La pedagogía vocal es el estudio del arte y la ciencia de la instrucción de la voz . Se utiliza en la enseñanza del canto y ayuda a definir qué es el canto, cómo funciona el canto y cómo se logra la técnica de canto adecuada.
La pedagogía vocal cubre una amplia gama de aspectos del canto, que van desde el proceso fisiológico de la producción vocal hasta los aspectos artísticos de la interpretación de canciones de diferentes géneros o épocas históricas. Las áreas típicas de estudio incluyen: [1]
Todos estos conceptos diferentes son parte del desarrollo de una técnica vocal adecuada . No todos los profesores de canto tienen las mismas opiniones sobre todos los temas de estudio, lo que provoca variaciones en los enfoques pedagógicos y la técnica vocal.
Dentro de la cultura occidental, el estudio de la pedagogía vocal se inició en la Antigua Grecia . Eruditos como Alipio y Pitágoras estudiaron e hicieron observaciones sobre el arte del canto. Sin embargo, no está claro si los griegos alguna vez desarrollaron un enfoque sistemático para la enseñanza del canto, ya que hoy en día sobreviven pocos escritos sobre el tema. [2]
El primer registro sobreviviente de un enfoque sistematizado para la enseñanza del canto se desarrolló en los monasterios medievales de la Iglesia Católica Romana en algún momento cerca de principios del siglo XIII. Al igual que con otros campos de estudio, los monasterios fueron el centro de la vida intelectual musical durante el período medieval y muchos hombres dentro de los monasterios dedicaron su tiempo al estudio de la música y el arte del canto. Los monjes Johannes de Garlandia y Jerónimo de Moravia fueron muy influyentes en el desarrollo de un sistema pedagógico vocal, quienes fueron los primeros en desarrollar un concepto de registros vocales . Estos hombres identificaron tres registros: voz de pecho , voz de garganta y voz de cabeza (pectoris, guttoris y capitis). Su concepto de voz principal, sin embargo, es mucho más similar a la comprensión que tienen los pedagogos modernos del registro de falsete . Otros conceptos discutidos en el sistema monástico incluían resonancia vocal , clasificación de la voz , apoyo respiratorio, dicción y calidad del tono, por nombrar algunos. Las ideas desarrolladas dentro del sistema monástico influyeron mucho en el desarrollo de la pedagogía vocal durante los siguientes siglos, incluido el estilo de canto del Bel Canto . [2]
Con el inicio del Renacimiento en el siglo XV, el estudio del canto comenzó a trasladarse fuera de la iglesia. Las cortes de mecenas ricos, como los duques de Borgoña que apoyaron la escuela borgoñona y la escuela franco-flamenca , se convirtieron en centros seculares de estudio del canto y de todas las demás áreas del estudio musical. Sin embargo, los métodos pedagógicos vocales que se enseñaban en estas escuelas se basaban en los conceptos desarrollados dentro del sistema monástico. Muchos de los profesores de estas escuelas obtuvieron su formación musical inicial cantando en coros de iglesias cuando eran niños. La iglesia también permaneció a la vanguardia de la composición musical en este momento y siguió siendo muy influyente en la configuración de los gustos y prácticas musicales tanto dentro como fuera de la iglesia. Fue la Iglesia católica la que popularizó por primera vez el uso de cantantes castratos en el siglo XVI, lo que finalmente condujo a la popularidad de las voces castratos en las óperas barrocas y clásicas . [3]
No fue hasta el desarrollo de la ópera en el siglo XVII que la pedagogía vocal comenzó a romper con parte del pensamiento establecido de los escritores monásticos y a desarrollar una comprensión más profunda del proceso físico del canto y su relación con conceptos clave como el registro vocal y la voz. resonancia . También fue durante esta época que comenzaron a surgir destacados profesores de canto . Giulio Caccini es un ejemplo de uno de los primeros importantes profesores de canto italiano. [2] A finales del siglo XVII, el método de canto del bel canto comenzó a desarrollarse en Italia. Este estilo de canto tuvo un gran impacto en el desarrollo de la ópera y el desarrollo de la pedagogía vocal durante los períodos clásico y romántico . Fue durante esta época que los profesores y compositores comenzaron a identificar a los cantantes y a escribir papeles para tipos de voz más específicos . Sin embargo, no fue hasta el siglo XIX que surgieron sistemas de clasificación de voces más claramente definidos, como el sistema alemán Fach . Dentro de estos sistemas, se utilizaron términos más descriptivos para clasificar voces como coloratura soprano y soprano lírica . [3]
Los profesores de canto del siglo XIX continuaron formando cantantes para carreras de ópera. Manuel Patricio Rodríguez García es a menudo considerado uno de los profesores de voz más importantes del siglo XIX, y se le atribuye el desarrollo del laringoscopio y el comienzo de la pedagogía de la voz moderna.
