El arte cubano es una mezcla cultural excepcionalmente diversa de elementos africanos, sudamericanos, europeos y norteamericanos, que refleja la diversa composición demográfica de la isla. Los artistas cubanos abrazaron el modernismo europeo y la primera parte del siglo XX vio un crecimiento de los movimientos de vanguardia cubanos , que se caracterizaron por la mezcla de géneros artísticos modernos. Algunos de los artistas cubanos más famosos del siglo XX incluyen a Amelia Peláez (1896–1968), mejor conocida por una serie de proyectos murales , y el pintor Wifredo Lam (8 de diciembre de 1902 – 11 de septiembre de 1982), quien creó una versión muy personal. del primitivismo moderno . El pintor cubano Federico Beltrán Masses (1885-1949) fue reconocido como un colorista cuyas seductoras representaciones de mujeres a veces hacían referencias abiertas a los entornos tropicales de su infancia.
Más conocido internacionalmente es el trabajo del fotógrafo Alberto Korda , cuyas fotografías posteriores a los primeros días de la Revolución Cubana incluían una imagen del Che Guevara que se convertiría en una de las imágenes más reconocibles del siglo XX.
Existe un floreciente movimiento de arte callejero influenciado por los artistas latinoamericanos José Guadalupe Posada y el muralista Diego Rivera .
Después de la Revolución Cubana de 1959, algunos artistas sintieron que lo mejor para ellos era salir de Cuba y producir su arte, mientras que otros se quedaron atrás, felices o simplemente contentos de crear arte en Cuba, que estaba patrocinado por el gobierno. Debido a que fue patrocinado por el estado, se produjo una censura implícita, ya que los artistas no querrían hacer arte que estuviera en contra del movimiento revolucionario, ya que esa era la fuente de su financiación. Fue durante la década de 1980 cuando el arte comenzó a reflejar una verdadera expresión no influenciada. El "renacimiento" de la expresión en el arte cubano se vio muy afectado por el surgimiento de una nueva generación de cubanos, que no recordaba directamente la revolución. [1]
En 1981, los cubanos vieron la introducción de "Volumen Uno", una serie de exposiciones individuales de artistas cubanos contemporáneos. Tres años más tarde, la introducción de la "Bienal de La Habana" contribuyó a un mayor avance de la liberación del arte y la libertad de expresión en el mismo. [2]
Durante la mayor parte de sus 400 años bajo dominio español, Cuba y específicamente La Habana funcionaron como el principal centro de distribución del imperio español en América, con una población de comerciantes, administradores y profesionales interesados en apoyar las artes. En el siglo XVI comenzaron a llegar pintores y escultores de Europa para decorar iglesias y edificios públicos cubanos. A mediados del siglo XVIII, los artistas nativos que trabajaban según la tradición europea estaban activos en Cuba. [3] [4]
El primero de ellos en dejar una obra sustancial e identificable fue José Nicolás de la Escalera (1734 – 1804). Aunque en su mayoría carecen de originalidad, sus escenas religiosas, en particular las que decoran la cúpula y el altar de la Iglesia de Santa María del Rosario, cerca de La Habana, son espectaculares e incluyen las primeras representaciones artísticas de esclavos negros cubanos. [5] [3]
Vicente Escobar (1762 - 1834) fue un mestizo cuya habilidad como retratista lo hizo popular entre la élite cubana. [6] Aunque no tenía educación artística formal, abrió lo que posiblemente fue el primer taller/estudio de pintura de Cuba, y luego se graduó con honores de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Sus retratos estaban firmemente en el estilo clásico europeo pero tenían una frescura y energía distintivas. [7]
Una revuelta de esclavos que culminó con la declaración de independencia del vecino Haití en 1804 resultó ser una especie de ganancia inesperada para Cuba, ya que los propietarios de plantaciones refugiados y sus esclavos se trasladaron a la parte oriental subdesarrollada y despoblada de la isla. Sin embargo, el éxito del levantamiento de esclavos de Toussaint y Dessalines sembró una intensa ansiedad en todo el Caribe, y una respuesta a ello fue el crecimiento del costumbrismo (visiones realistas pero románticas de la vida cotidiana) en el arte cubano. [4]
Uno de los primeros artistas destacados de este género fue el español Víctor Patricio de Landaluze (1830 - 1889), cuyas pinturas representaban la vida de las plantaciones como tosca pero esencialmente natural y armoniosa. Sus caricaturas políticas para la revista El Almendares adoptaron una visión más satírica de la "aristocracia criolla" urbanizada. Opuesto a la independencia cubana, Landaluze finalmente perdió el favor del público, pero su trabajo sigue siendo valorado por capturar la atmósfera y las actitudes de su época. [8] [3] [4]
El 11 de enero de 1818 se estableció en La Habana la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro (conocida como la "Academia San Alejandro", en honor a un importante fundador/benefactor), bajo la dirección del francés Jean Baptiste Vermay . La academia de arte más antigua de América Latina, es la segunda institución de educación superior más antigua de Cuba, después de la Universidad de La Habana . Hasta la actualidad, ha producido muchos de los artistas más importantes de Cuba. [ cita necesaria ]
A finales del siglo XIX, la pintura de paisajes se había vuelto popular, con artistas como Miguel Arias Bardou , Guillermo Collazo , José Abreu Morell y José Joaquín Tejada creando escenas que presentaban el exuberante entorno natural de Cuba. A pesar del contenido benigno de su trabajo, muchos artistas (quizás el más destacado Collazo) fueron firmes partidarios de la independencia cubana y algunos se vieron obligados a exiliarse.
