Edward Henry Weston (24 de marzo de 1886 - 1 de enero de 1958) fue un fotógrafo estadounidense. Se le ha llamado "uno de los fotógrafos estadounidenses más innovadores e influyentes" [1] y "uno de los maestros de la fotografía del siglo XX". [2] A lo largo de sus 40 años de carrera, Weston fotografió un conjunto cada vez más amplio de temas, incluidos paisajes, naturalezas muertas, desnudos, retratos, escenas de género e incluso parodias caprichosas. Se dice que desarrolló un "enfoque típicamente estadounidense, y especialmente californiano, de la fotografía moderna" [3] debido a su enfoque en las personas y los lugares del oeste americano. En 1937, Weston fue el primer fotógrafo en recibir una beca Guggenheim , y durante los dos años siguientes produjo casi 1400 negativos utilizando su cámara de visión de 8 × 10 . Algunas de sus fotografías más famosas fueron tomadas de los árboles y rocas de Point Lobos , California, cerca de donde vivió durante muchos años.
Weston nació en Chicago y se mudó a California cuando tenía 21 años. Desde muy joven supo que quería ser fotógrafo y, al principio, su trabajo era típico del pictorialismo de enfoque suave que era popular en ese momento. Sin embargo, al cabo de unos años abandonó ese estilo y se convirtió en uno de los principales defensores de las imágenes fotográficas con gran detalle.
En 1947 le diagnosticaron la enfermedad de Parkinson y pronto dejó de fotografiar. Pasó los diez años restantes de su vida supervisando la impresión de más de 1.000 de sus imágenes más famosas.
Weston nació en Highland Park , Illinois, el segundo hijo y único varón de Edward Burbank Weston , un obstetra, y Alice Jeanette Brett, una actriz shakespeariana. [4] Su madre murió cuando él tenía cinco años y fue criado principalmente por su hermana Mary, a quien llamaba "May" o "Maisie". Ella era nueve años mayor que él, y desarrollaron un vínculo muy estrecho que fue una de las pocas relaciones estables en la vida de Weston. [5]
Su padre se volvió a casar cuando tenía nueve años, pero ni Weston ni su hermana se llevaban bien con su nueva madrastra y su hermanastro. Después de que May se casara y abandonara su hogar en 1897, el padre de Weston dedicó la mayor parte de su tiempo a su nueva esposa y a su hijo. Weston se quedó solo la mayor parte del tiempo; dejó de ir a la escuela y se retiró a su propia habitación en su gran casa. [5]
Como regalo por su decimosexto cumpleaños, el padre de Weston le regaló su primera cámara, una Kodak Bull's-Eye No. 2, que era una cámara de cajón sencilla. Se la llevó de vacaciones al Medio Oeste y, cuando regresó a casa, su interés por la fotografía fue suficiente para llevarlo a comprar una cámara de 5 × 7 pulgadas usada. Comenzó a fotografiar en parques de Chicago y en una granja propiedad de su tía, y reveló su propia película y copias. Más tarde recordaría que, incluso a esa temprana edad, su trabajo mostraba un gran mérito artístico. Dijo: "Siento que mi primer trabajo de 1903, aunque inmaduro, está más relacionado, tanto en la técnica como en la composición, con mi trabajo más reciente que varias de mis fotografías que datan de 1913 a 1920, un período en el que estaba tratando de ser artístico". [6]
En 1904, May y su familia se mudaron a California, dejando a Weston aún más aislado en Chicago. Se ganaba la vida trabajando en una tienda departamental local, pero continuó pasando la mayor parte de su tiempo libre tomando fotografías. En dos años se sintió lo suficientemente seguro de su fotografía como para enviar su trabajo a la revista Camera and Darkroom , y en el número de abril de 1906 publicaron una reproducción a página completa de su imagen Primavera, Chicago . Esta es la primera publicación conocida de alguna de sus fotografías.
En septiembre de 1904, Weston participó en el evento de tiro con arco americano doble masculino en los Juegos Olímpicos de Verano de 1904, y su padre también participó en el mismo evento. [7]
En la primavera de 1906, a instancias de su hermana, Weston abandonó Chicago y se mudó cerca de la casa de May en Tropico, California (ahora un barrio de Glendale ). Decidió quedarse allí y seguir una carrera en fotografía, pero pronto se dio cuenta de que necesitaba una formación más profesional. Un año después, se mudó a Effingham, Illinois , para inscribirse en el Illinois College of Photography . Allí impartían un curso de nueve meses, pero Weston terminó todo el trabajo de clase en seis meses. La escuela se negó a darle un diploma a menos que pagara los nueve meses completos; Weston se negó y, en su lugar, se mudó de nuevo a California en la primavera de 1908.
Trabajó brevemente en el estudio fotográfico de George Steckel en Los Ángeles, como retocador de negativos. A los pocos meses se trasladó al estudio más consolidado de Louis Mojonier. Durante los años siguientes aprendió las técnicas y el negocio de dirigir un estudio fotográfico bajo la dirección de Mojonier.
A los pocos días de su visita a Tropico, Weston conoció a la mejor amiga de su hermana, Flora May Chandler. Ella se había graduado de la Escuela Normal, que luego se convertiría en UCLA. Asumió el puesto de maestra de escuela primaria en Tropico. Era siete años mayor que Weston y pariente lejana de Harry Chandler , quien en ese momento era descrito como el jefe de "la familia más poderosa del sur de California". Este hecho no pasó desapercibido para Weston y sus biógrafos.
El 30 de enero de 1909, Weston y Chandler se casaron en una sencilla ceremonia. El primero de sus cuatro hijos, Edward Chandler Weston (1910-1993), conocido como Chandler, nació el 26 de abril de 1910. Se llamó Edward Chandler, en honor a Weston y su esposa, y más tarde también se convirtió en fotógrafo.
