Yves Klein ( en francés: [iv klɛ̃] ; 28 de abril de 1928 - 6 de junio de 1962) fue un artista francés y una figura importante en el arte europeo de posguerra. Fue un miembro destacado del movimiento artístico francés del Nouveau réalisme fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany . Klein fue un pionero en el desarrollo del arte de performance y es visto como una inspiración y un precursor del arte minimalista , así como del arte pop . Es conocido por el desarrollo y uso del Azul Klein Internacional .
Klein nació en Niza , en el departamento de Alpes Marítimos de Francia. Sus padres, Fred Klein y Marie Raymond , eran pintores. Su padre pintaba en un estilo postimpresionista suelto, mientras que su madre era una figura destacada del informalismo y celebraba veladas regulares con otros destacados practicantes de este movimiento abstracto parisino. Klein no recibió una formación formal en arte, pero sus padres lo expusieron a diferentes estilos. Su padre era un pintor de estilo figurativo, mientras que su madre tenía interés en el expresionismo abstracto. [1]
De 1942 a 1946, Klein estudió en la École Nationale de la Marine Marchande y en la École Nationale des Langues Orientales. En esa época, entabló amistad con Arman (Armand Fernandez) y Claude Pascal y comenzó a pintar. A los diecinueve años, Klein y sus amigos se tumbaron en una playa del sur de Francia y se repartieron el mundo: Arman eligió la tierra, Pascal las palabras, mientras que Klein eligió el espacio etéreo que rodeaba al planeta, que luego firmó:
Con este famoso gesto simbólico de firmar el cielo, Klein había previsto, como en un ensueño, el impulso que su arte daría a partir de ese momento: una búsqueda para alcanzar el otro lado del infinito. [2]
A principios de 1948, Klein conoció el texto de Max Heindel de 1909 La concepción rosacruz del cosmos y se afilió a una sociedad estadounidense dedicada al rosacrucismo . [3]
Mientras asistía a la École Nationale des Langues Orientales, Klein comenzó a practicar judo . Durante los años 1948 a 1952, viajó a Italia, Gran Bretaña, España y Japón. Viajó a Japón en 1953, donde se convirtió, a la edad de 25 años, en un maestro en judo recibiendo el rango de yodan (4º dan / grado cinturón negro) del Kodokan , convirtiéndose en el primer europeo en ascender a ese rango. Más tarde ese año, se convirtió en el director técnico del equipo español de judo. [4] En 1954, Klein escribió un libro sobre judo llamado Les Fondements du judo . [5] El mismo año, se estableció definitivamente en París y comenzó en serio a establecerse en el mundo del arte.
Entre 1947 y 1948, [6] Klein concibió su Sinfonía monótona (1949, formalmente Sinfonía del silencio monótono ) que consistía en un solo acorde sostenido en re mayor de 20 minutos seguido de un silencio de 20 minutos [7] [8] – un precedente para las pinturas monocromáticas posteriores de Klein y para el trabajo de músicos minimalistas , particularmente la música de drones de La Monte Young y 4′33″ de John Cage .
La sinfonía rara vez se interpreta. El compositor e intérprete Roland Dahinden dijo que "no se puede hacer un ensayo completo de algo como esto" porque "es demasiado difícil. Todo el mundo moriría". La primera interpretación fue en una galería de arte de París en 1960, con sólo diez músicos interpretando. La cantante Sahra Motalebi lo describió como "La realidad es que es como una especie de extraño coro del universo primordial. No es como una nota que hayas escuchado antes". El propio Klein comparó el sonido de su sinfonía con gritos. Para la primera interpretación en París, Klein invitó a tres mujeres desnudas, a las que llamó "pinceles vivientes", que "se cubrieron con su característica pintura azul profundo y presionaron sus cuerpos sobre el papel durante la mitad sonora de la sinfonía, congelándose durante el silencio". [9]
Aunque Klein había pintado monocromos desde 1949 y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950, su primera muestra pública fue la publicación del libro de artista Yves Peintures en noviembre de 1954. Parodiando un catálogo razonado tradicional , el libro presentaba una serie de monocromos intensos vinculados a varias ciudades en las que había vivido durante los años anteriores. Yves Peintures anticipó sus dos primeras exposiciones de pinturas al óleo, en el Club des Solitaires, París, en octubre de 1955 e Yves: Proposition monochromes en la Galería Colette Allendy, febrero de 1956. Las respuestas del público a estas exposiciones, que mostraban monocromos de color naranja, amarillo, rojo, rosa y azul, decepcionaron profundamente a Klein, ya que la gente pasaba de un cuadro a otro, vinculándolos como una especie de mosaico.