En 1898, los cuatro siglos de dominio español sobre Cuba llegaron a su fin cuando las tropas estadounidenses intervinieron del lado de los combatientes rebeldes. La independencia, sin embargo, resultó ilusoria, ya que Estados Unidos controlaba la política exterior de Cuba y gran parte de su economía, [9] mientras que los presidentes fuertes hacían poco para fomentar la libertad y la democracia. Los artistas de principios de la era republicana continuaron como antes, pintando paisajes y escenas de la vida cubana en el estilo tradicional europeo, algunos de ellos mostrando ligeros toques de impresionismo . Muchos, como Antonio Sánchez Araujo , Armando Menocal , Antonio Rodríguez Morey , Domingo Ramos Enríquez y Leopoldo Romañach , llegaron a ser instructores o administradores de la Academia San Alejandro y otras instituciones artísticas. Los movimientos modernistas que convulsionaron el arte europeo a principios del siglo XX tuvieron inicialmente poco impacto en el mundo cerrado y académico del arte cubano contemporáneo. [3]
A finales del siglo XIX, los paisajes dominaban el arte cubano y el clasicismo seguía siendo el género preferido. [10] Los movimientos artísticos radicales que transformaron el arte europeo en las primeras décadas del siglo llegaron a América Latina en la década de 1920 para formar parte de una vigorosa corriente de innovación artística, cultural y social. [3]
A finales de la década de 1920, los artistas de Vanguardia habían rechazado las convenciones de la academia nacional de arte de Cuba, la Escuela Nacional de Bellas Artes “San Alejandro” , en La Habana , a la que había asistido la mayoría de ellos. En sus años de formación, muchos habían vivido en París , donde estudiaron y absorbieron los principios del surrealismo , el cubismo y el primitivismo modernista . El modernismo irrumpió en la escena cubana como parte del movimiento crítico de regeneración nacional que surgió en oposición a la dictadura de Gerardo Machado , el control neocolonial estadounidense y la consiguiente crisis económica. [11] Regresaron a Cuba comprometidos con la nueva innovación artística y deseosos de abrazar el patrimonio de su isla. Estos artistas se volvieron cada vez más políticos en su ideología, viendo a los pobres de las zonas rurales como símbolos de identidad nacional en contraste con la élite gobernante de la Cuba posterior a la independencia. El líder de vanguardia Eduardo Abela , pintor que estudió en París, fue un ejemplo típico del movimiento. Descubrió su Cuba natal desde el exterior, aparentemente motivado por una combinación de distancia y nostalgia. A su regreso, Abela entró en un período de trabajo altamente productivo. Sus murales de la vida cubana se complementaron con caricaturas que se convirtieron en críticas sociales de la vida cubana bajo el régimen autoritario de Machado. [12]
Entre los pioneros del movimiento se encontraban Abela, Antonio Gattorno , Víctor Manuel , Fidelio Ponce de León y Carlos Enríquez Gómez . Nacidos alrededor del cambio de siglo, estos artistas crecieron en medio de la agitación de la construcción de una nueva nación y alcanzaron la madurez cuando los cubanos estaban comprometidos en descubrir e inventar una identidad nacional. Compartían plenamente el sentimiento de confianza, renovación y nacionalismo que caracterizó a los intelectuales progresistas cubanos en el segundo cuarto del siglo XX.