En 1910, Weston abrió su propio negocio, llamado "The Little Studio", en Tropico. Su hermana más tarde le preguntó por qué abrió su estudio en Tropico en lugar de en la cercana metrópolis de Los Ángeles, y él respondió: "Hermana, voy a hacer que mi nombre sea tan famoso que no importará dónde viva". [8]
Durante los tres años siguientes trabajó solo y a veces con la ayuda de miembros de su familia en su estudio. Incluso en esa etapa temprana de su carrera era muy exigente con su trabajo; en una entrevista de esa época dijo: " Las placas fotográficas no significan nada para mí a menos que consiga lo que quiero. He utilizado treinta de ellas en una sesión si no he conseguido el efecto que me conviene". [9]
Su ojo crítico dio sus frutos y rápidamente obtuvo más reconocimiento por su trabajo. Ganó premios en concursos nacionales, publicó varias fotografías más y escribió artículos para revistas como Photo-Era y American Photography , defendiendo el estilo pictórico .
El 16 de diciembre de 1911 nació el segundo hijo de Weston, Theodore Brett Weston (1911-1993), que se convirtió en colaborador artístico de su padre durante mucho tiempo y en un importante fotógrafo por su cuenta.
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En algún momento del otoño de 1913, la fotógrafa de Los Ángeles, Margrethe Mather, visitó el estudio de Weston debido a su creciente reputación, y en pocos meses desarrollaron una intensa relación. [10] Weston era un tranquilo trasplantado del Medio Oeste a California, y Mather era parte de la creciente escena cultural bohemia en Los Ángeles. Ella era muy extrovertida y artística de una manera extravagante, y su moral sexual permisiva era muy diferente de la conservadora Weston en ese momento: Mather había sido prostituta y era bisexual con preferencia por las mujeres. [11] Mather presentaba un marcado contraste con la vida familiar de Weston; su esposa Flora fue descrita como una "puritana hogareña, rígida y una mujer absolutamente convencional, con la que tenía poco en común ya que aborrecía las convenciones" [12] ‒ y encontró el estilo de vida desinhibido de Mather irresistible y su visión fotográfica intrigante.
Weston le pidió a Mather que fuera su asistente de estudio y durante la década siguiente trabajaron en estrecha colaboración, haciendo retratos individuales y conjuntos firmados de los escritores Carl Sandburg y Max Eastman . Una exposición conjunta de su trabajo en 2001 reveló que durante este período Weston emuló el estilo de Mather y, más tarde, su elección de temas. Por su cuenta, Mather fotografió "abanicos, manos, huevos, melones, olas, accesorios de baño, conchas marinas y alas de pájaros, todos temas que Weston también exploraría". [13] Una década después la describió como "la primera persona importante en mi vida, y quizás incluso ahora, aunque el contacto personal se ha ido, la más importante". [14] A principios de 1915, Weston comenzó a llevar diarios detallados que más tarde llegó a llamar sus "Diarios". Durante las siguientes dos décadas registró sus pensamientos sobre su trabajo, observaciones sobre la fotografía y sus interacciones con amigos, amantes y familiares. El 6 de diciembre de 1916, nació un tercer hijo, Lawrence Neil Weston. También siguió los pasos de su padre y se convirtió en un fotógrafo conocido. Fue durante este período que Weston conoció al fotógrafo Johan Hagemeyer , a quien Weston guió y a quien le prestó su estudio de vez en cuando. Más tarde, Hagemeyer le devolvería el favor al permitirle a Weston usar su estudio en Carmel después de que regresara de México. Durante los siguientes años, Weston continuó ganándose la vida tomando retratos en su pequeño estudio al que llamaba "la choza". [9]
Mientras tanto, Flora dedicaba todo su tiempo al cuidado de sus hijos. Su cuarto hijo, Cole Weston (1919-2003), nació el 30 de enero de 1919 y, a partir de entonces, rara vez tuvo tiempo de salir de casa.
Durante el verano de 1920, Weston conoció a dos personas que formaban parte de la creciente escena cultural de Los Ángeles: Roubaix de l'Abrie Richey, conocida como "Robo" y una mujer a la que llamaba su esposa, Tina Modotti . Modotti, que entonces era conocida solo como actriz de teatro y cine, nunca se casó con Robo, pero fingieron estarlo por el bien de su familia. Weston y Modotti se sintieron inmediatamente atraídos el uno por el otro, y pronto se convirtieron en amantes. [15] Richey sabía del romance de Modotti, pero continuó siendo amigo de Weston y más tarde lo invitó a venir a México y compartir su estudio. [16]
Al año siguiente, Weston aceptó que Mather se convirtiera en socio en igualdad de condiciones en su estudio. Durante varios meses, ambos se tomaron retratos que firmaron con sus nombres. Esta fue la única vez en su dilatada carrera que Weston compartió el crédito con otro fotógrafo.
En algún momento de 1920 comenzó a fotografiar modelos desnudas por primera vez. Sus primeras modelos fueron su esposa Flora y sus hijos, pero poco después tomó al menos tres estudios de desnudos de Mather. A estos le siguieron varias fotografías más de modelos desnudas, las primeras de docenas de estudios de figuras que haría de amigos y amantes durante los siguientes veinte años.
Hasta ese momento, Weston había mantenido en secreto sus relaciones con otras mujeres, pero cuando empezó a fotografiar más desnudos, Flora empezó a sospechar de lo que sucedía entre él y sus modelos. Chandler recordó que su madre lo enviaba regularmente a hacer "recados" al estudio de su padre y le pedía que le dijera quién estaba allí y qué estaban haciendo. [17]
Una de las primeras que aceptó posar desnuda para Weston fue Modotti, quien se convirtió en su modelo principal durante los siguientes años.
