrollada por Curt Stille en la década de 1920, el telégrafo evolucionó hacia las grabadoras de hilo , que fueron populares para la grabación de voz y el dictado durante la década de 1940 y la de 1950. La calidad de reproducción de las grabadoras de hilo era significativamente inferior a la que se podía lograr con la tecnología de grabación de discos fonográficos. También existían dificultades prácticas, como la tendencia del hilo a enredarse o enredarse. El empalme se podía realizar anudando los extremos cortados del hilo, pero los resultados no eran muy satisfactorios.
El día de Navidad de 1932, la British Broadcasting Corporation utilizó por primera vez una grabadora de cinta de acero para sus emisiones. El dispositivo utilizado era una grabadora Marconi-Stille, [13] una máquina enorme y peligrosa que utilizaba una cinta de acero con bordes afilados. La cinta tenía 0,1 pulgadas (2,5 mm) de ancho y 0,003 pulgadas (0,076 mm) de grosor y funcionaba a 5 pies por segundo (1,5 m/s) pasando por los cabezales de grabación y reproducción. Esto significaba que la longitud de cinta necesaria para un programa de media hora era de casi 1,8 millas (2,9 km) y un carrete completo pesaba 55 libras (25 kg).
Los ingenieros de AEG , en colaboración con el gigante químico IG Farben , crearon la primera grabadora de cinta magnética práctica del mundo, la "K1", que se presentó por primera vez en 1935. Durante la Segunda Guerra Mundial , un ingeniero de la Reichs-Rundfunk-Gesellschaft descubrió la técnica de polarización de CA. Con esta técnica, se añade una señal de alta frecuencia inaudible, normalmente en el rango de 50 a 150 kHz, a la señal de audio antes de aplicarla al cabezal de grabación. La polarización mejoró radicalmente la calidad del sonido de las grabaciones en cinta magnética. En 1943, AEG había desarrollado grabadoras de cinta estéreo.
Durante la guerra, los aliados se percataron de emisiones de radio que parecían ser transcripciones (gran parte de esto debido al trabajo de Richard H. Ranger ), pero su calidad de audio era indistinguible de la de una transmisión en vivo y su duración era mucho mayor de lo que era posible con discos de 78 rpm. Al final de la guerra, los aliados capturaron una serie de grabadoras Magnetophon alemanas de Radio Luxembourg que despertaron un gran interés. Estas grabadoras incorporaban todas las características tecnológicas clave de la grabación magnética analógica, en particular el uso de polarización de alta frecuencia.
El ingeniero de audio estadounidense John T. Mullin sirvió en el Cuerpo de Señales del Ejército de los Estados Unidos y fue destinado a París en los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial. Su unidad fue asignada para averiguar todo lo que pudieran sobre la radio y la electrónica alemanas, incluida la investigación de las afirmaciones de que los alemanes habían estado experimentando con haces de radio dirigidos de alta energía como un medio para desactivar los sistemas eléctricos de los aviones. La unidad de Mullin pronto reunió una colección de cientos de máquinas de dictado magnéticas de baja calidad, pero fue una visita casual a un estudio en Bad Neuheim, cerca de Frankfurt, mientras investigaban rumores sobre haces de radio lo que les dio el verdadero premio.
Mullin recibió dos grabadoras de alta fidelidad AEG 'Magnetophon' del tamaño de una maleta y cincuenta rollos de cinta de grabación. Hizo que se las enviaran a casa y durante los dos años siguientes trabajó constantemente en las máquinas, modificándolas y mejorando su rendimiento. Su principal objetivo era despertar el interés de los estudios de Hollywood por el uso de cintas magnéticas para la grabación de bandas sonoras de películas.
Mullin hizo dos demostraciones públicas de sus máquinas y causaron sensación entre los profesionales del audio norteamericanos: muchos oyentes no podían creer que lo que estaban escuchando no fuera una actuación en directo. Por suerte, la segunda demostración de Mullin se llevó a cabo en los estudios MGM de Hollywood y entre el público ese día se encontraba el director técnico de Bing Crosby , Murdo Mackenzie. Éste organizó una reunión entre Mullin y Crosby y, en junio de 1947, le hizo una demostración privada de sus grabadoras de cinta magnética.
