El pop hipnagógico (abreviado como h-pop ) es música pop o psicodélica [5] [6] que evoca la memoria cultural y la nostalgia por el entretenimiento popular del pasado (principalmente la década de 1980). Surgió a mediados y fines de la década de 2000 cuando los músicos estadounidenses de lo-fi y noise comenzaron a adoptar estéticas retro recordadas de su infancia, como el radio rock , el new wave pop, el rock ligero , la música de videojuegos , el synth-pop y el R&B . Las grabaciones circulaban en casetes o blogs de Internet y generalmente se caracterizaban por el uso de equipos analógicos obsoletos y la experimentación DIY .
El nombre del género fue acuñado por el periodista David Keenan en una edición de agosto de 2009 de The Wire para etiquetar la tendencia en desarrollo, que caracterizó como "música pop refractada a través del recuerdo de un recuerdo". [7] Se usó indistintamente con " chillwave " o " glo-fi " y ganó atención crítica a través de artistas como Ariel Pink y James Ferraro . [5] La música ha sido descrita de diversas formas como una actualización del siglo XXI de la psicodelia , una reapropiación de la cultura capitalista saturada de medios y un "primo estadounidense" de la hauntología británica .
En respuesta al artículo de Keenan, The Wire recibió una serie de mensajes de odio que ridiculizaban al pop hipnagógico como el "peor género creado por un periodista". [5] Algunos de los artistas etiquetados rechazaron la etiqueta o negaron que exista un estilo tan unificado. [5] Durante la década de 2010, la atención crítica hacia el género disminuyó, aunque la "nostalgia revisionista" del estilo se sublimó en varios zeitgeist culturales orientados a la juventud . El pop hipnagógico evolucionó al vaporwave , con el que a veces se lo confunde.
El pop hipnagógico es música pop o psicodélica que se nutre en gran medida de la música y la cultura popular de los años 80 [8] [6] [9] , que también abarca desde los años 70 [10] hasta principios de los 90. [11] El género refleja una preocupación por la tecnología analógica obsoleta y las representaciones grandilocuentes de elementos sintéticos de estas épocas de la cultura pop, con sus creadores informados por la memoria colectiva , así como por sus historias personales. [12] Debido a la naturaleza imprecisa de la memoria, el género no recrea fielmente los sonidos y estilos populares en esos períodos. [1] De esta manera, el pop hipnagógico se distingue de los movimientos revivalistas. Como escriben los autores Maël Guesdon y Philippe Le Guern, el género puede describirse como "nostalgia revisionista, no en el sentido de que 'todo solía ser mejor', sino porque reescribe la memoria colectiva con la intención de ser más fiel a una idea o un recuerdo del original que al original mismo". [13]
Los ejemplos de sonidos específicos evocados por artistas pop hipnagógicos van desde el " pop lo-fi extáticamente borroso e irradiado" hasta el "rock cósmico-synth-rock de los setenta" y el " exotismo tribal alucinado ". [14] Escribiendo para Vice en 2011, Morgan Poyau describió el género como "hacer compañeros de cama incómodos de los entusiastas de la música experimental y los teóricos del pop progresivo extraño ". [15] Describió una manifestación típica del estilo como la de presentar pistas largas "saturadas de eco, delay , guitarras sofocadas y sintetizadores amputados". [15] El crítico Adam Trainer escribe que, en lugar de un sonido en particular, la música estaba definida por una colección de artistas que compartían los mismos enfoques y experiencias culturales. Observó que su música se nutría del " inconsciente colectivo de la cultura popular de finales de los 80 y principios de los 90", al tiempo que estaba "en deuda estilística con varias tradiciones del experimentalismo como el noise , el drone , la repetición y la improvisación". [16]