En 1922 visitó a su hermana May, que se había mudado a Middletown, Ohio . Mientras estuvo allí, tomó cinco o seis fotografías de las altas chimeneas de la cercana fábrica de acero Armco. Estas imágenes señalaron un cambio en el estilo fotográfico de Weston, una transición del pictorialismo de enfoque suave del pasado a un estilo nuevo, más limpio. Reconoció de inmediato el cambio y más tarde lo registró en sus notas: "La visita a Middletown fue algo para recordar... lo más importante fue mi fotografía de 'Armco'... Ese día hice fotografías geniales, ¡hasta Stieglitz pensó que eran importantes!" [18] Weston Naef, ex conservador de fotografía en el Museo J. Paul Getty , ha elogiado el "virtuosismo técnico" de la imagen de Armco más exitosa de Weston (una copia de la cual es propiedad del Getty): "La gama de grises en ese bosque de columnas tiene casi todos los grises que puedas imaginar". [19]
En esa época, la ciudad de Nueva York era el centro cultural de la fotografía como forma de arte en Estados Unidos, y Alfred Stieglitz era la figura más influyente en el ámbito de la fotografía. [20] Weston deseaba desesperadamente ir a Nueva York para reunirse con él, pero no tenía suficiente dinero para hacer el viaje. Su cuñado le dio suficiente dinero para continuar desde Middletown hasta la ciudad de Nueva York, y pasó allí la mayor parte de octubre y principios de noviembre. Mientras estuvo allí, conoció al artista Charles Sheeler y a los fotógrafos Clarence H. White , Gertrude Kasebier , así como a Stieglitz. Weston escribió que Stieglitz le dijo: "Tu trabajo y tu actitud me tranquilizan. Me has mostrado al menos varias impresiones que me han dado mucha alegría. Y rara vez puedo decir eso de las fotografías". [21]
Poco después de que Weston regresara de Nueva York, Robo se mudó a México y montó allí un estudio para crear batiks . En poco tiempo había organizado una exposición conjunta de su trabajo y de fotografías de Weston, Mather y algunos otros. A principios de 1923, Modotti se fue en tren para estar con Robo en México, pero contrajo viruela y murió poco antes de que ella llegara. Modotti estaba desconsolada, pero en unas pocas semanas se sintió lo suficientemente bien como para decidir quedarse y llevar a cabo la exposición que Robo había planeado. La muestra fue un éxito y, debido en gran parte a sus estudios de desnudos de Modotti, estableció firmemente la reputación artística de Weston en México. [22]
Después de que terminó la muestra, Modotti regresó a California y Weston y ella hicieron planes para regresar juntos a México. Él quería pasar un par de meses allí fotografiando y promocionando su trabajo y, convenientemente, podía viajar con el pretexto de que Modotti era su asistente y traductor. [23]
La semana anterior a su partida a México, Weston se reunió brevemente con Mather y tomó varias fotografías de ella desnuda recostada en la arena de Redondo Beach. Estas imágenes eran muy diferentes de sus estudios de desnudos anteriores: estaban muy enfocadas y mostraban todo su cuerpo en relación con el entorno natural. Se las ha llamado los prototipos artísticos de sus desnudos más famosos, los de Charis Wilson que tomaría más de una década después. [24]
El 30 de julio de 1923, Weston, su hijo Chandler y Modotti partieron en un barco de vapor para un largo viaje a México. Su esposa, Flora, y sus otros tres hijos los despidieron con la mano en el muelle. No se sabe qué entendía o pensaba Flora sobre la relación entre Weston y Modotti, pero se dice que gritó en el muelle: "Tina, cuida bien de mis hijos". [25]
Llegaron a Ciudad de México el 11 de agosto y alquilaron una gran hacienda en las afueras de la ciudad. En menos de un mes, había organizado una exposición de su obra en la Galería Aztec Land, y el 17 de octubre la muestra se inauguró con excelentes críticas de la prensa. Estaba particularmente orgulloso de una reseña de Marius de Zayas que decía: "La fotografía está empezando a ser fotografía, porque hasta ahora sólo ha sido arte". [26]
La cultura y el paisaje diferentes de México obligaron a Weston a mirar las cosas de nuevas maneras. Se volvió más receptivo a lo que tenía frente a él y enfocó su cámara en objetos cotidianos como juguetes, puertas y accesorios de baño. También hizo varios desnudos íntimos y retratos de Modotti. Escribió en sus Daybooks :
La cámara debe utilizarse para registrar la vida , para reproducir la sustancia y la quintaesencia de la cosa misma... Estoy convencido de que el enfoque de la fotografía es a través del realismo. [27]
Weston siguió fotografiando a la gente y las cosas que lo rodeaban, y su reputación en México aumentó cuanto más tiempo permaneció allí. Tuvo una segunda exposición en la Aztec Land Gallery en 1924, y tuvo un flujo constante de miembros de la alta sociedad local que le pedían que les tomara retratos. Al mismo tiempo, Weston comenzó a extrañar a sus otros hijos en los EE. UU. Sin embargo, como sucede con muchas de sus acciones, fue una mujer quien más lo motivó. Recientemente había intercambiado correspondencia con una mujer a la que conocía desde hacía varios años llamada Miriam Lerner, y a medida que sus cartas se volvían más apasionadas, anhelaba volver a verla. [28]
Él y Chandler regresaron a San Francisco a fines de 1924 y al mes siguiente instaló un estudio con Johan Hagemeyer . Weston parecía estar luchando con su pasado y su futuro durante este período. Quemó todos sus diarios previos a México, como si estuviera tratando de borrar el pasado, y comenzó una nueva serie de desnudos con Lerner y con su hijo Neil. Escribió que estas imágenes fueron "el comienzo de un nuevo período en mi enfoque y actitud hacia la fotografía". [28]
Su nueva relación con Lerner no duró mucho y en agosto de 1925 regresó a México, esta vez con su hijo Brett. Modotti había organizado una exposición conjunta de sus fotografías, que se inauguró la semana de su regreso. Recibió nuevos elogios de la crítica y seis de sus grabados fueron adquiridos para el Museo Estatal. Durante los meses siguientes se concentró una vez más en fotografiar arte popular, juguetes y escenas locales. Una de sus imágenes más impactantes de este período es la de tres vasijas de barro negro que el historiador de arte René d'Harnoncourt describió como "el comienzo de un nuevo arte". [29]
En mayo de 1926, Weston firmó un contrato con la escritora Anita Brenner por 1000 dólares para hacer fotografías para un libro que estaba escribiendo sobre el arte popular mexicano. En junio, él, Modotti y Brett comenzaron a viajar por el país en busca de artesanías nativas menos conocidas. Su contrato requería que le entregara a Brenner tres copias terminadas de 400 negativos de 8x10, y tardó hasta noviembre de ese año en completar el trabajo. [30] Durante sus viajes, Brett recibió un curso intensivo de fotografía de su padre, e hizo más de dos docenas de copias que su padre juzgó que eran de una calidad excepcional.