Crosby quedó atónito por la increíble calidad del sonido y al instante vio el enorme potencial comercial de las nuevas máquinas. La música en vivo era el estándar para la radio estadounidense en ese momento y las principales cadenas de radio no permitían el uso de grabación en disco en muchos programas debido a su calidad de sonido comparativamente pobre. Pero a Crosby no le gustaba la reglamentación de las transmisiones en vivo, prefiriendo la atmósfera relajada del estudio de grabación . Había pedido a la NBC que le permitiera pregrabar su serie de 1944-45 en discos de transcripción , pero la cadena se negó, por lo que Crosby se retiró de la radio en vivo durante un año, regresando para la temporada 1946-47 solo a regañadientes.
La grabadora de Mullin llegó en el momento justo. Crosby se dio cuenta de que la nueva tecnología le permitiría grabar previamente su programa de radio con una calidad de sonido que igualaba las transmisiones en vivo y que esas cintas podrían reproducirse muchas veces sin una pérdida apreciable de calidad. Le pidieron a Mullin que grabara un programa como prueba y de inmediato lo contrataron como ingeniero jefe de Crosby para grabar previamente el resto de la serie.
Crosby se convirtió en la primera gran estrella de la música estadounidense en utilizar cintas para pregrabar emisiones de radio y en el primero en masterizar grabaciones comerciales en cinta. Los programas de radio grabados de Crosby se editaron minuciosamente mediante empalmes de cintas para darles un ritmo y una fluidez sin precedentes en la radio. Mullin incluso afirma haber sido el primero en utilizar risas enlatadas ; ante la insistencia del guionista principal de Crosby, Bill Morrow, insertó un segmento de risa estridente de un programa anterior en un chiste de un programa posterior que no había funcionado bien.
Deseoso de utilizar las nuevas grabadoras lo antes posible, Crosby invirtió 50.000 dólares de su propio dinero en Ampex , y la pequeña empresa de seis hombres pronto se convirtió en el líder mundial en el desarrollo de la grabación en cinta, revolucionando la radio y la grabación con su famosa pletina de cinta Ampex Modelo 200, lanzada en 1948 y desarrollada directamente a partir de los magnetófonos modificados de Mullin.
El desarrollo de las grabadoras de cinta magnética a finales de la década de 1940 y principios de la de 1950 está asociado con Brush Development Company y su licenciataria, Ampex ; el desarrollo igualmente importante de los medios de cinta magnética en sí fue liderado por Minnesota Mining and Manufacturing Corporation (ahora conocida como 3M).
El siguiente gran desarrollo en la cinta magnética fue la grabación multipista , en la que la cinta se divide en múltiples pistas paralelas entre sí. Debido a que se llevan en el mismo medio, las pistas permanecen en perfecta sincronización. El primer desarrollo en multipista fue el sonido estéreo , que dividió el cabezal de grabación en dos pistas. Desarrollada por primera vez por ingenieros de audio alemanes alrededor de 1943, la grabación de dos pistas se adoptó rápidamente para la música moderna en la década de 1950 porque permitía grabar señales de dos o más micrófonos por separado al mismo tiempo (mientras que el uso de varios micrófonos para grabar en la misma pista había sido común desde el surgimiento de la era eléctrica en la década de 1920), lo que permitió realizar y editar grabaciones estereofónicas cómodamente. (Las primeras grabaciones estéreo, en discos, se habían realizado en la década de 1930, pero nunca se lanzaron comercialmente). El estéreo (ya sea verdadero, estéreo de dos micrófonos o multimezclado) rápidamente se convirtió en la norma para las grabaciones clásicas comerciales y las transmisiones de radio, aunque muchas grabaciones de música pop y jazz continuaron emitiéndose en sonido monofónico hasta mediados de la década de 1960.
