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El diseño de moda es el arte de aplicar el diseño , la estética , la confección de prendas y la belleza natural a la ropa y sus accesorios . Está influenciado por la cultura y las diferentes tendencias y ha variado a lo largo del tiempo y el lugar. "Un diseñador de moda crea ropa, incluidos vestidos, trajes, pantalones y faldas, y accesorios como zapatos y carteras, para los consumidores. Puede especializarse en diseño de ropa, accesorios o joyas , o puede trabajar en más de una de estas áreas". [1]
Los diseñadores de moda trabajan de diversas maneras al diseñar sus piezas y accesorios, como anillos, pulseras, collares y aretes. Debido al tiempo que se requiere para poner una prenda en el mercado, los diseñadores deben anticipar los cambios en los deseos de los consumidores . Los diseñadores de moda son responsables de crear looks para prendas individuales, que involucran forma, color, tela, adornos y más. [2]
Los diseñadores de moda intentan diseñar prendas que sean funcionales y estéticamente agradables. Tienen en cuenta quién es probable que use una prenda y las situaciones en las que se usará, y trabajan con una amplia gama de materiales, colores, patrones y estilos. Aunque la mayoría de las prendas que se usan para el día a día se encuentran dentro de una gama estrecha de estilos convencionales, las prendas inusuales suelen buscarse para ocasiones especiales, como la ropa de noche o los vestidos de fiesta .
Algunas prendas se confeccionan específicamente para un individuo, como es el caso de la alta costura o la sastrería a medida . Hoy en día, la mayoría de las prendas están diseñadas para el mercado masivo , especialmente la ropa casual y de uso diario, que comúnmente se conoce como ready-to-wear o moda rápida .
Existen diferentes líneas de trabajo para los diseñadores en la industria de la moda. Los diseñadores de moda que trabajan a tiempo completo para una casa de moda, como "diseñadores internos", son dueños de los diseños y pueden trabajar solos o como parte de un equipo de diseño. Los diseñadores autónomos que trabajan por cuenta propia venden sus diseños a casas de moda, directamente a tiendas o a fabricantes de ropa. Hay bastantes diseñadores de moda que optan por crear sus propias marcas, lo que les ofrece un control total sobre sus diseños. Otros son autónomos y diseñan para clientes individuales. Otros diseñadores de moda de alta gama atienden a tiendas especializadas o grandes almacenes de moda de alta gama. Estos diseñadores crean prendas originales, así como otras que siguen las tendencias de moda establecidas. Sin embargo, la mayoría de los diseñadores de moda trabajan para fabricantes de ropa y crean diseños de moda masculina, femenina y infantil para el mercado masivo. Es probable que las grandes marcas de diseño que tienen un "nombre" como marca, como Abercrombie & Fitch , Justice o Juicy, sean diseñadas por un equipo de diseñadores individuales bajo la dirección de un director de diseño.
El diseño de prendas incluye componentes de “color, textura, espacio, líneas, patrón, silueta, forma, proporción, equilibrio, énfasis, ritmo y armonía”. [3] Todos estos elementos se unen para diseñar una prenda creando interés visual para los consumidores.
Los diseñadores de moda trabajan de distintas maneras. Algunos empiezan con una idea en la cabeza y luego pasan a dibujarla en papel o en una computadora, mientras que otros pasan directamente a colocar la tela sobre un maniquí. El proceso de diseño es exclusivo del diseñador y es bastante interesante ver los distintos pasos que se dan en el proceso. El diseño de una prenda comienza con la confección de patrones . El proceso comienza con la creación de un patrón base. El patrón base se ajustará al tamaño del modelo con el que está trabajando el diseñador o se puede hacer una base utilizando una tabla de tallas estándar.
Las tres manipulaciones principales dentro de la confección de patrones incluyen la manipulación de pinzas, el contorno y el volumen añadido. [4] La manipulación de pinzas permite mover una pinza en una prenda en varios lugares, pero no cambia el ajuste general de la prenda. El contorno permite que las áreas de una prenda se ajusten más cerca de las áreas del torso, como el busto o los hombros. El volumen añadido aumenta la longitud o el ancho de un patrón para cambiar el marco y el ajuste de la prenda. El volumen se puede agregar en un lado, de manera desigual o igual al patrón.
