En arquitectura y artes decorativas , el ornamento es la decoración utilizada para embellecer partes de un edificio u objeto. Quedan excluidos del término los grandes elementos figurativos como la escultura monumental y sus equivalentes en el arte decorativo; la mayoría de los adornos no incluyen figuras humanas y, si están presentes, son pequeñas en comparación con la escala general. Los adornos arquitectónicos pueden tallarse en piedra, madera o metales preciosos, formarse con yeso o arcilla, o pintarse o imprimirse sobre una superficie como adorno aplicado ; en otras artes aplicadas se puede utilizar el material principal del objeto, u otro diferente como pintura o esmalte vítreo .
Se ha desarrollado una amplia variedad de estilos y motivos decorativos para la arquitectura y las artes aplicadas, incluyendo cerámica , muebles y orfebrería . En textiles , papel pintado y otros objetos donde la decoración puede ser la principal justificación de su existencia, es más probable que se utilicen los términos patrón o diseño. La amplia gama de motivos utilizados en la ornamentación se basa en formas y patrones geométricos, plantas y figuras humanas y animales. En toda Eurasia y el mundo mediterráneo ha existido una rica y vinculada tradición de ornamentación vegetal durante más de tres mil años; La ornamentación tradicional de otras partes del mundo suele basarse más en motivos geométricos y animales. La inspiración para los patrones suele radicar en la naturaleza que rodea a la gente de la región. Muchas tribus nómadas de Asia Central tenían muchos motivos animales antes de la penetración del Islam en la región.
En un ensayo de 1941, [1] el historiador de la arquitectura Sir John Summerson lo llamó "modulación de superficie". Las decoraciones y ornamentos más antiguos a menudo sobreviven de culturas prehistóricas en simples marcas en la cerámica, donde la decoración con otros materiales (incluidos los tatuajes ) se ha perdido. Cuando se utilizaba el torno de alfarero , la tecnología hacía que algunos tipos de decoración fueran muy fáciles; El tejido es otra tecnología que también se presta muy fácilmente a la decoración o al diseño y, hasta cierto punto, dicta su forma. El ornamento ha sido evidente en las civilizaciones desde el comienzo de la historia registrada , desde la arquitectura del Antiguo Egipto hasta la marcada falta de ornamento de la arquitectura modernista del siglo XX . Los adornos también representan una cierta filosofía de la gente para el mundo que los rodea. Por ejemplo, en Asia Central, entre los nómadas kazajos, las líneas circulares de los adornos señalaban la percepción secuencial del tiempo en las amplias estepas y la amplitud y libertad del espacio.
El ornamento implica que el objeto ornamentado tiene una función que un equivalente no ornamentado también podría cumplir. Cuando el objeto no tiene tal función, sino que existe sólo como una obra de arte , como una escultura o una pintura, es menos probable que se utilice el término, excepto para elementos periféricos. En los últimos siglos se ha aplicado una distinción entre bellas artes y artes aplicadas o decorativas (excepto la arquitectura), y el ornamento se considera principalmente una característica de esta última clase. [ cita necesaria ]
La historia del arte en muchas culturas muestra una serie de tendencias onduladas en las que el nivel de ornamentación utilizado aumenta durante un período, antes de que una reacción brusca regrese a formas más sencillas, después de lo cual la ornamentación vuelve a aumentar gradualmente. El patrón es especialmente claro en el arte europeo posromano, donde el arte insular, muy ornamentado, del Libro de Kells y otros manuscritos influyó en la Europa continental, pero el arte carolingio y otoniano de inspiración clásica lo reemplazó en gran medida. La ornamentación aumentó durante los períodos románico y gótico , pero se redujo considerablemente en los estilos del Renacimiento temprano , nuevamente bajo la influencia clásica. Otro período de auge, el del manierismo nórdico , el barroco y el rococó , fue frenado por el neoclasicismo y el período romántico , antes de retomar a finales del siglo XIX el estilo Napoleón III , las artes decorativas victorianas y sus equivalentes de otros países, para ser reducidos decisivamente por el Movimiento de Artes y Oficios y luego Modernismo .
