Ondine es un ballet en tres actos creado por el coreógrafo Sir Frederick Ashton y el compositor Hans Werner Henze . Ashton produjo originalmente Ondine para el Royal Ballet en 1958, y Henze fue el encargado de producir la partitura original, publicada como Undine , que desde entonces ha sido reeditada por otros coreógrafos. El ballet fue adaptado de una novela corta titulada Undine de Friedrich de la Motte Fouqué y cuenta la historia de una ninfa acuática que es el objeto de deseo de un joven príncipe llamado Palemon. El estreno del ballet tuvo lugar en la Royal Opera House de Londres el 27 de octubre de 1958, con el compositor como director invitado. [1] La primera reposición importante de esta producción de Ashton/Henze tuvo lugar en 1988.
El ballet de tres actos de Ondine fue encargado y producido para el Royal Ballet en 1958 por el coreógrafo Sir Frederick Ashton. El ballet resultante fue una colaboración entre Ashton y el compositor alemán Hans Werner Henze, a quien se le encargó escribir la partitura. Es el único ballet de larga duración que Ashton coreografió con música original, y la partitura es considerada una rareza por los músicos, ya que es una "partitura de ballet de larga duración del siglo XX que tiene la profundidad de una obra maestra". [2]
El ballet fue originalmente pensado como un vehículo para la entonces primera bailarina del Royal Ballet, Margot Fonteyn , y el papel principal de Ondine fue coreografiado especialmente para ella y llevó a un crítico a describir el ballet como "un concierto para Fonteyn". Desde su estreno en 1958 hasta que la obra fue retirada del repertorio en 1966, casi todas las representaciones de Ondine vieron a Fonteyn en el papel principal, con las únicas excepciones ocasionales de Nadia Nerina y Svetlana Beriosova bailando el papel. Maria Almeida se convirtió en la primera bailarina en bailar el papel de Ondine en una reposición, con Anthony Dowell bailando el papel de Palemon. Puesta en escena en 1988 y dirigida por Isaiah Jackson , la reposición fue un éxito y el ballet se ha representado regularmente desde entonces.
Ashton inicialmente se acercó a Sir William Walton para componer la banda sonora de Ondine . Habían trabajado juntos antes en un ballet llamado The Quest para la compañía Sadler's Wells en 1943, [3] y acordaron colaborar nuevamente para la temporada 1955-56; decidieron que Macbeth sería su tema. Sin embargo, Fonteyn se opuso firmemente a interpretar a Lady Macbeth y no le entusiasmó la siguiente sugerencia de Ashton, Miranda en un ballet de La tempestad . [4] Cuando Ashton se decidió por Ondine como alternativa, Walton estaba inmerso en el trabajo de un concierto. Sugirió que se pusieran en contacto con su amigo Henze. En consecuencia, la música fue encargada a Henze, quien tituló la partitura Undine . [4]
Henze y Ashton se reunieron en la casa del primero en la isla de Ischia , justo al otro lado de la bahía de Nápoles , para decidir sus enfoques clave para este nuevo ballet. [5] Decidieron ignorar los orígenes norteños de la novela de Fouqué Undine y trasladarla al Mediterráneo. Ashton y Henze eligieron a Lila de Nobili para diseñar el decorado y el vestuario. Henze la describió como "una italiana hechizada por el paisaje y la cultura inglesa", sin embargo su primera intención era hacer los decorados en el estilo que podría haberse visto en el escenario de La Scala cien años antes. [5] Sin embargo, Henze y Ashton habían decidido no hacer su ballet una mezcla de todas las grandes obras del siglo XIX, sino que sería el producto de sus propias sensibilidades contemporáneas con referencias a otras obras. Finalmente, los tres decidieron que Ondine tendría un entorno de "renacimiento gótico".
A pesar de su experiencia en el mundo del ballet, [5] Henze nunca había compuesto antes un tema en el estilo romántico que Ashton le había pedido, sin embargo Ashton había quedado impresionado por el tratamiento que Henze le dio al material mágico en su ópera König Hirsch . Henze asistió a muchas funciones de ballet en Covent Garden , frecuentemente acompañado por Ashton, quien le decía claramente lo que le gustaba y lo que no le gustaba en la música para danza. Finalmente, la obra se completó, pero cuando Ashton escuchó una grabación de la partitura orquestada se dio cuenta de que tendría que revisar sus ideas; los sonidos orquestales sostenidos contrastaban con la partitura para piano y lo hicieron pensar de manera muy diferente. [2]
Posteriormente, Henze arregló la Música de bodas para orquesta de viento en 1957 y otras dos suites orquestales en 1958.