El campo de la pedagogía de la voz se desarrolló más plenamente a mediados del siglo XX. Algunos profesores de canto estadounidenses comenzaron a estudiar la ciencia, anatomía y fisiología del canto, especialmente Ralph Appelman en la Universidad de Indiana , Oren Brown en la Facultad de Medicina de la Universidad de Washington y más tarde en la Escuela Juilliard , y William Vennard en la Universidad del Sur de California . Este cambio en el enfoque del estudio del canto llevó al rechazo de muchas de las afirmaciones del método de canto del bel canto , más particularmente en las áreas de registro vocal y resonancia vocal . [4] Como resultado, actualmente hay dos escuelas de pensamiento predominantes entre los profesores de canto de hoy: aquellos que mantienen las posiciones históricas del método del bel canto y aquellos que optan por abrazar comprensiones más contemporáneas basadas en el conocimiento actual de la anatomía y fisiología humana. También hay profesores que toman prestadas ideas de ambas perspectivas, creando un híbrido de ambas. [5] [6]
Appelman y Vennard también formaron parte de un grupo de instructores de voz que desarrollaron cursos de estudio para profesores de voz principiantes, agregando estas ideas científicas a los ejercicios estándar y formas empíricas de mejorar la técnica vocal, y en 1980 el tema de la pedagogía de la voz comenzaba a ser incluido en muchos programas universitarios de música para cantantes y educadores de música vocal. [4]
Trabajos más recientes de autores como Richard Miller y Johan Sundberg han aumentado el conocimiento general de los profesores de voz, y los profesionales continúan estudiando y discutiendo los aspectos científicos y prácticos de la pedagogía de la voz. Además, la creación de organizaciones como la Asociación Nacional de Profesores de Canto (ahora una organización internacional de instructores vocales) ha permitido a los profesores de canto establecer un mayor consenso sobre su trabajo y ha ampliado la comprensión de lo que hacen los profesores de canto. [1] [7]
Básicamente, existen tres enfoques principales de la pedagogía vocal. Todos están relacionados con cómo se emplean los controles mecanicistas y psicológicos mientras se canta. Algunos profesores de canto defienden un enfoque mecanicista extremo que cree que cantar es en gran medida una cuestión de conseguir las partes físicas correctas en los lugares correctos y en el momento adecuado, y que corregir las fallas vocales se logra llamando la atención directa a las partes que no funcionan bien. . En el otro extremo, está la escuela de pensamiento que cree que nunca se debe dirigir la atención a ninguna parte del mecanismo vocal; que cantar es una cuestión de producir las imágenes mentales correctas del tono deseado, y que corregir las fallas vocales se logra aprendiendo a tener los pensamientos correctos y liberando las emociones a través de la interpretación de la música. La mayoría de los profesores de canto, sin embargo, creen que la verdad se encuentra en algún punto intermedio entre los dos extremos y adoptan una combinación de esos dos enfoques. [8]
Hay cuatro procesos físicos implicados en la producción del sonido vocal: respiración , fonación , resonancia y articulación . Estos procesos ocurren en la siguiente secuencia:
Aunque estos cuatro procesos deben considerarse por separado, en la práctica se fusionan en una función coordinada. Con un cantante u orador eficaz, rara vez se le debe recordar el proceso involucrado, ya que su mente y su cuerpo están tan coordinados que uno sólo percibe la función unificada resultante. Muchos problemas vocales resultan de una falta de coordinación dentro de este proceso. [6]
En su sentido más básico, la respiración es el proceso de hacer entrar y salir aire del cuerpo: inhalación y exhalación. El sonido se produce en la laringe. Pero producir el sonido no sería posible sin una fuente de energía: el flujo de aire de los pulmones. Este flujo pone en movimiento las cuerdas vocales para producir sonido. [9] Respirar para cantar y hablar es un proceso más controlado que la respiración ordinaria utilizada para mantener la vida. Los controles aplicados a la exhalación son particularmente importantes en una buena técnica vocal. [6]
