La dirección es el arte de dirigir una interpretación musical , como un concierto orquestal o coral . Se ha definido como "el arte de dirigir la interpretación simultánea de varios intérpretes o cantantes mediante el uso de gestos". [1] Las principales funciones del director son interpretar la partitura de una manera que refleje las indicaciones específicas de esa partitura, marcar el tempo , garantizar las entradas correctas de los miembros del conjunto y "dar forma" al fraseo cuando sea apropiado. [2] Los directores se comunican con sus músicos principalmente a través de gestos con las manos, generalmente con la ayuda de una batuta , y pueden usar otros gestos o señales como la expresión facial y el contacto visual. [3] Un director generalmente complementa su dirección con instrucciones verbales a sus músicos en el ensayo . [3]
El director normalmente se para en un podio elevado con un gran atril para la partitura completa, que contiene la notación musical de todos los instrumentos o voces. Desde mediados del siglo XIX, la mayoría de los directores no han tocado un instrumento al dirigir, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica , era común dirigir un conjunto mientras se tocaba un instrumento. En la música barroca , el grupo normalmente estaría dirigido por el clavecinista o el primer violinista ( concertino ), un enfoque que en los tiempos modernos ha sido revivido por varios directores musicales para la música de este período. La dirección mientras se toca un piano o un sintetizador también puede hacerse con orquestas de foso de teatro musical . Los instrumentistas pueden interpretar obras desafiantes mientras dirigen; por ejemplo, no es raro ver a un pianista interpretar un concierto mientras también dirige la orquesta. La comunicación es típicamente no verbal durante una actuación. Sin embargo, en los ensayos, las interrupciones frecuentes permiten al director dar instrucciones verbales sobre cómo debe interpretarse la música.
Los directores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Eligen las obras que se van a interpretar y estudian sus partituras, a las que pueden hacer ciertos ajustes (como en el tempo, la articulación, el fraseo, las repeticiones de secciones), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los intérpretes. También pueden ocuparse de cuestiones organizativas, como programar ensayos, [4] planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y seleccionar miembros, y promocionar su conjunto en los medios de comunicación. Las orquestas, coros, bandas de concierto y otros conjuntos musicales de tamaño considerable, como las big bands, suelen estar dirigidos por directores.
El director principal de una orquesta o compañía de ópera se conoce como director musical , o director principal , o con las palabras alemanas Kapellmeister , o Dirigent (en femenino, Dirigentin ). A los directores de coros o coros a veces se los denomina director coral , maestro de coro o director de coro , particularmente para coros asociados a una orquesta. Los directores de bandas de conciertos , bandas militares , bandas de música y otras bandas pueden tener el título de director de banda , maestro de banda o tambor mayor . A los directores veteranos respetados a veces se los denomina con la palabra italiana maestro (femenino, maestra ), que se traduce como "maestro" o "profesor". [5]
Los inicios de la dirección como forma de marcar el ritmo se remontan a la antigüedad, en las sociedades egipcia, griega y romana. Al examinar registros históricos (en particular, jeroglíficos) , hay evidencia que apunta a que muchas sociedades primitivas utilizaban señales visuales y auditivas para mantener un sentido del ritmo y la forma. Las primeras formas documentadas de dirección surgieron de una variedad de necesidades musicales diferentes en diversas regiones del mundo.
Un ejemplo temprano de la utilización de gestos para influir en una interpretación fue la quironomia . Documentada ya en el siglo XI, la práctica implicaba que un líder designado utilizara movimientos sutiles de sus dedos o manos para dictar la forma y el contorno melódicos. Esta práctica, que suele ser un tema de la música vocal, precedió a muchas formas de ritmo notadas y, por lo tanto, actuaba como una forma de que los intérpretes comprendieran visualmente cuándo moverse juntos, aunque también se utilizaba para memorizar la música.
A medida que el ritmo y el compás notados, así como las figuras rítmicas más complejas, se hicieron más prominentes en la era barroca temprana, los intérpretes recurrieron a otras indicaciones para poder comprender la intención detrás de sus partes. A partir del siglo XVI, el papel del maestro de capilla en Alemania representaba a alguien que marcaba el ritmo de manera audible sobre una superficie dura utilizando un pentagrama , una hoja de papel enrollada u otro objeto y adoptó muchas otras formas en toda Europa. Tener una fuente audible de ritmo permitió a los miembros del conjunto mantener la coherencia y ejecutar ritmos con precisión antes de la invención del metrónomo muchos años después.