Gran parte del mérito del desarrollo de la grabación multipista corresponde al guitarrista, compositor y técnico Les Paul , quien también ayudó a diseñar la famosa guitarra eléctrica que lleva su nombre . Sus experimentos con cintas y grabadoras a principios de la década de 1950 lo llevaron a encargar la primera grabadora de ocho pistas hecha a medida a Ampex, y sus grabaciones pioneras con su entonces esposa, la cantante Mary Ford , fueron las primeras en hacer uso de la técnica de multipista para grabar elementos separados de una pieza musical de forma asincrónica, es decir, se podían grabar elementos separados en diferentes momentos. La técnica de Paul le permitió escuchar las pistas que ya había grabado y grabar nuevas partes al mismo tiempo que ellas.
La grabación multipista fue adoptada de inmediato de forma limitada por Ampex, que pronto produjo una grabadora comercial de 3 pistas. Estas resultaron extremadamente útiles para la música popular, ya que permitían grabar música de acompañamiento en dos pistas (ya sea para permitir la sobregrabación de partes separadas o para crear una pista de acompañamiento estéreo completa) mientras que la tercera pista estaba reservada para el vocalista principal. Las grabadoras de tres pistas se mantuvieron en uso comercial generalizado hasta mediados de la década de 1960 y muchas grabaciones pop famosas, incluidas muchas de las llamadas producciones Wall of Sound de Phil Spector y los primeros éxitos de Motown , se grabaron en grabadoras de 3 pistas de Ampex. El ingeniero Tom Dowd fue uno de los primeros en utilizar la grabación multipista para la producción de música popular mientras trabajaba para Atlantic Records durante la década de 1950.
El siguiente avance importante fue la grabación en 4 pistas. La llegada de este sistema mejorado proporcionó a los ingenieros de grabación y a los músicos una flexibilidad mucho mayor para grabar y sobregrabar, y el sistema de 4 pistas se convirtió en el estándar de estudio durante la mayor parte de la década de 1960. Muchas de las grabaciones más famosas de The Beatles y The Rolling Stones se grabaron en 4 pistas, y los ingenieros de los estudios Abbey Road de Londres se volvieron especialmente expertos en una técnica llamada mezclas de reducción en el Reino Unido y rebote hacia abajo en los Estados Unidos, en la que se grababan varias pistas en una máquina de 4 pistas y luego se mezclaban y se transferían (rebotaban hacia abajo) a una pista de una segunda máquina de 4 pistas. De esta manera, era posible grabar literalmente docenas de pistas separadas y combinarlas en grabaciones terminadas de gran complejidad.
Todas las grabaciones clásicas de los Beatles de mediados de los años 60, incluidos los álbumes Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , se grabaron de esta manera. Sin embargo, existían limitaciones debido a la acumulación de ruido durante el proceso de rebote, y los ingenieros de Abbey Road aún son famosos por su capacidad para crear grabaciones multipista densas manteniendo el ruido de fondo al mínimo.
La cinta de 4 pistas también permitió el desarrollo del sonido cuadrafónico , en el que cada una de las cuatro pistas se utilizaba para simular un sonido envolvente completo de 360 grados. En la década de 1970 se lanzaron varios álbumes tanto en formato estéreo como cuadrafónico, pero el formato "cuadrofónico" no logró una amplia aceptación comercial. Aunque ahora se considera un truco, fue el precursor directo de la tecnología de sonido envolvente que se ha convertido en estándar en muchos sistemas de cine en casa modernos .
Hoy en día, en un entorno profesional, como un estudio, los ingenieros de audio pueden utilizar 24 pistas o más para sus grabaciones, utilizando una o más pistas para cada instrumento tocado.