Antonio Gattorno (1904 - 1980) y Eduardo Abela (1889 - 1965) fueron los primeros pintores de su generación en adaptar el arte moderno europeo y mexicano a la interpretación de sus temas cubanos. También encontraron en la franqueza y la idealización de la pintura del Renacimiento temprano un modelo eficaz para la expresión de temas cubanos. Las imágenes criollas de estos pintores, a pesar de todas sus diferencias, compartían una visión primitivista moderna de Cuba como una tierra rural exótica, atemporal, habitada por gente sencilla y sensual, aunque también triste y melancólica. Aunque arraigada en el entorno natural y cultural de Cuba, la visión de lo Cubano estaba muy alejada de la realidad histórica contemporánea. Más bien, se basó en una concepción ideal de Patria que había sido un componente del nacionalismo y el arte cubanos desde el siglo XIX. [3]
Esta visión idealizada apareció con fuerza en los retratos y paisajes de Victor Manuel (1897 - 1969), quien quedó particularmente impresionado por las obras de Paul Cézanne y Paul Gauguin durante sus dos estancias relativamente breves en París. Manuel, graduado de San Alejandro y muy hábil en dibujo y composición, optó por aplicar la simplicidad primitivista a sus sujetos cubanos (uno de sus favoritos es el rostro femenino) y destacó cualidades de melancolía y fuerza, como se captura en La Gitana Tropical ( The Tropical Gipsy , 1929). ), considerada por la crítica como una de las piezas definitorias del arte de vanguardia cubana. [3] [13]
El énfasis que Carlos Enríquez (1900 - 1957) y Fidelio Ponce (1895 - 1949) pusieron en los temas del cambio, la transformación y la muerte han tenido un impacto duradero en el arte cubano. [14] Enríquez y Ponce representan dos aproximaciones a la muerte: la primera marcada por la huida exuberante y la emoción; el segundo por contemplación melancólica. Si Enríquez pintó el delirio tras el asedio triunfante, Ponce pintó la antesala del duelo. Enríquez fue un pintor autodidacta de una familia adinerada, mientras que Ponce, aunque había asistido a la Academia de San Alejandro, pasó su vida en la pobreza. Lo que tenían en común estos dos pintores más originales y distintivos de la Vanguardia, aparte de graves problemas de alcoholismo, era el hecho de que ninguno de los dos había estudiado en Europa. [3]
A principios de 1927, se realizaron exposiciones individuales de Víctor Manuel y Antonio Gattorno en la Asociación de Pintores y Escultores de La Habana, seguidas en mayo por la Primera Exposición de Arte Nuevo , una exposición colectiva en la que participaron en su mayoría modernistas cubanos. Promocionadas por la revista de vanguardia Revista de Avance , estas muestras bien recibidas fueron avances importantes hacia la aceptación del arte moderno en Cuba. [3]
Los maestros de la primera generación del modernismo cubano prepararon el escenario para la prevalencia de ciertos temas que gobernarían el arte cubano después de 1930, y que tendrían diversos grados de impacto en aquellas generaciones que más tarde emergerían completamente en el exilio después de 1960. Entre 1934 y En 1940, y todavía recuperándose del derrocamiento de Machado, Cuba buscaba su identidad cultural en sus raíces europeas y africanas. El paisaje, la flora, la fauna y la tradición de la isla, así como de sus campesinos, la base a menudo descuidada del alma y la economía de Cuba, emergieron en su arte. [14]
Wifredo Lam (1902 - 1982), un cubano de ascendencia china, española y africana, tuvo poca participación directa con la Vanguardia habanera, pero era de la misma generación y tenía motivaciones y experiencias similares con su arte. Después de asistir a la Academia de San Alejandro, inicialmente tomó la ruta más tradicional de estudiar en Madrid y vivió y trabajó en España durante muchos años. Después de servir en la Guerra Civil Española , huyó a París, donde estuvo bajo el ala de Pablo Picasso , quien despertó el interés de Lam por la escultura africana. Lam también se hizo amigo del poeta y filósofo surrealista André Breton . Al regresar a Cuba en 1941 después de dos décadas en el extranjero, Lam quedó encantado, consternado y poderosamente inspirado por su tierra natal. Rápidamente desarrolló su estilo maduro, que incorporaba elementos del cubismo, el surrealismo y el arte africano , junto con imágenes de los rituales de santería en los que había crecido. En 1943 pintó La selva , considerada una de las obras maestras del arte cubano. [15] [4] [3]
Amelia Peláez (1896 - 1968) fue la única artista femenina importante de la Vanguardia. Licenciada en San Alejandro, estudió y trabajó durante varios años en París, donde, antes de su regreso a La Habana en 1934, absorbió la influencia de Henri Matisse y, especialmente, el cubismo de Pablo Picasso y Georges Braque . Durante su larga carrera, trabajó en una variedad de medios, incluyendo pintura, cerámica y mosaicos, y exploró una variedad de temas y temas, pero ya sea al crear sus bodegones abstractos o sus famosos murales públicos a gran escala, su trabajo empleó constantemente colores vivos y composición elaborada, así como representaciones de la flora tropical de Cuba y los omnipresentes motivos arquitectónicos coloniales españoles de La Habana. A pesar de toda su colorida energía, sin embargo, el crítico francés Francis de Miomandre percibió en su obra "un mundo cerrado, completamente enigmático, perseguido por un silencio enigmático". Ella, Lam y Enríquez han llegado a ser considerados los estilistas más distintivos y definitivos del arte cubano. [3] [16] [4]