Un diseñador puede optar por trabajar con determinadas aplicaciones que pueden ayudar a conectar todas sus ideas y ampliar sus pensamientos para crear un diseño coherente. Cuando un diseñador está completamente satisfecho con el ajuste de la tela (o muselina), consultará a un patronista profesional que creará la versión final y funcional del patrón a partir de cartón o utilizando un programa informático. Finalmente, se confecciona una prenda de muestra y se prueba en una modelo para asegurarse de que sea un atuendo funcional. El diseño de moda es expresivo, los diseñadores crean arte que puede ser funcional o no funcional.
La tecnología es "el estudio y el conocimiento del uso práctico, especialmente industrial, de los descubrimientos científicos". [5] La tecnología en el ámbito de la moda ha ampliado la industria y ha permitido procesos de producción más rápidos.
Con el paso de los años, ha habido un aumento en el uso de la tecnología dentro del diseño de moda, ya que ofrece nuevas plataformas para la creatividad. La tecnología cambia constantemente y ha habido innovaciones dentro de la industria. La impresión 3D permite un área más grande de productos personalizados y una mayor originalidad. [6] Iris van Herpen , una diseñadora holandesa, ha mostrado la incorporación de la impresión 3D cuando su Crystallization utilizó la impresión 3D por primera vez en una pasarela. [6] La innovación ha remodelado la industria de la moda y crea una nueva área de creatividad.
Las aplicaciones y el software han cambiado cada vez más la forma en que los diseñadores pueden usar la tecnología para crear. Adobe Creative Cloud , específicamente Photoshop e Illustrator , es un nuevo medio de comunicación para los diseñadores y permite que fluyan las ideas. Los diseñadores también cuentan con un espacio para crear especificaciones más profesionales y estándar de la industria, como planos técnicos y paquetes tecnológicos.
Los programas informáticos como Browzwear, Clo3D y Opitex ayudan a los diseñadores en la etapa de desarrollo del producto. La realidad virtual ha permitido crear un nuevo prototipo de ropa para que los diseñadores puedan ver a los modelos en persona. [6] Esto elimina la necesidad de un modelo en vivo y de pruebas, lo que acorta el proceso de producción. El modelado 3D dentro del software permite realizar etapas iniciales de muestreo y desarrollo para establecer alianzas con proveedores antes de que se produzcan las prendas. [7] Las maquetas de los diseños en el modelado 3D permiten resolver problemas antes de que se haga una muestra final y se envíe a un fabricante.
La tecnología también se puede utilizar y ayudar en el material de una prenda. La innovación de materiales crea una nueva forma de reimaginar las fibras o de construir nuevos materiales. Esto ayuda en general a los propósitos funcionales y estéticos del diseñador. [7] La tecnología de materiales se ha utilizado con marcas como Werewool [8] y Bananatex . [9] Estas marcas innovan la forma en que los diseñadores pueden construir sus prendas y proporcionar nuevos materiales para usar.
Se considera que el diseño de moda occidental moderno comenzó en el siglo XIX con Charles Frederick Worth , quien fue el primer diseñador en tener su etiqueta cosida en las prendas que creó. Antes de que el ex comerciante de telas estableciera su casa de costura (casa de moda) en París , el diseño de ropa y la creación de las prendas estaban a cargo en gran medida de costureras anónimas. En ese momento, la alta moda descendía de lo que se usaba popularmente en las cortes reales. El éxito de Worth fue tal que pudo dictar a sus clientes lo que debían usar, en lugar de seguir su ejemplo como lo habían hecho los modistos anteriores. De hecho, el término couturier se creó por primera vez para describirlo. Si bien los académicos estudian todas las prendas de vestir de cualquier período de tiempo como diseño de vestuario , solo la ropa creada después de 1858 se considera diseño de moda. [10]
Fue durante este período cuando muchas casas de diseño comenzaron a contratar artistas para que dibujaran o pintaran diseños para las prendas. En lugar de pasar directamente a la fabricación, las imágenes se mostraban a los clientes para obtener la aprobación, lo que le ahorraba tiempo y dinero al diseñador. Si al cliente le gustaba su diseño, los clientes encargaban la prenda al diseñador y esta se producía para el cliente en la casa de moda. Esta relación diseñador-cliente hizo que los diseñadores hicieran bocetos de su trabajo en lugar de poner los diseños terminados sobre las modelos.
