La educación en artes visuales es el área de aprendizaje que se basa en el tipo de arte que uno puede ver, artes visuales : dibujo , pintura , escultura , grabado y diseño en joyería , cerámica , tejido , telas , etc. y el diseño aplicado a más Campos prácticos como gráficos comerciales y muebles para el hogar. Los temas contemporáneos incluyen fotografía , vídeo , cine , diseño y arte por computadora . La educación artística puede centrarse en que los estudiantes creen arte, en aprender a criticar o apreciar el arte, o en alguna combinación de ambos.
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El arte a menudo se enseña a través del dibujo , la pintura, la escultura, la instalación y la creación de marcas. El dibujo se considera una actividad empírica que implica ver, interpretar y descubrir marcas apropiadas para reproducir un fenómeno observado. La enseñanza del dibujo ha sido un componente de la educación formal en Occidente desde el período helenístico . [1] En Asia Oriental , la educación artística para artistas no profesionales normalmente se centraba en la pincelada; la caligrafía se contaba entre las seis artes de los caballeros de la dinastía Zhou china , y la caligrafía y la pintura china se contaban entre las cuatro artes de los eruditos-funcionarios de la China imperial. [2]
Un enfoque alternativo a la educación artística implica un énfasis en la imaginación, tanto en la interpretación como en la creación de arte. Muchos educadores preguntarán a sus alumnos "¿Por qué crees que el artista tomó esta decisión?", una vez que hayan dado una respuesta, les darán el contexto de la pieza y luego les preguntarán nuevamente. Esto es para que los estudiantes consideren el significado más profundo detrás de las obras, en lugar de simplemente mostrarles una imagen bonita. La educación artística también se trata de experimentación y juego con propósito y de vincular su arte con mensajes conceptuales y experiencias personales. [3] Permitir que los estudiantes conecten una pieza con una emoción les ayuda a comprender mejor cómo la obra de arte se conecta con el artista y su tema, desarrollando sus habilidades de pensamiento crítico. Enfoques alternativos, como la cultura visual y los enfoques basados en problemas en los que los estudiantes exploran cuestiones sociales y personales a través del arte, también influyen en la educación artística actual. [4]
Los modelos curriculares destacados para la educación artística incluyen:
Además, especialmente en la educación superior en la tradición de las artes liberales , el arte a menudo se enseña como "apreciación del arte", un tema de crítica estética más que de compromiso directo. [9]
Algunos estudios muestran que los programas sólidos de educación artística han demostrado un mayor rendimiento de los estudiantes en otras áreas académicas, debido a que las actividades artísticas ejercitan los hemisferios derechos de sus cerebros y deslateralizan su pensamiento. [10] Véase también Dibujo de Betty Edwards en el lado derecho del cerebro .
La educación artística no se limita a las instituciones educativas formales. Algunos artistas profesionales brindan instrucción privada o semiprivada en sus propios estudios. Esto puede tomar la forma de un aprendizaje en el que el estudiante aprende de un artista profesional mientras lo ayuda con su trabajo. Una forma de este estilo de enseñanza es el Método Atelier , ejemplificado por Gustave Moreau, quien enseñó a Picasso, Braque y muchos otros artistas. [11]
Históricamente, el arte se enseñaba en Europa a través del sistema del método de taller [12] donde los artistas contrataban aprendices que aprendían su oficio de la misma manera que el de gremios como los canteros o los orfebres . Durante su tiempo libre, la formación formal se realizaba en talleres de arte o, más a menudo, en casas o solos al aire libre. Fue en estos talleres donde los artistas aprendieron el oficio a través del aprendizaje de los maestros, una relación que estaba controlada por los estatutos del gremio. Los contratos florentinos que datan de finales del siglo XIII establecen que se esperaba que el maestro vistiera y alimentara al aprendiz, quien a cambio debía ser un sirviente fiel. Un aprendiz solía pagar al maestro durante los primeros años de su educación; suponiendo que el aprendizaje fuera productivo, el estudiante sería compensado más adelante en su formación. Los talleres del norte de Europa utilizaron términos similares. [13]
Inicialmente, aprender a dibujar era una prioridad en este sistema. Miguel Ángel recomendaba que un joven pintor dedicara un año únicamente al dibujo, luego seis años moliendo colores, preparando paneles y utilizando pan de oro, tiempo durante el cual continuaría el estudio del dibujo. Se necesitarían otros seis años para dominar la pintura al fresco y al temple. [14]
Históricamente, el diseño ha tenido cierta precedencia sobre las bellas artes y en el siglo XVIII se establecieron escuelas de diseño en toda Europa. Estos ejemplos de habilidades y valores del arte europeo temprano inspiraron a generaciones posteriores, incluidos los colonos de la América temprana.