La fonación es el proceso de producir sonido vocal por la vibración de las cuerdas vocales que a su vez es modificado por la resonancia del tracto vocal . [10] [11] Tiene lugar en la laringe cuando las cuerdas vocales se juntan y se les aplica presión respiratoria de tal manera que se produce una vibración que provoca una fuente audible de energía acústica, es decir, sonido, que luego puede modificarse. por las acciones articulatorias del resto del aparato vocal . Las cuerdas vocales se unen principalmente por la acción de los músculos interaritenoideos, que juntan los cartílagos aritenoides . [1]
La resonancia vocal es el proceso mediante el cual el producto básico de la fonación aumenta en timbre y/o intensidad por las cavidades llenas de aire por las que pasa en su camino hacia el aire exterior. Varios términos relacionados con el proceso de resonancia incluyen amplificación, enriquecimiento, ampliación, mejora, intensificación y prolongación, aunque en un uso estrictamente científico las autoridades acústicas cuestionarían la mayoría de ellos. El punto principal que un cantante o orador debe extraer de estos términos es que el resultado final de la resonancia es, o debería ser, producir un mejor sonido. [1]
Hay siete áreas que pueden enumerarse como posibles resonadores vocales. En secuencia desde la parte más baja del cuerpo hasta la más alta, estas áreas son el pecho , el árbol traqueal , la laringe misma, la faringe , la cavidad bucal , la cavidad nasal y los senos paranasales . [8]
Las investigaciones han demostrado que la laringe, la faringe y la cavidad bucal son los principales resonadores del sonido vocal, mientras que la cavidad nasal sólo entra en juego en las consonantes nasales o vocales nasales, como las que se encuentran en francés. Este espacio de resonancia principal, desde arriba de las cuerdas vocales hasta los labios, se conoce como tracto vocal . Muchos usuarios de voz experimentan sensaciones en los senos nasales que pueden malinterpretarse como resonancia. Sin embargo, estas sensaciones son causadas por vibraciones simpáticas y son el resultado, más que la causa, de una resonancia vocal eficiente. [7]
La articulación es el proceso mediante el cual el producto conjunto del vibrador y los resonadores se transforma en sonidos del habla reconocibles a través de ajustes musculares y movimientos de los órganos del habla. Estos ajustes y movimientos de los articuladores dan como resultado la comunicación verbal y, por tanto, forman la diferencia esencial entre la voz humana y otros instrumentos musicales. Cantar sin palabras comprensibles limita la voz a la comunicación no verbal. [8] En relación con el proceso físico del canto, los instructores vocales tienden a centrarse más en la articulación activa que en la articulación pasiva. Hay cinco articuladores activos básicos: el labio (" consonantes labiales "), la parte frontal flexible de la lengua (" consonantes coronales "), la parte media/posterior de la lengua (" consonantes dorsales "), la raíz de la lengua junto con la epiglotis (" consonantes faríngeas ") y la glotis (" consonantes glotales "). Estos articuladores pueden actuar independientemente unos de otros, y dos o más pueden trabajar juntos en lo que se llama coarticulación .
A diferencia de la articulación activa, la articulación pasiva es un continuo sin muchos límites bien definidos. Los lugares linguolabial e interdental, interdental y dental, dental y alveolar, alveolar y palatino, palatino y velar, velar y uvular se fusionan entre sí, y en algún lugar entre los lugares nombrados se puede pronunciar una consonante.
Además, cuando se utiliza la parte frontal de la lengua, puede ser la superficie superior o lámina de la lengua la que hace contacto (" consonantes laminales "), la punta de la lengua (" consonantes apicales ") o la superficie inferior ( " consonantes subapicales "). Estas articulaciones también se fusionan entre sí sin límites claros.
