Wally Bill Hedrick (1928 - 17 de diciembre de 2003) [1] fue un artista estadounidense fundamental en la contracultura de California de los años cincuenta, [2] galerista y educador que saltó a la fama a principios de los años sesenta. Las contribuciones de Hedrick al arte incluyen obras de arte pioneras en arte de luz psicodélica, escultura cinética mecánica, escultura basura/ensamblaje, arte pop y arte funk (California). Más adelante en su vida, fue un precursor reconocido en los Happenings, el arte conceptual, la mala pintura , el neoexpresionismo y la apropiación de imágenes. Hedrick también fue una figura clave en la primera manifestación pública importante de la Generación Beat cuando ayudó a organizar Six Gallery Reading y creó la primera denuncia artística de la política exterior estadounidense en Vietnam. Wally Hedrick era conocido como un “artista de ideas” mucho antes de que la etiqueta “arte conceptual” entrara en el mundo del arte, y experimentó con el uso innovador del lenguaje en el arte, recurriendo en ocasiones a juegos de palabras. [2]
Wally Hedrick nació en Pasadena, California . Salió de la cultura militar y automovilística , vislumbrando por primera vez la promesa liberadora de la bohemia de San Francisco a finales de la década de 1940, y luego se mudó a la ciudad de forma permanente después de presenciar el combate en la Guerra de Corea (1950-1953). [3] Hedrick visitó la Escuela de Bellas Artes de California (ahora el Instituto de Arte de San Francisco ) en 1946. Durante este período, se unió a Progressive Art Workers con David Simpson , John Stanley y otros. The Progressive Art Workers era un club social que también funcionaba como una cooperativa a través de la cual los miembros del grupo podían exponer sus obras. También en ese momento, Vesuvio Café en el distrito de North Beach de San Francisco contrató a Hedrick como pintor de acción para trabajar (es decir, "hacer pinturas") mientras actuaba un combo de jazz:
"Ese era su trabajo. Él hacía estas pinturas y mientras pintaba, los músicos tocaban con él. Él hacía esto y ellos hacían doodoo doop. Era muy popular en North Beach. El tipo hacía cuatro o cinco cuadros en una tarde." [4]
Hedrick rompió tempranamente con las convenciones de la formación y la creación artística. [5] "Había tres direcciones que un artista podía tomar en ese momento", dice Hedrick, "la figuración, el expresionismo abstracto. Y esta tercera cosa, que estaba fuera de la tradición surrealista y dadaísta". [6] Hedrick comenzó a "elaborar una forma de Dada personalizado", [5] lo que condujo "quizás a su contribución más influyente al curso del arte del Área de la Bahía: un tipo elaborado de juego de palabras. Los juegos de palabras no sólo se convirtieron en títulos... pero apareció en la pintura misma." [7]
La madura carrera artística de Hedrick comenzó con pinturas de imágenes populares (banderas estadounidenses, radios, gabinetes de televisión y refrigeradores) años antes del surgimiento del arte pop de Nueva York . [8] John Coplans incluyó el uso de imágenes populares por parte de Hedrick en 1951 en su cronología de los antecedentes del arte pop. [9] Hedrick "comenzó a pintar banderas en la década de 1950, antes que Jasper Johns de Nueva York. Poco después, Hedrick, siempre anticarrerista, pintó muchas de esas banderas de negro para protestar contra la guerra de Vietnam". [10]
A principios de la década de 1950, Vesuvio Café , un popular lugar de reunión Beat , contrató a Hedrick para que se sentara en la ventana vestido con barba, suéter de cuello alto y sandalias y creara dibujos y pinturas de improvisación. La figura de Hedrick, por lo tanto, ayudó a marcar el comienzo del estilo de vida Beat que se disparó a finales de la década de 1950; en 1958, los turistas que llegaban a San Francisco podían realizar recorridos en autobús para ver la escena North Beach Beat . [11] Hedrick una vez le confió a su alumno Jerry García que "él y sus amigos eran la verdadera Generación Beat". [12]