Las prendas producidas por los fabricantes de ropa se dividen en tres categorías principales, aunque estas pueden dividirse en otros tipos diferentes.
Hasta la década de 1950, la ropa de moda se diseñaba y fabricaba predominantemente a medida o en alta costura ( del francés " alta costura"), y cada prenda se creaba para un cliente específico. Una prenda de alta costura se hace por encargo para un cliente individual y, por lo general, está hecha de tela costosa y de alta calidad, cosida con extrema atención al detalle y al acabado, a menudo utilizando técnicas manuales que requieren mucho tiempo. El aspecto y el ajuste tienen prioridad sobre el costo de los materiales y el tiempo que lleva confeccionarla. [11] [12] Debido al alto costo de cada prenda, la alta costura genera pocos beneficios directos para las casas de moda, pero es importante para el prestigio y la publicidad. [13]
La ropa de prêt-à-porter, o ready-to-wear, es una mezcla entre la alta costura y el mercado de masas. No se fabrica para clientes individuales, pero se tiene mucho cuidado en la elección y el corte de la tela. Las prendas se fabrican en pequeñas cantidades para garantizar la exclusividad, por lo que son bastante caras. Las colecciones de ready-to-wear suelen ser presentadas por las casas de moda cada temporada durante un período conocido como la Semana de la Moda . Esto se lleva a cabo en toda la ciudad y ocurre dos veces al año. Las principales temporadas de la Semana de la Moda incluyen: primavera/verano, otoño/invierno, resort, natación y novias.
Las prendas a medio camino son una alternativa a la moda lista para usar, "lista para usar" o prêt-à-porter. Las prendas a medio camino son piezas de ropa intencionalmente inacabadas que fomentan el co-diseño entre el "diseñador principal" de la prenda y lo que normalmente se consideraría el "consumidor" pasivo. [14] Esto difiere de la moda lista para usar, ya que el consumidor puede participar en el proceso de fabricación y co-diseño de su ropa. Durante el taller Make{able}, Hirscher y Niinimaki descubrieron que la participación personal en el proceso de fabricación de la prenda creaba una "narrativa" significativa para el usuario, que establecía un vínculo persona-producto y aumentaba el valor sentimental del producto final. [14]
Otto von Busch también explora las prendas intermedias y el co-diseño de moda en su tesis, "Fashion-able, Hacktivism and Engagement Fashion Design". [15]
En la actualidad, la industria de la moda depende más de las ventas al mercado de masas, que atiende a una amplia gama de clientes y produce prendas listas para usar que siguen las tendencias marcadas por los nombres famosos de la moda. A menudo, esperan una temporada para asegurarse de que un estilo se impondrá antes de producir sus versiones del estilo original. Para ahorrar dinero y tiempo, utilizan telas más baratas y técnicas de producción más simples que pueden realizarse fácilmente con máquinas. Por lo tanto, el producto final se puede vender a un precio mucho más bajo. [16] [17] [18]
Existe un tipo de diseño llamado "kutch", que tiene su origen en la palabra alemana kitschig , que significa "de mala calidad" o "no estéticamente agradable". Kitsch también puede referirse a "usar o exhibir algo que, por lo tanto, ya no está de moda". [19]
El salario medio anual de los diseñadores de moda asalariados fue de $79,290 en mayo de 2023, aproximadamente $38.12 por hora. El 50 por ciento medio ganó un promedio de 76,700. El 10 por ciento más bajo ganó $37,090 y el 10 por ciento más alto ganó $160,850. [20] El mayor número de empleos se encuentra en los mayoristas de prendas de vestir , artículos de costura y artículos de mercería con un porcentaje del 5.4. El promedio es de 7,820 según el empleo. El empleo más bajo se encuentra en las fábricas de tejidos de prendas de vestir con un 0.46% de la industria empleada, lo que supone un promedio de 30 trabajadores dentro de la especialidad específica. [20] En 2016, 23,800 personas fueron contabilizadas como diseñadores de moda en los Estados Unidos. [21]
Geográficamente, el estado con mayor empleo de diseñadores de moda es Nueva York, con un empleo de 7.930. [20] Nueva York se considera un centro para los diseñadores de moda debido a un gran porcentaje de diseñadores y marcas de lujo.