La combinación de la capacidad de editar mediante empalmes de cintas y la capacidad de grabar múltiples pistas revolucionó la grabación en estudio. Se convirtió en una práctica común en los estudios de grabación grabar en múltiples pistas y luego rebotar. La conveniencia de la edición en cinta y la grabación multipista condujo a la rápida adopción de la cinta magnética como la tecnología principal para grabaciones musicales comerciales. Aunque los discos de vinilo de 33⅓ rpm y 45 rpm eran el formato de consumo dominante, las grabaciones se hacían tradicionalmente primero en cinta y luego se transferían a disco, con Bing Crosby liderando el camino en la adopción de este método en los Estados Unidos.
La grabación en cinta magnética analógica introduce ruido, normalmente llamado silbido de cinta , causado por el tamaño finito de las partículas magnéticas de la cinta. Existe una compensación directa entre ruido y economía. La relación señal/ruido aumenta a velocidades más altas y con pistas más anchas, y disminuye a velocidades más bajas y con pistas más estrechas.
A finales de los años 60, los equipos de reproducción de discos se volvieron tan buenos que los audiófilos pronto se dieron cuenta de que parte del ruido audible en las grabaciones no era ruido superficial ni deficiencias en sus equipos, sino el silbido reproducido de la cinta. Unas pocas empresas especializadas comenzaron a realizar grabaciones directas a disco , que se hacían alimentando señales de micrófono directamente a un cortador de discos (después de la amplificación y la mezcla), en esencia volviendo al método de grabación directa de antes de la guerra. Estas grabaciones nunca se hicieron populares, pero demostraron dramáticamente la magnitud e importancia del problema del silbido de la cinta.
Antes de 1963, cuando Philips introdujo el casete de audio compacto , casi todas las grabaciones en cinta habían utilizado el formato de carrete a carrete . Los intentos anteriores de empaquetar la cinta en un casete cómodo que no requería enhebrado tuvieron un éxito limitado; el más exitoso fue el cartucho de 8 pistas utilizado principalmente en automóviles solo para reproducción. El casete de audio compacto de Philips agregó la comodidad muy necesaria al formato de grabación en cinta y aproximadamente una década después había comenzado a dominar el mercado de consumo, aunque seguiría siendo de menor calidad que los formatos de carrete abierto.
En la década de 1970, los avances en la electrónica de estado sólido hicieron que el diseño y la comercialización de circuitos analógicos más sofisticados fueran económicamente viables. Esto condujo a una serie de intentos de reducir el silbido de la cinta mediante el uso de varias formas de compresión y expansión de volumen, siendo los más notables y comercialmente exitosos varios sistemas desarrollados por Dolby Laboratories . Estos sistemas dividían el espectro de frecuencia en varias bandas y aplicaban compresión /expansión de volumen de forma independiente a cada banda (los ingenieros ahora suelen utilizar el término compansión para referirse a este proceso). Los sistemas Dolby tuvieron mucho éxito en aumentar el rango dinámico efectivo y la relación señal-ruido de la grabación de audio analógico; a todos los efectos, se pudo eliminar el silbido audible de la cinta. El Dolby A original solo se utilizó en grabación profesional. Los sucesores encontraron uso tanto en formatos profesionales como de consumo; Dolby B se volvió casi universal para música pregrabada en casete. Las formas posteriores, incluido Dolby C (y el efímero Dolby S ) se desarrollaron para uso doméstico.
En la década de 1980, se introdujeron los métodos de grabación digital y la grabación en cinta analógica fue desplazada gradualmente, aunque no ha desaparecido de ninguna manera. (Muchos estudios profesionales, en particular los que atienden a clientes con grandes presupuestos, utilizan grabadoras analógicas para realizar grabaciones multipistas y/o mezclas). La cinta de audio digital nunca llegó a ser importante como medio de grabación para el consumidor, en parte debido a las complicaciones legales derivadas del temor a la piratería por parte de las compañías discográficas. Se habían opuesto a la grabación en cinta magnética cuando estuvo disponible por primera vez para los consumidores, pero la dificultad técnica de hacer malabarismos con los niveles de grabación, la distorsión por sobrecarga y el silbido residual de la cinta era lo suficientemente alta como para que la reproducción sin licencia de la cinta magnética nunca se convirtiera en un problema comercial insalvable. Con los métodos digitales, las copias de las grabaciones podían ser exactas y la infracción de los derechos de autor podría haberse convertido en un problema comercial grave. La cinta digital todavía se utiliza en situaciones profesionales y la variante DAT ha encontrado un lugar en las aplicaciones de copia de seguridad de datos informáticos. Muchos grabadores profesionales y domésticos utilizan ahora sistemas basados en disco duro para grabar, grabando las mezclas finales en CD grabables (CD-R).