El estudio detallado de las formas ornamentales euroasiáticas fue iniciado por Alois Riegl en su estudio formalista Stilfragen : Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik ( Problemas de estilo: fundamentos para una historia del ornamento ) de 1893, quien en el proceso desarrolló su influyente concepto de Kunstwollen . . [2] Riegl trazó la continuidad y el desarrollo formalista en las formas de plantas decorativas desde el arte del Antiguo Egipto y otras civilizaciones antiguas del Cercano Oriente a través del mundo clásico hasta el arabesco del arte islámico . Si bien el concepto de Kunstwollen tiene pocos seguidores hoy en día, su análisis básico del desarrollo de las formas ha sido confirmado y refinado por el corpus más amplio de ejemplos conocidos hoy. [3] Jessica Rawson ha ampliado recientemente el análisis para cubrir el arte chino , que Riegl no cubrió, rastreando muchos elementos de la decoración china hasta la misma tradición; el trasfondo compartido ayudó a que la asimilación de motivos chinos en el arte persa después de la invasión mongola fuera armoniosa y productiva. [4]
Los estilos de ornamentación se pueden estudiar en referencia a la cultura específica que desarrolló formas únicas de decoración o adornos modificados de otras culturas. La cultura del Antiguo Egipto es posiblemente la primera civilización en añadir decoración pura a sus edificios. Su ornamentación toma las formas del mundo natural en ese clima, decorando los capiteles de las columnas y las paredes con imágenes de papiros y palmeras. La cultura asiria produjo adornos que muestran influencia de fuentes egipcias y una serie de temas originales, incluidas figuras de plantas y animales de la región.
La antigua civilización griega creó muchas formas nuevas de ornamento, que se difundieron por toda Eurasia , ayudadas por las conquistas de Alejandro Magno y la expansión del budismo , que llevó algunos motivos al este de Asia en una forma algo modificada. [5] En Occidente, las formas latinizadas del ornamento griego en la antigua Roma duraron alrededor de un milenio, y después de un período en el que fueron reemplazadas por formas góticas , revivieron poderosamente en el Renacimiento italiano y siguen siendo muy utilizadas en la actualidad.
Los ornamentos del Imperio Romano utilizaban una amplia gama de estilos y materiales, incluidos mármol, vidrio, obsidiana y oro. La ornamentación romana, específicamente en el contexto de Pompeya, ha sido estudiada y escrita por la erudita Jessica Powers en el capítulo de su libro "Más allá de la pintura en las casas de Pompeya: adornos de pared y sus patrocinadores". En lugar de estudiar los objetos ornamentales de forma aislada, Powers sostiene que, si se proporciona la información, los objetos deben abordarse en su contexto original. Esta información puede incluir el lugar donde se encontró la obra, otros objetos ubicados o encontrados cerca, o quién fue el mecenas que pudo haber encargado la obra. [6] El capítulo de Jessica Powers analiza principalmente la Casa Degli Amorini Dorati en Pompeya, donde se encontraron 18 adornos de pared, la mayor cantidad de cualquier casa pompeyana. El adorno de la pared interior en una casa pompeyana normalmente dividiría la pared en tres o más secciones debajo de las cuales habría una ranura que ocuparía aproximadamente una sexta parte de la altura de la pared. [7] Las secciones de la pared estarían divididas por amplias pilastras conectadas por un friso que cruza la parte superior de la pared. El adorno encontrado en la Casa Degli Amorini Dorati en Pompeya reflejaba este estilo estándar e incluía objetos que claramente habían sido reutilizados y objetos raros e importados. Varios de los paneles de las paredes de la Casa Degli Amorini Dorati fueron retirados durante trabajos arqueológicos en la década de 1970, revelando que los paneles habían sido pegados en diferentes paredes antes de aquella en la que fueron encontrados. Jessica Powers sostiene que estos paneles ilustran la voluntad del propietario de la vivienda y de los clientes correspondientes de utilizar materiales dañados o de segunda mano en su propia casa. Además, los materiales utilizados en los paneles decorativos de las paredes fueron identificados como procedentes del Oriente griego o Egipto, no de Pompeya. Esto apunta a las elaboradas rutas comerciales que florecieron a lo largo del Imperio Romano y que los propietarios estaban interesados en utilizar materiales de fuera de Pompeya para embellecer sus hogares.