En ese momento, Hedrick fue uno de los primeros artistas de San Francisco a principios de la década de 1950 en trabajar casi exclusivamente con metal. [5] Comenzó a soldar en 1952, y estos esfuerzos se consideran los primeros ensamblajes de chatarra cinética. [13] Hedrick hizo ensamblajes y esculturas a partir de latas de cerveza, luces, aparatos de radio y televisión rotos, refrigeradores y lavadoras que encontró en depósitos de chatarra. "Lo que me interesa", dijo más tarde, es "tomar basura y convertirla en arte, una especie de arte irónico". [14] Pintó sobre las superficies con gruesas capas de empaste y yeso que incorporaron la obra a la estética de la pintura de acción. Se sintió particularmente complacido cuando pudo arreglar un electrodoméstico abandonado lo suficiente como para que al menos una parte funcionara y poder convertir sus ensamblajes en esculturas en movimiento. [15]
"Algunas de sus esculturas más memorables surgieron de aplastar y soldar latas de cerveza, o de apilarlas y soldarlas... En 1956 hizo la primera escultura de luz que había visto en mi vida; un dispositivo que respondía al sonido. Más tarde tuvo la pieza en su casa durante una celebración navideña para la cual Wally se puso algo de Miles y Coltrane y la escultura se volvió loca. ¡También recuerdo su ensamblaje de la Escultura del Árbol de Navidad, que se iluminaba y bailaba! [dieciséis]
Aunque el uso de latas de cerveza fue popularizado en 1960 por Jasper Johns , Hedrick comenzó la práctica [17] en el arte muchos años antes, a principios de la década de 1950. [18] Una de las esculturas de latas de cerveza favoritas de Hedrick "estaba formada por latas de cerveza rotas en una especie de pirámide, como una especie de montaña, así que la llamé Everest americano ". [18] Las esculturas de latas de cerveza soldadas "se conservaron hasta... 1969". [18]
Durante la década de 1950, los esfuerzos de Hedrick siguieron dos caminos principales: la pintura y la escultura. [5] Más concretamente, entre 1952 [19] y 1958, [20] Hedrick comienza sus ensamblajes cinéticos de chatarra, esculturas de latas de cerveza y la serie 'Black Painting'. No sólo las esculturas cinéticas de latas de cerveza basura de Hedrick, ahora todas perdidas o destruidas, posiblemente se clasifiquen como las "esculturas cinéticas basura cinéticas... hechas antes de Tinguely" seminales, [21] sino que, además, Hedrick es uno de los primeros artistas estadounidenses en oponerse a los EE.UU. Intervención en Vietnam del Sur. [22]
Algunos artistas de la época consideraban a Hedrick un 'preconceptualista': "Creo que la mente de Wally... tiene una importancia primordial en este sentido. Creo que es mucho más preconceptualista que quizás cualquiera de los otros... las pinturas, y los objetos que creó son en realidad más expresiones de una idea". [23] De hecho, Marcel Duchamp "fue uno de los más grandes dioses de Wally, siempre". [24]
En 1951, durante la Guerra de Corea , Hedrick fue reclutado en el ejército de los Estados Unidos contra su voluntad, escoltado por parlamentarios del ejército estadounidense sin siquiera tener la oportunidad de llamar a sus padres. "Sin embargo, Wally debe haber sido un problema para ellos, porque Wally nunca hizo cosas militares de la manera que pretendían... le dijiste a Wally que no lo hiciera, eso es lo que él haría. [25] Estaba destinado en Corea hasta 1952. Durante este tiempo, sus pinturas y ensamblajes pasaron del neocubismo a la metafísica y a temas políticos pintados en un estilo caricaturesco y relacionados particularmente con la escalada de la guerra de Vietnam [26] .