Los puntos de referencia comunes incluyen varias formas de música de la década de 1980, incluyendo radio rock , new wave pop, one-hit wonders de MTV , música New Age , bandas sonoras de éxitos de taquilla de Hollywood impulsadas por sintetizadores , [9] música lounge , música fácil de escuchar , música ambiental corporativa , rock liviano "schmaltz", música de videojuegos , [1] y synth-pop y R&B de la década de 1980. [5] [17] Las grabaciones a menudo se degradan deliberadamente, se producen con equipos analógicos y exhiben idiosincrasias de grabación como el silbido de la cinta. [11] Emplea sonidos que se consideraron "futuristas" durante la década de 1980 que, debido a su naturaleza anticuada, parecen psicodélicos fuera de contexto. [11] También fue común el uso de tecnología audiovisual obsoleta e imágenes digitales DIY , como casetes compactos , VHS , discos CD-R y la estética temprana de Internet . [18]
En la década de 2000, una ola de artistas de grabación casera de inspiración retro comenzó a dominar las escenas indie underground. [19] La aparición de Haunted Graffiti de Ariel Pink , en particular, impulsó el debate periodístico sobre el concepto filosófico de la hauntología , [20] sobre todo entre los escritores Simon Reynolds y Mark Fisher . [21] Más tarde, el término "hauntología" se describió como un sinónimo británico de pop hipnagógico, [3] mientras que el pop hipnagógico se describió como un "primo estadounidense" de la escena musical hauntológica de Gran Bretaña, [22] [1] [23]
Todd Ledford, propietario del sello discográfico Olde English Spelling Bee (OESB), atribuyó una correlación entre la proliferación del pop hipnagógico y el auge de YouTube . [24] Reynolds atribuyó los orígenes del pop hipnagógico al sur de California y su cultura. Trainer no estuvo de acuerdo con la afirmación de Reynolds y dijo que el estilo "posiblemente" surgió de numerosas escenas simultáneas habitadas por artistas que trabajaban en una forma diversa de " neopsicodelia post-ruido ". [25] Marc Masters de Pitchfork ofreció que puede haberse originado "menos [como] un movimiento que como una coincidencia". [26] La música a menudo se publicaba en forma de casetes de edición limitada o discos de vinilo antes de llegar a una audiencia más amplia a través de blogs y videos de YouTube. [9]
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Ariel Pink ganó reconocimiento a mediados de la década de 2000 a través de una serie de álbumes autoproducidos, siendo pionero en un sonido que Reynolds llamó " radio-rock de los 70 y new wave de los 80 como si se escuchara a través de una radio de transistores defectuosa, destellos de melodía parpadeando dentro y fuera de la niebla". [27] Identificó a Pink y a los Skaters como los "padrinos de la hipnagogia", [28] pero destacó a Pink como la figura central de lo que él llama la "Generación de las Zonas Alteradas", un término general que diseñó para los artistas indie de inspiración retro y lo-fi que aparecían comúnmente en Altered Zones , un sitio asociado a Pitchfork . [19] [nb 1] Jordan Redmond de Tiny Mix Tapes escribió que el colaborador temprano de Pink, John Maus, también fue colocado "en el nexo de una serie de movimientos populares recientes", incluido el pop hipnagógico, y que Maus fue "tan importante como un progenitor de este sonido como Pink, a pesar de que Pink ha tendido a ser el que acapara los titulares". [30]
R. Stevie Moore y Martin Newell fueron artistas anteriores que anticiparon el sonido de Pink. [19] Matthew Ingram de The Wire reconoció la influencia de Moore en Pink y el pop hipnagógico: "a través de su discípulo... ha proporcionado sin saberlo la plantilla [del género]". [31] [nb 2] Otro precursor del género fue Nick Nicely y su sencillo de 1982 "Hilly Fields (1892)". JR Moore de Red Bull Music escribió que la "estética DIY única y aleatoria" de Nicely y su versión contemporánea del pop psicodélico de los años 60 "básicamente inventaron el sonido del movimiento pop hipnagógico de los años 2000 décadas antes". [33] [nb 3]
Los Skaters eran un dúo noise formado por James Ferraro y Spencer Clark y, al igual que Pink, tenían su base en California. [34] A mediados de la década de 2000, lanzaron docenas de CD-R y casetes de música drone psicodélica, después de lo cual Ferraro y Clark se lanzaron a lanzar sus propias producciones en solitario. [11] De 2009 a 2010, la música de Ferraro evolucionó para ser cada vez más rítmica y melódica, como describe Trainer, "una paleta sonora sobresaturada de pop cursi que recuerda a las primeras bandas sonoras de videojuegos y a los dibujos animados de los sábados por la mañana de los años 80". [35]