La moda es hoy una industria global y la mayoría de los países importantes tienen una industria de la moda. Siete países han establecido una reputación internacional en la moda: Estados Unidos , Francia , Italia , Reino Unido , Japón , Alemania y Bélgica . Las "cuatro grandes" capitales de la industria de la moda son Nueva York , París , Milán y Londres .
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Estados Unidos alberga la industria de la moda más grande, rica y multifacética. La mayoría de las casas de moda de Estados Unidos tienen su sede en la ciudad de Nueva York , con una alta concentración centrada en el barrio Garment District . En la costa oeste de Estados Unidos, también hay, en menor medida, un número significativo de casas de moda en Los Ángeles , donde se fabrica un porcentaje sustancial de la ropa de alta costura fabricada en Estados Unidos. Miami también ha surgido como un nuevo centro de moda, especialmente en lo que respecta a los trajes de baño y otra moda orientada a la playa. Un evento semestral que se celebra cada febrero y septiembre, la Semana de la Moda de Nueva York es la más antigua de las cuatro principales semanas de la moda que se celebran en todo el mundo. Parsons The New School for Design , ubicada en el barrio de Greenwich Village del Bajo Manhattan en la ciudad de Nueva York, está considerada una de las mejores escuelas de moda del mundo. Hay numerosas revistas de moda publicadas en Estados Unidos y distribuidas a un público lector global. Algunos ejemplos incluyen Vogue , Harper's Bazaar y Cosmopolitan .
El diseño de moda estadounidense es muy diverso, lo que refleja la enorme diversidad étnica de la población, pero está dominado en gran medida por una estética urbana, moderna y de corte limpio, y a menudo favorece un estilo más informal, que refleja los estilos de vida atléticos y conscientes de la salud de las clases medias suburbanas y urbanas. La ceremonia anual de la Gala del Met en Manhattan es ampliamente considerada como el evento de moda de alta costura más prestigioso del mundo y es un lugar donde se celebra a los diseñadores de moda y sus creaciones. Las redes sociales también son un lugar donde la moda se presenta con mayor frecuencia. A algunos influencers se les paga enormes cantidades de dinero para promocionar un producto o una prenda de vestir, donde la empresa espera que muchos espectadores compren el producto a raíz del anuncio. Instagram es la plataforma más popular para la publicidad, pero también se utilizan Facebook, Snapchat, Twitter y otras plataformas. [22] En Nueva York, la comunidad de diseño de moda LGBT contribuye de manera muy significativa a promulgar tendencias de moda, y las celebridades drag han desarrollado una profunda influencia en la Semana de la Moda de Nueva York . [23] [24]
Entre las marcas y diseñadores estadounidenses más destacados se incluyen Calvin Klein , Ralph Lauren , Coach , Nike , Vans , Marc Jacobs , Tommy Hilfiger , DKNY , Tom Ford , Caswell-Massey , Michael Kors , Levi Strauss and Co. , Estée Lauder , Revlon , Kate Spade , Alexander Wang , Vera Wang , Victoria's Secret , Tiffany and Co. , Converse , Oscar de la Renta , John Varvatos , Anna Sui , Prabal Gurung , Bill Blass , Halston , Carhartt , Brooks Brothers , Stuart Weitzman , Diane von Furstenberg , J. Crew , American Eagle Outfitters , Steve Madden , Abercrombie and Fitch , Juicy Couture , Thom Browne , Guess , Supreme y The Timberland Company .