Los profesores de canto a veces enumeran la interpretación como un quinto proceso físico, aunque estrictamente hablando no es un proceso físico. La razón de esto es que la interpretación influye en el tipo de sonido que hace un cantante, que en última instancia se logra a través de una acción física que realiza el cantante. Aunque los profesores pueden familiarizar a sus alumnos con estilos musicales y prácticas interpretativas y sugerir ciertos efectos interpretativos, la mayoría de los profesores de canto están de acuerdo en que no se puede enseñar la interpretación. Los estudiantes que carecen de una imaginación creativa natural y de una sensibilidad estética no pueden aprenderlas de otra persona. No interpretar bien no es un defecto vocal, aunque puede afectar significativamente el sonido vocal. [1]
Los sonidos vocales se dividen en dos categorías básicas ( vocales y consonantes ) con una amplia variedad de subclasificaciones. Los profesores de canto y los estudiantes de canto serios dedican mucho tiempo a estudiar cómo la voz forma vocales y consonantes, y a estudiar los problemas que ciertas consonantes o vocales pueden causar al cantar. El Alfabeto Fonético Internacional es utilizado con frecuencia por los profesores de canto y sus alumnos. [8]
Describir el sonido vocal es una ciencia inexacta en gran parte porque la voz humana es un instrumento autónomo. Dado que el instrumento vocal es interno, la capacidad del cantante para monitorear el sonido producido se complica por las vibraciones que llegan al oído a través de la trompa de Eustaquio (auditiva) y las estructuras óseas de la cabeza y el cuello. En otras palabras, la mayoría de los cantantes escuchan algo diferente en sus oídos/cabeza de lo que escucha la persona que los escucha. Como resultado, los profesores de canto a menudo se centran menos en cómo "suena" y más en cómo "se siente". Las sensaciones vibratorias resultantes de los procesos estrechamente relacionados de fonación y resonancia, y las kinestésicas que surgen de la tensión muscular, el movimiento, la posición del cuerpo y el peso, sirven como guía para el cantante sobre la producción vocal correcta.
Otro problema a la hora de describir el sonido vocal reside en el propio vocabulario vocal. Hay muchas escuelas de pensamiento dentro de la pedagogía vocal y diferentes escuelas han adoptado términos diferentes, a veces de otras disciplinas artísticas. Esto ha llevado al uso de una plétora de términos descriptivos aplicados a la voz que no siempre se entienden con el mismo significado. Algunos términos que a veces se usan para describir una cualidad del sonido de una voz son: cálido, blanco, oscuro, claro, redondo, aflautado, extendido, enfocado, cubierto, tragado, adelante, sonoro, ulular, balido, plumoso, suave, en forma de pera, Etcétera. [6]
El proceso de canto funciona mejor cuando existen ciertas condiciones físicas del cuerpo. La capacidad de mover aire dentro y fuera del cuerpo libremente y de obtener la cantidad necesaria de aire puede verse seriamente afectada por la alineación corporal de las distintas partes del mecanismo respiratorio. Una posición del pecho hundida limitará la capacidad de los pulmones y una pared abdominal tensa inhibirá el viaje descendente del diafragma . Una buena alineación del cuerpo permite que el mecanismo respiratorio cumpla su función básica de manera eficiente sin ningún gasto excesivo de energía. Una buena alineación del cuerpo también facilita el inicio de la fonación y la sintonización de los resonadores, ya que una alineación adecuada evita tensiones innecesarias en el cuerpo. Los instructores de voz también han notado que cuando los cantantes asumen una buena alineación corporal, a menudo les proporciona una mayor sensación de seguridad en sí mismos y aplomo mientras tocan. El público también tiende a responder mejor a los cantantes con una buena alineación corporal. Una buena alineación corporal habitual también mejora en última instancia la salud general del cuerpo al permitir una mejor circulación sanguínea y prevenir la fatiga y el estrés en el cuerpo. [5]
Todo canto comienza con la respiración. Todos los sonidos vocales son creados por vibraciones en la laringe provocadas por el aire de los pulmones . La respiración en la vida cotidiana es una función corporal subconsciente que ocurre de forma natural; sin embargo, el cantante debe tener control de la inhalación y exhalación del aire para lograr los máximos resultados con su voz.