El colaborador de Complex, Joe Price, consideró que el movimiento h-pop fue "nacido" por Ferraro y "el ampliamente ignorado [artista de Missouri] 18 Carat Affair". [36] En la descripción de Reynolds, "otras figuras en ascenso" de la escena original de California incluían a Sun Araw, LA Vampires y Puro Instinct. Añadió: "Otros hipnagogos clave como Matrix Metals y Rangers residen en otros lugares, pero parecen del sur de California en espíritu". [9] En una entrevista de 2009, Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) afirmó que Salvador Dalí y Danny Wolfers eran los "padrinos del h-pop". Identificó a otros progenitores como DJ Screw , "retro kids", Joe Wenderoth , Autre Ne Veut , Church In Moon y DJ Dog Dick. [37]
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El periodista David Keenan , conocido como reportero de escenas de noise, freak folk y drone, acuñó el término "pop hipnagógico" en un artículo de agosto de 2009 para The Wire . [14] Keenan aplicó la etiqueta a una tendencia en desarrollo de la música lo-fi y post-noise de los años 2000 en la que los artistas se involucraban con elementos de nostalgia cultural , recuerdos de la infancia y tecnología de grabación obsoleta. Inspirado por los comentarios de James Ferraro y Spencer Clark, y mientras invocaba un concepto similar discutido por el esoterista ruso PD Ouspensky , Keenan empleó el término " hipnagógico " para referirse al estado psicológico "entre la vigilia y el sueño, zonas liminales donde las escuchas erróneas y las alucinaciones alimentan la formación de los sueños". [11] Según se informa, el término se originó con un comentario de James Ferraro sobre la noción de que los sonidos de los años 80 se habían filtrado en el inconsciente de los músicos contemporáneos mientras eran niños pequeños que se quedaban dormidos y sus padres tocaban música en otra habitación. [38] [ página necesaria ]
Entre los artistas analizados en el artículo de Keenan se encontraban Ariel Pink, Daniel Lopatin, los Skaters, Gary War , Zola Jesus , Ducktails , Emeralds y Pocahaunted . [11] [nb 4] Según Keenan, estos artistas recurrieron a fuentes culturales recordadas inconscientemente de su adolescencia de los años 1980 y principios de los 1990, al tiempo que las liberaban de sus contextos históricos y "se centraban en los significantes futuristas" del período. [11] Resumió alternativamente el pop hipnagógico como "música pop refractada a través del recuerdo de un recuerdo" y como " psicodelia inspirada en los años 1980 " que interactúa con los detritos capitalistas del pasado en un intento de "soñar con el futuro". [11] En un artículo posterior, Keenan identificó a Lopatin, Ferraro, Clark y al ex miembro de Test Icicles Sam Mehran como los "defensores más aventureros" del pop hipnagógico. [39]
Una vez que se acuñó el término "pop hipnagógico", una variedad de blogs de música escribieron sobre el fenómeno. [15] En 2010, los álbumes de Ariel Pink y Neon Indian fueron aclamados regularmente por publicaciones como Pitchfork y The Wire , con "pop hipnagógico", " chillwave " y " glo-fi " empleados para describir los sonidos en evolución de dichos artistas, varios de los cuales tenían canciones de considerable éxito dentro de los círculos de música independiente. [5] Pink fue llamado con frecuencia "padrino" del h-pop, chillwave o glo-fi a medida que los nuevos actos que se asociaron con él (estéticamente, personalmente, geográficamente o profesionalmente) atrajeron la atención de los críticos. [41] Algunos de sus contemporáneos, como Ferraro, Clark y War, no lograron igualar su éxito general. Cuando se le planteó este punto a Clark en una entrevista de 2013, respondió que Pink era simplemente "un embajador de California, como los Beach Boys ". [42]