A partir de las reacciones del público, Klein se dio cuenta de que... los espectadores pensaban que sus lienzos de colores uniformes y variados representaban un nuevo tipo de decoración de interiores abstracta y brillante. Escandalizado por este malentendido, Klein supo que debía dar un paso más y decisivo en la dirección del arte monocromo... A partir de ese momento se concentraría en un solo color primario: el azul. [10] [11]
La siguiente exposición, Proposte Monocrome, Epoca Blu (Propuesta Monocromática, Época Azul), en la Galería Apollinaire de Milán (enero de 1957), presentó 11 lienzos idénticos de color azul, en los que se utilizó pigmento ultramar suspendido en una resina sintética, la Rhodopas, descrita por Klein como «El Medio». Descubierto con la ayuda de Edouard Adam, un comerciante de pinturas parisino, [12] el efecto óptico conservaba el brillo del pigmento que, cuando se suspendía en aceite de linaza, tendía a opacarse. Klein depositó más tarde un sobre Soleau [13] para esta receta con el fin de mantener la «autenticidad de la idea pura». [14] Este color, que recordaba al lapislázuli utilizado para pintar las vestiduras de la Virgen en las pinturas medievales, se conocería más tarde como Azul Klein Internacional (IKB). Las pinturas se sujetaban a postes colocados a 20 cm de las paredes para aumentar sus ambigüedades espaciales. Los 11 lienzos tenían precios diferentes. Los compradores recorrían la galería, observaban cada lienzo y compraban el que consideraban mejor. La idea de Klein era que cada comprador viera algo único en el lienzo que compraba que otros compradores tal vez no hubieran visto. De modo que, si bien cada cuadro parecía visualmente igual, el impacto que cada uno tenía en el comprador era completamente único. [15]
La muestra fue un éxito de crítica y comercial, y viajó a París, Düsseldorf y Londres. La exposición parisina, en la galería Iris Clert en mayo de 1957, se convirtió en un acontecimiento seminal. [6] Para celebrar la inauguración, se soltaron 1.001 globos azules y se enviaron postales azules utilizando sellos IKB que Klein había sobornado al servicio postal para que aceptaran como legítimos. [16] Al mismo tiempo, se celebró una exposición de tarrinas de pigmento azul y pinturas al fuego en la Galerie Collette Allendy. [17]
Para su siguiente exposición en la galería Iris Clert (abril de 1958), Klein decidió no mostrar absolutamente nada, y la llamó La spécialisation de la sensibilité à l'état matière première en sensibilité picturale stabilisée, Le Vide ( La especialización de la sensibilidad en el estado de materia prima en sensibilidad pictórica estabilizada, El vacío ): quitó todo lo que había en el espacio de la galería excepto un gran armario, pintó todas las superficies de blanco y luego organizó un elaborado procedimiento de entrada para la noche de apertura: pintó la ventana de la galería de azul y colgó una cortina azul en el vestíbulo de entrada, acompañada de guardias republicanos y cócteles azules. Gracias a una enorme campaña publicitaria, 3.000 personas hicieron cola, esperando que se les permitiera entrar en una sala vacía. [18]
El historiador de arte Olivier Berggruen sitúa a Klein "como alguien que se esforzó por lograr la liberación total", estableciendo conexiones entre el ritual perverso y el desdén por las convenciones. Klein había estudiado judo en Japón entre 1952 y 1954, y también mostró interés por el budismo zen . [19] Según Berggruen, utilizó el ritual no como un medio para alcanzar la creencia, sino más bien como un foro a través del cual alcanzar la abstracción, trascendiendo temporalmente los vestigios mundanos y regresando a la tierra como un nuevo ser.