En la música instrumental del siglo XVIII, un miembro del conjunto solía actuar como director. A veces era el concertino , que podía usar su arco , o un teclista (a menudo clavecinista) que usaba sus manos y dirigía el tempo/ritmo de la música en patrones similares a los que conocemos hoy. Aunque era eficaz en conjuntos más pequeños, el aumento del tamaño de los conjuntos instrumentales en las representaciones operísticas y sinfónicas significaba que los intérpretes eran cada vez menos capaces de seguir la música. Las soluciones a este problema se abordaron temporalmente con el uso de dos directores, con el teclista a cargo de los cantantes mientras que el violinista principal o líder estaba a cargo de la orquesta, sin embargo, esto no resultó ser un esfuerzo sostenible a largo plazo. A partir del siglo XVIII, estaba claro que la música se estaba volviendo demasiado complicada y las interpretaciones demasiado refinadas, como para depender exclusivamente de las habilidades auditivas para mantenerse en el tiempo.
A principios del siglo XIX ( c. 1820 ), se convirtió en la norma tener un director dedicado que no tocara también un instrumento durante la interpretación. Si bien algunas orquestas protestaron por la introducción del director, ya que estaban acostumbradas a tener un concertino o teclista que actuara como líder, finalmente se estableció el papel de un director. El tamaño de la orquesta habitual se expandió durante este período, y el uso de una batuta se volvió más común, ya que era más fácil de ver que las manos desnudas o el papel enrollado. Entre los primeros directores notables estuvieron Louis Spohr , Carl Maria von Weber , Louis-Antoine Jullien y Felix Mendelssohn , todos ellos también compositores. Se afirma que Mendelssohn fue el primer director en utilizar una batuta de madera para marcar el tiempo, una práctica que todavía se usa generalmente en la actualidad. Entre los directores destacados que no utilizaron o no utilizan batuta se incluyen Pierre Boulez , Kurt Masur , James Conlon , Yuri Temirkanov , [6] Leopold Stokowski , Vasily Safonov , Eugene Ormandy (durante un período) y Dimitri Mitropoulos . [7]
Los compositores Hector Berlioz y Richard Wagner alcanzaron la grandeza como directores y escribieron dos de los primeros ensayos dedicados al tema. Berlioz es considerado el primer director virtuoso . Wagner fue en gran medida responsable de dar forma al papel del director como alguien que impone su propia visión de una pieza a la interpretación en lugar de alguien que solo es responsable de garantizar que las entradas se realicen en el momento adecuado y que haya un ritmo unificado . Entre los predecesores que se centraron en la dirección se encuentra François Habeneck , que fundó la Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio en 1828, aunque Berlioz se alarmó más tarde por los estándares laxos de ensayo de Habeneck. El pianista y compositor Franz Liszt también fue director. Hans von Bülow (1830-1894) , antiguo campeón de Wagner , fue especialmente celebrado como director, aunque también mantuvo su carrera inicial como pianista, instrumento en el que era considerado uno de los mejores intérpretes.
Bülow elevó los estándares técnicos de la dirección a un nivel sin precedentes a través de innovaciones tales como ensayos separados y detallados de diferentes secciones de la orquesta ("ensayo seccional"). En sus puestos como director (consecutivamente) de la Ópera Estatal de Baviera , la Orquesta de la Corte de Meiningen y la Filarmónica de Berlín , aportó un nivel de matices y sutileza a la interpretación orquestal que antes solo se escuchaba en la interpretación instrumental solista, y al hacerlo causó una profunda impresión en artistas jóvenes como Richard Strauss , quien a los 20 años trabajó como su asistente, y Felix Weingartner , quien llegó a desaprobar sus interpretaciones pero quedó profundamente impresionado por sus estándares orquestales. El compositor Gustav Mahler también fue un director destacado.
Los estándares técnicos fueron llevados a nuevos niveles por la siguiente generación de directores, incluyendo a Arthur Nikisch (1855-1922), quien sucedió a Bülow como director musical de la Filarmónica de Berlín en 1895. Nikisch estrenó obras importantes de Anton Bruckner y Pyotr Ilyich Tchaikovsky , quienes admiraban enormemente su trabajo; Johannes Brahms , después de escucharlo dirigir su Cuarta Sinfonía , dijo que era "bastante ejemplar, es imposible escucharla mejor". Nikisch llevó a la Orquesta Sinfónica de Londres de gira por los Estados Unidos en abril de 1912, la primera gira estadounidense de una orquesta europea. Hizo una de las primeras grabaciones de una sinfonía completa: la Quinta de Beethoven con la Filarmónica de Berlín en noviembre de 1913. Nikisch fue el primer director en tener su arte capturado en película, por desgracia, en silencio. La película confirma los informes de que hizo un uso particularmente hipnótico del contacto visual y la expresión para comunicarse con una orquesta; Directores posteriores como Fritz Reiner afirmaron que este aspecto de su técnica tuvo una fuerte influencia en la suya.