Tras su estreno en 1958, recibió críticas mixtas y poco entusiastas, [6] aunque las críticas de la primera noche de Ondine fueron unánimes en una cosa: el triunfo de Fonteyn en el papel principal. AVCoton habló de "la sensibilidad sobrenatural de sentimiento, interacción y entendimiento mutuo que existe entre Ashton y su heroína", y Cyril Beaumont vio el ballet como el "mayor regalo" de Ashton a su bailarina. Nada más de la pieza agradó a todos, aunque a la mayoría de los críticos les gustaron los diseños de Lila de Nobili y elogiaron la contribución del elenco secundario: Beaumont llamó al Tirrenio de Alexander Grant "de estatura miltoniana, magníficamente bailado y mimado". [7] Edwin Denby desestimó Ondine : después de elogiar a Fonteyn dijo "Pero el ballet es tonto, y todos lo notaron". [5] A la mayoría de los críticos no les gustó la música y Mary Clarke estaba en minoría cuando la llamó "rica, romántica y magníficamente rítmica". Fernau Hall pensó que Henze mostró "poca comprensión de las necesidades de la danza clásica", y que Ondine se establecería firmemente en el repertorio "si no fuera por la música de Henze". [7]
En 1958, el ballet era visto ampliamente como una obra que tenía coreografía y decorado en armonía entre sí, pero en conflicto con la música; ahora son la coreografía y la música las que parecen hablar el mismo idioma, mientras que los decorados no solo miran hacia atrás sino también hacia el norte. [5] Incluso cuando fue restablecido en 1988, no fue aclamado ni como un desastre ni como una obra maestra perdida. [6] La música moderna de Henze también se percibe como una razón para las pocas representaciones de este ballet antes de su resurgimiento en la década de 1990.
Ondina tiene un parecido con La Sirenita . La historia deriva de la novela de Fouqué Undina , el cuento de una ninfa del agua que se casa con un mortal. Al igual que otros cuentos de hadas del siglo XIX, la trama se basa en un hombre (Palemon) que se encuentra con lo sobrenatural (la ninfa del agua Ondina), pero el desenlace es bastante diferente de muchos de los clásicos del siglo XIX: aquí, es el hombre el que muere y el personaje femenino sobrevive. [8] Ondina hace su primera entrada desde una fuente, temblando en el aire frío como lo haríamos en el agua, y baila con su sombra, que nunca había visto antes. Conoce al héroe, Palemon, y se asombra cuando siente los latidos de su corazón, ya que ella no posee corazón. Palemon abandona a Berta, a quien ha estado cortejando, y decide casarse con Ondina. Durante una tormenta particularmente fuerte mientras está en el mar, Ondina se pierde por la borda. Palemon sobrevive al naufragio provocado por las furiosas Ondinas y, creyendo que Ondina está perdida, termina casándose con Berta. Sin embargo, Ondina regresa y se le rompe el corazón cuando descubre la infidelidad de Palemon. Cuando lo besa, él muere y ella trae su cuerpo de regreso al mar con ella para siempre.
En la partitura publicada, al igual que en el título del ballet, Henze también conservó la ortografía original de los nombres de los personajes. La producción del ballet de Londres se presentó como Ondine , pero la partitura se tituló Undine y nombra al personaje principal como Undine. Henze también utiliza el nombre original Beatrice en lugar de Berta .
El papel protagonista es, sin duda, el centro de atención del ballet. Es una dulce hada del agua que el público descubre bailando en una cascada y luego con su propia sombra. Su amor por Palemon es profundo, lo que hace que su infidelidad sea tan devastadora y dramática.
El protagonista masculino está hechizado por el atractivo femenino de Ondine. Nunca ha visto una criatura tan hermosa como ella y decide casarse con Ondine, abandonando a su prometida, Beatrice (Berta). Al igual que el Príncipe de El lago de los cisnes , Palemon queda destruido al romper la confianza de su prometida.
Ella es el contraste femenino perfecto para Ondine. Ondine pertenece al mar, mientras que Berta es definitivamente de la tierra. Ella es manipuladora, posesiva y muy exigente, mientras que Ondine es gentil y amorosa.
Tirrenio es el tío de Ondina y también el Señor del Mar Mediterráneo. Intenta advertir a Ondina de que lo que pretende hacer con Palemon va en contra de lo que se espera de ella. Cuando ella decide no escuchar su consejo, crea las condiciones para un naufragio y ella es devuelta al mar. Cuando Ondina encuentra a Palemon una vez más y se da cuenta de cómo la ha traicionado, Tirrenio se venga terriblemente con sus compañeras Ondinas causando muerte y destrucción a todos los invitados de Palemon.
Desde la producción original del ballet en 1958, la partitura se ha publicado como una obra independiente y se ha utilizado para otras producciones de danza, que también han utilizado el título Undine . [ cita requerida ]
La partitura está construida con la certeza de un logro técnico y está impregnada de un lirismo que emana de su experiencia de la vida italiana y el color mediterráneo. [ Se discute su neutralidad ] La partitura combina varios géneros, incluido el neoclasicismo de sus primeros años. Esta combinación de los géneros del Romanticismo alemán temprano y el neoclasicismo de Stravinsky le da a la partitura un sonido "moderno" que "automáticamente la convirtió en un anatema para la vanguardia de la década de 1950". [9] Por lo tanto, la música a menudo se consideró revolucionaria y no adecuada para el ballet.