Cuando regresaron de su viaje, la relación entre Weston y Modotti se había desmoronado y en menos de dos semanas él y Brett regresaron a California. Nunca más viajó a México.
Weston regresó inicialmente a su antiguo estudio en Glendale (antes llamado Tropico) y organizó apresuradamente una exposición doble en la Universidad de California de las fotografías que él y Brett habían hecho el año anterior. El padre mostró 100 copias y el hijo, 20. Brett tenía solo 15 años en ese momento.
En febrero comenzó una nueva serie de desnudos, esta vez de la bailarina Bertha Wardell. Uno de ellos, en el que aparece su cuerpo arrodillado y cortado por los hombros, es uno de los estudios de figura más conocidos de Weston. En esa misma época conoció a la pintora canadiense Henrietta Shore , a quien le pidió que comentara las fotografías de Wardell. Le sorprendió su crítica sincera: «Ojalá no hicieras tantos desnudos; te estás acostumbrando a ellos, el tema ya no te sorprende; la mayoría de estos son simplemente desnudos». [31]
Weston le pidió que le permitiera ver su trabajo y quedó intrigado por sus grandes pinturas de conchas marinas. Le pidió prestadas varias conchas, pensando que podría encontrar algo de inspiración para una nueva serie de naturalezas muertas. Durante las siguientes semanas, exploró muchos tipos diferentes de combinaciones de conchas y fondos; en su registro de fotografías tomadas en 1927, enumeró catorce negativos de conchas. [32] Una de ellas, simplemente llamada Nautilus , 1927" (a veces llamada Shell , 1927), se convirtió en una de sus imágenes más famosas. Modotti calificó la imagen de "mística y erótica", [33] y cuando se la mostró a René d'Harnoncourt, dijo que se sintió "débil en las rodillas". [34] Se sabe que Weston hizo al menos veintiocho copias de esta imagen, más de las que había hecho de cualquier otra imagen de conchas. [32]
En septiembre de ese año, Weston realizó una importante exposición en el Palacio de la Legión de Honor en San Francisco . En la inauguración de la muestra conoció a su colega fotógrafo Willard Van Dyke , quien más tarde le presentó a Ansel Adams .
En mayo de 1928, Weston y Brett hicieron un breve pero importante viaje al desierto de Mojave. Fue allí donde Weston exploró y fotografió por primera vez paisajes como forma de arte. [35] Las austeras formaciones rocosas y los espacios vacíos le parecieron una revelación visual y, durante un largo fin de semana, tomó veintisiete fotografías. [36] En su diario declaró: "Estos negativos son los más importantes que he hecho nunca". [37]
Más tarde, ese mismo año, él y Brett se mudaron a San Francisco, donde vivieron y trabajaron en un pequeño estudio propiedad de Hagemeyer. Hacía retratos para ganarse la vida, pero anhelaba alejarse por su cuenta y volver a dedicarse a su arte. A principios de 1929, se mudó a la cabaña de Johan Hagemeyer en Carmel, y fue allí donde finalmente encontró la soledad y la inspiración que buscaba. Colocó un cartel en la ventana del estudio que decía: "Edward Weston, fotógrafo, retratos sin retocar, grabados para coleccionistas".
Comenzó a hacer viajes regulares a la cercana Point Lobos, donde seguiría fotografiando hasta el final de su carrera. Fue allí donde aprendió a afinar su visión fotográfica para que coincidiera con el espacio visual de su cámara, y las imágenes que tomó allí, de algas marinas, rocas y árboles arrastrados por el viento, se encuentran entre sus mejores. Al observar su trabajo de este período, un biógrafo escribió:
Weston organizó sus composiciones de modo que las cosas sucedieran en los bordes; las líneas casi se cruzaban o se encontraban y las líneas circulares apenas tocaban los bordes tangencialmente; sus composiciones ahora fueron creadas exclusivamente para un espacio con proporciones de ocho por diez. No hay espacio extraño ni demasiado pequeño. [38]
A principios de abril de 1929, Weston conoció a la fotógrafa Sonya Noskowiak en una fiesta y, a finales de mes, ella ya vivía con él. Como en muchas de sus otras relaciones, se convirtió en su modelo, musa, alumna y asistente. Continuarían viviendo juntos durante cinco años.
Intrigado por los muchos tipos y formas de algas que encontró en las playas cercanas a Carmel, en 1930 Weston comenzó a tomar primeros planos de verduras y frutas. Hizo una variedad de fotografías de repollo, col rizada, cebollas, plátanos y, finalmente, su imagen más icónica, pimientos. En agosto de ese año, Noskowiak le trajo varios pimientos verdes y, en un período de cuatro días, tomó al menos treinta negativos diferentes. De estos, Pepper No. 30 se encuentra entre las obras maestras de la fotografía de todos los tiempos. [39]
Weston realizó una serie de importantes exposiciones individuales entre 1930 y 1931. La primera fue en la Delphic Studio Gallery de Alma Reed en Nueva York, seguida de cerca por una exposición de la misma obra en la Denny Watrous Gallery de Carmel. Ambas recibieron excelentes críticas, incluido un artículo de dos páginas en la revista New York Times Magazine . [38] A estas le siguieron exposiciones en el Museo De Young de San Francisco y en la Galerie Jean Naert de París.