Hedrick se unió a la Studio 13 Jazz Band en 1952. El grupo fue fundado en el Instituto de Arte de San Francisco a finales de la década de 1940 por dos miembros de los pintores figurativos del Área de la Bahía, David Park y Elmer Bischoff. [27] Tocaba el banjo. [28]
En 1953, una de las primeras pinturas de su carrera como artista presentaba una bandera estadounidense arrugada y desfigurada con la palabra "Paz". Thomas E. Crow contrasta este trabajo con el "estampado anónimo" de Jasper Johns , llamando la atención sobre la forma en que Hedrick imita la caligrafía extravagante que se encuentra en la decoración de los autos hot-rod. [3] Crow ve el trabajo en contraste con la reticencia de Johns, como una protesta dirigida contra el desperdicio de vidas en Corea y contra el aventurerismo de la Guerra Fría en general. [3] Además, Peace (1953), "demuestra una comprensión intuitiva del 'lenguaje como símbolo' que precede en veinte años al actual uso posmoderno (del lenguaje). [29] Las pinturas pre-pop de Hedrick se incluyeron en la obra histórica de John Coplan. Pop Art, USA", la primera exposición que intenta una mirada colectiva al movimiento en los Estados Unidos, presentada en el Museo de Arte de Oakland en septiembre de 1963. [30] Incluso después de su etapa de Arte Pop, Hedrick continuó "su toma de riesgos incursiones en regiones donde, en su mayoría, los ángeles temen pisar". [31]
A finales de los años 40 experimentó con la luz. [26] En 1953 había creado una “máquina de luz” que combinaba teclado, vidrio, parlantes y proyectores caseros y luces de colores que respondían a cambios en el tono, el registro y el volumen, que fue un precursor temprano de los espectáculos de luces psicodélicas de los años 60 [26] , y años antes de los espectáculos de luces de Haight-Ashbury . [32]
Jerry García de The Grateful Dead estudió con Wally Hedrick y Elmer Bischoff en el San Francisco Art Institute . Era la única escuela de la que García estaría orgulloso de asistir. [12] Hedrick sirvió a García como modelo no sólo como pintor sino también como expositor de una forma de vida. [12] Para García, Hedrick era un auténtico beatnik. Hedrick pensaba que García era brillante y moderno, y le aconsejó que asistiera a lecturas de poesía en las cafeterías de North Beach, como Co-Existence Bagel Shop, el centro social de la comunidad Beat. [33] Fue Hedrick quien entusiasmó al joven García con el blues acústico [2] y On the Road de Jack Kerouac y todas las actitudes que lo acompañan. On the Road cambió la vida de García para siempre. [12] “Wally me enseñó que el arte no es sólo algo que haces, sino algo que eres”. [34]
Como "un auténtico beatnik", Hedrick trabajaba en un bohemio 'beatnik' sentado en el bar del Vesuvio Café , un famoso lugar de reunión en North Beach de San Francisco. Vesuvio Cafe contrató a Hedrick para que se sentara en la ventana vestido con barba, jersey de cuello alto y sandalias y creara dibujos y pinturas de improvisación. La figura de Hedrick, por lo tanto, ayudó a marcar el comienzo del estilo de vida Beat que se disparó a finales de la década de 1950; en 1958, los turistas que llegaban a San Francisco podían realizar recorridos en autobús para ver la escena North Beach Beat . [11]
Aunque Hedrick una vez le confió a García que "él y sus amigos eran la verdadera Generación Beat", [12] los artistas visuales seminales de la década de 1950 en San Francisco, incluido Hedrick, evitaron la etiqueta de 'beatnik'. A ninguno de ellos le gustaba que los llamaran “Beats” y aborrecían especialmente la etiqueta “Beatniks”, un sobrenombre despectivo acuñado por el famoso columnista de San Francisco, Herb Caen . Como dijo Bruce Conner : "No conozco a ningún artista que se llame a sí mismo un artista beat... Si alguien lo hiciera, lo considerarías un farsante, un fraude que realiza una estafa". [2]
