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Orfeo ed Euridice ([orˈfɛ.o e.d‿ewˈri.di.t͡ʃe]; francés: Orphée et Eurydice ; inglés:Orpheus and Eurydice) es unaóperacompuesta porChristoph Willibald Gluck, basada enel mito de Orfeoy conlibretodeRanieri de'Calzabigi. Pertenece al género deazione teatrale, es decir, una ópera sobre un tema mitológico con coros y bailes. [1]La pieza se representó por primera vez en elBurgtheaterde Viena el 5 de octubre de 1762, en presencia de la emperatrizMaría Teresa. Orfeo ed Euridicees la primera de las óperas "reformistas" de Gluck, en la que intentó reemplazar las tramas abstrusas y la música demasiado compleja dela ópera seriacon una "noble simplicidad" tanto en la música como en el drama. [2]
La ópera es la más popular de las obras de Gluck, [2] y fue una de las más influyentes en las óperas alemanas posteriores . Se pueden encontrar variaciones de su trama (la misión de rescate subterránea en la que el héroe debe controlar u ocultar sus emociones) en La flauta mágica de Mozart , Fidelio de Beethoven y Das Rheingold de Wagner .
Aunque originalmente con libreto italiano, Orfeo ed Euridice le debe mucho al género de la ópera francesa , particularmente en su uso de recitativo acompañado y una ausencia general de virtuosismo vocal. De hecho, doce años después del estreno en 1762, Gluck readaptó la ópera para adaptarla a los gustos del público parisino en la Académie Royale de Musique con libreto de Pierre-Louis Moline . Esta reelaboración recibió el título Orphée et Eurydice , [3] y se realizaron varias modificaciones en el reparto vocal y la orquestación para adaptarse a los gustos franceses.
El Ensayo sobre la ópera (1755) de Francesco Algarotti tuvo una gran influencia en el desarrollo de la ideología reformista de Gluck. [4] Algarotti propuso un modelo muy simplificado de ópera seria , con el drama preeminente, en lugar de la música, el ballet o la puesta en escena. El drama en sí debe "deleitar los ojos y los oídos, despertar y conmover el corazón del público, sin riesgo de pecar contra la razón o el sentido común". Las ideas de Algarotti influyeron tanto en Gluck como en su libretista, Calzabigi. [5] El propio Calzabigi fue un destacado defensor de la reforma, [2] y afirmó: "Si el señor Gluck fue el creador de la música dramática, no la creó de la nada. Yo le proporcioné el material o el caos, si se quiere". Por lo tanto, compartimos el honor de esa creación". [6]
Otras influencias incluyeron al compositor Niccolò Jommelli y su maître de ballet en Stuttgart, Jean-Georges Noverre . [5] Lettres sur la danse (1760) de Noverre pedía un efecto dramático sobre la ostentación acrobática; El propio Noverre fue influenciado por las óperas de Rameau y el estilo de actuación de David Garrick . [5] Se cree que la considerable cantidad de ballet en Orfeo ed Euridice se debe a su influencia. El propio Jommelli se destacó por combinar todos los aspectos de la producción: ballet, puesta en escena y público. [7]
Las primeras líneas de arias, coros, etc. están en italiano (versión de 1762) y francés (versión de 1774).