En los últimos tiempos, mi trabajo con el color me ha llevado, a pesar mío, a buscar poco a poco, con alguna ayuda (del observador, del traductor), la realización de la materia, y he decidido dar por terminada la batalla. Mis cuadros son ahora invisibles y me gustaría mostrarlos de manera clara y positiva en mi próxima exposición parisina en casa de Iris Clert. [20]
Más tarde, ese mismo año, fue invitado a decorar la Ópera de Gelsenkirchen (Alemania) con una serie de enormes murales azules, el más grande de los cuales medía 20 metros por 7 metros. La Ópera se inauguró en diciembre de 1959. Klein celebró el encargo viajando a Cascia (Italia) para colocar una ofrenda exvoto en el Monasterio de Santa Rita . «Que todo lo que salga de mí sea bello», rezó. [21] La ofrenda tomó la forma de una pequeña caja de plástico transparente que contenía tres compartimentos: uno lleno de pigmento IKB, otro lleno de pigmento rosa y otro con pan de oro en el interior. El contenedor no fue redescubierto hasta 1980.
Las dos últimas exposiciones de Klein en Iris Clert fueron Vitesse Pure et Stabilité Monochrome ( Velocidad pura y estabilidad monocroma ), en noviembre de 1958, una colaboración con Jean Tinguely , de esculturas cinéticas, y Bas-Reliefs dans une Forêt d'Éponges ( Bajorrelieves en un bosque de esponjas ), en junio de 1959, una colección de esponjas que Klein había utilizado para pintar lienzos de IKB, montadas en varillas de acero y colocadas en rocas que había encontrado en el jardín de sus padres.
A pesar de que las pinturas de IKB tenían colores uniformes, Klein experimentó con varios métodos de aplicación de la pintura; primero con diferentes rodillos y luego con esponjas, creando una serie de superficies variadas. Este experimentalismo conduciría a una serie de obras que Klein realizó utilizando modelos femeninas desnudas cubiertas de pintura azul y arrastradas o colocadas sobre lienzos para crear la imagen, utilizando a las modelos como "pinceles vivos". A este tipo de trabajo lo llamó Antropometría . Otras pinturas de este método de producción incluyen "grabaciones" de lluvia que Klein hizo conduciendo bajo la lluvia a 112 kilómetros por hora con un lienzo atado al techo de su automóvil, y lienzos con patrones de hollín creados al quemar el lienzo con quemadores de gas.
Klein y Arman mantuvieron una relación creativa continua, tanto como nuevos realistas como amigos. Ambos eran de Niza y trabajaron juntos durante muchos años. Arman incluso le puso a su hijo el nombre de Yves Arman, en honor a Yves Klein, su padrino.
A veces, la creación de estas pinturas se convirtió en una especie de arte escénico : en un evento en 1960, por ejemplo, una audiencia vestida con traje de noche formal observó a las modelos realizar su tarea mientras un conjunto instrumental tocaba La sinfonía monótona de Klein de 1949. [22] [23]
En la performance Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle ( Zonas de sensibilidad pictórica inmaterial ) (1959-1962), Klein ofrecía espacios vacíos en la ciudad a cambio de oro. Quería que sus compradores experimentaran el vacío vendiéndoles el espacio vacío. En su opinión, esta experiencia solo podía pagarse con el material más puro: el oro. A cambio, le dio un certificado de propiedad al comprador. En la segunda parte de la pieza, representada en el Sena con la presencia de un crítico de arte, si el comprador aceptaba prender fuego al certificado, Klein arrojaría la mitad del oro al río para restaurar el "orden natural" que había desequilibrado al vender el espacio vacío (que ya no estaba "vacío"). Utilizó la otra mitad del oro para crear una serie de obras bañadas en oro que, junto con una serie de monocromos rosas, comenzaron a aumentar sus monocromos azules hacia el final de su vida.