Aunque estaba teniendo éxito profesionalmente, su vida personal era muy compleja. Durante la mayor parte de su matrimonio, Flora pudo cuidar de sus hijos gracias a una herencia de sus padres. Sin embargo, la crisis de Wall Street de 1929 había acabado con la mayor parte de sus ahorros, y Weston sintió una mayor presión para ayudar a proporcionar más para ella y sus hijos. Describió esta época como "el período económico más difícil de mi vida". [38]
En 1932 se publicó The Art of Edward Weston , el primer libro dedicado exclusivamente a la obra de Weston. Fue editado por Merle Armitage y dedicado a Alice Rohrer, admiradora y mecenas de Weston, cuya donación de 500 dólares ayudó a pagar la publicación del libro.
Al mismo tiempo, un pequeño grupo de fotógrafos de ideas afines en el área de San Francisco, liderado por Van Dyke y Ansel Adams, comenzó a reunirse informalmente para discutir sus intereses y estéticas comunes. Inspirados por la muestra de Weston en el Museo De Young el año anterior, se acercaron al museo con la idea de montar una exposición grupal de su trabajo. Se llamaron Group f/64 y, en noviembre de 1932, se inauguró una exposición de 80 de sus impresiones en el museo. La muestra fue un éxito de crítica.
En 1933, Weston compró una cámara Graflex 4 × 5, que era mucho más pequeña y liviana que la cámara de gran formato que había usado durante muchos años. Comenzó a tomar desnudos en primer plano de Noskowiak y otras modelos. La cámara más pequeña le permitió interactuar más con sus modelos, mientras que al mismo tiempo los desnudos que tomó durante este período comenzaron a parecerse a algunas de las raíces y verduras retorcidas que había tomado el año anterior. [40]
A principios de 1934, "se abrió un nuevo e importante capítulo" [41] en la vida de Weston cuando conoció a Charis Wilson en un concierto. Incluso más que con sus amantes anteriores, Weston quedó inmediatamente cautivado por su belleza y su personalidad. Escribió: "Un nuevo amor llegó a mi vida, uno de los más hermosos, uno que, creo, resistirá la prueba del tiempo". [42] El 22 de abril la fotografió desnuda por primera vez y entablaron una relación intensa. En ese momento todavía vivía con Noskowiak, pero al cabo de dos semanas le pidió que se fuera, declarando que para él otras mujeres eran "tan inevitables como las mareas". [42]
Tal vez debido a la intensidad de su nueva relación, dejó de escribir en sus Diarios en esa misma fecha. Seis meses después escribió una última entrada, repasando el 22 de abril:
En enero de 1935, Weston se enfrentaba a crecientes dificultades económicas. Cerró su estudio en Carmel y se mudó a Santa Monica Canyon , California, donde abrió un nuevo estudio con Brett. Le imploró a Wilson que fuera a vivir con él y, en agosto de 1935, ella finalmente aceptó. Si bien tenía un intenso interés en su trabajo, Wilson fue la primera mujer con la que Weston había vivido desde Flora que no tenía ningún interés en convertirse en fotógrafa. [43] Esto le permitió a Weston concentrarse en ella como su musa y modelo y, a su vez, Wilson dedicó su tiempo a promover el arte de Weston como su asistente y cuasi agente.
Casi inmediatamente comenzó a tomar una nueva serie de desnudos con Wilson como modelo. Una de las primeras fotografías que tomó de ella, en el balcón de su casa, se convirtió en una de sus imágenes más publicadas ( Desnuda (Charis, Santa Mónica) ). Poco después hicieron el primero de varios viajes a Oceano Dunes . Fue allí donde Weston hizo algunas de sus fotografías más atrevidas e íntimas de cualquiera de sus modelos, capturando a Wilson en poses completamente desinhibidas en las dunas de arena. Exhibió solo una o dos de esta serie en su vida, pensando que varias de las otras eran "demasiado eróticas" [44] para el público en general.
Aunque su trabajo reciente había recibido elogios de la crítica, no estaba obteniendo suficientes ingresos de sus imágenes artísticas como para tener un ingreso estable. En lugar de volver a depender únicamente del retrato, comenzó el "Club de la Impresión del Mes de Edward Weston", que ofrecía selecciones de sus fotos por una suscripción mensual de $5. Cada mes, los suscriptores recibían una nueva impresión de Weston, con una edición limitada de 40 copias de cada impresión. Aunque creó estas impresiones con los mismos altos estándares que para sus impresiones de exhibición, se cree que nunca tuvo más de once suscriptores. [43]
Por sugerencia de Beaumont Newhall, Weston decidió solicitar una beca de la Fundación Guggenheim (hoy conocida como Beca Guggenheim ). Escribió una descripción de dos oraciones sobre su trabajo, reunió treinta y cinco de sus grabados favoritos y la envió. [45] Después, Dorothea Lange y su esposo sugirieron que la solicitud era demasiado breve para ser considerada seriamente, y Weston la volvió a enviar con una carta de cuatro páginas y un plan de trabajo. No mencionó que Wilson había escrito la nueva solicitud por él. [46]
El 22 de marzo de 1937, Weston recibió la notificación de que le habían concedido una beca Guggenheim, la primera que se le otorgaba a un fotógrafo. [47] El premio consistía en 2.000 dólares por un año, una cantidad significativa de dinero en aquel momento. Pudo sacar aún más provecho del premio al organizar la entrega al editor de la revista AAA Westway de 8 a 10 fotografías al mes por 50 dólares durante sus viajes, y Wilson recibía 15 dólares mensuales adicionales por los pies de foto y las narraciones breves. Compraron un coche nuevo y emprendieron el viaje de ensueño de Weston para ir a fotografiar lo que quisiera. Durante los siguientes doce meses hicieron diecisiete viajes y recorrieron 16.697 millas según el registro detallado de Wilson. Weston hizo 1.260 negativos durante el viaje.