Un coro de ninfas y pastores se une a Orfeo alrededor de la tumba de su esposa Eurídice en un solemne coro de luto; Orfeo sólo es capaz de pronunciar el nombre de Eurídice (Estribillo y Orfeo: "Ah, se intorno"/"Ah! Dans ce bois"). Orfeo despide a los demás y canta su dolor en el aria "Chiamo il mio ben"/"Objet de mon amour", cuyos tres versos van precedidos de expresivos recitativos. Esta técnica era extremadamente radical en su época y, de hecho, lo fue demasiado para quienes vinieron después de Gluck: Mozart optó por conservar la unidad del aria. Aparece Amore ( Cupido ), diciéndole a Orfeo que puede ir al inframundo y regresar con su esposa con la condición de que no la mire hasta que regresen a la tierra (sólo 1774: aria de Amour, "Si les doux acuerdos") . Como estímulo, Amore informa a Orfeo que su sufrimiento actual durará poco con el aria "Gli sguardi trattieni"/"Soumis au Silence". Orfeo decide emprender la misión. Sólo en la versión de 1774 ofrece una ariette ("L'espoir renaît dans mon âme") en el estilo italiano más antiguo y llamativo, compuesta originalmente para un entretenimiento ocasional, Il Parnaso confuso (1765), y posteriormente reutilizada en otra uno, Le feste d'Apollo (1769). [1]
En un paisaje rocoso, las Furias se niegan a admitir a Orfeo en el inframundo y cantan a Cerbero , su guardián canino ("Chi mai dell'Erebo"/"Quel est l'audacieux"). Cuando Orfeo, acompañado de su lira (representada en la ópera por un arpa ), pide piedad en el aria "Deh aplacatevi con me"/"Laissez-vous toucher", al principio es interrumpido por gritos de "¡No!"/ "¡No!" de las Furias, pero finalmente se suavizan con la dulzura de su canto en las arias "Mille pene"/"Ah! La flamme" y "Men tiranne"/"La tendresse", y lo dejan entrar ("Ah, quale incognito affetto"/"Quels chants doux"). En la versión de 1774, la escena termina con la "Danza de las Furias" (núm. 28). [8]
La segunda escena se abre en Elysium . El breve ballet de 1762 se convirtió en la "Danza de los Espíritus Benditos" de cuatro movimientos (con una parte destacada para flauta solista ) en 1774. A esto le sigue (sólo en 1774) un solo que celebra la felicidad en la dicha eterna ("Cet asile" ), cantada por un Espíritu anónimo o por Euridice, y repetida por el coro. Orfeo llega y se maravilla de la pureza del aire en un arioso ("Che puro ciel"/"Quel nouveau ciel"). Pero no encuentra consuelo en la belleza del entorno, porque Eurídice aún no está con él. Él implora a los espíritus que se la traigan, lo cual hacen (Estribillo: "Torna, o bella"/"Près du tendre objet").
A la salida del Hades , Euridice está encantada de regresar a la tierra, pero Orfeo, recordando el estado relatado por Amore en el acto 1, le suelta la mano y negándose a mirarla, no le explica nada. Ella no comprende su acción y le reprocha, pero él debe sufrir en silencio (Dúo: "Vieni, appaga il tuo consorte"/"Viens, suis un époux"). Eurídice toma esto como una señal de que él ya no la ama y se niega a continuar, concluyendo que sería preferible la muerte. Canta su dolor por la supuesta infidelidad de Orfeo en el aria "Che fiero momento"/"Fortune ennemie" (en 1774, hay un breve dúo antes de la repetición). Incapaz de aguantar más, Orfeo se gira y mira a Euridice; otra vez, ella muere. Orfeo canta su dolor en la famosa aria "Che farò senza Euridice?"/"J'ai perdu mon Eurydice" ("¿Qué haré sin Euridice?"/"He perdido a mi Euridice") Orfeo decide suicidarse unirse a Euridice en el Hades, pero Amore regresa para detenerlo (sólo 1774: Trío: "Tendre Amour"). En recompensa por el continuo amor de Orfeo, Amore le devuelve la vida a Euridice y ella y Orfeo se reencuentran. Después de un ballet de cuatro movimientos, todos cantan en alabanza a Amore ("Trionfi Amore"). En la versión de 1774, el coro ("L'Amour triomphe") precede al ballet, al que Gluck había añadido tres movimientos adicionales.