La mayoría de las fuerzas policiales del Reino Unido (y posiblemente de otros lugares) todavía utilizan sistemas de casetes compactos analógicos para grabar las entrevistas policiales, ya que proporciona un medio menos propenso a acusaciones de manipulación. [14]
Los primeros intentos de grabar sonido en un medio óptico ocurrieron alrededor de 1900. Antes del uso del sonido grabado en el cine, los teatros tenían orquestas en vivo presentes durante las películas mudas. Los músicos se sentaban en el foso debajo de la pantalla y proporcionaban el ruido de fondo y establecían el ambiente para lo que estuviera ocurriendo en la película. [15] En 1906, Eugene Augustin Lauste solicitó una patente para grabar sonido en película , pero se adelantó a su tiempo. En 1923, Lee de Forest solicitó una patente para grabar en película; también hizo una serie de cortometrajes experimentales, principalmente de artistas de vodevil . William Fox comenzó a lanzar noticieros con sonido en película en 1926, el mismo año en que Warner Bros. lanzó Don Juan con música y efectos de sonido grabados en discos, así como una serie de cortometrajes con sonido completamente sincronizado en discos. En 1927, se estrenó la película sonora The Jazz Singer ; Aunque no fue la primera película sonora, tuvo un gran éxito e hizo que el público y la industria cinematográfica se dieran cuenta de que el cine sonoro era más que una mera novedad.
El cantante de jazz utilizó un proceso llamado Vitaphone que implicaba sincronizar la película proyectada con el sonido grabado en un disco. Básicamente, equivalía a reproducir un disco fonográfico, pero grabado con la mejor tecnología eléctrica de la época. El público acostumbrado a los fonógrafos y grabaciones acústicas habría escuchado en el teatro algo parecido a la alta fidelidad de los años 50 .
Sin embargo, en la época de la tecnología analógica, ningún proceso que implicara un disco separado podía mantener la sincronización de forma precisa o fiable. Vitaphone fue rápidamente suplantado por tecnologías que grababan una banda sonora óptica directamente en el lateral de la tira de película cinematográfica . Esta fue la tecnología dominante desde la década de 1930 hasta la de 1960 y todavía se utiliza en 2013, [update]aunque la banda sonora analógica está siendo reemplazada por el sonido digital en los formatos cinematográficos .
Existen dos tipos de bandas sonoras sincronizadas para películas: ópticas y magnéticas. Las bandas sonoras ópticas son reproducciones visuales de formas de ondas sonoras y proporcionan sonido a través de un haz de luz y un sensor óptico dentro del proyector. Las bandas sonoras magnéticas son básicamente las mismas que se utilizan en la grabación de cintas analógicas convencionales.
Las pistas de sonido magnéticas se pueden unir a la imagen en movimiento, pero esto crea una discontinuidad abrupta debido al desplazamiento de la pista de audio con respecto a la imagen. Ya sea óptica o magnética, el captador de audio debe ubicarse varios centímetros por delante de la lámpara de proyección, el obturador y las ruedas dentadas de transmisión . Por lo general, también hay un volante para suavizar los movimientos de la película y eliminar el aleteo que, de lo contrario, resultaría del mecanismo de pulldown negativo . Si tiene películas con una pista magnética, debe mantenerlas alejadas de fuentes magnéticas fuertes, como televisores. Estas pueden debilitar o eliminar la señal de sonido magnética.