En 1935, la Vanguardia fue reconocida en Cuba como una fuerza cultural importante y comenzó a ganar considerable atención a nivel internacional. A finales de los años treinta y cuarenta se llevaron a cabo importantes exposiciones de arte moderno cubano en los Estados Unidos y en toda América Latina. Escribió Albert H. Barr, Jr., organizador de la exposición de Pintura Moderna Cubana en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1944: "Podemos estar agradecidos por esa temeraria exuberancia, alegría, franqueza y amor por la vida que los pintores cubanos muestran tal vez". más que los artistas de cualquier otra escuela." [3]
El arte cubano moderno fue visto por fin en París, Francia, en una exposición en el Musée National d'Art Moderne en 1951. [3]
Los propios artistas vieron pocos beneficios materiales del creciente interés por el arte cubano moderno. Ocasionalmente se repartieron premios por compras, como en el Primer Salón Nacional de Pintura y Escultura de 1935, pero no había un sistema consistente de patrocinio y los encargos para los vanguardistas cubanos eran raros. La mayoría subsistía con trabajos docentes y comerciales mal remunerados; unos pocos, como Enríquez y Peláez, tenían medios de sustento a través de sus familias, y algunos, como Ponce y Manuel, vivían en la pobreza. [3] El único de ellos que finalmente consiguió precios altos por su trabajo en vida fue Wifredo Lam. [15]
Otros artistas notables de la vanguardia original fueron Jorge Arche, Marcelo Pogolotti , Arístides Fernández, Rafael Blanco, Domingo Ravenet, Alberto Peña y Lorenzo Romero Arciaga. El Segundo Salón Nacional de Pintura y Escultura de 1938 puso de relieve una segunda generación de artistas modernos que incluía a Cundo Bermúdez , Mario Carreño , Rita Longa , Alfredo Lozano, Luis Martínez-Pedro y René Portocarrero [3].
A finales de la década de 1940, la primera generación de artistas de vanguardia se había dispersado y seguía sus carreras individuales. Lam logró un gran éxito y vivió principalmente en París después de 1952. [15] Arche, Fernández y Peña murieron jóvenes; Enríquez y Ponce lograron cierto reconocimiento internacional antes de morir en la mediana edad. Otros, como Gattorno y Pogolotti, abandonaron Cuba y llevaron su arte hacia direcciones completamente nuevas; Aún más emigraron después de la Revolución Cubana de 1959, que dejó a los artistas cubanos aislados de los desarrollos y mercados del arte en Estados Unidos y Europa. Varios, como Peláez, Abela y Manuel, continuaron produciendo trabajos en Cuba. [3]
Los artistas de Vanguardia recibieron reconocimiento internacional en 2003 con la exposición Pintura Cubana Moderna en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, mostrada posteriormente en París. [17] Los artistas cubanos modernos continúan realizando trabajos significativos en esta tradición, incluidos Juan Ramón Valdés Gómez (llamado Yiki) y José Toirac .
Según críticos de arte europeos y norteamericanos, el arte ingenuo suele ser reconocido por su frescura infantil y sus cualidades de aficionado, [18] como la falta de perspectiva precisa, poco o ningún modelado y coloración atrevida. [19] Generalmente se reconoce que los artistas que trabajan en este estilo favorecen un estilo de arte más "primitivo" o "folk". [20] El término ingenuo en sí mismo puede ser problemático; Generalmente significa que un artista es autodidacta, pero ha sido utilizado en el pasado por artistas académicos o críticos como un término despectivo, ya que los artistas ingenuos tienden a ignorar las reglas básicas del arte. A pesar de su desprecio por las convenciones académicas, los artistas ingenuos suelen ser bastante sofisticados en sus formas personales de expresión artística.
Los colores utilizados en el arte ingenuo cubano son especialmente vívidos, y los artistas utilizan los tonos vibrantes de su hogar tropical para presentar una visión idealizada de la vida rural, con referencias espirituales al catolicismo y los Orichas (deidades) de la santería, leyendas y otros aspectos de la cultura afro. Cultura cubana, pasado y presente. Este estilo de arte ingenuo retrata la típica cosmovisión cubana del disfrute de la vida a pesar de sus dificultades [19]
En la década de 1950, el turismo estadounidense en Cuba creó una gran demanda de arte folclórico y pintoresco, lo que llevó a una mayor producción de lo que se conoció como "arte turístico", la mayor parte del cual fue clasificado como ingenuo. [21] En ese momento, este arte era visto como una "forma de expresión atrasada, bárbara y cruda que debe ser barrida", en lugar de una representación auténtica de una cultura viva. [22] Después de la Revolución Cubana de 1959, se fomentaron las actividades educativas, culturales y artísticas, y los artistas pudieron asistir a las escuelas de arte de libre acceso del país ( Escuelas Nacionales de Arte , ahora conocidas como Instituto Superior de Arte ). Aun así, ya sea por aislamiento físico o por desinterés por el mundo de la pintura académica, persistió un gran número de pintores autodidactas Ingenuos o Espontáneos . Muchos de estos artistas se unieron para formar el Movimiento de Artistas Populares a principios de los años 1960. Aunque este y otros esfuerzos cooperativos disminuyeron durante las décadas siguientes, los propios artistas continuaron pintando. [23]
Debido al orgullo nacional cubano por los logros académicos y la formación artística, se había considerado degradante ser llamado artista ingenuo en los primeros años posteriores a la Revolución. Dado que el gobierno generalmente no reconocía a los artistas ingenuos como artistas profesionales, la comunidad artística en general no los tomaba en serio y, en ocasiones, eran acosados; el gobierno cubano afirmaba que sus ventas de arte eran una actividad ilegal. [24] A finales del siglo XX, sin embargo, esta actitud comenzó a cambiar.