Además de las casas, los edificios públicos y los templos son lugares donde se exhibían estilos de ornamentación romana. En el templo romano, el uso extravagante de ornamentos sirvió como medio de autoglorificación, como señala el erudito Owen Jones en el capítulo de su libro Roman Ornament. Las técnicas de ornamentación romana incluyen el modelado de superficies, donde se aplican estilos ornamentales sobre una superficie. Este era un estilo ornamental común con superficies de mármol. [8] Un estilo ornamental común fue el uso de hojas de acanto, un motivo adoptado de los griegos. El uso de hojas de acanto y otros motivos naturalistas se puede ver en capiteles corintios, templos y otros sitios públicos.
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Sobreviven algunos cuadernos medievales, el más famoso el de Villard de Honnecourt (siglo XIII) que muestra cómo artistas y artesanos registraron diseños que vieron para uso futuro. Con la llegada de la imprenta , las estampas ornamentales se convirtieron en una parte importante de la producción de los grabadores, especialmente en Alemania, y desempeñaron un papel vital en la rápida difusión de nuevos estilos renacentistas entre los creadores de todo tipo de objetos. Además de revivir el ornamento clásico, tanto arquitectónico como el estilo grotesco derivado de la decoración interior romana, estos incluyeron nuevos estilos como el morisco , una adaptación europea del arabesco islámico (una distinción no siempre clara en ese momento).
A medida que la impresión se volvió más barata, la impresión de adornos únicos se convirtió en conjuntos y, finalmente, en libros. Del siglo XVI al XIX, se publicaron en Europa libros de patrones que dieron acceso a elementos decorativos, incluyendo eventualmente aquellos registrados en culturas de todo el mundo. I quattro libri dell'architettura (Cuatro libros de arquitectura) de Andrea Palladio (Venecia, 1570), [9] que incluía tanto dibujos de edificios romanos clásicos como representaciones de los propios diseños de Palladio utilizando esos motivos, se convirtió en el libro más influyente jamás escrito sobre arquitectura. . Napoleón hizo documentar las grandes pirámides y templos de Egipto en la Descripción de l'Egypte (1809) . Owen Jones publicó The Grammar of Ornament en 1856 con ilustraciones en color de decoración de Egipto, Turquía, Sicilia y España. Se instaló en el Palacio de la Alhambra para realizar dibujos y vaciados en yeso de los detalles ornamentados de la ornamentación islámica allí, incluidos arabescos , caligrafía y patrones geométricos . El interés por la arquitectura clásica también fue impulsado por la tradición de viajar en The Grand Tour y por la traducción de la literatura temprana sobre arquitectura en la obra de Vitruvio y Miguel Ángel .
Durante el siglo XIX, el uso aceptable del ornamento y su definición precisa se convirtieron en fuente de controversia estética en la arquitectura académica occidental, mientras los arquitectos y sus críticos buscaban un estilo adecuado. "La gran pregunta es", preguntó Thomas Leverton Donaldson en 1847, "¿vamos a tener una arquitectura de nuestro período, un estilo distinto, individual y palpable del siglo XIX?". [10] En 1849, cuando Matthew Digby Wyatt vio la Exposición Industrial Francesa instalada en los Campos Elíseos de París, desaprobó en términos reconociblemente modernos los adornos de yeso en imitación de bronce y imitación de madera: [11]
Tanto interna como externamente hay una gran cantidad de adornos de mal gusto y poco rentables... Si se hubiera permitido que cada material simple contara su propia historia y las líneas de la construcción se hubieran dispuesto de manera que condujeran a un sentimiento de grandeza, las cualidades de El "poder" y la "verdad", que su enorme extensión necesariamente debía haber asegurado, difícilmente podrían haber suscitado admiración, y ello con un ahorro de gastos muy considerable.
Los contactos con otras culturas a través del colonialismo y los nuevos descubrimientos de la arqueología ampliaron el repertorio de ornamentos disponibles para los revivalistas. Aproximadamente después de 1880, la fotografía hizo que los detalles de los ornamentos estuvieran aún más disponibles que las impresiones.