Los directores de orquesta de las generaciones posteriores a Nikisch dejaron muchas pruebas documentadas de su arte. A menudo se trata, de forma un tanto inexacta, como antípodas interpretativas a dos figuras particularmente influyentes y ampliamente documentadas: el director italiano Arturo Toscanini (1867-1957) y el director alemán Wilhelm Furtwängler (1886-1954). Toscanini tocó en orquestas dirigidas por Giuseppe Verdi e hizo su debut dirigiendo Aida en 1886, sustituyendo en el último minuto a un director indispuesto. Autoridades como James Levine lo consideran hasta el día de hoy el más grande de todos los directores de orquesta de Verdi. Pero el repertorio de Toscanini era amplio, y fue en sus interpretaciones de los sinfonistas alemanes Beethoven y Brahms donde fue particularmente famoso e influyente, favoreciendo tempos más estrictos y rápidos que un director como Bülow o Wagner. Sin embargo, su estilo muestra más inflexión de lo que su reputación puede sugerir, y estaba particularmente dotado para revelar detalles y hacer que las orquestas tocaran como si estuvieran cantando. Furtwängler, a quien muchos consideran el mejor intérprete de Wagner (aunque Toscanini también fue admirado en este compositor) y Bruckner, dirigió a Beethoven y Brahms con una buena dosis de inflexión de tempo, pero en general de una manera que reveló la estructura y la dirección de la música con particular claridad. Fue un compositor consumado, así como un intérprete; y fue discípulo del teórico Heinrich Schenker , quien enfatizó la preocupación por las tensiones y resoluciones armónicas subyacentes de largo alcance en una pieza, un punto fuerte de la dirección de Furtwängler. Junto con su interés en la gran escala, Furtwängler también dio forma a los detalles de la pieza de una manera particularmente convincente y expresiva.
Los dos músicos tenían técnicas muy diferentes: la de Toscanini era italianizante, con una batuta larga y grande y golpes claros (a menudo sin utilizar la mano izquierda); Furtwängler marcaba el compás con menos precisión aparente, porque quería un sonido más redondo (aunque es un mito que su técnica fuera vaga; muchos músicos han atestiguado que era fácil de seguir a su manera). En cualquier caso, sus ejemplos ilustran un aspecto más amplio de la técnica de dirección en la primera mitad del siglo XX: no estaba estandarizada. Grandes e influyentes directores de mediados del siglo XX como Leopold Stokowski (1882-1977), Otto Klemperer (1885-1973), Herbert von Karajan (1908-1989) y Leonard Bernstein (1918-1990) —el primer director estadounidense que alcanzó la grandeza y la fama internacional— tenían técnicas muy variadas.
Karajan y Bernstein formaron otra aparente antípoda en los años 1960-80, Karajan como director musical de la Filarmónica de Berlín (1955-89) y Bernstein como director musical de la Filarmónica de Nueva York (1957-69) y más tarde como frecuente director invitado en Europa. La técnica de Karajan estaba muy controlada, y eventualmente dirigía con los ojos cerrados, ya que a menudo memorizaba partituras; la técnica de Bernstein era demostrativa, con gestos faciales y movimientos de manos y cuerpo muy expresivos; cuando dirigía música vocal, Bernstein a menudo articulaba las palabras junto con los vocalistas. Karajan podía dirigir durante horas sin mover los pies, mientras que Bernstein era conocido por saltar en el aire en un gran clímax. Como director musical de la Filarmónica de Berlín, Karajan cultivó una belleza cálida y mezclada del tono, que a veces ha sido criticada por aplicarse de manera demasiado uniforme; Por el contrario, en la única aparición de Bernstein con la Filarmónica de Berlín en 1979 —interpretando la Sinfonía Nº 9 de Mahler— intentó conseguir que la orquesta produjera un tono "feo" en un pasaje determinado que, según él, se adaptaba al significado expresivo de la música (el primer trompetista se negó y finalmente accedió a dejar que un suplente tocara en su lugar).