La libertad que le supuso este viaje con el "amor de su vida", combinada con el hecho de que todos sus hijos ya habían alcanzado la edad adulta, le dio a Weston la motivación para finalmente divorciarse de su esposa. Habían estado viviendo separados durante dieciséis años. [48]
Debido al éxito del año pasado, Weston solicitó y recibió un segundo año de apoyo del Guggenheim. Aunque quería viajar un poco más, tenía la intención de utilizar la mayor parte del dinero para imprimir el trabajo del año anterior. Encargó a Neil que construyera una pequeña casa en Carmel Highlands en una propiedad del padre de Wilson. Llamaron al lugar "Wildcat Hill" debido a los muchos gatos domésticos que pronto ocuparon el terreno.
Wilson instaló un estudio de escritura en lo que pretendía ser un pequeño garaje detrás de la casa, y pasó varios meses escribiendo y editando historias de sus viajes.
En 1939 se publicó Seeing California with Edward Weston , con fotografías de Weston y textos de Wilson. Finalmente, aliviado de las tensiones financieras del pasado y extraordinariamente feliz con su trabajo y su relación, Weston se casó con Wilson en una pequeña ceremonia el 24 de abril.
Alentados por el éxito de su primer libro, en 1940 publicaron California and the West . La primera edición, que incluía 96 fotografías de Weston con texto de Wilson, se vendió por 3,95 dólares. Durante el verano, Weston enseñó fotografía en el primer taller de Ansel Adams en el Parque Nacional de Yosemite .
En el momento en que el dinero del Guggenheim se estaba agotando, Weston fue invitado a ilustrar una nueva edición de Hojas de hierba de Walt Whitman . Recibiría 1.000 dólares por las fotografías y 500 dólares por los gastos de viaje. Weston insistió en tener el control artístico de las imágenes que tomaría e insistió en que no haría ilustraciones literales del texto de Whitman. El 28 de mayo, él y Wilson comenzaron un viaje que cubriría 20.000 millas a través de 24 estados; tomó entre 700 y 800 negativos de 8x10, así como docenas de retratos Graflex. [49]
El 7 de diciembre de 1941, Pearl Harbor fue atacado y Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial . Weston estaba cerca de terminar el viaje de Whitman y el estallido de la guerra lo afectó profundamente. Escribió: "Cuando estalló la guerra, nos apresuramos a regresar a casa. Charis no quería hacerlo. Yo sí". [50]
Pasó los primeros meses de 1942 organizando e imprimiendo los negativos del viaje a Whitman. De los cientos de imágenes que tomó, seleccionó cuarenta y nueve para su publicación.
Debido a la guerra, Point Lobos estuvo cerrado al público durante varios años. Weston continuó trabajando en imágenes centradas en Wildcat Hill, incluidas tomas de los numerosos gatos que vivían allí. Weston las trató con la misma seriedad que aplicó a todos sus otros temas, y Charis reunió los resultados en su publicación más inusual, The Cats of Wildcat Hill, que finalmente se publicó en 1947.
El año 1945 marcó el comienzo de cambios significativos para Weston. Comenzó a experimentar los primeros síntomas de la enfermedad de Parkinson , una dolencia debilitante que gradualmente le robó fuerza y su capacidad para fotografiar. Se alejó de Wilson, quien al mismo tiempo comenzó a involucrarse más en la política local y la escena cultural de Carmel. Una fuerza que originalmente los unió –su falta de interés en convertirse en fotógrafa– finalmente llevó a su ruptura. Ella escribió: "Mi huida de Edward también fue en parte un escape de la fotografía, que había ocupado tanto espacio en mi vida durante tantos años". [51]
Mientras trabajaba en una importante exposición retrospectiva para el Museo de Arte Moderno, él y Wilson se separaron. Weston regresó a Glendale, ya que el terreno de su cabaña en Wildcat Hill todavía pertenecía al padre de Wilson. A los pocos meses, ella se mudó y se encargó de venderle la propiedad.
En febrero de 1946, se inauguró la gran retrospectiva de Weston en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Él y Beaumont Newhall seleccionaron 313 copias para la exposición, y finalmente se exhibieron 250 fotografías junto con 11 negativos. En ese momento, muchas de sus copias todavía estaban a la venta, y vendió 97 copias de la exhibición a 25 dólares cada una. Más tarde ese año, el Dr. George L. Waters de Kodak le pidió a Weston que produjera transparencias Kodachrome de 8 × 10 para su campaña publicitaria. Weston nunca había trabajado en color antes, principalmente porque no tenía medios para revelar o imprimir el proceso de color más complicado. Aceptó su oferta en gran parte porque le ofrecieron 250 dólares por imagen, la cantidad más alta que recibiría por una sola obra en su vida. [52] Finalmente vendió siete obras en color a Kodak de paisajes y escenarios de Point Lobos y el cercano puerto de Monterey.
En 1947, cuando su enfermedad de Parkinson empeoró, Weston comenzó a buscar un asistente. Casualmente, un joven entusiasta de la fotografía, Dody Weston Thompson , se puso en contacto con él en busca de empleo.
Weston mencionó que esa misma mañana había escrito una carta a Ansel Adams , buscando a alguien que quisiera aprender fotografía a cambio de llevar su voluminosa cámara de gran formato y proporcionarle un automóvil muy necesario. Hubo un rápido encuentro de mentes creativas. Durante el resto de 1947 y principios de 1948, Dody viajaba desde San Francisco los fines de semana para aprender de Weston los conceptos básicos de la fotografía. A principios de 1948, Dody se mudó a "Bodie House", la casa de huéspedes en el complejo de Edward en Wildcat Hill, como su asistente a tiempo completo.