Los individuos que emplean la apropiación cultural tienen la capacidad de producir obras de considerable mérito estético. [15] El uso de propiedades del arte de diferentes culturas, como la decoración o la emulación del proceso creativo, puede fomentar una mayor comprensión y apreciación de las artesanías de diferentes culturas. Esta técnica se puede apreciar en la producción de proyectos de fabricación de máscaras africanas o nativas americanas, donde los estudiantes emulan la técnica y exploran nuevos usos de materiales y métodos de construcción que valoran aquellas prácticas de diferentes culturas. [dieciséis]
País líder en el desarrollo de las artes en América Latina , en 1875 creó la Sociedad Nacional de Estímulo de las Artes, fundada por los pintores Eduardo Schiaffino , Eduardo Sívori , y otros artistas. Su gremio fue reconstituido como Academia Nacional de Bellas Artes en 1905 y, en 1923, por iniciativa del pintor y académico Ernesto de la Cárcova , como departamento de la Universidad de Buenos Aires , Escuela Superior de Arte de la Nación. Actualmente, la organización educativa de las artes líder en el país es la UNA Universidad Nacional de las Artes . [17]
Las universidades australianas que tienen departamentos o cursos de Bellas Artes y Visuales dentro de sus instituciones han pasado de modelos de enseñanza basados en estudios, asociados con escuelas de arte, a un énfasis teórico/práctico más integrado. La Universidad de Australia Occidental ha pasado de una maestría con énfasis teórico a una licenciatura teórica en Arte.
Se han implementado iniciativas de enseñanza basadas en estudios que integran elementos contextuales y mediáticos como parte de un proyecto nacional de enseñanza en estudios [18] apoyado por el Consejo Australiano de Enseñanza y Aprendizaje (ALTC) desde 2007.
La primera escuela de arte moderno de Egipto se inauguró en 1908 como la Facultad de Bellas Artes de El Cairo. [19] Estas primeras escuelas de arte enseñaban en gran medida las tradiciones estéticas occidentales. Como resultado, después de la independencia hubo un esfuerzo por incorporar las tradiciones egipcias y del Medio Oriente en el arte y en los cursos de apreciación del arte. [20] Sin embargo, el proceso fue lento; Los estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de El Cairo no pudieron especializarse en historia del arte no europeo hasta 1999. [20]
La primera academia, la Académie royale de peinture et desculpture , fue fundada en 1648.
Hoy en día, la educación artística, que incluye la educación en artes visuales, es una parte obligatoria de la educación escolar desde el segundo ciclo en [21] (seis años) y se extiende hasta el final de la escuela secundaria inferior ( collège ) .
Hay clases centradas en el arte ( classes à horaires aménagés ) en algunas escuelas que brindan educación artística avanzada en paralelo a la educación primaria normal o secundaria inferior. En las escuelas secundarias superiores , es posible preparar un baccalauréat technologique en ciencias y tecnologías del diseño y de las artes aplicadas (STD2A, antiguo F12).
En la educación terciaria , las escuelas especializadas proponen un diplôme national des métiers d'art et du design (DN MADE, diploma nacional de profesiones de arte y diseño) con varios diplômes des métiers d'art (DMA, licenciatura en profesiones artísticas), y luego diplôme supérieur d'arts appliqués (DSAA, maestría en artes aplicadas).
Las escuelas de arte se establecieron en Italia ya en el siglo XIII, comenzando con una escuela de pintura en Venecia fundada por un pintor griego llamado Teófanes alrededor del año 1200. [22]
La Asociación Holandesa de Profesores de Arte (Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs) se fundó en 1880 y comenzó a publicar una revista mensual en 1884. [23] Desde finales del siglo XX, la creciente diversidad de la sociedad holandesa ha hecho que el arte y la educación artística holandeses sean cada vez más multiculturales . [24]
La educación artística formal surgió en el Reino Unido a principios del siglo XIX, motivada en parte por el deseo de igualar la calidad del trabajo de diseño que se realizaba en Francia. [25] El modelo adoptado inicialmente fue el de las escuelas comerciales alemanas. [25] El Príncipe Alberto fue particularmente influyente en la creación de escuelas de arte en el Reino Unido. [26]
Actualmente en el Reino Unido, el plan de estudios de arte está prescrito por el Plan de Estudios Nacional del gobierno , excepto en las escuelas públicas o de pago. [27] El Príncipe Carlos ha creado la Escuela de Dibujo del Príncipe en Hoxton para preservar la enseñanza del dibujo académico.