Tanto Karajan como Bernstein hicieron un uso extensivo de los avances en los medios de comunicación para transmitir su arte, pero de maneras significativamente diferentes. Bernstein presentó importantes series de televisión nacionales en horario de máxima audiencia para educar y llegar a los niños y al público en general sobre la música clásica; Karajan hizo una serie de películas al final de su vida, pero en ellas no habló. Ambos hicieron numerosas grabaciones, pero sus actitudes hacia la grabación diferían: Karajan frecuentemente hacía nuevas grabaciones de estudio para aprovechar los avances en la técnica de grabación, que lo fascinaban (jugó un papel en el establecimiento de las especificaciones del disco compacto), pero Bernstein, en sus días posteriores a Nueva York, llegó a insistir en grabaciones de conciertos en vivo (en su mayoría), creyendo que la creación musical no cobraba vida en un estudio sin público.
En el último tercio del siglo XX, la técnica de dirección, en particular con la mano derecha y la batuta, se fue normalizando cada vez más. Directores como Willem Mengelberg en Ámsterdam, hasta finales de la Segunda Guerra Mundial, habían tenido mucho tiempo de ensayo para moldear orquestas con mucha precisión y, por lo tanto, podían tener técnicas idiosincrásicas; los directores modernos, que pasan menos tiempo con una orquesta determinada, deben obtener resultados con mucho menos tiempo de ensayo. Una técnica más estandarizada permite que la comunicación sea mucho más rápida. No obstante, las técnicas de los directores aún muestran una gran variedad, en particular en el uso de la mano izquierda, la expresión facial y ocular y el lenguaje corporal.
Las mujeres directoras eran casi desconocidas en las filas de los principales directores de orquesta durante la mayor parte de los siglos XIX y XX, pero hoy, artistas como Hortense von Gelmini , [8] Marin Alsop y Simone Young dirigen orquestas. Alsop fue nombrada directora musical de la Orquesta Sinfónica de Baltimore en 2007, la primera mujer designada para dirigir una importante orquesta estadounidense, y también de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo en 2012, y Alsop fue la primera mujer en dirigir en la última noche de The Proms . Young obtuvo primicias similares cuando se convirtió en directora de la Ópera Estatal de Hamburgo y la Filarmónica de Hamburgo en 2005; también es la primera mujer directora en grabar el Ciclo del Anillo de Richard Wagner . The Guardian calificó la dirección como "uno de los últimos techos de cristal en la industria de la música". [9] Un artículo de 2013 afirma que en Francia, de 574 conciertos, solo 17 fueron dirigidos por mujeres y ninguna mujer dirigió en la Ópera Nacional de París . [10] " Bachtrack informó que en una lista de los 150 mejores directores del mundo ese año, solo cinco eran mujeres". [11] Si bien México ha producido varios directores internacionales importantes, Alondra de la Parra se ha convertido en la primera mujer nacida en México en alcanzar la distinción en la profesión.
De manera similar, los directores de ascendencia asiática oriental han cobrado mayor importancia en el panorama orquestal contemporáneo, en particular Seiji Ozawa, que fue director temático de la Orquesta Sinfónica de Boston desde 1973 hasta 2002, tras ocupar puestos similares en San Francisco y Toronto. Myung-Whun Chung , que ha ocupado puestos importantes en Alemania y Francia, está dando a la Orquesta Filarmónica de Seúl la atención internacional. Entre los directores negros notables se incluyen Henry Lewis , Dean Dixon , James DePreist , Paul Freeman y Michael Morgan . Según el artículo de Charlotte Higgins de 2004 en The Guardian , "los directores negros son raros en el mundo de la música clásica e incluso en las orquestas sinfónicas es inusual ver a más de uno o dos músicos negros". [12]
La dirección es un medio de comunicar instrucciones artísticas a los intérpretes durante una actuación. Aunque existen muchas reglas formales sobre cómo dirigir correctamente, otras son subjetivas y existe una amplia variedad de estilos de dirección diferentes según la formación y la sofisticación del director. Las principales responsabilidades del director son unificar a los intérpretes, marcar el tempo, ejecutar preparaciones y ritmos claros, escuchar críticamente y dar forma al sonido del conjunto, y controlar la interpretación y el ritmo de la música. La comunicación no es verbal durante una actuación; sin embargo, en los ensayos, las interrupciones frecuentes permiten dar instrucciones sobre cómo debe tocarse la música. Durante los ensayos, el director puede detener la ejecución de una pieza para solicitar cambios en el fraseo o solicitar un cambio en el timbre de una determinada sección. En las orquestas amateurs, los ensayos se suelen detener para llamar la atención de los músicos sobre errores de interpretación o errores de transposición.
