La historia de la danza es difícil de conocer porque la danza no suele dejar tras de sí artefactos físicos claramente identificables que perduren durante milenios, como herramientas de piedra , instrumentos de caza o pinturas rupestres . No es posible identificar con precisión exacta cuándo la danza se convierte en parte de la cultura humana . La danza está llena de valores estéticos, lo que la hace distinta de una sociedad a otra y está envuelta en un simbolismo que expone el patrimonio cultural de una comunidad, siendo en consecuencia única de una sociedad a otra. La danza puede ayudar a contar una historia, transmitir sentimientos y emociones y conectar con los demás y con nosotros mismos.
El impulso natural de bailar puede haber existido en los primeros primates antes de que evolucionaran hasta convertirse en humanos. [1] La danza ha sido una parte importante de las ceremonias , los rituales , las celebraciones y el entretenimiento desde antes del nacimiento de las primeras civilizaciones humanas . La arqueología proporciona rastros de danza desde tiempos prehistóricos , como las pinturas de los refugios rocosos de Bhimbetka de 10.000 años de antigüedad en la India y la tumba egipcia que representa figuras danzantes de alrededor del 3300 a. C. Muchas formas de danza contemporánea se remontan a danzas históricas , tradicionales , ceremoniales y étnicas del período antiguo.
Es posible que la danza se haya utilizado como una herramienta de interacción social que promovía la cooperación, algo esencial para la supervivencia entre los primeros humanos . Los estudios han demostrado que los mejores bailarines de la actualidad comparten dos genes específicos asociados con una predisposición a ser buenos comunicadores sociales. [2]
Además, el término "kinestésico" es el término correcto para ayudar a comprender cómo la danza crea comunicación, y significa reconocimiento del movimiento del propio cuerpo, esta palabra es una combinación de dos palabras (kinein = moverse, aesthesis = percepción). Y la danza en la comunicación es como el lenguaje, puedes entender, sentir, ver y escuchar. Cuando alguien usa todos los músculos del cuerpo y la sensación en un baile, enviará un mensaje a la audiencia o a quien esté mirando. Por lo tanto, los movimientos de baile y los sonidos de fondo también juegan un papel importante. Cuando hay una actuación grupal, tomarse de las manos o de los hombros o incluso bailar uno frente al otro hace que se sientan comunicados y unidos. [3]
Muchas danzas de los primeros períodos se realizaban como un ritual para los dioses, a quienes los antepasados creían que era necesario mantener entretenidos para lograr la paz mundial. [4] La danza se utiliza en muchas celebraciones y hasta ahora. A lo largo de la historia podemos observar que la danza tuvo muchos usos, como la danza comunitaria, la cosecha y el culto. La evolución de la danza comenzó como orígenes folclóricos, luego se convirtió en representaciones cortesanas y ahora en películas de teatro o incluso de cine. [5]
La danza puede realizarse en rituales religiosos o chamánicos, por ejemplo, en la danza de la lluvia que se realiza en épocas de sequía. Los chamanes que bailan para pedir lluvia se mencionan en antiguos textos chinos. La danza es un aspecto importante de algunos ritos religiosos en el antiguo Egipto, [6] de manera similar, la danza también es parte integral de muchas ceremonias y ritos entre los pueblos africanos. [7] Las danzas rituales también pueden realizarse en templos y durante festivales religiosos, por ejemplo, las danzas rituales Rasa de la India (varias danzas clásicas indias pueden tener su origen en danzas rituales) y las danzas Cham del Tíbet. [8]
Otro uso temprano de la danza puede haber sido como precursora de estados de trance extático en rituales de curación. La danza es utilizada con este propósito por muchas culturas, desde la selva brasileña hasta el desierto de Kalahari . [9] Se creía que las danzas macabras medievales europeas protegían a los participantes de las enfermedades; sin embargo, la histeria y la duración de estas danzas a veces conducían a la muerte por agotamiento. [10]
Según una leyenda cingalesa, las danzas kandyan se originaron hace 2.500 años a partir de un ritual de danza mágica que rompió el hechizo de un rey hechizado para curarlo de una misteriosa enfermedad.