"La noche de estreno fue lo más importante en San Francisco. La noche de estreno y todos los artistas, principalmente artistas, salieron y esas pocas personas que estaban interesadas en la alta sociedad o lo que fueran, salieron. Y luego de eso, se podía Si salieras allí durante un día laborable, no habría nadie en la galería. A nadie le importaba un carajo". [35] -- Juan Saccaro
Realizada a partir de lo que se conocía como la Galería King Ubu ("una cosa totalmente poeta"), en 1954, Hedrick cofundó The Six Gallery [36] en San Francisco , California con David Simpson , Hayward Ellis King , John Allen Ryan, Deborah Remington y Jack Spicer , y en 1955 se había "convertido en el director oficial". [20] Aunque "las actividades de los "6" estaban mal documentadas", [37] la Six Gallery funcionó como una galería de arte subterránea para los miembros y un lugar de encuentro para poetas y literatos por igual. "The Six" fue un punto focal para la actividad contracultural durante un punto de transición crucial (los artistas no convencionales se encontraban en lo más profundo de la clandestinidad), en parte porque ningún público los animó a emerger, en parte porque allí era más seguro. [38] "Los Seis" estaban encantados con la oportunidad de desafiar la autoridad. [39] Como director de la galería, Hedrick organizó y participó en eventos espontáneos de exposición, lectura de poesía y performance que fueron los precursores de los 'Happenings' de la década de 1960. [29]
"No pensábamos en nosotros mismos como un grupo. Los otros grupos tenían un sentimiento de grupo muy fuerte y se sentaban y hablaban de dominar el mundo, o al menos todos los departamentos de arte del Área de la Bahía". [6]
A raíz de las galerías colectivas de artistas como Ubu y Six, surgieron galerías dirigidas por profesionales. [38]
"Hedrick jugó un papel decisivo en la transformación de la alegre sátira del arte pop en el fragmento más escandaloso del arte funk". [40] El nacimiento del 'California Funk Art' se puede encontrar en la Six Gallery. [41] Robert Arneson , el llamado "padre del movimiento Ceramic Funk Art". [42] consideró a Hedrick, "El padrino del arte funk". [43]
Hedrick recibió su Licenciatura en Arte en el Instituto de Arte de San Francisco en 1955.
"La lectura de Six Gallery " tuvo lugar el 7 de octubre de 1955, en la Six Gallery, cuando Allen Ginsberg , por invitación de Hedrick, [44] leyó " Howl " por primera vez. [45] El evento se ha convertido en una parte casi tan importante de la mística de la ciudad como la fiebre del oro de 1849 o el terremoto de 1906. [46]
Hedrick se acercó a Ginsberg a mediados de 1955 y le pidió que organizara una lectura de poesía en la Six Gallery. Al principio, Ginsberg se negó, pero una vez que escribió un borrador de "Cómo", cambió de opinión. [47] Se puede encontrar un relato de la noche en la novela de Jack Kerouac The Dharma Bums , donde describe cómo recolectar cambio de cada miembro de la audiencia para comprar jarras de vino con Hedrick.
La 'Six Gallery Reading' de Hedrick fue la primera manifestación pública importante de la Generación Beat y ayudó a anunciar la revolución artística de la costa oeste que se conoció como el Renacimiento de San Francisco .
A finales de la década de 1950, San Francisco se convirtió en la capital de la poesía beat del universo, pero los artistas visuales que formaron parte de la misma época son menos célebres. [48] El edificio de tres pisos en 2322-24 Fillmore, donde vivieron y trabajaron Hedrick y Jay DeFeo, fue el centro no oficial del pequeño mundo del arte de San Francisco en 1955-1965. [49] Hedrick conoció al artista Jay DeFeo , un estudiante de la Universidad de California, Berkeley, y se casaron en 1954. La pintura más conocida de Jay DeFeo, "La rosa", [50] fue realizada en su apartamento de Filmore Street, tomó casi Ocho años para crear y pesa 2.300 libras, todo pagado [51] por su marido, Wally Hedrick.