La ópera se representó por primera vez en Viena en el Burgtheater el 5 de octubre de 1762, con motivo de las celebraciones del onomástico del emperador Francisco I. La producción estuvo supervisada por el administrador del teatro reformista, el conde Giacomo Durazzo . La coreografía estuvo a cargo de Gasparo Angiolini y la escenografía de Giovanni Maria Quaglio el Viejo , ambos destacados miembros de sus campos. El primer Orfeo fue el famoso castrato Gaetano Guadagni . Orfeo fue revivido en Viena durante el año siguiente, pero no se representó hasta 1769. Para las representaciones que tuvieron lugar en Londres en 1770, Guadagni cantó el papel de Orfeo, pero poca parte de la música tenía relación con la original de Gluck, con JC Bach. – "el Bach inglés" – proporciona la mayor parte de la música nueva. [2] Haydn dirigió una representación de la versión italiana en Eszterháza en 1776.
A principios del siglo XIX, Adolphe Nourrit se hizo particularmente conocido por sus representaciones de Orfeo en la Ópera de París. En 1854, Franz Liszt dirigió la obra en Weimar , componiendo un poema sinfónico propio para reemplazar la obertura original de Gluck. [2] Normalmente, durante el siglo XIX y durante la mayor parte del siglo XX, el papel de Orfeo fue cantado por una contralto , y entre los intérpretes destacados del papel de esta época se incluyen Dame Clara Butt y Kathleen Ferrier , y las mezzosopranos Rita. Gorr , Marilyn Horne , Dame Janet Baker , Susanne Marsee y Risë Stevens (en el Metropolitan Opera ). [2] Entre los directores, Arturo Toscanini fue un destacado defensor de la ópera. [2] Su emisión de radio del acto 2 de noviembre de 1952 finalmente se publicó en LP y CD .
En 2017, la Ópera Lírica de Chicago presentó una nueva producción del coreógrafo John Neumeier que fusiona los elementos musicales y de ballet de la ópera y cuenta con el Joffrey Ballet . La producción utiliza la "versión de París" de 1774 (aunque con un final reorganizado), con la parte de Orfeo cantada por un tenor. [9] Los personajes principales se presentan en un entorno moderno con Orfeo como coreógrafo, Euridice como bailarina principal y Amour como asistente. [10] La misma producción fue presentada por la Ópera de Los Ángeles en 2018 y por la Staatsoper de Hamburgo [11] y el Festspielhaus Baden-Baden en 2019. [12]
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En 1769 para Le feste d'Apollo en Parma , dirigida por el compositor, Gluck transpuso parte del papel de Orfeo al soprano castrato Giuseppe Millico , manteniendo un libreto en italiano. Después de mucho tiempo sin representarse, esta versión finalmente tuvo su primera reposición moderna el 13 de noviembre de 2014 en el Tage Alter Musik en Herne , con un contratenor en el papel principal. [13]
Gluck revisó nuevamente la partitura para una producción de la Ópera de París que se estrenó el 2 de agosto de 1774 en la segunda Salle du Palais-Royal . Renombrada Orphée et Eurydice , [3] esta versión tenía un libreto en francés de Pierre-Louis Moline , que amplió y tradujo el original de Calzabigi. Gluck compuso música adicional e hizo otros ajustes, como cambiar a Orfeo a tenor alto , o haute-contre , desde castrato , para adaptarse a la convención de la ópera francesa para personajes heroicos (los franceses casi nunca usaban castratos). La ópera ahora tenía más secuencias de ballet, conforme al gusto parisino, incluida la larga "Danza de las furias" escrita originalmente para el ballet Don Juan de Gluck y la "Danza de los espíritus bienaventurados" para flauta y cuerdas. (En 1825, los propios castrati operísticos prácticamente habían desaparecido, y las representaciones de la versión original para castrato se volvieron cada vez más raras. La práctica moderna de aproximar los castrati mediante el uso de contratenores como reemplazos se remonta sólo a 1950. [2] )