Uno de los primeros usos estructurados de la danza puede haber sido en la interpretación y la narración de mitos. También se utilizaba a veces para mostrar sentimientos hacia alguien del sexo opuesto. También está vinculada al origen de "hacer el amor". Antes de la aparición de los lenguajes escritos, la danza era uno de los métodos de transmitir estas historias de generación en generación. [11]
En la cultura europea, uno de los primeros registros de la danza es de Homero , cuya Ilíada describe la corea (χορεία khoreia ). Los primeros griegos convirtieron el arte de la danza en un sistema, expresivo de todas las diferentes pasiones. Por ejemplo, la danza de las Furias , así representada, crearía un terror absoluto entre quienes las presenciaran. El filósofo griego Aristóteles clasificó la danza con la poesía y dijo que ciertos bailarines, con el ritmo aplicado al gesto, podían expresar modales, pasiones y acciones. [12] Los escultores griegos más eminentes estudiaron la actitud de los bailarines para su arte de imitar la pasión.
Un manuscrito temprano que describe la danza es el Natya Shastra, en el que se basa la interpretación moderna de la danza clásica india (por ejemplo, Bharathanatyam ).
Durante el reinado de los últimos mogoles y nawabs de Oudh , la danza cayó al estatus de ' nautch ', una actividad sensual y poco ética de cortesanas.
Más tarde, al vincular la danza con el tráfico inmoral y la prostitución, el gobierno británico prohibió la representación pública de la danza. Muchos la desaprobaron. En 1947, la India obtuvo su libertad y creó para la danza un ambiente en el que pudo recuperar su gloria pasada. Se redescubrieron las formas clásicas y las distinciones regionales, se honraron las especialidades étnicas y, al sintetizarlas con los talentos individuales de los maestros de la línea y con nuevas innovaciones, surgió la danza con un nuevo rostro pero con el clasicismo del pasado.
En Sri Lanka , la antigua crónica cingalesa Mahavamsa afirma que cuando el rey Vijaya desembarcó en Sri Lanka en el año 543 a. C., oyó sonidos de música y bailes de una ceremonia nupcial. Los orígenes de las danzas de Sri Lanka se remontan a las tribus aborígenes y a los tiempos mitológicos de los gemelos yingyang aborígenes y los " yakkas " (diablos). Las danzas clásicas de Sri Lanka (las danzas kandianas) presentan un sistema de tala (ritmo) muy desarrollado y proporcionado por platillos llamados thalampataa.
Existe una larga historia registrada de danzas chinas. Algunas de las danzas mencionadas en textos antiguos, como la danza con movimientos de mangas, todavía se realizan hoy en día. Algunas de las primeras danzas estaban asociadas con rituales chamánicos. Las danzas folclóricas del período temprano también se desarrollaron en danzas de la corte. Las danzas importantes del período antiguo fueron el yayue ceremonial que data de la dinastía Zhou del primer milenio a. C. El arte de la danza en China alcanzó su apogeo durante la dinastía Tang , un período en el que los bailarines de muchas partes del mundo también actuaron en la corte imperial. Sin embargo, la ópera china se hizo popular durante las dinastías Song y Yuan, y muchas danzas se fusionaron en la ópera china. [13] El arte de la danza en mujeres también declinó a partir de la dinastía Song en adelante como resultado de la creciente popularidad del vendaje de pies , [14] una práctica que irónicamente puede haberse originado a partir del baile cuando una bailarina se envolvía los pies para poder bailar al estilo ballet. [15] [16] Las danzas tradicionales chinas más conocidas son la danza del dragón y la danza del león . La danza del león fue descrita en la dinastía Tang en una forma que se asemeja a la danza actual. [13]
Los habitantes de la meseta iraní han conocido la danza en forma de música, teatro, drama o rituales religiosos y han utilizado instrumentos como máscaras, disfraces de animales o plantas e instrumentos musicales para el ritmo, al menos desde el sexto milenio a. C. Las formas culturales mixtas de danza, teatro y drama han servido para rituales como la celebración, el duelo y el culto. Y los actores han sido maestros de la música, la danza, los actos físicos y las formas de expresión. Se encontraron artefactos con imágenes de bailarines, actores o actores en muchos sitios arqueológicos prehistóricos en Irán, como Tepe Sabz, Ja'far Abad, Chogha Mish, Tall-e Jari, Cheshmeh Ali, Ismaeel Abad, Tal-e bakun, Tepe Sialk, Tepe Musian, tepe Yahya, Shahdad, Tepe Gian, Kul Farah, Susa, Kok Tepe, Cementerios de Luristán, etc. [17]