Cuando llegué a San Francisco en 1957, recuerdo haber ido a The Place at North Beach con Michael McClure . Había un montaje de Wally Hedrick en la ventana. Creo que era parte de un tubo de estufa, había una cabeza de muñeca en el respiradero y tenía ruedas; era como un carro (con un bastón). [52] --Bruce Conner
Se suponía que 'El árbol de Navidad' tenía algo que ver con jugar con los colores mediante la luz, pero por lo que pude ver, fue totalmente aleatorio, simplemente absurdo. [52] --Bruce Conner
En 1958, uno de sus conjuntos mecánicos "atacó" a una mujer en la fiesta anual de Navidad y exposición navideña del Museo de Arte Moderno de San Francisco . [53] Su "Árbol de Navidad" fue "una especie de pináculo de las esculturas cinéticas de basura porque nunca había intentado algo tan complicado", [14] construido con "dos radios, dos fonógrafos, luces intermitentes, ventiladores eléctricos, sierras motor, todo controlado por temporizadores, enganchados para que [ellos] ciclaran todas estas cosas". Uno de los tocadiscos tocó "Odio ver llegar la Navidad". En la inauguración, a la que Hedrick se negó a asistir, puso un cronómetro para que la pieza "de repente comenzara a encender las luces, a tocar la bocina y a tocar los discos". Una mujer que estaba parada junto a la pieza cuando de repente se encendió encontró su abrigo de piel enredado en ella y luego recibió una descarga eléctrica. [54] "Causó bastante sensación no por su mérito artístico, sino porque atacó a esta dama, lo cual pensé que era muy agradable... No lo estaba haciendo como una cosa de arte. Estaba más interesado en hacer un "cosa", y si atacaba a la gente, bueno, supongo que sabía que iba a atacar... sabía que probablemente atacaría porque puse la trampa. Así que pensé que la noche fue un éxito". [15]
En 1955, la curadora de arte Dorothy Miller llegó a la costa oeste. Incluyó a Hedrick en la exposición Sixteen Americans de 1959 en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York , NY. [55] Hedrick, sabiendo muy bien la importancia de estar presente en la inauguración, dio su billete de avión para la exposición y el espectáculo del museo de Nueva York a sus amigos, en lugar de participar. [56] Pasarían 25 años antes de que Hedrick volviera a ocupar un lugar destacado en la ciudad de Nueva York , durante la exposición Beat Culture and the New America: 1950-1965 del Whitney Museum of American Art en 1995. [57]
Hedrick no sólo no asistió a la inauguración de Sixteen Americans en 1959 en el Museo de Arte Moderno ni fue a ver la exposición, sino que se distanció aún más del mundo del arte dominante al declarar que artistas como Jackson Pollock , Franz Kline y Robert Motherwell eran demasiado firmemente arraigado en las tradiciones formales. En cambio, Hedrick afirmó: “Hay que tener un profundo sentido de lo humano y una postura política. La pintura no está por encima de la política. Todo lo que tiene que ver con el alma también tiene que ver con el estómago. [2]
En 1959, recordando nuevamente su experiencia militar asiática, Hedrick pintó "Anger" (o " Madame Nhu 's Bar-BQ"), la primera denuncia artística de la política estadounidense en Vietnam . [58] [22] Ira , equipara visualmente un acto de penetración sexual forzada con manipulación política corrupta. La ira y la indignación explosivas están simbolizadas por una nube atómica que cumple una doble función como forma de genitales masculinos y femeninos que perpetran el acto." [59]
En 1959, tanto Hedrick como DeFeo se convirtieron en miembros originales de la Asociación Protectora Rat Bastard de Bruce Conner . [60]
El contrato de arrendamiento del apartamento de Hedrick y DeFeo en 2322 Fillmore se rescindió repentinamente (debido en parte a los excesos de DeFeo) hacia finales de 1965. [61] Hedrick y DeFeo se divorciaron en 1969.
