Un teatro , o sala de espectáculos , es una estructura donde se presentan obras teatrales , artes escénicas y conciertos musicales. El edificio del teatro sirve para delimitar los espacios de actuación y de audiencia . La instalación suele estar organizada para proporcionar áreas de apoyo para los intérpretes, el equipo técnico y los miembros de la audiencia, así como el escenario donde se lleva a cabo la actuación.
Hay tantos tipos de teatros como tipos de representación. Los teatros pueden construirse específicamente para ciertos tipos de producciones, pueden servir para necesidades de representación más generales o pueden adaptarse o convertirse para su uso como teatro. Pueden variar desde anfiteatros al aire libre hasta estructuras ornamentadas similares a catedrales o salas simples y sin decoración o teatros de caja negra . Un escenario de empuje , así como un escenario de arena, son solo algunos ejemplos más de la multitud de escenarios donde pueden ocurrir obras. Un teatro utilizado para representaciones de ópera se llama teatro de ópera . No se requiere un teatro para la representación (como en el teatro ambiental o el teatro callejero ), este artículo trata sobre las estructuras utilizadas específicamente para la representación. Algunos teatros pueden tener un área de actuación fija (en la mayoría de los teatros esto se conoce como el escenario ), mientras que algunos teatros, como los teatros de caja negra, tienen asientos móviles que permiten que la producción cree un área de actuación adecuada para la producción.
Un edificio o estructura de teatro contiene espacios para que se lleve a cabo un evento o actuación, generalmente llamado escenario , y también espacios para el público, el personal del teatro, los artistas y el equipo antes y después del evento. [1]
Normalmente, hay dos entradas principales en un teatro. Una está en la parte delantera, utilizada por el público, y conduce a un vestíbulo y a la venta de entradas. La segunda se llama puerta del escenario y se puede acceder a ella desde detrás del escenario. Por aquí es por donde el elenco y el equipo entran y salen del teatro, y existe una tradición llamada "stage dooring" en la que participan algunos fans, en la que los fans esperan fuera de la puerta del escenario después del espectáculo con la esperanza de conseguir un autógrafo de los actores.
El espacio de actuación o representación es el escenario. En algunos teatros, como los teatros con proscenio , los teatros con arena y los anfiteatros, esta área es parte permanente de la estructura. En algunos teatros, el área del escenario se puede cambiar y adaptar específicamente a una producción, a menudo llamado teatro de caja negra , debido a la práctica común de pintar las paredes de negro y colgar cortinas negras. [1]
Por lo general, en un edificio utilizado específicamente para representaciones hay espacios fuera del escenario que utilizan los artistas y el equipo. Aquí es donde se almacenan los accesorios , los decorados y la escenografía, y los artistas esperan antes de entrar. Estos espacios fuera del escenario se denominan alas y se encuentran a ambos lados del escenario con proscenio. Es posible que se encuentre una caja de apuntador detrás del escenario. En un anfiteatro, se puede designar un área detrás del escenario para tales usos, mientras que un teatro de caja negra puede tener espacios fuera del teatro real designados para tales usos.
A menudo, un teatro incorpora otros espacios destinados a los artistas y al resto del personal. Se puede incorporar una cabina frente al escenario en la sala donde el personal de iluminación y sonido puede ver el espectáculo y manejar sus respectivos instrumentos. Otras salas del edificio se pueden utilizar como vestuarios, salas de ensayo, espacios para construir decorados, utilería y vestuario , así como para almacenamiento.
Todos los teatros ofrecen un espacio para el público. En un teatro con asientos fijos, el público suele estar separado de los artistas por el arco del proscenio. En los teatros con proscenio y los anfiteatros , el arco del proscenio, al igual que el escenario, es una característica permanente de la estructura. Esta zona se conoce como el auditorio o la sala. [2]
Las áreas de asientos pueden incluir algunos o todos los siguientes:
Los teatros griegos se llamaban theatron ('lugar de observación'). Los teatros eran grandes estructuras al aire libre construidas en las laderas de las colinas. El teatro griego al aire libre más famoso era el Globe Theatre , donde se representaban muchas de las obras de Shakespeare. Constaba de tres elementos principales: la orquesta , la skene y el público.
La pieza central del teatro era la orchestra , o "lugar de baile", una gran zona circular o rectangular. La orchestra era el lugar de las representaciones corales, los ritos religiosos y, posiblemente, las representaciones. En el centro de la orchestra se encontraba un altar ; en Atenas, el altar estaba dedicado a Dioniso , el dios del vino y del teatro.