A finales de 1948, ya no podía utilizar físicamente su cámara de gran formato. Ese año tomó sus últimas fotografías en Point Lobos. Su negativo final fue una imagen que tituló Rocks and Pebbles, 1948. Aunque disminuyó su capacidad, Weston nunca dejó de ser fotógrafo. Trabajó con sus hijos y Dody para catalogar sus imágenes y, especialmente, para supervisar la publicación e impresión de su trabajo. En 1950 se realizó una gran retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París, y en 1952 publicó un portafolios del quincuagésimo aniversario, con imágenes impresas por Brett.
Durante este tiempo trabajó con Cole, Brett y Dody Thompson (esposa de Brett en 1952) para seleccionar y encargarles que imprimieran un conjunto maestro de lo que él consideraba su mejor trabajo. Pasaron muchas horas juntos en el cuarto oscuro y en 1956 habían producido lo que Weston llamó "The Project Prints", ocho conjuntos de impresiones de 8" × 10" de 830 de sus negativos. El único conjunto completo que existe hoy en día se encuentra en la Universidad de California, Santa Cruz . Más tarde, ese mismo año, el Instituto Smithsoniano exhibió casi 100 de estas impresiones en una importante exposición, "El mundo de Edward Weston", en homenaje a sus logros en la fotografía estadounidense.
Weston murió en su casa de Wildcat Hill el día de Año Nuevo de 1958. Sus hijos esparcieron sus cenizas en el Océano Pacífico en una zona conocida entonces como Pebbly Beach en Point Lobos. Debido a la importante influencia de Weston en la zona, la playa pasó a llamarse Weston Beach. Tenía 300 dólares en su cuenta bancaria en el momento de su muerte. [53]
Durante su vida, Weston trabajó con varias cámaras. Comenzó como fotógrafo más serio en 1902 cuando compró una cámara de 5 × 7. [54] Cuando se mudó a Tropico, ahora parte de Glendale , y abrió su estudio en 1911, adquirió una enorme cámara de retratos de estudio Graf Variable de 11 x 14. Roi Partridge , el esposo de Imogen Cunningham , más tarde hizo un grabado de Weston en su estudio, empequeñecido por la cámara gigante frente a él. [55] Después de que comenzó a tomar más retratos de niños, compró una Graflex de 3 ¼ x 4 ¼ en 1912 para capturar mejor sus expresiones que cambiaban rápidamente. [56]
Cuando fue a México en 1924, llevó una cámara Seneca plegable de 8 × 10 con varios lentes, incluyendo un Graf Variable y un Wollensak Verito. Mientras estaba en México, compró un lente Rapid Rectilinear usado que fue su lente principal durante muchos años. El lente, ahora en la Casa George Eastman , no tenía nombre de fabricante. [57] También llevó a México un Graflex de 3¼ × 4¼ con un lente Tessar de ƒ/4.5, que usó para retratos.
En 1933 compró una RB Auto-Graflex 4 × 5 y la utilizó a partir de entonces para todos los retratos. [58] Continuó utilizando la cámara Seneca View para todos los demás trabajos.
En 1939 enumeró los siguientes elementos como su equipo estándar: [58]
Continuó utilizando este equipo durante toda su vida.
Antes de 1921, Weston utilizaba una película de láminas ortocromáticas , pero cuando la película pancromática se hizo ampliamente disponible en 1921, la cambió a ella para todos sus trabajos. Según su hijo Cole, después de que saliera la película Agfa Isopan en la década de 1930, Weston la utilizó para sus imágenes en blanco y negro durante el resto de su vida. [59] Esta película tenía una clasificación de ISO 25 aproximadamente, pero la técnica de revelado que Weston utilizó redujo la clasificación efectiva a ISO 12 aproximadamente. [60]
Las cámaras de 8 × 10 que prefería eran grandes y pesadas, y debido al peso y al coste de la película, nunca llevaba consigo más de doce portapelículas. Al final de cada día, tenía que entrar en un cuarto oscuro, descargar los portapelículas y cargarlos con película nueva. Esto era especialmente complicado cuando viajaba, ya que tenía que encontrar una habitación oscura en algún lugar o montar un cuarto oscuro improvisado hecho con lona pesada. [61]
A pesar del gran tamaño de la cámara, Weston se jactó de que podía "colocar el trípode, sujetar la cámara de forma segura, colocar la lente en la cámara, abrir el obturador, estudiar la imagen en el vidrio esmerilado, enfocarla, cerrar el obturador, insertar el portaplacas, amartillar el obturador, ajustarlo a la apertura y velocidad adecuadas, quitar la diapositiva del portaplacas, hacer la exposición, reemplazar la diapositiva y quitar el portaplacas en dos minutos y veinte segundos". [61]
Las cámaras Graflex más pequeñas que utilizó tenían la ventaja de utilizar cartuchos de película que contenían 12 o 18 hojas de película. Weston prefería estas cámaras para tomar retratos porque podía responder más rápidamente a la persona retratada. Informó que con su Graflex una vez hizo tres docenas de negativos de Tina Modotti en 20 minutos. [62] En 1946, un representante de Kodak le pidió a Weston que probara su nueva película Kodachrome , y durante los siguientes dos años hizo al menos 60 imágenes en color de 8 x 10 usando esta película. " [63] Fueron algunas de las últimas fotografías que tomó, ya que a fines de 1948 ya no podía manejar una cámara debido a los efectos de su enfermedad de Parkinson.