La respiración natural tiene tres etapas: un período de inhalación, un período de exhalación y un período de descanso o recuperación; Estas etapas no suelen estar controladas conscientemente. Dentro del canto existen cuatro etapas de la respiración:
Estas etapas deben estar bajo control consciente por parte del cantante hasta que se conviertan en reflejos condicionados. Muchos cantantes abandonan los controles conscientes antes de que sus reflejos estén completamente condicionados, lo que en última instancia conduce a problemas vocales crónicos. [12]
En la música clásica y la ópera europeas , las voces se tratan como instrumentos musicales . Los compositores que escriben música vocal deben comprender las habilidades, talentos y propiedades vocales de los cantantes. La clasificación de la voz es el proceso mediante el cual se evalúan las voces cantadas humanas y, por lo tanto, se clasifican en tipos de voz . Estas cualidades incluyen, entre otras: rango vocal , peso vocal , tesitura vocal , timbre vocal y puntos de transición vocal, como pausas y elevaciones dentro de la voz. Otras consideraciones son las características físicas, el nivel del habla, las pruebas científicas y el registro vocal . [13] La ciencia detrás de la clasificación de la voz se desarrolló dentro de la música clásica europea y ha tardado en adaptarse a formas más modernas de canto. La clasificación de voces se utiliza a menudo en la ópera para asociar posibles roles con voces potenciales. Actualmente existen varios sistemas diferentes en uso dentro de la música clásica, incluidos: el sistema alemán Fach y el sistema de música coral, entre muchos otros. Ningún sistema se aplica o acepta universalmente. [3]
Sin embargo, la mayoría de los sistemas de música clásica reconocen siete categorías principales de voces diferentes. Las mujeres suelen dividirse en tres grupos: soprano , mezzosoprano y contralto . Los hombres suelen dividirse en cuatro grupos: contratenor , tenor , barítono y bajo . Al considerar las voces de los niños, se puede aplicar un octavo término, agudos . Dentro de cada una de estas categorías principales hay varias subcategorías que identifican cualidades vocales específicas, como la facilidad de coloratura y el peso vocal, para diferenciar entre voces. [1]
Dentro de la música coral , las voces de los cantantes se dividen únicamente en función del rango vocal. La música coral suele dividir las partes vocales en voces altas y bajas dentro de cada sexo (SATB). Como resultado, la situación coral típica ofrece muchas oportunidades para que se produzcan clasificaciones erróneas. [1] Dado que la mayoría de las personas tienen voces medias, se les debe asignar una parte que sea demasiado alta o demasiado baja para ellos; la mezzosoprano debe cantar soprano o alto y el barítono debe cantar tenor o bajo. Cualquiera de las opciones puede presentar problemas para el cantante, pero para la mayoría de los cantantes hay menos peligros en cantar demasiado bajo que en cantar demasiado alto. [14]
Dentro de las formas de música contemporánea (a veces denominada música comercial contemporánea ), los cantantes se clasifican según el estilo de música que cantan, como jazz, pop, blues, soul, country, folk y rock. Actualmente no existe ningún sistema autorizado de clasificación de voces dentro de la música no clásica. [15] Se han hecho intentos de adoptar términos de tipos de voz clásicos para otras formas de canto, pero tales intentos han generado controversia. El desarrollo de categorizaciones de voz se realizó con el entendimiento de que el cantante usaría una técnica vocal clásica dentro de un rango específico utilizando producción vocal sin amplificar (sin micrófonos). Dado que los músicos contemporáneos utilizan diferentes técnicas vocales y micrófonos y no están obligados a adaptarse a un rol vocal específico, aplicar términos como soprano, tenor, barítono, etc. puede resultar engañoso o incluso inexacto. [6]
Muchos profesores de canto advierten sobre los peligros de una identificación rápida. La preocupación prematura por la clasificación puede dar lugar a una clasificación errónea, con todos los peligros que conlleva. Vennard dice:
"Nunca siento ninguna urgencia por clasificar a un estudiante principiante. Se ha demostrado que muchos diagnósticos prematuros son erróneos, y puede ser perjudicial para el estudiante y embarazoso para el profesor seguir esforzándose por alcanzar una meta mal elegida. Es mejor empezar por la parte media de la voz y trabaja hacia arriba y hacia abajo hasta que la voz se clasifique". [5]
La mayoría de los profesores de canto creen que es esencial establecer buenos hábitos vocales dentro de un rango limitado y cómodo antes de intentar clasificar la voz. Cuando las técnicas de postura, respiración, fonación , resonancia y articulación se hayan establecido en esta cómoda zona, surgirá la verdadera calidad de la voz y se podrán explorar con seguridad los límites superior e inferior del rango. Sólo entonces se podrá llegar a una clasificación provisional, que podrá ajustarse a medida que la voz siga desarrollándose. [8] Muchos instructores de voz aclamados sugieren que los profesores comiencen asumiendo que una voz es de clasificación media hasta que demuestren lo contrario. La razón de esto es que la mayoría de las personas poseen voces medias y, por lo tanto, es menos probable que este enfoque clasifique erróneamente o dañe la voz. [1]
El registro vocal se refiere al sistema de registros vocales dentro de la voz humana. Un registro en la voz humana es una serie particular de tonos, producidos en el mismo patrón vibratorio de las cuerdas vocales , y que poseen la misma cualidad. Los registros se originan en la función laríngea . Ocurren porque las cuerdas vocales son capaces de producir varios patrones vibratorios diferentes. Cada uno de estos patrones vibratorios aparece dentro de un rango particular de tonos y produce ciertos sonidos característicos. [16] El término registro puede resultar algo confuso ya que abarca varios aspectos de la voz humana. El término registro puede utilizarse para referirse a cualquiera de los siguientes: [1]
En lingüística , una lengua de registro es una lengua que combina el tono y la fonación vocal en un único sistema fonológico .
Dentro de la patología del habla, el término registro vocal tiene tres elementos constitutivos: un determinado patrón vibratorio de las cuerdas vocales, una determinada serie de tonos y un determinado tipo de sonido. Los logopedas identifican cuatro registros vocales basándose en la fisiología de la función laríngea: el registro vocal de alevines , el registro modal , el registro de falsete y el registro de silbido . Este punto de vista también es adoptado por muchos profesores de canto. [1]
Algunos profesores de canto, sin embargo, organizan los registros de manera diferente. Hay más de una docena de construcciones diferentes de registros vocales en uso en este campo. La confusión que existe sobre qué es un registro y cuántos registros hay se debe en parte a lo que ocurre en el registro modal cuando una persona canta desde los tonos más bajos de ese registro hasta los tonos más altos. La frecuencia de vibración de las cuerdas vocales está determinada por su longitud, tensión y masa. A medida que aumenta el tono, las cuerdas vocales se alargan, aumenta la tensión y disminuye su grosor. En otras palabras, estos tres factores están en un estado de cambio en la transición de los tonos más bajos a los más altos. [dieciséis]
Si un cantante mantiene constante cualquiera de estos factores e interfiere con su estado progresivo de cambio, su función laríngea tiende a volverse estática y eventualmente se producen interrupciones con cambios obvios en la calidad del tono. Estas rupturas suelen identificarse como límites de registros o como áreas de transición entre registros. El cambio o ruptura distinta entre registros se llama passaggio o ponticello . [17] Los instructores vocales enseñan que con estudio un cantante puede moverse sin esfuerzo de un registro a otro con facilidad y tono consistente. Los registros pueden incluso superponerse mientras se canta. Los profesores a los que les gusta utilizar esta teoría de "mezcla de registros" suelen ayudar a los estudiantes a través del "paso" de un registro a otro ocultando su "elevación" (donde cambia la voz).