Detrás de la orchestra había un gran edificio rectangular llamado skene (que significa "tienda" o "cabaña").[1] Se utilizaba como un área "detrás del escenario" donde los actores podían cambiar sus trajes y máscaras, pero también servía para representar la ubicación de las obras, que generalmente se desarrollaban frente a un palacio o una casa. Por lo general, había dos o tres puertas en el skene que conducían a la orchestra, y por las que los actores podían entrar y salir. Al principio, el skene era literalmente una tienda de campaña o cabaña, que se montaba para el festival religioso y se desmontaba cuando estaba terminado. Más tarde, el skene se convirtió en una estructura de piedra permanente. Estas estructuras a veces se pintaban para servir como telones de fondo, de ahí la palabra inglesa escenografía . Un templo cercano, especialmente en el lado derecho de la escena, casi siempre es parte del complejo del teatro griego, lo que podría justificar, como transposición, la recurrencia del frontón con la escena de piedra solidificada posterior. [3]
Delante del skene puede haber habido una zona de actuación elevada llamada proskenion , el antecesor del proscenio moderno . Se cree que los actores (a diferencia del coro) actuaban completamente en el proskenion , pero esto no es seguro.
Del círculo de la orquesta se levantaba el público, que se sentaba en hileras de bancos construidos en la ladera de una colina. Los teatros griegos, por tanto, solo podían construirse en colinas con una forma adecuada. Un teatro típico era enorme, con capacidad para unos 15.000 espectadores.
Los teatros griegos no estaban cerrados: el público podía verse entre sí y el paisaje circundante, así como a los actores y al coro.
Los romanos copiaron el estilo de construcción griego, pero no solían preocuparse tanto por la ubicación y estaban dispuestos a construir muros y terrazas en lugar de buscar un sitio natural.
El auditorio (que en latín significa literalmente «lugar para escuchar») era el lugar en el que se reunía la gente y, a veces, se construía sobre una pequeña colina o pendiente en la que se podían colocar fácilmente asientos apilados siguiendo la tradición de los teatros griegos. La parte central del auditorio estaba excavada en una colina o pendiente, mientras que los asientos radiales exteriores requerían un soporte estructural y muros de contención sólidos. Por supuesto, esto no siempre era así, ya que los romanos tendían a construir sus teatros independientemente de la disponibilidad de laderas. Todos los teatros construidos dentro de la ciudad de Roma eran completamente artificiales sin el uso de movimientos de tierra. El auditorio no estaba techado; en cambio, se podían colocar toldos ( vela ) en lo alto para protegerse de la lluvia o la luz solar. [4]
Algunos teatros romanos, construidos con madera, fueron demolidos una vez concluido el festival para el que fueron erigidos. Esta práctica se debió a una moratoria sobre las estructuras teatrales permanentes que duró hasta el año 55 a. C., cuando se construyó el Teatro de Pompeyo con la adición de un templo para evitar la ley. Algunos teatros romanos muestran signos de no haber sido terminados en primer lugar. [5]
En Roma, pocos teatros han sobrevivido a los siglos posteriores a su construcción, lo que proporciona poca evidencia sobre los teatros específicos. Arausio , el teatro en la actual Orange, Francia , es un buen ejemplo de un teatro romano clásico, con un scaenae frons dentado , que recuerda los diseños de los teatros romanos occidentales, pero sin la estructura más ornamental. El Arausio todavía está en pie hoy en día y, con su increíble acústica estructural y habiendo tenido sus asientos reconstruidos, puede verse como una maravilla de la arquitectura romana. [4]
Durante la época isabelina en Inglaterra , los teatros se construían con armazón de madera, relleno de adobe y tejado de paja . La mayoría de los teatros eran completamente al aire libre. Consistían en varios pisos de galerías cubiertas que rodeaban un patio abierto a los elementos. Una gran parte del público se quedaba de pie en el patio, directamente frente al escenario. Se dice que esta disposición deriva de la práctica de realizar obras en el patio de una posada. Las excavaciones arqueológicas del teatro The Rose en el Bankside de Londres , construido en 1587, han demostrado que tenía un diámetro externo de 72 pies (22 metros). El cercano Globe Theatre (1599) era más grande, con 100 pies (30 metros). Otra evidencia de la forma redonda es una línea en Enrique V de Shakespeare que llama al edificio "esta O de madera ", y varias ilustraciones en xilografía toscas de la ciudad de Londres.