Las Pinturas Negras fueron la protesta de Hedrick contra la guerra de Vietnam. [10] Hedrick tomó "alrededor de 50" [62] de sus primeros lienzos y los pintó de negro. [10] Las Pinturas Negras de Hedrick culminan en 1967 con "War Room". Esta serie "fue una protesta idiosincrásica, pero apasionada". [10]
War Room es "un grupo de cuatro lienzos negros de once por once pies, cada uno de los cuales llena una pared de la habitación" [63] y luego dispuestos "en un cuadrado... con la forma de una habitación... y una puerta a entra en él." [20] La instalación ha sido descrita como un elemento importante de la historia del arte del Área de la Bahía. [64]
Durante este tiempo, Hedrick fue acusado de robar pinturas, incluido un lienzo de Clyfford Still , del Instituto de Arte de San Francisco , donde enseñaba, y luego pintarlas de negro o pintar sus propios cuadros iconoclastas sobre ellas. [2]
En diciembre de 2008, Christopher Miles, crítico de arte del LA Weekly, nominó War Room (expuesto en The Box de Mara McCarthy, del 21 de marzo al 26 de abril, [65] ) como Mejor Espectáculo del Año (2008). [66]
Además, en diciembre de 2008, Walead Beshty, crítico de arte de la revista Artforum, nominó War Room (expuesta en The Box de Mara McCarthy, del 21 de marzo al 26 de abril) entre las exposiciones más notables de Los Ángeles en 2008. [67]
A principios de la década de 1970, Hedrick fue despedido de un puesto docente en el Instituto de Arte de San Francisco , [68] después de hacer circular una petición protestando por la presencia de Estados Unidos en Vietnam.
Después del despido, Hedrick comenzó un período de exilio artístico autoimpuesto, dedicando la mayor parte de su tiempo a operar un negocio de reparación de viviendas (apropiadamente llamado "Wally's Fix-It Shop") en la ciudad de San Geronimo, California . [68] Este es un ejemplo de la forma en que Hedrick "opera fuera de la concurrida autopista del arte contemporáneo". [69] El pequeño negocio de reparación resultó moderadamente exitoso. Las habilidades de reparación de Hedrick fueron reconocidas por primera vez durante la Guerra de Corea, cuando se le asignó la tarea de reparar radios. [70]
Sus pinturas de la década de 1970 eran principalmente toscas interpretaciones en blanco y negro de antiguas ilustraciones de catálogos de pedidos por correo. También se rumoreaba que él era el creador de la etiqueta SKIDS que aparecía en las señales de tráfico en el norte de California. También lo puso en pinturas más tarde.
En la década de 1980 pasó a lienzos a gran escala de imágenes ásperas y agresivas, a menudo sexuales." [26] Desde 1988 hasta su muerte, Hedrick vivió y trabajó en Bodega Bay , California , con su compañera de mucho tiempo, Catherine Conlin.
Hedrick recicló las pinturas negras (el reciclaje es otro tema recurrente en su trabajo) durante la Guerra del Golfo Pérsico , untando las pinturas negras más antiguas con nuevas declaraciones en pintura acrílica blanca como: "Maldita sea, ¿de quién está cuerdo?". [71]
Después de 25 años, The War Room salió del almacén para ser la pieza central de la quinta Feria Internacional de Arte Anual de San Francisco en 2003, cortesía de Lincart. La obra fue descrita como "lo más actual a la vista". [64] En 2003, con una nueva agresión estadounidense en el Golfo Pérsico , Hedrick volvió a hacer pinturas completamente negras. [63] El 17 de diciembre de 2003, Hedrick murió de insuficiencia cardíaca congestiva en su casa en el condado de Sonoma a la edad de 75 años. [72]
"Recuerdo que alrededor de 1959 o 1960, el chiste que circulaba en la escuela de arte de la ciudad era: 'Un hombre del garaje se había llevado las pinturas de Hedrick y dijo: 'No sé qué es el arte'. Todos nos reiríamos como locos, ya sabes, porque la mayoría de nosotros no simpatizabamos con el arte de Wally Hedrick en ese momento". [35] -- Terry San Juan
Ya en 1963, John Coplans, futuro editor de la revista Artforum (enero de 1972-enero de 1977), confesaría la desagradable reacción del "mundo de moda de la pintura contemporánea" (es decir, la costa este) ante el independiente y ofensivo artista de 35 años. Hedrick: "hay pocas dudas de que Hedrick es un original, sin embargo, el mundo de moda de la pintura contemporánea tiende a rechazar de plano la obra de Wally Hedrick". [73] No sorprende, por lo tanto, que "el patetismo de la situación de Hedrick fuera que pocos que no estuvieran ya convertidos tuvieran probabilidades de presenciar los logros de Hedrick". [3]
El curador de arte Walter Hopps , en su catálogo de la exposición del Premio Adeline Kent de 1985 de Hedrick en el Instituto de Arte de San Francisco , afirmó que Hedrick "decidió ignorar el ideal de "carrera", "fama" y "grandeza" al que aspiraban sus pares. y me conformé con una vida más sencilla, sin complicaciones de inauguraciones, galerías y cócteles". [74]
Según Artweek , nunca dejó de seguir adelante creativamente, mientras que "muchos de los otros iconoclastas de la misma época se han convertido en íconos, rindiendo homenajes a sus propios talentos descoloridos" .