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De 1784 a 1859, el diapasón parisino ( tono de concierto ) aumentó constantemente de 820 a 896 ciclos por segundo, [14] por lo que la versión francesa de Gluck para haute-contre se volvió cada vez más impráctica. [15] Cuando Adolphe Nourrit cantó el papel en la Ópera en 1824, su música fue alterada. [16] Giacomo Meyerbeer sugirió a la mezzosoprano francesa Pauline Viardot que debería interpretar el papel de Orfeo. [17] El compositor Héctor Berlioz era un amigo íntimo de Viardot y el principal experto en Francia en la música de Gluck. [18] Conocía la partitura del "original italiano en gran parte olvidado tan a fondo como conocía el francés", [15] y acordó preparar una versión de la ópera, en cuatro actos, con la voz de Viardot en mente: [19] así , no se limitó a "volver a la versión original de contralto , sino que reorganizó y retranspuso la versión de París en claves más adecuadas para una mezzo". [20] En su adaptación, Berlioz utilizó el esquema clave de la partitura de Viena de 1762 e incorporó gran parte de la música adicional de la partitura de París de 1774. Regresó a la versión italiana sólo cuando la consideró superior en términos musicales o dramáticos. También restauró algunas de las orquestaciones más sutiles de la versión italiana [21] y resistió las propuestas de Viardot y del director del teatro Léon Carvalho para modernizar la orquestación. Al final, Camille Saint-Saëns , que actuaba como asistente de Berlioz en el proyecto, hizo algunas de las reescrituras menores que Berlioz se había negado a hacer. [17]
La versión de Berlioz se presentó por primera vez en el Théâtre Lyrique el 18 de noviembre de 1859 con Viardot como Orphée, Marie Sasse como Eurydice, Marie Ernestine Marimon como L'Amour, Mlle Moreau como L'Ombre y Adolphe Deloffre como director. Los decorados fueron diseñados por Charles-Antoine Cambon y Joseph Thierry, y la coreografía fue de Lucien Petipa . ( Jules Massenet , de diecisiete años, era el timbalero de la orquesta . Durante los ensayos, Berlioz había felicitado al joven músico por la precisión de su afinación .) La producción fue un éxito de público y crítica, llenó la sala todas las noches y recibió una total de 138 veces por parte de la empresa. [22]
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En 1860, la mayoría de los teatros de París habían reducido el tono de concierto al diapasón normal . [24] Esto no era tan bajo como en la época de Gluck: "una Comisión había recomendado recientemente que el tono en Francia debería reducirse de una A de 896 a 870 vibraciones". [25] Aún así, aparentemente esto fue suficiente para que más tarde, en el siglo XIX, el papel de Orfeo llegara a ser cantado casi con tanta frecuencia por un tenor como por una contralto. [21]
La versión de Berlioz es una de las muchas que combinan las partituras italiana y francesa, aunque es la más influyente y mejor considerada. Desde aproximadamente 1870, eran comunes las adaptaciones en tres actos de la partitura de Berlioz, traduciéndola nuevamente al italiano y restaurando gran parte de la música de la versión francesa de 1774 que Berlioz había omitido. Una edición para contralto de 1889, publicada por Ricordi , se convirtió en la más popular. [21] En ocasiones, el papel de Orfeo incluso se ha transpuesto una octava hacia abajo para que lo cante un barítono . Dietrich Fischer-Dieskau y Hermann Prey son dos barítonos notables que han desempeñado el papel en Alemania. [2] Fischer-Dieskau grabó la ópera varias veces; sus grabaciones todavía están disponibles comercialmente.