Por esta época, la sala verde , un lugar donde los actores esperaban hasta que se les requería subir al escenario, se convirtió en una terminología común en los teatros ingleses.
El Globe ha sido reconstruido ahora como un teatro en pleno funcionamiento y producción cerca de su sitio original (en gran parte gracias a los esfuerzos del director de cine Sam Wanamaker ) para dar al público moderno una idea del entorno para el cual Shakespeare y otros dramaturgos de la época escribieron.
Durante el Renacimiento se construyeron en Italia los primeros teatros modernos cerrados, cuya estructura era similar a la de los teatros antiguos, con una cavea y una escenografía arquitectónica que representaba una calle de la ciudad. Los ejemplos más antiguos que se conservan de este estilo son el Teatro Olímpico de Vicenza (1580) y el Teatro all'antica de Sabbioneta (1590).
A principios del siglo XVII, los teatros se trasladaron a espacios interiores y comenzaron a parecerse a la disposición que vemos con más frecuencia hoy, con un escenario separado del público por un arco de proscenio. Esto coincidió con un creciente interés por los elementos escénicos pintados en perspectiva, como los creados por Inigo Jones , Nicola Sabbatini y la familia Galli da Bibiena . La perspectiva de estos elementos solo podía verse correctamente desde el centro de la parte trasera del auditorio, en la llamada "silla del duque". Cuanto más alto era el estatus de la persona, más cerca se sentaba de este punto de observación y con mayor precisión se podían ver los elementos en perspectiva.
Los primeros teatros cerrados fueron los teatros de la corte, abiertos únicamente a los soberanos y a la nobleza. El primer teatro de ópera abierto al público fue el Teatro San Cassiano (1637) de Venecia. Los teatros de ópera italianos fueron el modelo para los teatros posteriores en toda Europa.
Richard Wagner concedió gran importancia a los elementos de "ambiente", como un teatro a oscuras, efectos de sonido y disposición de los asientos (bajando el foso de la orquesta ) que centraban la atención del público en el escenario, sumergiéndolos por completo en el mundo imaginario del drama musical. Estos conceptos fueron revolucionarios en su momento, pero desde entonces se han dado por sentados en el entorno operístico moderno, así como en muchos otros tipos de emprendimientos teatrales.
Los teatros contemporáneos suelen ser poco tradicionales, como espacios muy adaptables o teatros en los que el público y los intérpretes no están separados. Un ejemplo importante de esto es el teatro modular , en particular el Walt Disney Modular Theater . Este gran teatro tiene pisos y paredes divididos en pequeñas secciones móviles, con secciones de piso sobre pistones neumáticos ajustables, de modo que el espacio se puede ajustar a cualquier configuración para cada obra individual. A medida que han evolucionado nuevos estilos de representación teatral, también lo ha hecho el deseo de mejorar o recrear los lugares de actuación. Esto se aplica igualmente a las técnicas artísticas y de presentación, como la iluminación del escenario .
Los diseños específicos de los teatros contemporáneos en vivo incluyen proscenio , teatro de empuje , teatro de caja negra , teatro circular , anfiteatro y arena . En la danza clásica india , Natya Shastra define tres tipos de escenario. En Australia y Nueva Zelanda, un teatro pequeño y simple, particularmente uno contenido dentro de un lugar más grande, se llama theatrette . [ 6] La palabra se originó en Londres en la década de 1920, para un lugar de música a pequeña escala. [7]
Las representaciones teatrales también pueden tener lugar en espacios adaptados a otros usos, como vagones de tren. Por ejemplo, en los últimos años, el Fringe de Edimburgo ha visto representaciones en un taxi .
El escenario tradicional utilizado en el teatro Noh se basa en un modelo chino. Es completamente abierto, lo que permite que los intérpretes y el público compartan una experiencia durante toda la obra. Sin proscenios ni cortinas que obstruyan la vista, el público ve a cada actor en algunos momentos incluso antes de entrar en la plataforma principal del escenario. El teatro en sí mismo se considera simbólico y lo tratan con reverencia tanto los intérpretes como el público. [8]
El escenario incluye una gran plataforma cuadrada, sin paredes ni cortinas en tres de sus lados, y tradicionalmente con una pintura de un pino en el fondo. La plataforma está elevada sobre el lugar donde se sienta el público, que está cubierto de tierra de grava blanca. Las cuatro esquinas del escenario están marcadas por pilares de cedro, y el conjunto está rematado por un techo, incluso cuando el escenario Noh se erige en el interior. Un sistema de jarras de cerámica debajo del escenario amplifica los sonidos de la danza durante la actuación. Hay una pequeña puerta para permitir la entrada de los músicos y vocalistas.