Para la grabación óptica en película se utilizan dos métodos. La grabación de densidad variable utiliza cambios en la oscuridad del lado de la banda sonora de la película para representar la onda sonora. La grabación de área variable utiliza cambios en el ancho de una franja oscura para representar la onda sonora.
En ambos casos, una luz que se envía a través de la parte de la película que corresponde a la banda sonora cambia de intensidad, proporcional al sonido original, y esa luz no se proyecta en la pantalla sino que se convierte en una señal eléctrica mediante un dispositivo sensible a la luz.
Las bandas sonoras ópticas son propensas a los mismos tipos de degradación que afectan a la imagen, como rayones y copias.
A diferencia de la imagen de la película, que crea la ilusión de continuidad, las bandas sonoras son continuas. Esto significa que si se corta y se une una película con una banda sonora combinada, la imagen se cortará de forma limpia, pero lo más probable es que la banda sonora produzca un sonido crujiente. Las huellas dactilares en la película también pueden producir grietas o interferencias.
A finales de los años 50, la industria cinematográfica, desesperada por ofrecer una experiencia cinematográfica que fuera abrumadoramente superior a la de la televisión, introdujo procesos de pantalla ancha como Cinerama , Todd-AO y CinemaScope . Estos procesos introdujeron al mismo tiempo mejoras técnicas en el sonido, que generalmente implicaban el uso de sonido magnético multipista , grabado en una banda de óxido laminada sobre la película. En las décadas posteriores, se produjo una evolución gradual con cada vez más salas de cine que instalaban diversas formas de equipos de sonido magnético.
En los años 90 se introdujeron y empezaron a imponerse los sistemas de audio digitales . En algunos de ellos, el sonido se graba en un disco aparte, como en Vitaphone; en otros, se utiliza una pista de sonido digital y óptica en la propia película. Los procesos digitales permiten ahora lograr una sincronización fiable y perfecta.
Las primeras grabadoras de audio digitales fueron las grabadoras de carrete introducidas por empresas como Denon (1972), Soundstream (1979) y Mitsubishi. Utilizaban una tecnología digital conocida como grabación PCM . Sin embargo, en pocos años, muchos estudios utilizaban dispositivos que codificaban los datos de audio digital en una señal de vídeo estándar, que luego se grababa en una grabadora de cinta de vídeo U-matic u otra, utilizando la tecnología de cabezal giratorio que era estándar para el vídeo. Se utilizó una tecnología similar para un formato de consumo, conocido como cinta de audio digital (DAT), que utilizaba cabezales giratorios en una cinta estrecha contenida en un casete. El DAT graba a frecuencias de muestreo de 48 kHz o 44,1 kHz, siendo esta última la misma frecuencia utilizada en los discos compactos. La profundidad de bits es de 16 bits, también la misma que la de los discos compactos. El DAT fue un fracaso en el campo del audio de consumo (demasiado caro, demasiado delicado y paralizado por las regulaciones anticopia), pero se hizo popular en los estudios (en particular, los estudios caseros) y las emisoras de radio. Un sistema de grabación en cinta digital fallido fue el Digital Compact Cassette (DCC).
A los pocos años de la introducción de la grabación digital, se empezaron a fabricar grabadoras multipista (que utilizaban cabezales fijos) para su uso en estudios profesionales. A principios de los años 90, se introdujeron grabadoras digitales multipista relativamente asequibles para su uso en estudios domésticos; volvieron a grabar en cintas de vídeo. La más notable de este tipo de grabadora es la ADAT . Desarrollada por Alesis y lanzada por primera vez en 1991, la máquina ADAT es capaz de grabar 8 pistas de audio digital en un solo casete de vídeo S-VHS . La máquina ADAT, seguida por su equivalente de Tascam, la DA-88, que utilizaba un casete de vídeo Hi-8 más pequeño, fue un elemento habitual en estudios profesionales y domésticos de todo el mundo hasta aproximadamente el año 2000, cuando fue suplantada por varias interfaces y "DAW" (estaciones de trabajo de audio digital) que permitían que el disco duro de un ordenador fuera el medio de grabación.