En 2010, Pitchfork lanzó Altered Zones , un boletín en línea para artistas hipnagógicos. [39] A partir de julio de ese año, Altered Zones reunió su contenido de un colectivo de blogs líderes especializados en el movimiento. [14] A fines de año, OESB, ahora conocido por su lista de artistas hipnagógicos como Ferraro y Mehran, había crecido hasta convertirse en uno de los sellos indie underground más destacados. [24] En enero de 2011, Keenan escribió que OESB era "el sello más asociado con el H-pop" y "en muchos sentidos... el sello de 2010", aunque reflexionó: "Su demografía se ha transformado de una audiencia underground/noise temprana a ser adoptada por los márgenes de la cultura indie y dance, ayudado por grupos como Forest Swords , que enturbian la línea entre el H-pop y el dubstep ". [39]
"Chillwave", una etiqueta utilizada para describir una tendencia similar, [43] fue acuñada un mes antes del artículo de Keenan de 2009 [44] y fue adoptada como sinónimo de "pop hipnagógico". [45] Si bien los dos estilos son similares en el sentido de que ambos evocan imágenes de los años 1980 y 1990, el chillwave tiene un sonido más comercial con énfasis en los ganchos "cursis" y los efectos de reverberación. [46] Una reseña contemporánea de Marc Hogan para Psychic Chasms (2009) de Neon Indian enumeraba "dream-beat", "chillwave", "glo-fi", "pop hipnagógico" y "pop hipster-gógico" como términos intercambiables para "música psicodélica que generalmente es una o todas las siguientes: basada en sintetizadores, con sonido casero, con referencias a los años 80, orientada a los casetes, bronceada, relajada, deformada, brumosa, emocionalmente distante, ligeramente fuera de foco". [47]
Las tendencias experimentales de artistas pop hipnagógicos como Pink y Ferraro pronto fueron amplificadas por el género centrado en Internet denominado " vaporwave ". Aunque el nombre comparte el sufijo "-wave", solo está vagamente conectado con el chillwave. [4] Sam Mehran fue uno de los primeros actos hipnagógicos en anticipar el vaporwave, con su proyecto Matrix Metals y el álbum de 2009 Flamingo Breeze , que se basó en bucles de sintetizador. [48] Ese mismo año, Lopatin subió una colección de bucles de plunderphonics a YouTube discretamente bajo el alias sunsetcorp. Estos clips se ensamblaron más tarde para el álbum Chuck Person's Eccojams Vol. 1 (2010). [36] Miles Bowe de Stereogum resumió el vaporwave como una combinación de "la plunderfonía cortada y atornillada de Dan Lopatin... con la escucha fácil y nihilista de los paisajes infernales de música ambiental de James Ferraro en [el álbum de 2011] Far Side Virtual ". [4] [nb 5]
Los escritores, fans y artistas tuvieron dificultades para diferenciar entre el pop hipnagógico, el chillwave y el vaporwave. [50] El término "vaporwave" se atribuye generalmente a una publicación de blog de octubre de 2011 que hablaba del álbum hipnagógico Surfs Pure Hearts de Girlhood. [50] Adam Harper supuso que el autor citó la obra como "vaporwave" en lugar de "pop hipnagógico", posiblemente porque no estaban familiarizados con este último término. Bromeó sobre "un lugar especial en el infierno" para aquellos que intentan separar los tres géneros: "es una trastienda donde Satanás explica para siempre las diferencias entre el death metal , el black metal y el doom metal ". [50]
Según Harper, el vaporwave y el pop hipnagógico comparten una afinidad por la "música trash", ambos son "oníricos" y "alegres", y ambos "manipulan su material para desfamiliarizarlo y darle una sensación de lo siniestro, como ralentizarlo y/o bajar el tono, haciéndolo, como dice el término, 'atornillado'". [10] En cuanto a las diferencias, el vaporwave no suele involucrarse en pistas largas, producciones lo-fi o material no sampleado, y se nutre más de principios de los años 90 que de los años 70 y 80. [10] El vaporwave tiene una conexión musical más fuerte con el chillwave que con el pop hipnagógico por su muestreo de funk sintetizado ralentizado . [50]
El artículo original de David Keenan en The Wire provocó una serie de mensajes de odio que ridiculizaban la etiqueta de "pop hipnagógico" como el "peor género creado por un periodista". [5] A medida que la popularidad del movimiento crecía, las aspiraciones analógicas lo-fi de Pink y Ferraro fueron retomadas por "grupos con nombres como Tape Deck Mountain , Memory Tapes , Memory Cassette , y se convirtieron en cliché". [51] Tanto el chillwave como el vaporwave habían sido concebidos como respuestas irónicas e hiperbólicas a tales tendencias. [10] [52]