Para dirigir se necesita comprender los elementos de la expresión musical ( tempo , dinámica , articulación ) y la capacidad de comunicarlos eficazmente a un conjunto. También es beneficiosa la capacidad de comunicar matices de fraseo y expresión a través de gestos. Los gestos de dirección se preparan preferiblemente de antemano por el director mientras estudia la partitura , pero a veces pueden ser espontáneos. A veces se hace una distinción entre dirección orquestal y dirección coral. Por lo general, los directores de orquesta utilizan la batuta con más frecuencia que los directores corales. La forma de sujetar la batuta varía de un director a otro.
Al comienzo de una pieza musical, el director levanta las manos (o la mano si solo usa una mano) para indicar que la pieza está a punto de comenzar. Esta es una señal para que los miembros de la orquesta preparen sus instrumentos para ser tocados o para que los coristas estén listos y observando. Luego, el director observa las diferentes secciones de la orquesta (vientos, cuerdas, etc.) o el coro para asegurarse de que todos los miembros de la orquesta estén listos para tocar y los miembros del coro estén listos. En algunas obras corales, el director puede indicarle a un pianista u organista que toque una nota o acorde para que los miembros del coro puedan determinar sus notas iniciales. Luego, el director da uno o más tiempos preparatorios para comenzar la música. El tiempo preparatorio antes de que comience la orquesta o el coro es el tiempo anacrónico . El tiempo de la música generalmente se indica con la mano derecha del director, con o sin batuta. La mano traza una forma en el aire en cada compás (medida) según el compás , indicando cada tiempo con un cambio de movimiento descendente a ascendente. [13] Las imágenes muestran los patrones de ritmo más comunes, vistos desde el punto de vista del director. [14]
El tiempo fuerte indica el primer pulso del compás, y el tiempo fuerte indica el pulso anterior a la primera nota de la pieza y el último pulso del compás. El instante en el que se produce el pulso se denomina ictus ( plural: ictūs o ictuses ) y suele indicarse mediante un chasquido repentino (aunque no necesariamente grande) de la muñeca o un cambio en la dirección de la batuta. En algunos casos, "ictus" también se utiliza para referirse a un plano horizontal en el que se encuentran físicamente todos los ictus, como la parte superior de un atril donde se golpea una batuta en cada ictus. El gesto que precede al ictus se denomina "preparación", y el flujo continuo de pulsos constantes se denomina " takt " (la palabra alemana para compás, medida y pulso).
Si el tempo es lento o se está ralentizando, o si el compás es compuesto , el director a veces indicará "subdivisiones" de los pulsos. El director puede hacer esto añadiendo un movimiento más pequeño en la misma dirección que el movimiento del pulso al que pertenece.
Los cambios de tempo se indican modificando la velocidad del compás. Para llevar a cabo y controlar un rallentando (ralentizar el ritmo de la música), el director puede introducir subdivisiones del compás. Si bien algunos directores utilizan ambas manos para indicar el compás, con la mano izquierda reflejando la derecha, la educación formal desaconseja este enfoque. La segunda mano se puede utilizar para señalar las entradas de los músicos individuales o de las secciones y para ayudar a indicar la dinámica, el fraseo, la expresión y otros elementos.
Durante una sección instrumental solista (o, en una orquesta de ópera, durante el solo sin acompañamiento de un vocalista), algunos directores dejan de contar todas las subdivisiones y simplemente golpean la batuta una vez por compás, para ayudar a los intérpretes que están contando los compases de los silencios.
Existe una diferencia entre la definición que aparece en los libros de texto sobre dónde se produce el ictus de un tiempo fuerte y la práctica interpretativa real en las orquestas profesionales. Con un acorde sforzando abrupto y fuerte , una orquesta profesional suele tocar un poco después de que se haya marcado el punto de ictus del golpe de batuta.
La dinámica se indica de varias maneras. La dinámica se puede comunicar por el tamaño de los movimientos de dirección, las formas más grandes representan sonidos más fuertes. Los cambios en la dinámica se pueden señalar con la segunda mano para indicar el ritmo: un movimiento hacia arriba (generalmente con la palma hacia arriba) indica un crescendo ; un movimiento hacia abajo (generalmente con la palma hacia abajo) indica un diminuendo . Cambiar el tamaño de los movimientos de dirección con frecuencia da como resultado cambios en el carácter de la música según las circunstancias. La dinámica se puede ajustar con varios gestos: mostrar la palma de la mano a los intérpretes o alejarse de ellos puede demostrar una disminución en el volumen. Para ajustar el equilibrio general de los diversos instrumentos o voces, estas señales se pueden combinar o dirigir hacia una sección o intérprete en particular.