En el mercado de consumo, las cintas y los gramófonos fueron desplazados en gran medida por el disco compacto (CD) y, en menor medida, por el minidisc . Estos medios de grabación son totalmente digitales y requieren una electrónica compleja para su reproducción. La grabación digital ha avanzado hacia una mayor fidelidad, con formatos como el DVD-A que ofrecen frecuencias de muestreo de hasta 192 kHz.
Los archivos de sonido digitales se pueden almacenar en cualquier medio de almacenamiento informático . El desarrollo del formato de archivo de audio MP3 y las cuestiones legales relacionadas con la copia de dichos archivos han impulsado la mayor parte de la innovación en la distribución de música desde su introducción a fines de la década de 1990.
A finales de los años 90, a medida que aumentaban las capacidades de los discos duros y las velocidades de las CPU de los ordenadores, la grabación en discos duros se hizo más popular. A principios de 2005, la grabación en discos duros se hacía de dos formas. Una de ellas era el uso de ordenadores de sobremesa o portátiles estándar, con adaptadores para codificar el audio en dos o más pistas de audio digital. Estos adaptadores pueden ser tarjetas de sonido o dispositivos externos que se conectan a las tarjetas de interfaz incluidas en el paquete o al ordenador mediante cables USB o Firewire. La otra forma habitual de grabación en discos duros utiliza una grabadora dedicada que contiene convertidores analógico-digitales y digital-analógicos, así como uno o dos discos duros extraíbles para el almacenamiento de datos. Estas grabadoras, que contienen 24 pistas en unas pocas unidades de espacio en rack, son en realidad ordenadores de un solo uso, que a su vez se pueden conectar a ordenadores estándar para editar.
Los discos de vinilo, o discos de larga duración (LP), han vuelto a ser populares como una forma de consumir música a pesar del auge de los medios digitales. Se vendieron más de 15 mil unidades entre 2008 y 2012, [16] alcanzando sus ventas el nivel más alto en 2012 desde 1993. Los artistas populares han comenzado a lanzar sus álbumes en vinilo, y tiendas como Urban Outfitters y Whole Foods Market han comenzado a venderlos. [17] Las corporaciones de música popular, como Sony, han comenzado a fabricar LP por primera vez desde 1989 a medida que este medio se vuelve más popular. Sin embargo, algunas empresas enfrentan problemas de producción ya que solo hay 16 plantas de discos en funcionamiento actualmente en los Estados Unidos. [18]
La grabadora de cinta analógica hizo posible borrar o grabar sobre una grabación anterior para poder corregir los errores. Otra ventaja de grabar en cinta es la posibilidad de cortar la cinta y volver a unirla. Esto permite editar la grabación. Se pueden eliminar o reorganizar partes de la grabación. Véase también edición de audio , mezcla de audio , grabación multipista .
La aparición de instrumentos electrónicos (especialmente teclados y sintetizadores ), efectos y otros instrumentos ha hecho que el MIDI cobre importancia en la grabación. Por ejemplo, utilizando el código de tiempo MIDI , es posible hacer que distintos equipos se "disparen" sin intervención humana directa en el momento de la grabación.
En tiempos más recientes, las computadoras ( estaciones de trabajo de audio digital ) han encontrado un papel cada vez más importante en el estudio de grabación , ya que su uso facilita las tareas de corte y creación de bucles , además de permitir cambios instantáneos, como la duplicación de partes, la adición de efectos y la reorganización de partes de la grabación.
Se examina la historia del audio para identificar las contribuciones fundamentales a la revolución del audio digital.
El discurso de apertura se presentó en la 104.ª Convención de la Audio Engineering Society en Ámsterdam durante la celebración del aniversario de oro de la sociedad el 17 de mayo de 1998.