"Hedrick se negó sistemáticamente a interesarse por lo que él describe como un "aspecto artístico elevado", que luego consideró una pérdida de tiempo y energía". [76] Además, el tema y los motivos de su arte a menudo incluían "imágenes ásperas y agresivas, [26] "pintadas con una furia que obtiene su ventaja de la flagrante crudeza sexual. Por lo tanto, las "grandes y duras pinturas de Hedrick son una medicina fuerte... y inquietantemente enigmáticas". [77]
La historiadora cultural Rebecca Solnit en su libro de 1990, The Secret Exhibition: Six Californian Artists , reafirmó los logros artísticos de Hedrick:
Ahora es posible decir que Hedrick se adelantó a su tiempo: el primer estadounidense en protestar contra la guerra de Vietnam, el artista que pintó banderas antes de que Jasper Johns las pintara, que hizo esculturas cinéticas de chatarra antes que Tinguely. Hedrick fue un precursor del arte pop, la mala pintura, el neoexpresionismo y la apropiación de imágenes. Podría ser más útil ver a Hedrick como un artista que pertenecía a su tiempo de una manera única, un inconformista cuyas respuestas al mundo lo mostraban bajo una luz diferente. [78]
"Tal vez lo más importante de Wally es que podría haber sido tan rico, exitoso y famoso", dijo el profesor Rollison, colega de Hedrick en The College of Marin . [79]
Fue descrito como una institución clandestina. [80] "La casa de Wally y Jay (DeFeo) en Fillmore fue la primera parada no oficial en el itinerario artístico de cualquier persona importante en el mundo del arte, nacional o internacional". [81] dijo Carlos Villa .
Las obras de Hedrick se han exhibido en galerías y museos, incluidos el Museo de Arte Moderno , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo Whitney , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y el Museo Conmemorativo MH de Young . [82] Su obra reside en colecciones públicas que incluyen la Institución Smithsonian , el Museo de Arte Moderno , di Rosa, [83] El Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Museo Memorial MH de Young . [84]
Hedrick enseñó en el Instituto de Arte de San Francisco "poco después de graduarse (de SFAI). En 1959 también dejó de enseñar como forma de protesta contra la guerra y finalmente fue despedido". [26] Más tarde, Hedrick enseñó en la Academia de Arte de San Francisco, la Universidad Estatal de San Francisco , la Universidad de California en Davis , la Universidad Estatal de San José y los Colegios Indian Valley, en ese momento una escuela separada de The College of Marin pero gobernada por el mismo Administración distrital., [85] donde ostentaba la categoría de Profesor Emérito. Entre sus alumnos se encontraban Jerry García de Grateful Dead , William Wiley , Robert H. Hudson , Angela Conte (modelo de muchas de sus obras figurativas femeninas de los años 1980 y 1990), William Allen y Mike Henderson. [ cita necesaria ]
{{cite web}}: Mantenimiento CS1: bot: estado de la URL original desconocido ( enlace )"Para mí, la lata de cerveza tenía una cualidad mística. Contenía algo que contribuye mucho a mi forma de vida. Pero además, la mayoría de la gente las tira y siempre ha sido una preocupación para mí tratar de hacer algo con ella. nada. Me has oído decir eso varias veces, pero lo es. A mí me gusta hacer algo de la nada, eso explica por qué tendría un taller de reparación, porque estoy tomando algo que no sirve para nada. devolverle la vida. Bueno, una lata de cerveza que ha estado vacía ha perdido su utilidad. Bueno, ahora podemos hacerlo; pero cuando comencé con estas cosas, estaban bien. "En las primeras latas de cerveza, me propuse echarles ácido para que se oxidaran o encontraría latas de cerveza oxidadas".