Los adornos de carpintería modernos están hechos de madera, plástico, compuestos, etc. Vienen en muchos colores y formas diferentes.La arquitectura moderna , concebida como la eliminación del ornamento en favor de estructuras puramente funcionales, dejó a los arquitectos el problema de cómo adornar adecuadamente las estructuras modernas. [12] Había dos rutas disponibles para salir de esta crisis percibida. Una era intentar idear un vocabulario ornamental que fuera nuevo y esencialmente contemporáneo. Este fue el camino que siguieron arquitectos como Louis Sullivan y su alumno Frank Lloyd Wright , o el singular Antoni Gaudí . El Art Nouveau , popular a principios del siglo XX, fue en parte un esfuerzo consciente por desarrollar un vocabulario de ornamentación tan "natural".
Una ruta más radical abandonó por completo el uso de adornos, como en algunos diseños de objetos de Christopher Dresser . En aquella época, estos objetos sin adornos podrían haberse encontrado en muchos sencillos objetos cotidianos de diseño industrial, por ejemplo en la cerámica producida en la fábrica Arabia en Finlandia o en los aislantes de vidrio de las líneas eléctricas.
Este último enfoque fue descrito por el arquitecto Adolf Loos en su manifiesto de 1908, traducido al inglés en 1913 y titulado polémicamente Ornament and Crime , en el que declaraba que la falta de decoración es signo de una sociedad avanzada. Su argumento era que la ornamentación es económicamente ineficiente y "moralmente degenerada", y que reducirla era una señal de progreso. [13] Los modernistas estaban ansiosos por señalar al arquitecto estadounidense Louis Sullivan como su padrino en la causa de la simplificación estética, descartando los nudos de ornamentos intrincadamente estampados que articulaban la piel de sus estructuras.
Con el trabajo de Le Corbusier y la Bauhaus durante las décadas de 1920 y 1930, la falta de detalles decorativos se convirtió en un sello distintivo de la arquitectura moderna y se equiparaba con las virtudes morales de honestidad, simplicidad y pureza. En 1932, Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock lo denominaron " estilo internacional ". Lo que empezó como una cuestión de gustos se transformó en un mandato estético. Los modernistas declararon que su manera era la única aceptable para construir. A medida que el estilo alcanzó su auge en la muy desarrollada obra de posguerra de Mies van der Rohe , los principios del modernismo de la década de 1950 se volvieron tan estrictos que incluso arquitectos consumados como Edward Durrell Stone y Eero Saarinen pudieron ser ridiculizados y efectivamente condenados al ostracismo por apartarse de las reglas estéticas. [ cita necesaria ]
Al mismo tiempo, las leyes no escritas contra la ornamentación comenzaron a ser seriamente cuestionadas. "La arquitectura, con cierta dificultad, se ha liberado del ornamento, pero no del miedo al ornamento", observó John Summerson en 1941. [14]
La diferencia misma entre ornamento y estructura es sutil y quizá arbitraria. Los arcos apuntados y los arbotantes de la arquitectura gótica son ornamentales pero estructuralmente necesarios; Las coloridas bandas rítmicas de un rascacielos de estilo internacional Pietro Belluschi son integrales, no aplicadas, pero ciertamente tienen un efecto ornamental. Además, la ornamentación arquitectónica puede cumplir el propósito práctico de establecer la escala, señalar las entradas y ayudar a orientarse, y estas útiles tácticas de diseño habían sido prohibidas. Y a mediados de la década de 1950, las figuras modernistas Le Corbusier y Marcel Breuer habían estado rompiendo sus propias reglas al producir obras concretas escultóricas y altamente expresivas.
El argumento en contra del ornamento alcanzó su punto máximo en 1959 durante las discusiones sobre el edificio Seagram , donde Mies van der Rohe instaló una serie de vigas en I verticales estructuralmente innecesarias en el exterior del edificio, y en 1984, cuando Philip Johnson produjo su edificio AT&T en Manhattan con un frontón neogeorgiano ornamental de granito rosa, la discusión efectivamente terminó. En retrospectiva, los críticos han visto el edificio AT&T como el primer edificio posmodernista . [ cita necesaria ]