Keenan se desencantó con los artistas del movimiento que simplificaron su sonido [53] y "chillwave" llegó a servir como un término peyorativo para tales actos. [54] En la edición Rewind de 2010 de The Wire , Keenan dijo que el h-pop había "migrado de un proceso diseñado para liberar el deseo de las fórmulas de marketing a una zanahoria en la boca de un cadáver que ha demostrado ser irresistible para los músicos underground que buscan una ruta fácil hacia la aceptación generalizada". [39] [nb 6] Invocó el chillwave como "uno de los apodos más sin sentido aplicados a las nuevas visiones del pop futuro" y "una descripción mucho más apropiada de la adopción sin sentido y despolitizada de los valores dominantes con los que se ha llegado a asociar al h-pop". [39]
Algunos de los artistas etiquetados, como Neon Indian y Toro y Moi , rechazaron la etiqueta h-pop o negaron que existiera un estilo unificado. [5] [nb 7] Dorian Lynskey de The Guardian calificó la etiqueta hipnagógica de "pretenciosa", [58] mientras que el escritor del New York Times Jon Pareles criticó el estilo como "música molestamente evasiva". Este último describió una muestra de tales bandas en el festival South by Southwest de 2010 como "una imitación hipster y protegida del pop que no son lo suficientemente descarados para hacer". [5] La colaboradora de Altered Zones , Emilie Friedlander, profetizó en 2011 que Ariel Pink, John Maus, James Ferraro, Spencer Clark y R. Stevie Moore serían recordados como músicos que "elevaron el crujido y el grano de la grabación de baja fidelidad... e hicieron que el vocabulario de la música pop y las preocupaciones de la vanguardia parecieran mucho menos incompatibles de lo que gran parte del siglo anterior había dado a entender". [59] Sin embargo, al igual que Keenan, más tarde escribió sobre su desencanto con el movimiento tras el ejemplo "deliberadamente vergonzoso" de Far Side Virtual de Ferraro . [53] [nb 8] Semanas después del lanzamiento del álbum, Altered Zones cerró. [53] [nb 9] OESB también desapareció el mismo año. [61]
El uso de "pop hipnagógico" ha disminuido desde entonces, [62] aunque el "pasado sonoro imaginado" del género se ha sublimado en varios zeitgeist de la cultura pop . [63] Del mismo modo, una afinidad por lo retro demostró ser un sello distintivo de la cultura juvenil de la década de 2010. [53] En una entrevista de 2012, Pink reconoció que era consciente de que "estaba haciendo algo que sonaba como el rastro de un recuerdo que no puedes ubicar" y argumentó que tales evocaciones se habían arraigado tanto en la música moderna que "la gente lo da por sentado". [64] En sitios web como Drowned in Sound , Dummy Mag y Electronic Beats , la hauntología y el pop hipnagógico fueron finalmente suplantados por un interés en los artistas posteriores a Internet . [61]
Simon Reynolds describió el pop hipnagógico como una "actualización del siglo XXI de la psicodelia" en la que " la inocencia perdida ha sido contaminada por la cultura pop " y la hiperrealidad . [9] Señala una preocupación particular por la "confusión del tiempo pop", sugiriendo que "tal vez la idea secreta enterrada dentro del pop hipnagógico es que los años 80 nunca terminaron. Que todavía estamos viviendo allí, sujetos al fin interminable de la Historia de esa década ". [9] Guesdon y Le Guern postulan que "el movimiento hipnagógico puede verse como una respuesta estética al creciente sentimiento de que el tiempo se está acelerando: un sentimiento que a menudo demuestra ser uno de los componentes fundamentales de la modernidad avanzada". [13]
Adam Trainer sugirió que el estilo permitía a los artistas interactuar con los productos de la cultura de consumo capitalista saturada de medios de una manera que se centra en el afecto en lugar de la ironía o el cinismo . [18] Adam Harper notó entre los artistas pop hipnagógicos una tendencia "a convertir la basura, algo superficial y decididamente desechable, en algo sagrado o místico" y a "manipular su material para desfamiliarizarlo y darle una sensación de lo siniestro ". [10]