A finales de los años 1980 y principios de los años 1990, los diseñadores de moda belgas trajeron una nueva imagen de la moda que mezclaba Oriente y Occidente, y aportaron una visión muy individualizada y personal de la moda. Los diseñadores belgas más conocidos son los Seis de Amberes : Ann Demeulemeester , Dries Van Noten , Dirk Bikkembergs , Dirk Van Saene , Walter Van Beirendonck y Marina Yee, así como Martin Margiela , Raf Simons , Kris Van Assche , Bruno Pieters y Anthony Vaccarello . [25]
Londres ha sido durante mucho tiempo la capital de la industria de la moda del Reino Unido y cuenta con una amplia gama de diseños extranjeros que se han integrado con los estilos británicos modernos. El diseño británico típico es inteligente pero innovador, aunque recientemente se ha vuelto cada vez más poco convencional, fusionando estilos tradicionales con técnicas modernas. Los estilos vintage juegan un papel importante en la industria de la moda y el estilo británicos. Los estilistas regularmente "mezclan y combinan" lo antiguo con lo nuevo, lo que le da al estilo británico una estética única y bohemia. La moda irlandesa (tanto el diseño como el estilo) también está muy influenciada por las tendencias de moda de Gran Bretaña. Entre los diseñadores británicos conocidos se incluyen Thomas Burberry , Alfred Dunhill , Paul Smith , Vivienne Westwood , Stella McCartney , Jimmy Choo , John Galliano , John Richmond , Alexander McQueen , Matthew Williamson , Gareth Pugh , Hussein Chalayan y Neil Barrett .
La mayoría de las casas de moda francesas se encuentran en París , la capital de la moda francesa . Tradicionalmente, la moda francesa es elegante y con estilo, definida por su sofisticación, corte y accesorios elegantes. La moda francesa es aclamada internacionalmente.
Madrid y Barcelona son los principales centros de moda en España. La moda española es a menudo más conservadora y tradicional, pero también más "atemporal" que otras culturas de la moda. Los españoles son conocidos por no correr grandes riesgos al vestirse. [26] [27] No obstante, muchas de las marcas y diseñadores de moda provienen de España.
Las casas de lujo más destacadas son Loewe y Balenciaga . Entre los diseñadores famosos se encuentran Manolo Blahnik , Elio Berhanyer , Cristóbal Balenciaga , Paco Rabanne , Adolfo Domínguez , Manuel Pertegaz , Jesús del Pozo , Felipe Varela y Agatha Ruiz de la Prada .
España también es el hogar de grandes marcas de moda como Zara , Massimo Dutti , Bershka , Pull&Bear , Mango , Desigual , Pepe Jeans y Camper .
Berlín es el centro de la moda en Alemania (como se muestra de forma destacada en la Semana de la Moda de Berlín ), mientras que Düsseldorf acoge las ferias de moda más importantes de Europa con Igedo . Otros centros importantes de la escena son Múnich , Hamburgo y Colonia . La moda alemana es conocida por sus líneas elegantes, así como por sus diseños jóvenes poco convencionales y por su gran variedad de estilos.
La mayoría de las casas de moda indias están en Mumbai, Lakme Fashion Week es considerada uno de los principales eventos de moda del país. [28] Lakme Fashion Week en India tiene lugar dos veces al año y se lleva a cabo en la populosa ciudad de Mumbai. El primer desfile tiene lugar durante abril con colecciones de verano. El segundo desfile tiene lugar en agosto para mostrar la colección de invierno. Lakme , una marca de cosméticos para mujeres indias, organiza el evento. Esta semana de la moda comenzó en 1999 y originalmente se asoció con el FDCI , Fashion Design Council of India y luego cambió a un patrocinio con Lakme. [28]
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Milán es la capital de la moda de Italia. La mayoría de los modistos italianos más veteranos se encuentran en Roma . Sin embargo, Milán y Florencia son las capitales de la moda italiana y es el lugar de exposición de sus colecciones. La moda italiana se caracteriza por una elegancia informal y glamurosa. En Italia, la Semana de la Moda de Milán se celebra dos veces al año, en febrero y septiembre. La Semana de la Moda de Milán pone la moda en el centro de atención y la celebra en el corazón de Milán con amantes de la moda, compradores y medios de comunicación.