La danza más antigua investigada del Irán histórico es una danza que adoraba a Mitra (como en el Culto de Mitra) en la que se sacrificaba un toro. [18] Este culto más tarde se volvió muy seguido en el Imperio Romano . Esta danza era para promover el vigor en la vida. [19] La danza persa antigua fue investigada significativamente por el historiador griego Heródoto de Halikarnassos, en su obra Libro IX (Calíope) , en el que describe la historia de los imperios asiáticos y las guerras persas hasta el 478 a. C. [19] La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras, primero griegos , luego árabes y luego mongoles y, a su vez, se produjo inestabilidad política y guerras civiles. A lo largo de estos cambios se produjo una lenta desaparición de las tradiciones de la danza heredadas. [19]
La prohibición religiosa de bailar en Irán llegó con la expansión del Islam, pero fue impulsada por eventos históricos. [19] La prohibición religiosa de bailar aumentó y disminuyó con los años, pero después de la Revolución iraní en 1979, el baile ya no se permitió debido a su frecuente mezcla de sexos. [19] [20] La Revolución Islámica de 1979 fue el final de una era exitosa para la danza y el arte del ballet en Irán. [18] La compañía nacional de ballet iraní se disolvió y sus miembros emigraron a diferentes países. [18] Según los principios de la "revolución cultural" en Irán, el baile se consideraba perverso, un gran pecado, inmoral y corruptor. [18] Como resultado, muchos de los talentosos bailarines persas se mudaron a Occidente y se extendieron principalmente en Europa y los Estados Unidos y una nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes han crecido en la diáspora. [18]
Los orígenes del ballet se remontan a las cortes renacentistas italianas del siglo XV. Los maestros de danza enseñaban los pasos a la nobleza y la corte participaba en representaciones como una forma de entretenimiento social. Esta práctica continuó durante varios siglos. En el siglo XVII, el ballet cortesano alcanzó su apogeo bajo el gobierno del rey Luis XIV . [21]
En el siglo XVIII, el ballet había migrado de las cortes reales francesa e italiana a la Ópera de París bajo la atenta dirección del compositor y bailarín Jean-Baptiste Lully . Lully intentó convertir el ballet en un arte más serio. Bajo su influencia, el ballet se convirtió en un arte reconocido que era interpretado por bailarines profesionales en lugar de cortesanos.
Durante el siglo XVIII, el ballet pasó de ser una danza cortesana de imágenes en movimiento como espectáculo a ser un arte escénico por derecho propio. Las representaciones de ballet se desarrollaban en torno a una narrativa central y contenían un movimiento expresivo que revelaba las relaciones entre los personajes. Este estilo dramático de ballet se conoció como ballet d'action . El ballet d'action se esforzó por expresar, por primera vez, las emociones humanas extraídas directamente de los propios bailarines. Las máscaras que usaban anteriormente los intérpretes se eliminaron para que el contenido emocional pudiera derivarse de las expresiones faciales. [21]
Los trajes durante esta época eran muy restrictivos para los bailarines. Aunque se fomentaba un uso más expresivo del cuerpo, los movimientos de los bailarines seguían estando restringidos debido a los materiales pesados y los vestidos encorsetados. Los trajes a menudo cubrían el físico de un bailarín y dificultaban ver coreografías complejas o intrincadas. No fue hasta que el coreógrafo Jean Georges Noverre pidió reformas de la danza en 1760 con sus Cartas sobre danza y ballets que los trajes se volvieron más propicios. Noverre instó a que los trajes se confeccionaran con telas ligeras que se movieran fluidamente con el cuerpo, complementando la figura de un bailarín. Además, los bailarines usaban zapatillas suaves que se ajustaban cómodamente a lo largo del pie. Este diseño de calzado infundía confianza en la bailarina , desafiándola a bailar de puntillas. El vestuario naturalista permitía a los bailarines traspasar los límites del movimiento, llegando finalmente a levantarse en puntas .