El estudio de la apreciación del arte en Estados Unidos comenzó con el Movimiento Artistas de Hoy a finales del siglo XIX y comenzó a desvanecerse a finales de la década de 1920. El estudio de imágenes era una parte importante del plan de estudios de educación artística. La atención a la estética en las aulas generó el interés del público por embellecer la escuela, el hogar y la comunidad, lo que se conoció como "Arte en la vida diaria". La idea era acercar cultura al niño para cambiar a los padres. [28] El movimiento de estudio de imágenes se extinguió a finales de la década de 1920 como resultado de que nuevas ideas sobre el aprendizaje de la apreciación del arte a través del trabajo de estudio se hicieron más populares en los Estados Unidos. [ cita necesaria ]
El filósofo educativo y reformador escolar estadounidense John Dewey influyó en la ampliación del acceso a la educación artística en los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX. [ cita necesaria ]
Desde la Segunda Guerra Mundial , la formación de los artistas se ha trasladado a las escuelas primarias y el arte contemporáneo se ha convertido en un campo cada vez más académico e intelectual. Antes de la Segunda Guerra Mundial, un artista no solía necesitar un título universitario. Desde entonces, la Licenciatura en Bellas Artes y luego la Maestría en Bellas Artes se convirtieron en títulos recomendados para ser un artista profesional, facilitado por la aprobación del GI Bill en 1944, que envió a una ola de veteranos de la Segunda Guerra Mundial a la escuela, escuela de arte incluido. Los departamentos de arte de las universidades se expandieron rápidamente. Artistas estadounidenses que alguna vez pudieron haber estudiado en escuelas bohemias y de artesanía intensiva como la Art Students League , el Black Mountain College o la Escuela de Arte Hans Hofmann en Greenwich Village ; En su lugar, comenzó a matricularse en universidades. En los años 60, la Escuela de Artes Visuales , el Instituto Pratt y Cooper Union en la ciudad de Nueva York y otras escuelas de arte en todo el país como el Instituto de Arte de Kansas City , el Instituto de Arte de San Francisco , la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , el La Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , Princeton y Yale se había convertido en una de las primeras academias de arte. [29] Esta tendencia se extendió desde los Estados Unidos a todo el mundo. [ cita necesaria ]
La matrícula en clases de arte en la escuela secundaria alcanzó su punto máximo a finales de los años sesenta y principios de los setenta. [ cita necesaria ] Sin que ningún niño se quede atrás (NCLB) [ ¿cuándo? ] (que mantiene las artes como parte de la "vida diaria", pero no requiere informes ni datos de evaluación en esta área) ha habido una disminución adicional de la educación artística en las escuelas públicas estadounidenses. [ cita necesaria ] El Departamento de Educación de los Estados Unidos ahora otorga subvenciones para el desarrollo y difusión del modelo de artes en la educación para apoyar a organizaciones con experiencia en arte en el desarrollo de planes de estudio artísticos. Después de 2010, se estima que el 25% de las escuelas secundarias públicas del país finalizarán todos los programas de arte. [ cita necesaria ] Varias empresas de "tecnología educativa" como Kadenze y edX han intentado mitigar esta pérdida a través de la educación artística en línea. [30]
Las organizaciones nacionales que promueven la educación artística incluyen Americans for the Arts [31], incluido Art. Pregunta por más. , [32] su campaña nacional de concientización pública sobre educación artística; Asociación para el Avance de la Educación Artística; Asociación de Educación Artística.; [33]
Las organizaciones profesionales para educadores de arte incluyen la Asociación Nacional de Educación de Arte , [34] que publica la revista Art Education y la revista de investigación Studies in Art Education ; USSEA ( Sociedad Estadounidense para la Educación a través del Arte ) e InSEA (Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte [35] ).