En 1997, Sandra Levinson, directora ejecutiva del Centro de Estudios Cubanos Art Space en la ciudad de Nueva York, organizó Naïve Art in Cuba , una exposición única en su tipo en el Metropolitan Arts Center que presenta el arte de catorce artistas ingenuos cubanos. además de los ocho integrantes del colectivo de artistas Grupo Bayate de Mella , Santiago de Cuba . Estos artistas fueron descubiertos durante un viaje a Cuba en 1996 por Levinson, Olga Hirshhorn y otros, quienes recorrieron la isla en busca de ejemplos de este estilo de arte, del que tan poco se había visto anteriormente en los Estados Unidos [19].
El jefe no oficial del Grupo Bayate es Luis Rodríguez Arias (nacido en 1950), panadero de profesión. Se le conoce como el maestro para diferenciarlo de su hijo, el artista Luis Rodríguez Ricardo (nacido en 1966), quien se hace llamar el Estudiante . Ambos estuvieron representados en la exposición Arte Naif de Cuba , que se desarrolló del 11 de septiembre al 10 de octubre de 1997. [19]
Luis El estudiante Rodríguez se encuentra entre los pintores naif cubanos más destacados. Comenzó a pintar a los dieciocho años; Ha descrito su primer cuadro, de la casa de una novia, como "horrible". [25] Después de servir en el ejército y trabajar en la construcción, fue asignado a labores agrícolas durante el "período especial" de Cuba. En esos años comenzó a trabajar con la escultura como forma de complementar sus ingresos, dedicándose unos años más tarde a la pintura. [26] Como la mayoría de los artistas ingenuos, encuentra inspiración para su trabajo en las experiencias de su vida diaria: rituales religiosos y los eventos y personas de su comunidad. Habiendo crecido en un vecindario de familias mayoritariamente haitianas, está muy consciente de sus luchas; a veces describe su trabajo como "polémico". [26] En enero de 1997, el Estudiante realizó una exposición individual en la galería más grande y prestigiosa de Santiago de Cuba, Oriente, y continúa participando en exposiciones realizadas por el Grupo Bayate . En junio de 2002, su obra fue descrita como "descontroladamente colorida y apilada como un tren en hora punta" en un artículo del New York Times titulado "Ebullient Cubans Make a Lot Out of a Little", [27] que también habla del mercado del arte. éxito de su estilo ingenuo.
Otro artista presentado en la exposición Arte Naif de Cuba del Metropolitan Arts Center de 1997 fue Julián Espinoza Rebolledo, también conocido como Wayacón. Nacido en 1931 (aunque su nacimiento no fue registrado hasta 1941, por lo que "oficialmente" es 10 años más joven de lo que realmente es), Wayacón comenzó a pintar siendo un niño. Este artista autodidacta asistió a la escuela solo hasta el tercer grado y se mantuvo como constructor, siendo oyente de cursos en la academia cubana cuando era mayor. En la década de 1950 se incorporó al grupo de artistas Signos y participó en sus primeras exposiciones en Japón y Suiza. [28] Aunque admirador de Miró , Chagall , Degas y Picasso , sus mayores inspiraciones provienen de la observación de la práctica de la religión santería. [29] Muchas de sus pinturas muestran su influencia, ya que contienen colores vivos e imágenes religiosas, con una calidad casi alucinógena. [19]
El artista naif más destacado de Cuba es José Rodríguez Fuster , conocido como Fuster. Además de sus pinturas y dibujos, a lo largo de los años ha transformado el suburbio pobre de Jaimanitas, La Habana, en un paisaje urbano mágico y onírico, aprovechando su experiencia como ceramista para crear un ambiente que evoca el famoso Parque Güell de Antoni Gaudí en Barcelona . Hay un parque de ajedrez, con tableros y mesas gigantes, casas decoradas individualmente con murales y cúpulas ornamentadas, un alboroto de gallos gigantes, gauchos, figuras religiosas afrocubanas instaladas en la entrada de muchas casas, un teatro fusterizado, plazas públicas y un gran mural.