La era del Romanticismo produjo ballets inspirados en la fantasía, el misticismo y las culturas desconocidas de lugares exóticos. Ballets que se centraban más en las emociones, la fantasía y los mundos espirituales y anunciaban el comienzo del verdadero trabajo en puntas. Ahora, de puntillas, la bailarina deificada (encarnada en este período por la legendaria bailarina Marie Taglioni ) parecía rozar mágicamente la superficie del escenario, un ser etéreo que nunca tocaba el suelo. Fue durante este período que la estrella ascendente de la bailarina eclipsó por completo la presencia del pobre bailarín masculino, que en muchos casos se vio reducido al estado de una estatua en movimiento, presente solo para levantar a la bailarina. Este triste estado solo se corrigió realmente con el ascenso de la estrella masculina del ballet Vaslav Nijinsky , con los Ballets Rusos , a principios del siglo XX. El ballet tal como lo conocemos había evolucionado mucho en esa época, con todas las convenciones familiares de vestuario, forma coreográfica, trama, pompa y solemnidad firmemente establecidas. Nijinsky trajo el atletismo al ballet. Aunque en ese momento su coreografía fue considerada controvertida, ahora se considera uno de los primeros ballets contemporáneos.[1]
Desde que los Ballets Rusos comenzaron a revolucionar el ballet a principios del siglo XX, ha habido continuos intentos de romper el molde del ballet clásico. Actualmente, el alcance artístico de la técnica del ballet (y su música, jumper y multimedia que la acompañan ) es más amplio que nunca. Los límites que clasifican una obra de ballet clásico se estiran, se enturbian y se difuminan constantemente hasta que quizás todo lo que queda hoy son rastros de modismos técnicos como el turnout .
El siglo XX fue, sin duda, un período de ruptura con todo lo que representaba el ballet. Fue una época de crecimiento creativo sin precedentes para bailarines y coreógrafos. También fue una época de ampliación de la definición de danza. Los Ballets Russes marcaron un punto de inflexión para el futuro del ballet en Occidente y en el mundo. Colaboraron con genios de la época, como Coco Chanel, Pablo Picasso y otros.[2] Los Ballets Russes unieron gran música, diseño y danza en una actuación completa.[3]
La danza africana se refiere principalmente a los estilos de danza del África subsahariana , muchos de los cuales se basan en ritmos tradicionales y tradiciones musicales de la región. Los estilos de danza africana moderna están profundamente arraigados en la cultura y la tradición. Muchas tribus tienen un papel únicamente con el propósito de transmitir las tradiciones de danza de la tribu; danzas que se han transmitido a través de los siglos, a menudo sin cambios, con poco o ningún espacio para la improvisación. [22] [23] Cada tribu desarrolló su propio estilo único de danza, que se divide en tres categorías según el propósito. La primera es la danza religiosa, que muchas tribus afirman que mejora la paz, la salud y la prosperidad. [20] Las danzas religiosas a menudo involucraban a enmascarados, que actuaban como los espíritus y aquellos que los aplacaban. [22] La religión y la espiritualidad infundieron cada parte de la vida africana tradicional y continúan afectando a la danza africana hoy. La segunda es la griótica, y era un tipo de danza que contaba una historia. Lleva el nombre de un griot , que es un término para un narrador tradicional en África occidental. Ciertas danzas grióticas eran bailadas únicamente por los griots de la tribu; hoy en día, las compañías bailan las mismas danzas que alguna vez fueron exclusivas de los griots . El tercer tipo es el ceremonial. Estas danzas se realizan en ceremonias como bodas, aniversarios y ritos de paso. [20] Sin embargo, muchas danzas no tenían un solo propósito. Más bien, a menudo había un propósito principal, que se mezclaba con muchos propósitos secundarios. La danza era a menudo muy importante para el mantenimiento del estatus de un gobernante en la sociedad tribal. El colonialismo y la globalización han dado como resultado la erradicación de ciertos estilos de danza africana. Otros estilos se han mezclado entre sí o con estilos de danza fuera de África. [22]