La ópera fue la primera de Gluck que mostró signos de su ambición de reformar la ópera seria . Las arias y coros autónomos dan paso a piezas más cortas unidas para formar unidades estructurales más grandes. Las arias de da capo destacan por su ausencia; [2] Gluck en cambio usa la forma estrófica , notablemente en el primer acto "Chiamo il mio ben così", donde cada verso se interpone con un recitativo dramático , es decir, stromentato , donde la voz está acompañada por parte o toda la orquesta, y forma rondó , como en el famoso "Che farò senza Euridice?" del tercer acto. También está ausente el tradicional recitativo secco , donde la voz está acompañada únicamente por el bajo continuo . [2] En general, se ignoran las antiguas convenciones operísticas italianas en favor de dar a la acción un impulso dramático. La complejidad de la trama se reduce considerablemente al eliminar las subtramas. Gluck fue influenciado por el ejemplo de las tragedias en música francesas , particularmente las de Rameau . Como ellos, la ópera contiene una gran cantidad de danzas expresivas, un amplio uso del coro y el recitativo acompañado. [2] El golpe de teatro de abrir el drama con un coro de luto por uno de los personajes principales es muy similar al utilizado en Castor et Pollux (1737) de Rameau. [26] Otros elementos no siguen las reformas posteriores de Gluck; por ejemplo, la enérgica y alegre obertura no refleja la acción venidera. [2] El papel de Orfeo requiere un actor especialmente dotado, para que el estrófico "Chiamo il mio ben così" no se vuelva aburrido y para que se pueda dar un significado trágico tanto a esta aria como a "Che farò senza Euridice? ", los cuales se basan en armonías que no son obviamente de naturaleza lúgubre. [27] El primer Orfeo, Gaetano Guadagni, era supuestamente un excelente actor que ciertamente había recibido lecciones mientras estaba en Londres del renombrado actor shakesperiano David Garrick . Al parecer, Guadagni también pudo proyectar un tono conmovedor y emotivo sin levantar la voz. [27] De hecho, Gluck enfrentó críticas de "Che farò senza Euridice?" por no estar involucrado emocionalmente; respondió señalando la absoluta necesidad de una buena ejecución del aria: "haz el más mínimo cambio, ya sea en el movimiento o en el giro de expresión, y se convertirá en un saltarello para marionetas". [27]
Las reformas de Gluck, que comenzaron con Orfeo ed Euridice , han tenido una influencia significativa a lo largo de la historia de la ópera. Los ideales de Gluck influyeron fuertemente en las obras populares de Mozart , Wagner y Weber , [28] con la visión Gesamtkunstwerk de Wagner especialmente influenciada por la de Gluck. [29] La ópera seria a la antigua usanza y el dominio de los cantantes orientados al embellecimiento se volvieron cada vez más impopulares después del éxito de las óperas de Gluck en general y de Orfeo en particular. [2] En Orfeo ed Euridice la orquesta es mucho más predominante que en óperas anteriores, sobre todo en el arioso "Che puro ciel" de Orfeo. Aquí la voz se reduce al papel comparativamente menor de la declamación de estilo recitativo, mientras que el oboe lleva la melodía principal, apoyado por solos de flauta, violonchelo, fagot y trompa. También hay acompañamiento de cuerdas (tocando en tresillos) y continuo en la orquestación más compleja que jamás haya escrito Gluck. [2]
Gluck realizó una serie de cambios en la orquestación de Orfeo al adaptarla de la versión italiana original a la versión francesa de 1774. Las cornetas y los chalumeaux son reemplazados por oboes y clarinetes más comunes y modernos , mientras que la parte interpretada por trombones disminuye considerablemente, posiblemente debido a la falta de habilidad técnica por parte de los trombonistas franceses. [6] Las cornetas eran instrumentos que se utilizaban típicamente para la música religiosa, y los chalumeaux predominaban sólo en la música de cámara : tanto las cornetas como los chalumeaux eran impopulares en Francia en 1774. [6] En muchos sentidos, el cambio de chalumeau a oboe corresponde al de castrato a alto tenor. [6] Ni castrato ni chalumeau sobrevivieron. [6]