El arte primitivo y forastero de Corso de Palenzuela (n. La Habana, ca. 1960), un pintor autodidacta de ascendencia sefardí, aprovecha un rico filón de memoria para su material original, representado en un paisaje cubano muy personal. Aunque emigró a los EE. UU. con su familia a la edad de ocho años, sus lugares de trabajo coloridos y vívidos ponen gran énfasis en resaltar la rica herencia cultural de su tierra natal. [30]
Aunque técnicamente no es un artista ingenuo, Manuel Mendive es quizás el exponente más importante del afrocubanismo contemporáneo en las artes visuales. Nacido en 1944 en el seno de una familia practicante de la Santería, se graduó en la prestigiosa Academia de Artes Plásticas San Alejandro de La Habana en 1962 con honores en escultura y pintura.
Son pocos los artistas ingenuos que han estado representados en los Salones de Arte Contemporáneo o en la Bienal de La Habana. Sin embargo, con el creciente interés en el género, a partir de 2015, hay un número cada vez mayor de artistas académicos que han comenzado a pintar en este estilo, con una mayor representación para todos. [31]
En la década de 1960, las secuelas de la revolución cubana trajeron nuevas restricciones, provocando un éxodo de intelectuales y artistas. El nuevo régimen requería "una práctica de la cultura como propaganda ideológica, junto con un nacionalismo estereotipado". [32] Aunque las políticas gubernamentales, impulsadas por recursos limitados, limitaron la expresión artística, ampliaron, a través de la educación y los subsidios, el número de personas que podían practicar el arte, rompiendo barreras a través de la democratización y la socialización. La creciente influencia de la Unión Soviética en las décadas de 1960 y 1970 impactó la cultura cubana, pero el gobierno cubano no igualó a la URSS en su grado de control sobre las artes. [32]
En la década de 1960, agencias gubernamentales como la Comisión de Orientación Revolucionaria (la división editorial del Partido Comunista de Cuba, más tarde rebautizada como Editora Política (EP)) y OSPAAAL comenzaron a producir carteles con fines propagandísticos. Muchos de ellos utilizaban características de diseño estereotípicamente soviéticas, pero incluso algunas de las primeras muestras mostraban indicios del estilo cubano para el diseño gráfico colorido e inventivo y, a finales de los años 60, el arte gráfico cubano estaba en su apogeo. Aunque todavía producían esencialmente propaganda, artistas como René Mederos , Raúl Martínez , Alfredo Rostgaard y Félix Beltrán estaban creando obras vívidas, poderosas y muy distintivas que tuvieron una influencia global en el diseño gráfico. [33] [34]
Una imagen comúnmente utilizada por los diseñadores gráficos cubanos fue "Guerillero Heroica", una fotografía del Ché Guevara tomada por Alberto Korda (n. La Habana, 1928 – m. París, 2001). La sincera foto de un Guevara exhausto y de mal humor, tomada en marzo de 1960 en un servicio conmemorativo para las víctimas de la explosión de un barco de municiones en el puerto de La Habana , se convirtió en una de las imágenes más emblemáticas del mundo. Finalmente fue modificado y adaptado para todo, desde envoltorios de chicle hasta una escultura de hierro conmemorativa de 90 pies de altura en la Plaza de la Revolución de La Habana . Korda fue un popular fotógrafo de moda que se convirtió en un revolucionario devoto y compañero cercano de Fidel Castro, tomando miles de fotografías de los viajes de Castro y la transformación de Cuba. [35] [36]
Los cubanos siguieron decididos a reforzar una identidad cubana arraigada en su propia cultura, como lo ejemplifica el trabajo del Grupo Antillano . [37] La asimilación o síntesis simultánea de los principios del arte occidental moderno y el desarrollo de escuelas y movimientos de arte afrocubanos crearon una nueva cultura cubana. [ cita necesaria ] El arte proliferó bajo programas estatales de patrocinio y empleo durante este período posrevolucionario; Los programas politizaron el contenido artístico e inspiraron confianza en el pueblo dentro del marco del nacionalismo reinventado de Cuba. Nelson Domínguez y Roberto Fabelo pasaron de la abstracción y el neoexpresionismo de los años cincuenta a inmortalizar al proletariado, los agricultores, los trabajadores y los soldados, sin dejar de utilizar muchas de las técnicas que aprendieron bajo la tutela de Antonia Eiriz Vázquez. Al combinar el nacionalismo con la politización del arte, los artistas mantuvieron un nivel de libertad que continúa inspirando innovación. [ cita necesaria ]
El Salón de Mayo fue una exposición de arte celebrada en La Habana en julio de 1967. Organizada por Carlos Franqui , presentó obras de más de un centenar de artistas y representó escuelas rivales del arte del siglo XX: los primeros modernistas (Picasso, Miró, Magritte); la próxima generación (Lam, Calder, Jacques Hérold, Stanley Hayter ); y posguerra ( Asger Jorn , Antonio Saura , Jorge Soto. [38] Representó el punto culminante de la libre expresión artística en la década posterior a la revolución. [39]
