Jeffrey Wall , OC , RSA (nacido el 29 de septiembre de 1946) es un fotógrafo canadiense. Es un artista más conocido por sus fotografías a contraluz de gran formato en Cibachrome y sus escritos sobre historia del arte. Al principio de su carrera, ayudó a definir la Escuela de Vancouver [1] y ha publicado ensayos sobre el trabajo de sus colegas y compañeros de Vancouver Rodney Graham , Ken Lum e Ian Wallace . Sus cuadros fotográficos a menudo toman como telón de fondo la mezcla de belleza natural, decadencia urbana y monotonía posmoderna e industrial de Vancouver .
Wall recibió su maestría en la Universidad de Columbia Británica en 1970, con una tesis titulada Berlin Dada and the Notion of Context . Ese mismo año, dejó de hacer arte. Con su esposa inglesa, Jeannette, a quien había conocido como estudiante en Vancouver, y sus dos hijos pequeños, se mudó a Londres [2] para realizar un trabajo de posgrado de 1970 a 1973 en el Courtauld Institute , donde estudió con T. J. Clark . [3] [4] Wall fue profesor asistente en el Nova Scotia College of Art and Design (1974-75), profesor asociado en la Simon Fraser University (1976-87) y dio conferencias en la European Graduate School . [5] Fue profesor titular en la Universidad de Columbia Británica hasta su jubilación en 1999. [6] Wall ha publicado ensayos sobre Dan Graham , Rodney Graham , Roy Arden , Ken Lum , Stephan Balkenhol, On Kawara y otros artistas contemporáneos. [7] Como historiador del arte de profesión, también ha analizado extensamente su propia obra. Los ensayos y entrevistas de Wall, que transmiten sus intereses filosóficos, han dado forma a los debates críticos sobre su carrera. [6]
Wall experimentó con el arte conceptual mientras era estudiante en la UBC. [3] Luego no hizo arte hasta 1977, cuando produjo sus primeras fototransparencias retroiluminadas. [8] La mayoría de estas son escenografías y hacen referencia a la historia del arte y a problemas filosóficos de la representación. Sus composiciones a menudo aluden a artistas como Diego Velázquez , Hokusai y Édouard Manet , [9] o a escritores como Franz Kafka , Yukio Mishima y Ralph Ellison . [10]
El trabajo de Wall, que comenzó a fines de la década de 1970, experimentó con nociones de teatralidad influenciadas por la televisión, la publicidad y los escaparates comerciales. [6] Al presentar su primera exposición en una galería en 1978 como una "instalación" en lugar de como una muestra de fotografías, el artista colocó The Destroyed Room en el escaparate de la Galería Nova, encerrándolo en una pared de yeso.
Mimic [11] (1982) ejemplifica el estilo cinematográfico de Wall y, según el historiador de arte Michael Fried, es "característica del compromiso de Wall con los problemas sociales en su arte de los años 80". [12] Esta transparencia en color de 198 × 226 cm muestra a una pareja blanca y un hombre asiático caminando hacia la cámara. La acera, flanqueada por coches aparcados y edificios residenciales e industriales ligeros, sugiere un suburbio industrial norteamericano. La mujer lleva pantalones cortos rojos y una camiseta blanca que le deja el abdomen al descubierto; su novio barbudo y desaliñado lleva un chaleco vaquero. El hombre asiático va informal pero bien vestido en comparación, con una camisa con cuello y pantalones de vestir. Cuando la pareja adelanta al hombre, el novio hace un gesto ambiguo pero aparentemente obsceno y racista, sosteniendo su dedo medio levantado cerca del rabillo del ojo, "inclinando" su ojo en burla de los ojos del hombre asiático. La imagen parece una toma espontánea que captura el momento y sus tensiones sociales implícitas, pero en realidad es una recreación de un intercambio presenciado por el artista. [13] [14]
Picture for Women es una transparencia de 142,5 × 204,5 cm en cibachrome montada sobre una caja de luz. Junto con The Destroyed Room , Wall considera que Picture for Women es su primer éxito en desafiar la tradición fotográfica. Según Tate Modern , este éxito le permite a Wall hacer referencia "tanto a la cultura popular (los carteles luminosos del cine y las vallas publicitarias) como al sentido de escala que admira en la pintura clásica. Como objetos tridimensionales, las cajas de luz adquieren una presencia escultórica, impactando en el sentido físico de orientación del espectador en relación con la obra". [15]
Hay dos figuras en la escena, el propio Wall y una mujer que mira a la cámara. En un perfil de Wall en The New Republic , el crítico de arte Jed Perl describe Picture for Women como la pieza emblemática de Wall, "ya que también funciona como un retrato del artista de finales del siglo XX en su estudio". [16] El historiador de arte David Campany dice que Picture for Women es una obra temprana importante para Wall, ya que establece temas y motivos centrales que se encuentran en gran parte de su obra posterior. [17]
En respuesta a Un bar aux Folies Bergère de Manet , el texto mural de la Tate Modern para Imagen de mujer , de la exposición Jeff Wall Photographs 1978-2004 de 2005-2006 , describe la influencia de la pintura de Manet:
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En el cuadro de Manet, una camarera mira hacia fuera del marco, observada por una figura masculina en la sombra. Toda la escena parece reflejarse en el espejo detrás de la barra, creando una compleja red de puntos de vista. Wall toma prestada la estructura interna del cuadro y motivos como las bombillas que le dan profundidad espacial. Las figuras se reflejan de manera similar en un espejo, y la mujer tiene la mirada y la postura absortas de la camarera de Manet, mientras que el hombre es el propio artista. Aunque las cuestiones de la mirada masculina, en particular la relación de poder entre el artista masculino y la modelo femenina, y el papel del espectador como observador, están implícitas en la pintura de Manet, Wall actualiza el tema al colocar la cámara en el centro de la obra, de modo que captura el acto de crear la imagen (la escena reflejada en el espejo) y, al mismo tiempo, nos mira directamente. [18]
El trabajo de Wall presenta un argumento a favor de la necesidad del arte pictórico . [10] Algunas de las fotografías de Wall son producciones complejas que involucran elenco, escenarios, equipos y posproducción digital. Se las ha caracterizado como producciones cinematográficas de un solo cuadro. Susan Sontag terminó su último libro, Regarding the Pain of Others (2003), con un largo y elogioso análisis de una de ellas, Dead Troops Talk (A Vision After an Ambush of a Red Army Patrol near Moqor, Afghanistan, Winter 1986) (1992), calificando la representación de Wall, con influencia de Goya , de un evento inventado como "ejemplar en su reflexión y poder".