La educación a través de las artes visuales es una influencia importante y efectiva al permitir que los estudiantes, desde una edad temprana, comprendan e implementen el proceso democrático fundamental enfatizado dentro de la estructura social de los Estados Unidos. [36] En 2008, la Evaluación Nacional del Progreso Educativo (NAEP) estudió a 7.900 estudiantes de octavo grado en los campos del arte y la música. Los hallazgos del estudio concluyeron que las estudiantes obtuvieron puntuaciones más altas que sus compañeros varones tanto en música como en artes visuales. [37]
Olivia Gude , ganadora en 2009 de la beca para conferencias Lowenfeld de la Asociación Nacional de Educación Artística, habló sobre las numerosas formas en que la educación artística es fundamental para formar un ciudadano informado, consciente de sí mismo y del mundo. Ella afirma que:
A través de la educación artística, los estudiantes desarrollan habilidades mejoradas para comprender el significado de los demás. A través de una educación artística de calidad, los jóvenes desarrollan la capacidad de aprender varios trabajos mucho más fácilmente que otros. Lo más significativo es que el compromiso con las artes enseña a los jóvenes a percibir la complejidad como placer y posibilidad, no como una irritante incertidumbre. La mayor conciencia de uno mismo se extiende a una mayor conciencia de los demás. . . [36]
Michelle Marder Kamhi , que ha escrito sobre educación artística , [38] es muy crítica con las tendencias recientes en este campo en Estados Unidos y otros lugares. Ella descarta gran parte del arte contemporáneo que se muestra en los principales museos como gestos políticos que no son arte. [39] En "Rethinking Art Education", capítulo 8 de su libro ¿Quién dice que es arte? , se centra en dos tendencias en el campo que, en su opinión, "deberían preocupar a los ciudadanos reflexivos, incluso a aquellos con poco interés en el arte". Por ejemplo, un artículo de opinión suyo en el Wall Street Journal criticaba Brinco de Judi Werthein , una obra de " arte de performance " que consistía principalmente en el reparto de zapatillas especialmente equipadas por parte de Werthein a inmigrantes ilegales, cuyo estudio había sido recomendado por un destacado artista. educador en una sesión de la conferencia NAEA. [40]
La educación artística se combinó con la educación especial incluso antes de que se implementaran reformas para crear adaptaciones especiales para niños con necesidades especiales en aulas típicas. Cuando se trata de arte, los arteterapeutas suelen utilizarse para conectarse con estudiantes con necesidades especiales. Sin embargo, algunos arteterapeutas sacan a los estudiantes del aula, lo que hace que se atrasen en otras tareas escolares, como matemáticas, inglés y ciencias. Debido a esto, la arteterapia está reservada para estudiantes que no tienen muchas posibilidades de mejoras a largo plazo, sino más bien habilidades de desarrollo a corto plazo, o para aquellos que buscan aumentar sus capacidades integrales. [41]
La educadora especial Jean Lokerson y la educadora de arte Amelia Jones escribieron que "la sala de arte es un lugar donde las discapacidades de aprendizaje pueden convertirse en recursos de aprendizaje". Los estudiantes con necesidades especiales a menudo salen de su caparazón y se entusiasman con la creación. El arte también es una forma en que los educadores especiales enseñan a sus alumnos conceptos básicos que tal vez ni siquiera se den cuenta. [42]
Hay estudios en curso que siguen demostrando que el arte y la educación especial van de la mano. Las pruebas continúan demostrando que el arte en cualquier aula, pero especialmente en las aulas de educación especial, provoca que los estudiantes estén motivados, entusiasmados y, en algunos casos, incluso promueven el aprendizaje en otras áreas temáticas. [43]
El ámbito de la educación artística se está ampliando para incluir una gama más amplia de cultura visual y popular. Las tendencias actuales en el ámbito académico emplean enfoques de cultura visual y posmoderna para la educación artística, [44] [45] consideran los efectos del globalismo en la producción e interpretación de imágenes [46] y centran el interés renovado en cuestiones de creatividad. [47] Dentro de la NAEA, las investigaciones y publicaciones se están orientando hacia cuestiones de aprendizaje, comunidad, promoción, investigación y conocimiento. [48] Desde 2016, el Instituto de Investigación en Educación Artística (AERI) ha celebrado un simposio anual que apoya la investigación y la erudición crítica, sistemática, empírica y teórica que aborda cuestiones intelectuales y prácticas clave en el campo de la educación artística. AERI busca promover una amplia gama de prácticas y metodologías de investigación rigurosas extraídas de las artes, las humanidades y las ciencias sociales para mejorar la investigación relacionada con la enseñanza y el aprendizaje en y a través de las artes visuales. [49]