La indicación de las entradas, cuando un intérprete o una sección debe comenzar a tocar (quizás después de un largo período de descansos), se llama "indicación". Una indicación debe predecir con certeza el momento exacto del ictus venidero, de modo que todos los intérpretes o cantantes afectados por la indicación puedan comenzar a tocar simultáneamente. La indicación es más importante en los casos en que un intérprete o una sección no ha estado tocando durante un largo tiempo. La indicación también es útil en el caso de un punto de pedal con los intérpretes de cuerda, cuando una sección ha estado tocando el punto de pedal durante un largo período; una indicación es importante para indicar cuándo deben cambiar a una nueva nota. La indicación se logra "involucrando" a los intérpretes antes de su entrada (mirándolos) y ejecutando un claro gesto de preparación, a menudo dirigido hacia los intérpretes específicos. Una inhalación, que puede o no ser un "sorpresa" audible del director, es un elemento común en la técnica de indicación de algunos directores. En muchos casos, el simple contacto visual o una mirada en la dirección general de los músicos puede ser suficiente, como cuando más de una sección del conjunto entra al mismo tiempo. Los eventos musicales más grandes pueden justificar el uso de una señal más grande o más enfática diseñada para estimular la emoción y la energía.
La articulación puede indicarse por el carácter del ictus, que va desde corto y agudo para el staccato , hasta largo y fluido para el legato . Muchos directores cambian la tensión de las manos: los músculos tensos y los movimientos rígidos pueden corresponder al marcato , mientras que las manos relajadas y los movimientos suaves pueden corresponder al legato o al espressivo . El fraseo puede indicarse mediante amplios arcos por encima de la cabeza o mediante un movimiento suave de la mano hacia adelante o de lado a lado. Una nota sostenida a menudo se indica con una mano plana con la palma hacia arriba. El final de una nota, llamado "corte" o "liberación", puede indicarse con un movimiento circular, el cierre de la palma o el pellizco de los dedos y el pulgar. Una liberación suele ir precedida de una preparación y concluye con una quietud completa.
Los directores intentan mantener el contacto visual con el conjunto tanto como sea posible, fomentando el contacto visual a cambio y aumentando el diálogo entre los intérpretes/cantantes y el director. Las expresiones faciales también pueden ser importantes para demostrar el carácter de la música o para animar a los intérpretes. En algunos casos, como cuando ha habido poco tiempo de ensayo para preparar una pieza, un director puede indicar discretamente cómo se tocarán los compases de la música inmediatamente antes del inicio del movimiento levantando los dedos frente al pecho (para que solo los intérpretes puedan verlos). Por ejemplo, en un4
4pieza que el director tocará "en dos" (dos puntos ictus o pulsaciones por compás, como si fuera2
2), el conductor levantaría dos dedos frente a su pecho.
En la mayoría de los casos, hay una breve pausa entre los movimientos de una sinfonía, concierto o suite de danza. Esta breve pausa les da tiempo a los miembros de la orquesta o coro para pasar las páginas de su parte y prepararse para el inicio del siguiente movimiento. Los intérpretes de cuerdas pueden aplicar colofonia o limpiarse el sudor de las manos con un pañuelo. Los intérpretes de lengüeta pueden aprovechar este tiempo para cambiar a una nueva lengüeta. En algunos casos, los intérpretes de instrumentos de viento o metal usarán la pausa para cambiar a un instrumento diferente (por ejemplo, de trompeta a corneta o de clarinete a clarinete en mi bemol ). Si el director desea comenzar inmediatamente un movimiento después de otro por razones musicales, esto se llama attacca . El director indicará a los miembros de la orquesta y a los coristas que escriban el término en sus partes, de modo que estén listos para pasar inmediatamente al siguiente movimiento.
Cuando una banda de música realiza un espectáculo en el campo, normalmente habrá un tambor mayor dirigiendo la banda. Esto se conoce como dirección de campo.