La mayoría de las casas de moda japonesas se encuentran en Tokio , donde se celebra la Semana de la Moda de Tokio , la semana de la moda más importante de Asia. El estilo japonés es suelto y desestructurado (a menudo como resultado de cortes complicados), los colores tienden a ser sombríos y sutiles y las telas tienen una textura rica. Entre los diseñadores japoneses famosos se encuentran Kenzo Takada , Issey Miyake , Yohji Yamamoto y Rei Kawakubo .
La ropa china se ha asociado históricamente con una calidad inferior tanto dentro como fuera de China, lo que ha provocado un estigma sobre las marcas chinas. Debido a la censura gubernamental, los ciudadanos chinos solo pudieron acceder a revistas de moda en la década de 1990. [29] Sin embargo, a medida que más y más diseñadores chinos se matriculan en las mejores escuelas de moda del mundo, diseñadores chinos como Shushu/Tong y Rui Zhou se han abierto camino en las principales semanas de la moda del mundo, y Shanghái se ha convertido en un centro de moda en China. [30] [29] A principios de la década de 2020, los compradores de la Generación Z fueron pioneros en el movimiento guochao ( chino :国潮; pinyin : Guó cháo ) , una tendencia de preferir diseñadores locales que incorporan aspectos de la historia y la cultura chinas. [30] El concepto de diseño de la marca de ropa de Hong Kong Shanghai Tang está inspirado en la ropa china y se propuso rejuvenecer la moda china de los años 1920 y 1930, con un toque moderno del siglo XXI y su uso de colores brillantes. [31] Además, un resurgimiento del interés en la ropa tradicional Han ha llevado al interés en la ropa de alta costura con detalles históricos chinos, particularmente alrededor del Año Nuevo chino . [32]
La moda en la Unión Soviética siguió en gran medida las tendencias generales del mundo occidental. Sin embargo, la ideología socialista del Estado moderó e influyó constantemente en estas tendencias. Además, la escasez de bienes de consumo significaba que el público en general no tenía acceso fácil a la moda confeccionada.
La mayoría de las casas de moda suizas se encuentran en Zúrich . [33] El estilo suizo es informal, elegante y lujoso con un ligero toque de extravagancia. Además, ha recibido una gran influencia de la escena de los clubes de baile.
En el desarrollo de la vestimenta indígena mexicana, la fabricación estuvo determinada por los materiales y recursos disponibles en regiones específicas, lo que impactó en "la tela, forma y construcción de la vestimenta de un pueblo". [34] Los textiles se crearon a partir de fibras vegetales, incluido el algodón y el agave. El estatus de clase diferenciaba qué tela se usaba. La vestimenta mexicana estuvo influenciada por formas geométricas para crear las siluetas. El huipil, una blusa caracterizada por una "túnica suelta y sin mangas hecha de dos o tres redes de tela unidas y cosidas a lo largo" [34] , es una prenda histórica importante, que se ve a menudo en la actualidad. Después de la conquista española, la vestimenta tradicional mexicana cambió para adoptar un parecido español.
Los grupos indígenas mexicanos dependen de bordados y colores específicos para diferenciarse unos de otros. [35]
El rosa mexicano es un color significativo para la identidad del arte y el diseño mexicanos y para el espíritu en general. El término "Rosa Mexicano", como lo describe Ramón Valdiosera, fue establecido por figuras prominentes como Dolores del Río y el diseñador Ramón Val en Nueva York. [35]
Cuando periódicos y revistas como El Imparcial y El Mundo Ilustrado circularon en México, se convirtió en un movimiento importante, pues informaba a las grandes ciudades, como la Ciudad de México, de las modas europeas. Esto fomentó la fundación de tiendas departamentales, cambiando el ritmo existente de la moda. [36] Con el acceso a la moda y vestimenta europea, aquellos con un alto estatus social dependían de adoptar esos elementos para distinguirse del resto. Juana Catarina Romero fue una empresaria exitosa y pionera en este movimiento.