Tanto en la versión italiana como en la francesa, la lira de Orfeo está representada por el arpa, y fue este uso del instrumento en 1774 lo que generalmente se cree que introdujo el arpa en las orquestas francesas. [6] Cada verso del estrófico "Chiamo il mio ben cosi" está acompañado por diferentes instrumentos solistas. En Viena eran flauta, trompas y cornos ingleses , pero en 1774 se pidió a Gluck que cambiara esta orquestación por la de una sola trompa y dos clarinetes, reemplazando nuevamente los instrumentos poco comunes por aquellos de uso mucho más extendido. [6] Durante el aria "Chiamo il mio ben cosi" y los recitativos intercalados, Gluck añadió otra orquesta fuera del escenario compuesta por cuerdas y chalumeaux , para proporcionar un efecto de eco. [2]
Para la versión italiana original de 1762, Orfeo ed Euridice, azione teatrale en tres actos, el libreto fue publicado por van Ghelen (Viena, 1762) y la partitura completa por Duchesne (París, 1764). Se pueden encontrar muchas copias manuscritas del siglo XVIII de la partitura completa en bibliotecas, incluida la Gesellschaft der Musikfreunde de Viena, la Österreichische Nationalbibliothek de Viena, la Bibliothèque Nationale (BNF) de París, la Bibliothèque-Musée de l'Opéra de París, y la Biblioteca Británica de Londres. [30] En 1963 se publicó una edición crítica, editada por Anna Amalie Abert y Ludwig Finscher , como parte de Sämtliche Werke ("Obras completas") de Bärenreiter . [31]
Para la versión francesa de 1774, Orphée et Eurydice, tragédie opéra en tres actos, el libreto fue publicado por Delormel (París, 1774) y la partitura completa por Lemarchand (París, 1774). En 1967 se publicó una edición crítica, editada por el musicólogo Ludwig Finscher , como parte de Sämtliche Werke de Bärenreiter . Se encuentran fragmentos sustanciales de partituras autógrafas en la Bibliothèque Nationale de París y en la Bibliothèque-Musée de l'Opéra de París. [32]
Se han realizado numerosas grabaciones de las diferentes versiones, especialmente de la adaptación de Berlioz protagonizada por una Orfeo femenina. La contralto británica Kathleen Ferrier y la mezzosoprano estadounidense Marilyn Horne fueron intérpretes especialmente notables. [2] En los últimos años, las grabaciones y producciones teatrales de la versión vienesa de la ópera han contado con contratenores en el papel de Orfeo. Los contratenores Derek Lee Ragin , Jochen Kowalski , René Jacobs , James Bowman y Michael Chance han grabado Orfeo ed Euridice . El papel de Orfeo también ha sido interpretado y grabado por tenores e incluso barítonos como Dietrich Fischer-Dieskau , que ha realizado tres grabaciones del papel. Hasta hace poco, la mayoría de las grabaciones de todas las versiones fueron cortadas o alteradas de alguna manera. [33]
Las grabaciones de la versión francesa para tenor son todavía relativamente raras debido a la falta de altos contras genuinos : [2] hay una de mediados de la década de 1950 protagonizada por Léopold Simoneau junto a su esposa Pierrette Alarie , y Nicolai Gedda también grabó el papel en 1955. [2] (La versión de Simoneau ha estado disponible en CD, aunque no en la actualidad, pero la grabación de Gedda tuvo su estreno en CD en 2009.) En 2002, el haute -contre Jean-Paul Fouchécourt añadió su versión, mientras que Marc Minkowski sacó a la luz un período. interpretación de instrumento con Richard Croft en el papel principal en 2004. En abril de 2010, finalmente se estrenó un concierto grabado en Madrid dos años antes por el tenore di grazia Juan Diego Flórez . También hay un DVD de la producción de la Ópera Australiana de 1993 , dirigida por Stefanos Lazaridis , con el alto contraste australiano David Hobson como Orphée.
En 2018, Erato lanzó una grabación utilizando la partitura interpretada en italiano en el Teatro San Carlo de Nápoles en 1774. El teatro había adaptado la partitura para incluir adiciones de Johann Christian Bach y variaciones para soprano coloratura. En esta grabación Philippe Jaroussky canta Orfeo y Amanda Forsythe es Euridice. [34]