Los tambores mayores pueden tener un estilo diferente de dirección. Algunos pueden ser más suaves, pero otros son más rígidos. El patrón más comúnmente utilizado se llama patrón "Abajo-adentro-afuera-arriba". El patrón se muestra por el primer tiempo que es recto hacia abajo y normal. El segundo tiempo va hacia abajo y luego, después del punto focal, va en un ángulo de 45 grados hacia adentro. El tercer tiempo es cuando el brazo regresa desde el ángulo al punto focal en el ángulo y golpea el punto y va hacia afuera en el mismo ángulo de 45 grados. El último tiempo, el cuarto, va desde el ángulo externo nuevamente al punto focal. Luego, el proceso se repite. [15] Es típico que los tambores mayores usen patrones más pequeños y simples para adaptarse a tempos más rápidos para la resistencia y la claridad, enfatizando los tiempos 1 y 3 y minimizando los tiempos 2 y 4.
Lo que se considera una dirección "apropiada" ha evolucionado a lo largo de las décadas. Durante la década de 1970 y antes, no era raro que un tambor mayor estacionario hiciera un paso de ritmo en el podio para lograr un tempo audible y visual ; con la llegada de plataformas cada vez más altas para los tambores mayores y, por lo tanto, una mayor visibilidad, esto se ha vuelto peligroso e innecesario. Los tambores mayores actuales utilizan una variedad de patrones y estilos de dirección que se adaptan a las necesidades de sus respectivas bandas de música y/o cuerpos de tambores.
Además de memorizar la música (entre seis y nueve minutos de música es lo típico para las bandas de música de la escuela secundaria, las bandas universitarias y los cuerpos de tambores pueden tener esa cantidad o más, hasta más de once minutos de música), un tambor mayor debe memorizar la dinámica, así como el tempo, para proporcionar la dirección y las señales adecuadas, particularmente en áreas donde el tambor mayor tiene cierta discreción, como un ritardando o una fermata .
Las funciones de un director varían mucho entre los distintos puestos de dirección y los distintos conjuntos. En algunos casos, un director también será el director musical de la sinfónica, eligiendo el programa para toda la temporada, incluidos los conciertos de directores invitados, solistas de conciertos, conciertos pop, etc. Un director experimentado puede asistir a algunas o todas las audiciones para los nuevos miembros de la orquesta, para asegurarse de que los candidatos tengan el estilo y el tono que el director prefiere y que los candidatos cumplan con los estándares de interpretación. Algunos directores corales son contratados para preparar un coro durante varias semanas que luego será dirigido por otro director. El director coral suele ser reconocido por su trabajo preparatorio en el programa de conciertos.
Algunos directores pueden tener un papel importante en las relaciones públicas, dando entrevistas al canal de noticias local y apareciendo en programas de entrevistas de televisión para promocionar la próxima temporada o conciertos concretos. Por otro lado, un director contratado para dirigir un único concierto como invitado puede tener únicamente la responsabilidad de ensayar con la orquesta para varias piezas y dirigir uno o dos conciertos. Aunque un puñado de directores se han convertido en celebridades muy conocidas, como Leonard Bernstein, la mayoría sólo son conocidos en el ámbito de la música clásica.
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La dirección coral e instrumental clásica ha establecido sistemas integrales de instrucción y formación. Los aspirantes a directores pueden estudiar en colegios, conservatorios y universidades. Las escuelas de música y las universidades ofrecen una variedad de programas de dirección, incluidos cursos de dirección como parte de los títulos de licenciatura, un pequeño número de títulos de maestría en música en dirección y un número aún menor de títulos de doctorado en artes musicales en dirección. Además, hay una variedad de otros programas de formación, como campamentos de verano clásicos y festivales de formación, que brindan a los estudiantes la oportunidad de dirigir una amplia gama de música. Los aspirantes a directores deben obtener una educación amplia sobre la historia de la música, incluidos los principales períodos de la música clásica y sobre la teoría musical . Muchos directores aprenden a tocar un instrumento de teclado como el piano o el órgano de tubos , una habilidad que los ayuda a poder analizar sinfonías y probar sus interpretaciones antes de tener acceso a una orquesta para dirigir. Muchos directores obtienen experiencia tocando en una orquesta o cantando en un coro, una experiencia que les brinda una buena perspectiva de cómo se dirigen y ensayan las orquestas y los coros.