Las décadas de 1960 y 1970 vieron la introducción del arte conceptual , desplazando el énfasis de la artesanía a las ideas. Esto a menudo significó la eliminación de objetos en la producción artística; sólo se expresaron o discutieron ideas. Requería un mayor nivel de participación por parte del usuario (participación interactiva o un conjunto de instrucciones a seguir). El arte conceptual, el minimalismo , el arte terrestre y el arte escénico se mezclaron para ampliar la definición misma de arte. [40]
A finales de la década de 1970, muchos de los graduados de la escuela de artes de Cuba, "la Facultad de Artes Plásticas del Instituto Superior de Arte" (fundada en 1976) iban a trabajar como maestros, enseñando arte a jóvenes cubanos de todo el mundo. isla. Esto proporcionó una plataforma para que los graduados enseñaran a los estudiantes sobre la libertad de expresión en el medio, el mensaje y el estilo del arte. Fue este nuevo nivel de experimentación y expresión lo que permitiría el movimiento de los años ochenta. [2]
En Cuba, estos nuevos desarrollos se sintetizaron naturalmente a través de la sensibilidad afrocubana y surgieron como El Arte Nuevo, un movimiento artístico ampliamente reconocido como distintivamente cubano. [ cita necesaria ] Jóvenes artistas nacidos después de la revolución se rebelaron contra el modernismo y abrazaron el arte conceptual, entre otros géneros. Muchos continuarían tradiciones folclóricas y motivos de santería en sus expresiones individuales mientras infundían humor y burla a su mensaje. [32] El arte dio un salto cualitativo al crear arte internacional estructurado sobre puntos de vista africanos, no desde afuera como el surrealismo sino desde adentro, vivo con las complejidades culturales y espirituales de su propia existencia.
La exposición Volumen Uno, en 1981, abrió las puertas al Arte Nuevo. Los participantes, muchos de los cuales todavía estaban en la escuela, crearon una típica reacción generacional por parte de artistas de la generación anterior, incluidos Alberto Jorge Carol, Nelson Domínguez y César Leal, quienes atacaron a los advenedizos. El grupo Volumen Uno -integrado por José Bedia , Lucy Lippard , Ana Mendieta , Ricardo Brey , Leandro Soto, Juan Francisco Elso , Flavio Garciandia, Gustavo Pérez Monzón, Rubin Torres Lloret, Gory (Rogelio López Marín) y Tomás Sánchez- presentó una "fresca mezcla ecléctica filtrada a través del informalismo, el pop, el minimalismo, el conceptualismo, el performance, el graffiti y el Arte Povera reconfigurados y reactivados... para ser crítica, ética y orgánicamente cubanos". [41]
Esta era de artistas estaba dedicada a personas que estaban dispuestas a correr riesgos en su arte y expresarse verdaderamente, en lugar de expresar cosas que apoyaran el movimiento político. Al observar el arte de la década de 1980, vemos una tendencia en el uso de la forma de Cuba como inspiración para el arte. One-piece, Inmediatamente Geográfico del artista Florencio Gelabert Soto, es una escultura con la forma de Cuba pero dividida en muchos pedazos. Una interpretación podría reflejar el trato todavía desigual hacia los artistas y la represión a la que estaban sometidos. Estaba en marcha un movimiento que reflejaba esta pieza artística en el que la forma de Cuba se convertía en un símbolo de la obra de arte en una fase conocida como "tokenización". Esta obra de arte combinaba a menudo la forma de la isla de Cuba con otros atributos de la nación, como la bandera. Al combinar los diversos símbolos de Cuba, los artistas proclamaban con orgullo "esto es lo que somos". Sin embargo, algunos críticos e historiadores de arte argumentarán que esto se debió en parte a la naturaleza aislada de la isla, y que el uso de la isla en obras de arte representaba una sensación de estar solo; Como ocurre con todo arte, la intención del artista puede tener muchas interpretaciones. [42]
A mediados de la década de 1980, otro grupo de artistas buscó una responsabilidad política más explícita para "reavivar el desorden", "reavivar la confusión", como lo incorporó Aldo Menéndez en su instalación de 1988. Acompañando la instalación de Menéndez había una nota: "Como pueden ver, este trabajo está casi en blanco. Sólo pude comenzarlo por falta de materiales. Por favor ayúdenme". Aquí está el humor cubano, la foto , "quizás la expresión más cubana por excelencia". [41]
La risa se convirtió en el antídoto de la energía anarquista a favor y en contra de la revolución; "un momento una resaca agresiva, luego la provocación de un bufón, acentuando las tensiones", escribió Rachel Weiss en Hacia y desde la utopía en el nuevo arte cubano . [41] "La foto es alérgica a la autoridad y al prestigio, enemigo del orden en todas sus manifestaciones... El desencanto civil, el carácter interior incrédulo y burlón del cubano sale a la superficie." [41] La fotografía , prescindiendo de la exactitud, tiende a representar los límites extremos de un ejemplo. Este humor sardónico cubano se ha vuelto tan omnipresente en el arte cubano como los brillantes colores caribeños de su paleta. Eduardo Ponjuán, Glexis Novoa (del grupo ABTV), Carlos Rodríguez Cárdenas , Carlos Garaicoa , René Francisco y Enrique Silvestre [43] son ejemplos de esta sensibilidad, mezclándola con el kitsch y retrocediendo en el tiempo, identificándose con las actitudes cubanas actuales, liberadoras. arte en vísperas del "período especial" cubano, en el que la Unión Soviética retiró su ayuda financiera.