Aunque Wall es conocido por sus fotografías a gran escala de escenas de género cotidianas contemporáneas pobladas de figuras, a principios de la década de 1990 se interesó por las naturalezas muertas. [19] Distingue entre imágenes "documentales" no escenificadas, como Still Creek, Vancouver, invierno de 2003 , [20] e imágenes "cinematográficas", producidas utilizando una combinación de actores, decorados y efectos especiales, como A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) , 1993. Basada en Yejiri Station, Province of Suruga (ca. 1832), una xilografía de Katsushika Hokusai , A Sudden Gust of Wind recrea la escena japonesa del siglo XIX representada en la Columbia Británica contemporánea, utilizando actores y tardó más de un año en producir 100 fotografías con el fin de "lograr un montaje perfecto que dé la ilusión de capturar un momento real en el tiempo". [21]
Desde principios de los años 1990, Wall ha utilizado la tecnología digital para crear montajes de diferentes negativos individuales, mezclándolos en lo que parece una única fotografía unificada. [22] Sus obras emblemáticas son grandes transparencias montadas sobre cajas de luz; dice que concibió este formato cuando vio anuncios retroiluminados en las paradas de autobús durante un viaje entre España y Londres. En 1995, Wall comenzó a realizar fotografías tradicionales en blanco y negro con gelatina de plata, que se han convertido en una parte cada vez más importante de su obra. [22] Se exhibieron ejemplos en la documenta X de Kassel.
El prólogo (1999-2000) , que se estrenó en la Documenta 11 , después de «El hombre invisible» de Ralph Ellison, representa una escena muy conocida de la novela clásica de Ellison. La versión de Wall nos muestra la habitación del sótano, «cálida y llena de luz», en la que vive el narrador de Ellison, con sus 1.369 bombillas incluidas. [23]
Las primeras exposiciones colectivas de Wall incluyen muestras de 1969 en el Museo de Arte de Seattle , Washington, y la Galería de Arte de Vancouver , y New Multiple Art en la Galería Whitechapel , Londres en 1970. Su primera exposición individual se realizó en la Galería Nova, Vancouver en 1978. [24]
Las exposiciones individuales incluyen ICA, Londres (1984), Irish Museum of Modern Art , Dublín, Irlanda (1993), Whitechapel Gallery , Londres (2001), Kunstmuseum Wolfsburg , Wolfsburg, Alemania (2001), Museum für Moderne Kunst Frankfurt (2001/2002). ), Hasselblad Center, Göteborg, Suecia (2002), Astrup Fearnley Museum, Oslo, Noruega (2004) y retrospectivas en Schaulager , Basilea (2005), Tate Modern (2005) y MoMA , Nueva York (2007), [25] Art Institute of Chicago (2007), [26] SFMoMA, San Francisco (2008), Tamayo Museum , Ciudad de México y Vancouver Art Gallery , Vancouver (2008), y Staatliche Kunstsammlungen, Dresden (2010). [ cita requerida ] Wall también fue incluido en documentas 10 y 11. [27]
Para su retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas en 2011, Wall eligió unas 130 obras de sus artistas favoritos, desde el fotógrafo de la década de 1900 Eugène Atget hasta fragmentos de películas (Fassbinder, Bergman, los hermanos Dardenne ) y piezas de sus contemporáneos Thomas Struth y David Claerbout . Se mostraron junto a 25 de sus propias fotografías. [28]
Las imágenes a gran escala y las estudiadas composiciones de Wall se consideran influyentes en la Escuela de Fotografía de Düsseldorf dirigida por Andreas Gursky , Thomas Struth , Thomas Ruff y Candida Höfer . (Gursky ha citado a Wall como "un gran modelo para mí"). [2]
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