Alexander McQueen: Belleza salvaje fue una exposición de arte celebrada en 2011 en el Museo Metropolitano de Arte que presentaba ropa creada por el diseñador de moda británico Alexander McQueen , así como accesorios creados para sus desfiles . La exposición fue extremadamente popular en la ciudad de Nueva York y resultó en lo que entonces fue un récord de asistencia al museo. [1] Los curadores fueron Andrew Bolton y Harold Koda . [2]
La exposición se inauguró el 4 de mayo, poco más de un año después de la muerte de McQueen, y cerró el 7 de agosto. Savage Beauty se mostró nuevamente en el Victoria and Albert Museum de Londres del 14 de marzo de 2015 al 2 de agosto de 2015, pero con adicionales. elementos de las exhibiciones.
La exposición fue organizada por el Anna Wintour Costume Center del museo y comisariada por Andrew Bolton y Harold Koda. La exposición presentó piezas de McQueen de los archivos de su propia casa de moda de Londres , Alexander McQueen , y de la casa de alta costura parisina Givenchy , así como piezas de colecciones privadas. [3] La muestra compuesta por seis galerías separadas, organizadas por tema: "La mente romántica", que presentó algunas de sus obras más antiguas de principios de la década de 1990; "El gótico romántico y el gabinete de curiosidades", que presentó su exploración de temas del gótico victoriano ; "Nacionalismo romántico", que examinó la identidad escocesa y británica; "Exotismo romántico", que examinó influencias no occidentales en sus diseños; "Primitivismo romántico", que presentaba materiales naturales y diseños orgánicos; y "Naturalismo romántico", que presentó sus intentos de integrar temas del mundo natural con la tecnología. [3]
La exposición incluyó piezas de su primera colección importante, Jack el Destripador acecha a sus víctimas , creada durante sus estudios de posgrado en Central Saint Martins College of Art and Design . [4] Otras colecciones incluidas en la exhibición fueron Dante , It's a Jungle out There , Irere , #13 , VOSS y Plato's Atlantis , [5] así como Banshee , Highland Rape , The Widows of Culloden (incluida la vida original). holograma de tamaño de Kate Moss ) y Horn of Plenty . [4] También se incluyeron en la exposición obras de los colaboradores de McQueen, como el sombrerero Philip Treacy y el joyero Shaun Leane , quienes produjeron diseños utilizados en sus desfiles. [6]
La exposición fue ampliamente elogiada por la crítica de la prensa internacional. Hilary Alexander de The Daily Telegraph lo llamó "un paseo absorbente y sorprendente a través de las extraordinarias circunvoluciones de su mente y el virtuosismo técnico que pudo reunir para convertir sus ideas y pensamientos en realidad". [4] Holland Cotter de The New York Times escribió que el espectáculo "es una maravilla que aprieta botones: etérea y grosera, elegante y absolutamente manipuladora, y situada en una línea donde la moda se convierte en algo más", pero también señaló que la exposición evita abordar preguntas sobre las contradicciones en su trabajo. [7] Suzy Menkes de The International Herald Tribune también tuvo algunos problemas con la presentación: "El Sr. Bolton podría haber discutido el lugar del diseñador en la escena artística británica, junto a los hermanos Chapman , o haber comparado su fascinación por la decadencia de la naturaleza con la de Damien. Hirst , en cambio, tenemos la versión sin aliento e ingeniosa de Sarah Jessica Parker del estilo McQueen". Sin embargo, en general, dijo que la exposición "es apasionante, estimulante y estimulante, y una visión cruda de la salvaje imaginación de McQueen". [8] Judith Thurman de The New Yorker aconsejó que "incluso si nunca te molestas en ver desfiles de moda, ve a este. Andrew Bolton... ha reunido cien conjuntos y setenta accesorios... y le da a su historia y psicología una lectura astuta." [9]
La exposición también fue muy popular entre el público, lo que llevó al museo a tomar medidas extraordinarias para satisfacer la demanda. Originalmente programada para estar abierta solo hasta el 31 de julio de ese año, se extendió hasta el 7 de agosto. Los visitantes esperaron en filas de hasta dos horas para ver la exhibición. [10] Para dar cabida a las grandes multitudes, el Met ofreció una entrada especial de 50 dólares para ver la exposición los lunes, cuando el museo normalmente estaba cerrado. [11] [12] Se vendieron más de 17.000 de estas entradas. [13] El Met también permitió a sus miembros saltarse la cola; La membresía del museo aumentó un 15%, con 20.000 nuevas membresías vendidas durante la exposición. [13] Durante el último fin de semana de la exposición, las colas se prolongaron durante más de cuatro horas, [14] y el museo permaneció abierto hasta la medianoche por primera vez en su historia. [10] Cuando cerró la exposición, más de 650.000 personas la habían visto, [15] convirtiéndola en una de las exposiciones más populares en la historia del museo y en la exposición de moda más popular de su historia. [dieciséis]
Del 14 de marzo de 2015 al 2 de agosto de 2015, la exposición estuvo expuesta en el Victoria and Albert Museum de Londres, donde fue igualmente bien recibida. [17] [18] [19] El núcleo de la exposición siguió siendo el mismo que el del Museo Metropolitano, pero se agregaron 66 prendas y accesorios adicionales, incluidas las primeras obras de McQueen que rara vez se ven. Se agregó una nueva sección centrada en piezas de los inicios de su carrera. La exposición fue la colección más grande de obras de McQueen y sus colaboradores jamás reunida. [20] Las ventas de entradas superiores a 480.000 llevaron a la dirección del museo a implementar horarios nocturnos durante los dos últimos fines de semana del espectáculo para satisfacer la demanda. [21] Esta fue la primera vez que el museo extendió su horario de esta manera para satisfacer el interés en una exposición. [22]
La fascinación de McQueen por lo elemental (tierra, viento, fuego y agua) impregnó sus colecciones de un drama primordial. La naturaleza y sus materiales fueron una constante en la obra de McQueen. [23] Cada pieza fue hecha de materiales únicos, que se adaptan a cada artículo. McQueen no utilizó cuero; Utilizó materiales reciclados y naturales para sustituir la colección por up-cycled. Por ejemplo, algunos materiales que solía utilizar en su trabajo incluían cabello, madera, taxidermia, cuernos y coral. Además, también hizo referencia a la piel y la sangre de reptiles en su trabajo. Algodón utilizado en las piezas de McQueen para representar un producto natural por la forma en que está diseñado. [ se necesita aclaración ]
40°46′47″N 73°57′47″O / 40.7798°N 73.9630°W / 40.7798; -73.9630