En 1990, el gobierno cubano inició programas para estimular el comercio turístico como medio de compensar la pérdida del apoyo soviético. En 1992 se enmendó la constitución [ ¿quién? ] para permitir y proteger la propiedad de propiedad extranjera, y en 1993 se permitió que el dólar circulara legalmente. En 1994 se creó un departamento a nivel de gabinete, el Ministerio de Turismo, para mejorar aún más el turismo, que es la mayor fuente de ingresos de Cuba. [41] La reacción inicial de los artistas, así como de la población en general, fue la retirada; "Retirada de lo público a lo privado...de lo colectivo a lo individual...de lo épico a lo mundano...de la sátira a la metáfora...Retirada de la controversia...retirada de la confrontación". [41] Pero fue la retirada del arte conceptual al figurativo lo que definió el cambio en la pintura. Debido en gran medida al interés de los turistas, el arte adquirió mayor visibilidad, además de volver a un modo de expresión más figurativo. El arte también funcionó como espacio donde los cubanos debatieron algunos de los problemas sociales magnificados por el " Período Especial ", como lo ilustra el proyecto artístico Queloides , que aborda cuestiones de raza y discriminación. [44]
"Cada cubano es un artista y cada hogar es una galería de arte", escribió Rachel Weiss en Hacia y desde la utopía en el nuevo arte cubano . [41]
"Una cuestión de gran importancia en la cultura cubana es el vínculo entre posiciones políticas y artísticas radicales... donde la cultura conlleva una marcada ventaja social en sintonía con las circunstancias en las que se produce y donde se ve obligada a construir una identidad nacional frente a la colonización. y potencias neocoloniales". [32]
En la década de 1980, cuando el Nuevo Movimiento Artístico Cubano se estaba consolidando, muchos todavía esperaban establecer la utopía tercermundista de justicia social prometida por la revolución cubana. Si bien Cuba comparte muchas características con otros países latinoamericanos, tres factores le garantizan una ubicación única entre los países anteriormente colonizados de América:
"Aunque la libertad de expresión es inexistente en Cuba, se puede tolerar cierta disonancia para artistas reconocidos, en el momento y lugar adecuados, lo que básicamente significa ocasionalmente, en lugares oficialmente autorizados (y controlados), con muy poca (si es que) Cualquier) desbordamiento en los medios de comunicación. Esto mantiene a todos alerta y crea una tensión que es útil para el Estado. Al mercado global parece gustarle el arte cubano con un toque de irreverencia política, aunque muchas grandes obras de artistas cubanos se venden en el extranjero. No presentan ningún estilo o contenido cubano, caribeño o latinoamericano. Los artistas cubanos suelen ser maestros del doble sentido y el distanciamiento (parodia, ironía, sarcasmo y pastiche). es en su mayor parte intrascendente en la isla. Puede ser censurado cuando parece estar cruzando la línea, quizás dejando al artista libre para presentarlo en el extranjero y exhibir algunas otras obras en casa." [45]
Además de la cristiana, predominantemente católica, cuatro religiones africanas siguen influyendo en la cultura que se practica en Cuba: la santería (yoruba), el palo monte (kongo), la regla arara (oveja fon) y la secreta, exclusivamente masculina, abakuá ( Calabar). Las religiones africanas funcionan de forma independiente y sintetizada entre sí y con las religiones cristianas ( sincretismo ). Estas visiones únicas de la realidad forman un núcleo de prácticas, creencias y costumbres que han dado forma a una distinción cultural etiquetada como afrocubana y conocida como la fuerza dominante en el arte cubano; un transracial, "hibridado, inventivo e influyente en la construcción de la cultura [cubana] contemporánea". [46]
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