Sin embargo, muchos instructores de voz no están de acuerdo con esta distinción de límites y culpan de tales rupturas a problemas vocales que han sido creados por un ajuste laríngeo estático que no permite que se produzcan los cambios necesarios. Esta diferencia de opinión ha afectado las diferentes opiniones sobre el registro vocal. [1]
Cantar es un acto integrado y coordinado y es difícil discutir cualquiera de las áreas y procesos técnicos individuales sin relacionarlos con los demás. Por ejemplo, la fonación sólo entra en perspectiva cuando se conecta con la respiración; los articuladores afectan la resonancia; los resonadores afectan las cuerdas vocales; las cuerdas vocales afectan el control de la respiración; Etcétera. Los problemas vocales a menudo son el resultado de una falla en una parte de este proceso coordinado, lo que hace que los profesores de voz con frecuencia se concentren intensamente en un área del proceso con su estudiante hasta que se resuelva ese problema. Sin embargo, algunas áreas del arte del canto son en gran medida el resultado de funciones coordinadas que es difícil discutirlas bajo un título tradicional como fonación, resonancia, articulación o respiración.
Una vez que el estudiante de canto ha tomado conciencia de los procesos físicos que componen el acto de cantar y de cómo funcionan esos procesos, comienza la tarea de intentar coordinarlos. Inevitablemente, los estudiantes y profesores se preocuparán más por un área de la técnica que por otra. Los distintos procesos pueden avanzar a diferentes ritmos, con el consiguiente desequilibrio o falta de coordinación. Las áreas de la técnica vocal que parecen depender más fuertemente de la capacidad del estudiante para coordinar diversas funciones son: [1]
Algunos consideran que cantar no es un proceso natural sino que es una habilidad que requiere reflejos musculares muy desarrollados, pero otros consideran que algunas formas de cantar pueden considerarse como naturales. [18] Cantar no requiere mucha fuerza muscular, pero sí un alto grado de coordinación muscular. Los individuos pueden desarrollar aún más su voz mediante la práctica cuidadosa y sistemática tanto de canciones como de ejercicios vocales. Los profesores de voz instruyen a sus alumnos a ejercitar su voz de manera inteligente. Los cantantes deben pensar constantemente en el tipo de sonido que emiten y el tipo de sensaciones que sienten mientras cantan. [6]
Hay varios propósitos para los ejercicios vocales, que incluyen: [1]
Un objetivo importante del desarrollo vocal es aprender a cantar hasta los límites naturales del rango vocal sin ningún cambio no deseado de calidad o técnica. Los instructores de voz enseñan que un cantante sólo puede lograr este objetivo cuando todos los procesos físicos involucrados en el canto (como la acción laríngea, el apoyo respiratorio, el ajuste de la resonancia y el movimiento articulatorio) trabajan juntos de manera efectiva. La mayoría de los profesores de canto creen que el primer paso para coordinar estos procesos es establecer buenos hábitos vocales en la tesitura más cómoda de la voz antes de expandir lentamente el rango más allá de eso. [5]
Hay tres factores que afectan significativamente la capacidad de cantar más alto o más bajo:
McKinney dice: "Estos tres factores se pueden expresar en tres reglas básicas: (1) A medida que cantas más alto, debes usar más energía; a medida que cantas más bajo, debes usar menos. (2) A medida que cantas más alto, debes usar más espacio; mientras cantas más bajo, debes usar menos. (3) Mientras cantas más alto, debes usar más profundidad; mientras cantas más bajo, debes usar menos." [1]
Algunos profesores de canto dedicarán tiempo a trabajar con sus estudiantes en conocimientos y habilidades musicales generales, en particular teoría musical , historia de la música y estilos y prácticas musicales en relación con la literatura vocal que se está estudiando. Si es necesario, también pueden dedicar tiempo a ayudar a sus alumnos a convertirse en mejores lectores a primera vista, adoptando a menudo el solfeo , que asigna ciertas sílabas a las notas de la escala.
Dado que el canto es un arte escénico, los profesores de canto dedican parte de su tiempo a preparar a sus alumnos para la interpretación. Esto incluye enseñar a sus estudiantes la etiqueta de comportamiento en el escenario, como hacer reverencias, aprender a manejar el miedo escénico, abordar problemas como los tics nerviosos y el uso de equipos como micrófonos. Algunos estudiantes también pueden estar preparándose para carreras en los campos de la ópera o el teatro musical donde se requieren habilidades de actuación. Muchos instructores de canto dedicarán tiempo a técnicas de actuación y comunicación con la audiencia con estudiantes en estos campos de interés. Los estudiantes de ópera también pasan mucho tiempo con sus profesores de canto aprendiendo pronunciaciones de idiomas extranjeros.