Klein también es conocido por una fotografía compuesta , Saut dans le vide ( Salto al vacío ), [24] publicada originalmente en su libro de artista de 1960 Dimanche , que aparentemente lo muestra saltando desde una pared, con los brazos extendidos, hacia el pavimento. Klein usó la fotografía como evidencia de su capacidad para emprender viajes lunares sin ayuda. De hecho, "Saut dans le vide", publicada como parte de una andanada de Klein (el "artista del espacio") denunciando las propias expediciones lunares de la NASA como arrogancia y locura, era un fotomontaje en el que la gran lona, sostenida por amigos artistas, sobre la que Klein saltó fue eliminada de la imagen final.
La obra de Klein giraba en torno a un concepto de influencia zen que él describió como "le Vide" (el vacío). El vacío de Klein es un estado parecido al nirvana, carente de influencias mundanas; una zona neutral donde uno se siente inspirado a prestar atención a su propia sensibilidad y a la "realidad" en oposición a la "representación". Klein presentó su obra en formas que eran reconocidas como arte (pinturas, un libro, una composición musical), pero luego eliminaba el contenido esperado de esa forma (pinturas sin imágenes, un libro sin palabras, una composición musical sin composición real) dejando solo una cáscara, por así decirlo. De esta manera trató de crear para el público sus "Zonas de sensibilidad pictórica inmaterial". En lugar de representar objetos de una manera subjetiva y artística, Klein quería que sus sujetos fueran representados por su huella: la imagen de su ausencia. Trató de hacer que su público experimentara un estado en el que una idea pudiera ser simultáneamente "sentida" y "comprendida". [ cita requerida ]
Además de pintar lienzos planos, Klein produjo una serie de obras a lo largo de su carrera que difuminaron los límites entre la pintura y la escultura. Se apropió de moldes de yeso de esculturas famosas, como la Victoria alada de Samotracia y la Venus de Milo , pintándolas con el Azul Klein Internacional; pintó un globo terráqueo, relieves tridimensionales de zonas de Francia y clavijas que colgaba del techo a modo de lluvia. También pegó esponjas a los lienzos y pintó platos de comida. Muchas de estas obras se fabricaron posteriormente como ediciones múltiples después de su muerte.
En Obelisco Azul , proyecto que no logró realizar en 1958 pero que finalmente se llevó a cabo en 1983, se apropió de la Plaza de la Concordia iluminando con focos azules el obelisco central.
El crítico de arte Pierre Restany , que habló de cómo su primer encuentro con Klein había sido fundamental para ambos, [25] fundó el grupo Nouveau Réalisme con Klein en el estudio/apartamento de Klein el 27 de octubre de 1960. Los miembros fundadores fueron Arman , Francois Dufrêne, Raymond Hains , Yves Klein, Martial Raysse, Daniel Spoerri , Jean Tinguely y Jacques Villeglé , a los que se sumaron más tarde Niki de Saint Phalle , Christo y Gérard Deschamps . Normalmente visto como una versión francesa del Pop Art , el objetivo del grupo se declaró como 'Nouveau Réalisme: nuevas formas de percibir lo real' [ Nouveau Réalisme nouvelles approches perceptives du réel ]. [26]
En enero de 1961 se celebró una gran retrospectiva en Krefeld (Alemania), seguida de una inauguración sin éxito en la galería Leo Castelli de Nueva York, en la que Klein no logró vender ni un solo cuadro. Se alojó con Rotraut en el Hotel Chelsea durante toda la exposición y, mientras estuvo allí, escribió el "Manifiesto del Hotel Chelsea", una proclamación de la "multiplicidad de nuevas posibilidades". En una parte del manifiesto se declaraba:
En la actualidad, me apasiona especialmente el «mal gusto». Tengo la profunda sensación de que en la esencia misma del mal gusto existe un poder capaz de crear cosas que están mucho más allá de lo que tradicionalmente se denomina «obra de arte». Quiero jugar con el sentimiento humano, con su «morbosidad», de una manera fría y feroz. Hace muy poco tiempo que me he convertido en una especie de sepulturero del arte (por extraño que parezca, utilizo los mismos términos de mis enemigos). Algunas de mis últimas obras han sido ataúdes y tumbas. Al mismo tiempo, he conseguido pintar con fuego, utilizando llamas de gas particularmente potentes y abrasadoras, algunas de ellas de tres a cuatro metros de altura. Con ellas baño la superficie del cuadro de tal manera que registra la huella espontánea del fuego. [27]
Posteriormente expuso en la galería Dwan de Los Ángeles y viajó extensamente por el oeste de Estados Unidos , visitando el Valle de la Muerte en el desierto de Mojave . En 1962, Klein se casó con Rotraut Uecker , con quien tuvo un hijo poco después de su muerte.