A medida que las personas fueron sacadas de África para ser vendidas como esclavos, especialmente a partir del siglo XVI, trajeron consigo sus estilos de baile. Se importaron culturas enteras al Nuevo Mundo, especialmente a aquellas áreas donde a los esclavos se les dio más flexibilidad para continuar con sus culturas y donde había más esclavos africanos que europeos o indígenas americanos, como Brasil . Los estilos de baile africanos se fusionaron con nuevas experiencias culturales para formar nuevos estilos de baile. Por ejemplo, los esclavos respondieron a los temores de sus amos sobre los estilos de baile de alta energía cambiando los pasos por el arrastre. [20] Sin embargo, en América del Norte, los esclavos no tenían tanta libertad para continuar con su cultura y baile. [23] [20] En muchos casos, estos bailes han evolucionado hacia estilos de baile modernos, como la danza afroamericana y la danza brasileña . Por ejemplo, la Calenda evolucionó en Brasil a partir de la danza tribal. La Calenda luego evolucionó hacia el Cakewalk, que se bailaba originalmente para burlarse de los dueños de las plantaciones; luego evolucionó hacia el Charleston . [20] La capoeira era un arte marcial practicado originalmente en África que los africanos esclavizados enmascaraban como una forma de danza para no despertar las sospechas de los dueños de las plantaciones. [24]
Tras la explosión de la danza moderna a principios del siglo XX, en los años 60 se produjo el crecimiento del posmodernismo , que se inclinó hacia la simplicidad, la belleza de las cosas pequeñas, la belleza del cuerpo no entrenado y el movimiento poco sofisticado. El famoso manifiesto del "No" , de Yvonne Rainer , que rechazaba todo vestuario, historia y parafernalia exterior en favor de un movimiento crudo y sin pulir, fue quizás el extremo de esta ola de pensamiento. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que los decorados, la escenografía y el impacto volvieran a entrar en el vocabulario de los coreógrafos modernos.
Al mismo tiempo, la cultura de masas experimentó la expansión del street dance . En 1973, el famoso grupo Jackson 5 interpretó en televisión un baile llamado Robot (coreografiado por el artista posmoderno [25] Michael Jackson ), una forma de baile cultivada en Richmond, CA. Este evento y posteriores actuaciones de Soul Train por bailarines negros (como Don Cambell) encendieron una revolución de la cultura callejera, en cierto sentido. El B-boying en Nueva York, el Locking en Los Ángeles, el Popping en Fresno, CA, el Boogaloo en Oakland, CA, el Robot en Richmond, CA, todos tuvieron sus propias explosiones creativas a fines de los años 60 y 70. Cada uno con sus propias historias, prácticas, innovadores y fundamentos.
Para el surgimiento de la danza moderna del siglo XX, véase también: Mary Wigman , Gret Palucca , Harald Kreutzberg , Yvonne Georgi e Isadora Duncan .
El hip-hop comenzó cuando Clive Campbell, también conocido como Kool DJ Herc y el padre del hip-hop, llegó a Nueva York desde Jamaica en 1967. Llevando las semillas del reggae de su tierra natal, se le atribuye ser el primer DJ en usar dos platos y copias idénticas del mismo disco para crear sus jams. Pero fue su extensión de los breaks en estas canciones (la sección musical donde los ritmos de percusión eran más agresivos) lo que le permitió crear y dar nombre a una cultura de break boys y break girls que la dejaron marcada cuando surgieron los breaks. Abreviadamente denominados b-boys y b-girls, estos bailarines fundaron el breakdancing , que ahora es una piedra angular del hip-hop.