Durante los primeros 20 años de su carrera fotográfica, Weston determinaba todos sus ajustes de exposición mediante estimaciones basadas en sus experiencias previas y las tolerancias relativamente estrechas de la película en ese momento. Dijo: "No me gusta calcular el tiempo, y encuentro que mis exposiciones son más precisas cuando solo las "siento"". [64] A fines de la década de 1930 adquirió un exposímetro Weston y continuó usándolo como ayuda para determinar las exposiciones a lo largo de su carrera. [nota 1] La historiadora de fotografía Nancy Newhall escribió que "los fotógrafos jóvenes se quedan confundidos y asombrados cuando lo ven medir con su exposímetro cada valor en la esfera donde pretende trabajar, desde el cielo hasta el suelo bajo sus pies. Está "sintiendo la luz" y verificando sus propias observaciones. Después de lo cual guarda el exposímetro y hace lo que piensa . A menudo suma todo - filtros, extensión, película, velocidad, etc. - y duplica el cálculo". [65] Weston, señaló Newhall, creía en la "exposición masiva", que luego compensaba procesando manualmente la película en una solución reveladora débil e inspeccionando individualmente cada negativo a medida que continuaba revelándose para obtener el equilibrio correcto de luces y sombras. [65]
La baja clasificación ISO de la película en hojas que Weston utilizó requirió exposiciones muy largas cuando utilizó su cámara, que iban desde 1 a 3 segundos para exposiciones de paisajes al aire libre hasta 4½ horas para naturalezas muertas como pimientos o conchas. [66] Cuando utilizó una de las cámaras Graflex, los tiempos de exposición eran mucho más cortos (generalmente menos de ¼ de segundo) y, a veces, podía trabajar sin trípode. [67]
Weston siempre hacía impresiones por contacto , lo que significa que la impresión era exactamente del mismo tamaño que el negativo. Esto era esencial para la impresión en platino que prefirió al principio de su carrera, ya que en ese momento los papeles de platino requerían luz ultravioleta para activarse. Weston no tenía una fuente de luz ultravioleta artificial, por lo que tuvo que colocar la impresión por contacto directamente a la luz del sol para exponerla. [67] Esto lo limitó a imprimir solo en días soleados.
Cuando quería una copia más grande que el tamaño original del negativo, utilizaba una ampliadora para crear un interpositivo más grande y luego lo imprimía por contacto en un nuevo negativo. El nuevo negativo más grande se utilizaba entonces para hacer una copia de ese tamaño. [68] Este proceso era muy laborioso; una vez escribió en sus Diarios : "Estoy completamente exhausto esta noche después de un día entero en el cuarto oscuro, haciendo ocho negativos de contacto a partir de los positivos ampliados". [69]
En 1924, Weston escribió lo siguiente sobre su proceso de cuarto oscuro: "Después de varios años de usar el revelador de tanque abierto de Metol-Hidroquinina, he vuelto a un revelador Pyro de tres soluciones, y ahora revelo una a la vez en una bandeja en lugar de una docena en un tanque". [64] Cada hoja de película se observaba bajo una luz de seguridad verde o naranja en su cuarto oscuro, lo que le permitía controlar el revelado individual de un negativo. Continuó usando esta técnica durante el resto de su vida.
Se sabía que Weston usaba ampliamente el efecto de esquivar y quemar para lograr el aspecto que quería en sus impresiones. [70] [60]
Al principio de su carrera, Weston imprimió en varios tipos de papel, incluidos Velox, Apex, Convira, Defender Velour Black y Haloid. [60] Cuando fue a México, aprendió a utilizar papel de platino y paladio, fabricado por Willis & Clement e importado de Inglaterra. [64] Después de su regreso a California, abandonó la impresión con platino y paladio debido a la escasez y el aumento del precio del papel. Finalmente, pudo obtener la mayoría de las mismas calidades que prefería con el papel de gelatina de plata brillante Azo de Kodak revelado en Amidol . [64] Continuó utilizando este papel casi exclusivamente hasta que dejó de imprimir.
Weston fue un escritor prolífico. Sus diarios se publicaron en dos volúmenes, con un total de más de 500 páginas en la primera edición. Esto no incluye los años del diario que llevó entre 1915 y 1923; por razones que nunca aclaró, los destruyó antes de partir hacia México. [71] También escribió docenas de artículos y comentarios, comenzando en 1906 y terminando en 1957. [72] Escribió a mano o a máquina al menos 5.000 cartas a colegas, amigos, amantes, sus esposas y sus hijos. [73]
Además, Weston tomó notas muy detalladas sobre los aspectos técnicos y comerciales de su trabajo. El Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, que ahora alberga la mayor parte de los archivos de Weston, informa que alberga 75 pies lineales de páginas de sus diarios, correspondencia, registros financieros, recuerdos y otros documentos personales que estaban en su posesión cuando murió. [74]
Entre los primeros escritos más importantes de Weston se encuentran aquellos que aportan información sobre su desarrollo del concepto de previsualización . Habló y escribió por primera vez sobre el concepto en 1922, al menos una década antes de que Ansel Adams comenzara a utilizar el término, y continuó ampliando esta idea tanto por escrito como en sus enseñanzas. El historiador Beaumont Newhall destacó la importancia de la innovación de Weston en su libro The History of Photography , diciendo que "la parte más importante del enfoque de Edward Weston fue su insistencia en que el fotógrafo debería previsualizar la impresión final antes de hacer la exposición". [75]
En sus Diarios, proporcionó un registro inusualmente detallado de su evolución como artista. Aunque inicialmente negó que sus imágenes reflejaran sus propias interpretaciones del tema, en 1932 sus escritos revelaron que había llegado a aceptar la importancia de la impresión artística en su obra. [76] Cuando se combinan con sus fotografías, sus escritos proporcionan una serie extraordinariamente vívida de ideas sobre su desarrollo como artista y su impacto en las generaciones futuras de fotógrafos.
En 2013, dos de las fotografías de Weston figuran entre las más caras jamás vendidas. El desnudo de 1925, tomado en 1925, fue comprado por el galerista Peter MacGill por 1,6 millones de dólares en 2008. [87] Nautilus de 1927 se vendió por 1,1 millones de dólares en 2010, también a MacGill. [88] [89]
En 1984, Weston fue incluido en el Salón de la Fama y Museo Internacional de Fotografía . [90]
La carrera artística de Weston duró más de cuarenta años, desde aproximadamente 1915 hasta 1956. Fue un fotógrafo prolífico y produjo más de 1000 fotografías en blanco y negro y unas 50 imágenes en color. Esta lista es una selección incompleta de las fotografías más conocidas de Weston.