El techo independiente es una de las características más reconocibles del escenario Noh. Sostenido por cuatro columnas, el techo simboliza la santidad del escenario, con su diseño arquitectónico derivado del pabellón de adoración ( haiden ) o pabellón de danza sagrada ( kaguraden ) de los santuarios sintoístas . El techo también unifica el espacio del teatro y define el escenario como una entidad arquitectónica. [8]
Los pilares que sostienen el techo se denominan shitebashira (pilar del personaje principal), metsukebashira (pilar de la mirada), wakibashira (pilar del personaje secundario) y fuebashira (pilar de la flauta), en el sentido de las agujas del reloj desde el fondo del escenario a la derecha, respectivamente. Cada pilar está asociado con los intérpretes y sus acciones. [9]
El escenario está hecho enteramente de hinoki inacabado , un ciprés japonés, sin apenas elementos decorativos. El poeta y novelista Toson Shimazaki escribe que "en el escenario del teatro Noh no hay decorados que cambien con cada obra. Tampoco hay telón. Sólo hay un panel sencillo ( kagami-ita ) con una pintura de un pino verde . Esto crea la impresión de que todo lo que pudiera proporcionar algún sombreado ha sido desterrado. Romper tal monotonía y hacer que algo suceda no es cosa fácil". [8]
Otra característica única del escenario es el hashigakari , un puente estrecho en la parte superior derecha del escenario que utilizan los actores para entrar al escenario. Hashigakari significa "puente colgante", lo que significa algo aéreo que conecta dos mundos separados en un mismo nivel. El puente simboliza la naturaleza mítica de las obras de Noh en las que aparecen con frecuencia fantasmas y espíritus de otro mundo. En contraste, el hanamichi en los teatros Kabuki es literalmente un camino ( michi ) que conecta dos espacios en un solo mundo, por lo que tiene un significado completamente diferente. [8]
El escenario del kabuki japonés cuenta con una proyección llamada hanamichi (花道; literalmente, camino de flores ), una pasarela que se extiende hacia el público y a través de la cual se realizan entradas y salidas dramáticas. Okuni también actuó en un escenario hanamichi con su séquito. El escenario se usa no solo como pasarela o camino para llegar y salir del escenario principal, sino que también se representan escenas importantes en el escenario. Los escenarios y teatros de kabuki se han vuelto cada vez más sofisticados tecnológicamente, y durante el siglo XVIII se introdujeron innovaciones que incluyen escenarios giratorios y trampillas. Una fuerza impulsora ha sido el deseo de manifestar un tema frecuente del teatro kabuki, el de la revelación o transformación repentina y dramática. [10] Una serie de trucos escénicos, incluida la aparición y desaparición rápidas de los actores, emplean estas innovaciones. El término keren (外連), a menudo traducido como actuar para la galería , a veces se usa como un comodín para estos trucos. El hanamichi y otras innovaciones, como el escenario giratorio, el seri y el chunori, han contribuido al teatro kabuki. El hanamichi crea profundidad y tanto el seri como el chunori proporcionan una dimensión vertical.
El templo indio Koothambalam es un espacio utilizado para representar teatro sánscrito . Llamado koothambalam o kuttampalam, es un gran templo rectangular de casta alta en Kerala que representaba un “sacrificio visual” a las deidades o dioses del templo. Fueron construidos para representaciones de kutiyattam o “actuaciones combinadas”, de las cuales solo se representan dos obras en la actualidad. [11]
El templo tiene un techo piramidal, con paredes altas y un interior de techo alto. Dentro del gran templo hay un escenario en cuyo interior hay una gran plataforma con su propio techo piramidal. El área del escenario está separada del área del público con el músico (un baterista en un asiento alto) detrás del escenario, y los camerinos también en la parte trasera con puertas de salida detrás. El público estaría sentado en un piso liso y pulido. Existen varios Koothambalams dentro de varios templos indios, [ aclaración necesaria ] [ ¿esto significa varios en cada uno? ] y siguen el mismo plan y estructura rectangulares.
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