Klein sufrió un ataque cardíaco mientras veía la película Mondo Cane (en la que aparece) en el Festival de Cine de Cannes el 11 de mayo de 1962. Le siguieron dos ataques cardíacos más, el segundo de los cuales lo mató el 6 de junio de 1962.
Thomas McEvilley , en un ensayo enviado a Artforum en 1982, clasificó a Klein como un artista posmodernista temprano, aunque enigmático . [28]
Una especie de parodia de la performance de Antropometría de Klein aparece en la película Wise Guys de 1961 (título original: Les Godelureaux ), dirigida por Claude Chabrol .
El archivo de Yves Klein se encuentra en Phoenix, Arizona , donde su viuda, Rotraut Klein-Moquay, tiene una casa. [29]
El 8 de diciembre de 2017, la banda galesa de rock alternativo Manic Street Preachers lanzó el primer sencillo de su decimotercer álbum de estudio Resistance is Futile , International Blue . La canción se inspiró en Klein, particularmente en la canción que da título al álbum, International Klein Blue. El bajista y letrista de los Manics, Nicky Wire, le dijo a Quietus: "Había una alegría en 'International Blue' que no estábamos seguros de poder transmitir más, el sentimiento de estar enamorado de algo como Yves Klein, de transmitir la alegría de ese color y esa viveza; no estábamos seguros de si todavía la teníamos dentro. Suena bastante joven". [30]
En 2017, el podcast de arte contemporáneo A Piece of Work, producido por el MoMA y WNYC y presentado por Abbi Jacobson, tuvo un episodio centrado en los monocromos azules de Klein. [31] En 2018, el podcast This is Love lanzó un episodio, "Blue", sobre Klein y su trabajo. [32]
Una novela corta de 2021, Blue Postcards de Douglas Bruton, está construida en torno a la vida y el arte de Yves Klein.
Junto con obras de Andy Warhol y Willem de Kooning , la pintura de Klein RE 46 (1960) estuvo entre las cinco más vendidas en la venta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's en mayo de 2006. Su pintura monocromática con esponja azul se vendió por $4,720,000. Anteriormente, su pintura RE I (1958) se había vendido por $6,716,000 en Christie's Nueva York en noviembre de 2000. [33] En 2008, MG 9 (1962), una pintura dorada monocromática, se vendió por $21 millones en Christie's. [34] FC1 (Fire Color 1) (1962), un panel de casi 10 pies (3,0 m) de largo creado con un soplete, agua y dos modelos, se vendió por $36,482,500 en Christie's el 8 de mayo de 2012. [35] El récord para la más cara de sus pinturas lo alcanzó Le Rose du Bleu (RE 22) , que se vendió por $36,753,200 en Christie's Londres, el 27 de junio de 2012. [36]
En 2013, la escultura Éponge Bleue Sans Titre, SE 168 de Klein , una escultura de 1959 hecha con esponjas marinas naturales empapadas en pigmento azul, alcanzó los 22 millones de dólares, el precio más alto pagado por una escultura del artista, en Sotheby's Nueva York . [37]
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