Los directores de orquesta suelen tener un máster en música, y los directores de coro en los EE. UU. suelen tener una licenciatura en música. [16] Las licenciaturas (conocidas como B.Mus. o BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones de dirección, experiencia en orquestas amateur y una secuencia de cursos de historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (por ejemplo, literatura inglesa), que brindan al estudiante una educación más completa. Los estudiantes generalmente no se especializan en dirección en la etapa B.Mus.; en cambio, generalmente desarrollan habilidades musicales generales como cantar, tocar un instrumento de orquesta, actuar en un coro, tocar en orquesta y tocar un instrumento de teclado como el piano o el órgano.
Otro tema que estudian los estudiantes de dirección son los idiomas utilizados en la ópera de música clásica. Se espera que los directores de orquesta sean capaces de ensayar y dirigir coros en obras para orquesta y coro. Por ello, los directores de orquesta deben conocer los principales idiomas utilizados en la escritura coral (incluidos el francés, el italiano y el latín, entre otros) y deben comprender la dicción correcta de estos idiomas en un contexto de canto coral. Lo contrario también es cierto: se espera que un director coral ensaye y dirija una orquesta de cuerdas o una orquesta completa cuando interprete obras para coro y orquesta. Por ello, un director coral debe saber cómo ensayar y dirigir secciones de instrumentos.
Los títulos de máster en dirección musical (M.mus. o MM) consisten en lecciones privadas de dirección, experiencia en ensamble, entrenamiento y cursos de posgrado en historia de la música y teoría musical, junto con uno o dos conciertos dirigidos. Un M.mus. suele ser la credencial mínima requerida para las personas que desean convertirse en profesores de dirección. Los títulos de doctor en artes musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D) en dirección musical brindan una oportunidad para estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, y requieren generalmente 54 horas de crédito adicionales a las de un título de máster (que son aproximadamente 30 créditos adicionales a las de una licenciatura). Por esta razón, la admisión es altamente selectiva. Se requieren exámenes de historia de la música, teoría musical, entrenamiento auditivo/dictado, un examen de ingreso y una audición de dirección. Los estudiantes realizan conciertos dirigidos, que incluyen una combinación de conferencia y concierto dirigido con una disertación doctoral adjunta y cursos avanzados. Los estudiantes generalmente deben mantener un promedio mínimo de B. Un título de grado en dirección es un título terminal y, como tal, habilita al titular para enseñar en colegios, universidades y conservatorios. Además de los estudios académicos, otra parte de la trayectoria formativa de muchos directores es la dirección de orquestas amateurs, como orquestas juveniles , orquestas escolares y orquestas comunitarias.
Un pequeño número de directores se convierten en profesionales sin una formación formal en dirección. Estos individuos a menudo han alcanzado renombre como intérpretes instrumentales o vocales, y a menudo han realizado un gran esfuerzo de formación en su área de especialización (interpretación instrumental o canto). Algunos directores aprenden en el trabajo dirigiendo orquestas amateurs, orquestas escolares y orquestas comunitarias (o conjuntos corales equivalentes). [ cita requerida ]
El salario medio de los directores de orquesta en Estados Unidos en 2021 fue de 49.130 dólares. Se prevé una tasa de crecimiento del 5% para los puestos de trabajo de directores de orquesta entre 2021 y 2031, una tasa de crecimiento media. [16]
La técnica Alexander es una terapia alternativa popular basada en la idea de que la mala postura fomenta los problemas de salud. [17] [18] La técnica Alexander está destinada a ayudar a los intérpretes y músicos a identificar y liberar la tensión en el cuerpo. [19] Los directores suelen recibir formación con técnicas similares, centrándose en mantener la relajación y el equilibrio en la parte superior del cuerpo, ya que los movimientos forzados pueden provocar nervios, músculos y articulaciones convulsionados. Muchos directores lanzan con fuerza su brazo derecho cuando dirigen los ritmos, lo que puede provocar dolor de espalda y tensión en el cuello, y especialmente pone al director en riesgo de sufrir una lesión del manguito rotador por movimientos repetitivos.
Una revisión de la evidencia proporcionada por el Servicio Nacional de Salud del Reino Unido sugiere que la Técnica Alexander ayuda a aliviar el dolor: "dolor de espalda a largo plazo: las lecciones en la técnica pueden conducir a una reducción de la discapacidad asociada al dolor de espalda y reducir la frecuencia con la que siente dolor durante un año o más; dolor de cuello a largo plazo: las lecciones en la técnica pueden conducir a una reducción del dolor de cuello y la discapacidad asociada durante un año o más". [20] Cultivar la conciencia corporal holística permitirá a los directores mantener la longevidad en sus carreras con un dolor y lesiones mínimos.