WH: Bueno, no puedo decir que supiera sobre Duchamp. Conocía su trabajo... Y siempre me atrajo y probablemente soy dadaísta, pero un dadaísta de izquierda, ¿sabes?
Véase también: Artista y profesor Carlos Villa, en Recordando a Wally Hedrick :WH: Teníamos este grupo que estaba formado por los seis originales de la Six Gallery: yo, Deborah Remington , el poeta John Ryan, el poeta Jack Spicer, Hayward King y David Simpson. Esos son los seis. [3]
"Wally Hedrick fue el principal organizador de Six Gallery, una galería cooperativa que, hasta donde yo sé, fue el primer espacio de exhibición sin fines de lucro en San Francisco". "Camilla | Características | Recordando a Wally Hedrick". Archivado desde el original el 28 de agosto de 2008 . Consultado el 3 de febrero de 2017 .
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Paul Karlstrom: No quiero adelantarme a lo que espero que sea otro tema rentable, pero algunas de las semillas del llamado arte funk bien podrían ubicarse en la Six Gallery y tal vez en algunas de las exposiciones. allá.
WH: Bueno, creo que cuando hablan del negocio del funk, fue en Six Gallery.
La escultura del árbol de Navidad "data de, bueno, la construí el verano en que... comencé a coleccionar cosas en el 54. Tuve la idea de construir este árbol de Navidad. Iba a tener un árbol de Navidad de madera y estaba Voy a colgar cosas en él, como cosas americanas, basura, pero luego decidí que tenía tantas cosas que bien podría construir un árbol de Navidad con basura. Tenía dos radios, dos fonógrafos, luces intermitentes, ventiladores eléctricos y. un motor de sierra, y todos estaban controlados por temporizadores. Bueno, John Humphrey puede contarte sobre ello porque se convirtió en una especie de celebridad en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. No recuerdo cuándo fue, probablemente en el 57. o 1958, en algún lugar allí. Tenían un espectáculo y me invitaron a tener una pieza. Llevé esta cosa allí y la rehabilité. Tenía estos temporizadores de las lavadoras, ya sabes cómo funcionan. Bueno, lo conecté para que alternara todas estas cosas. Como si uno de los tocadiscos tocara, "Odio ver la Navidad venir". Era una melodía muy importante en ese momento. De cualquier manera, lo puse todo en marcha y lo enchufé, pero configuré los temporizadores para que no sonaran hasta la inauguración del espectáculo, que fue más tarde esa noche. Así que precisamente a las ocho en punto cuando se inauguró el espectáculo, la cosa empezó. Al principio (ahora he estado recibiendo esto de segunda mano porque no estaba allí) simplemente encendía las luces, tocaba las bocinas, tocaba sus discos, mientras la gente estaba parada con cócteles en la mano. Cerca estaba una señora con un abrigo de piel, bebiendo y hablando con sus amigos. Tenía una bocina de automóvil muy vieja y sólo sonaba una vez cada doce horas. Bueno, se disparó justo al lado de esta mujer y ella retrocedió y se enredó en el mecanismo porque había máquinas dando vueltas en él todo el tiempo. Su pelaje se enredó y también le dio un susto. Iba a demandar al museo. Luego simplemente explotó. Yo no estaba allí".
Hedrick y DeFeo fueron incluidos en la exposición 16 Americans del Museo de Arte Moderno que también dio a Jasper Johns y Robert Rauschenberg su debut en el museo, pero no se molestaron en ir a Nueva York para la inauguración que podría haber lanzado sus carreras. Hedrick estaba ocupado pintando sus banderas de negro. DeFeo estaba trabajando en "La Rosa", el enorme cuadro al que dedicaría siete años de su vida. Ambas eran buenas maneras de sabotear una carrera.
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