La partitura tiene un comienzo lento y de inmediato proporciona una sensación romántica de misterio. Sin embargo, la música luego se lanza a un ritmo más rápido, fanfarrias de metales impulsan la música junto con un motivo rítmicamente incisivo . Sigue una sección andante para cuerdas que utiliza un ritmo sencillo y cadencioso. La simplicidad de esta sección es un marcado contraste con la siguiente, marcada vivace donde las diferentes partes de la orquesta compiten entre sí con un impulso rítmico subyacente consistente. La siguiente sección también está hecha de contrastes con cuerdas líricas seguidas de un clarinete solista y un acompañamiento escaso. Las cuerdas altas, el arpa (para el efecto acuático) y la percusión ocasional brindan otro sonido orquestal contrastante, antes de que el compositor vuelva a ensamblar su paleta de colores orquestales, utilizando instrumentos solistas en grupos pequeños, o solos, o violines altos en notas largas que se elevan sobre fragmentos de ideas en movimiento debajo. El final del primer acto tiene un ritmo desigual, con acentos repentinos que se lanzan de un lado a otro al estilo stravinskiano, y la música está puntuada aquí y allá por acordes de viento astringentes. [2]
Este acto comienza restableciendo el aura de misterio romántico que comenzó el Acto 1. Esto se evoca por el uso de violines agudos y acordes de viento juntos, similar al de La consagración de la primavera de Stravinsky . El primer movimiento se caracteriza por el cambio constante de tempo, mientras que el segundo recoge influencias de otros estilos musicales, en particular el impulso rítmico y el desmayo que caracterizaron la obra de Ravel . El siguiente movimiento presenta una escritura sólida para un coro de instrumentos de viento, después de lo cual se escuchan violines agudos sobre un acompañamiento muy bajo. Esta sección también presenta muchos solos para varios instrumentos, seguidos de un pas de trois sobre un acompañamiento suavemente ondulante donde se escuchan líneas melódicas líricas, con el oboe capaz de penetrar toda la textura de manera expresiva. [2] La siguiente variación es típica de la música de ballet del siglo XIX y comienza con los violines antes de extenderse al resto de la orquesta. Los metales, los timbales prominentes y los acordes pizzicato incisivos en las cuerdas culminan en una sensación de urgencia en la música que prepara para la tensión musical del acto final.
Este acto comienza con un sorprendente tema al unísono en las cuerdas, pronto interrumpido por los metales estridentes. Este tema se intensifica a lo largo del movimiento de apertura, recitativo . El siguiente movimiento, adagio , presenta un sonido más dulce en las cuerdas con un violín solista que se escucha flotando por encima del resto de la textura orquestal. La con elegenza que sigue está marcada por el sonido arrollador de los violines. Las fanfarrias de metales introducen luego el pas de seize y este adagio contrasta los cuernos con los instrumentos de viento de madera agudos, mientras que el arpa se suma a este efecto. El tempo del pas de seize varía y los momentos líricos tranquilos pueden ser interrumpidos repentinamente por los metales y timbales incisivos. Esta sección termina con un movimiento Largo solenne . La conexión entre ese movimiento y el divertissement final , marcado como Scene , comienza con una entrada vigorosa y brillante. Un pas de six en el mismo tempo incluye una escritura virtuosa para piano, que dirige a la orquesta para el siguiente pas de trois , aunque la orquesta controla el segundo pas de trois mientras que el piano tiene un trabajo más virtuoso con cascadas ondulantes de notas; antes de que surjan los ritmos stravinskianos para piano y orquesta al comienzo del pas de dix-huit . El impulso orquestal, de violines agudos en masa, escritura de viento vivaz, acordes de metal que puntúan el estilo rítmico altamente cargado y una continuación de la escritura de piano bravura, se mantiene a lo largo de la apertura del pas de six que sigue. Luego, la orquesta introduce un valse para una danza general (pas d'ensemble) que casi podría pertenecer a una de las partituras más avanzadas de Ravel. [2] Luego, un pas d'action comienza a preparar el final. El tempo se ralentiza, mientras que "texturas dispersas con sonidos instrumentales solistas flotando sobre figuras de acompañamiento tranquilas crean un mundo sonoro diferente". [2] Las cuerdas introducen suavemente la Danza del Dolor , que luego gana en intensidad con una textura de cuerdas más rica. Durante la siguiente variación, el oboe, el arpa y la percusión afinada proporcionan otro timbre acuoso antes de que el ballet pase al pas de deux final . El movimiento final comienza con acordes suavemente pulsantes que tienen una disonancia dulce pero melancólica mientras Palemon es besado por Ondine y muere.
El consenso sobre Ondine de Ashton es que tiene algunas cosas muy buenas, y esto es cierto, como lo es la implicación de que no tiene éxito en otros aspectos, sobre todo porque la música (que decepcionó mucho al propio Ashton) falla en gran medida, excepto en la tormenta del Acto II y los divertimentos del Acto III. [10] Según muchos críticos, la música no le convenía a Ashton "que había estado esperando una música tan "radiante" como el Mediterráneo del que nació su heroína". [6] Sin embargo, la música parece encajar bien con su tema acuático: hay algunos pasajes hermosos en el solo de "natación" de Ondine del Acto 3 donde la música parece fina y transparente como una acuarela, y totalmente adecuada para este boceto del mar. [8] El ballet también es una mezcla de los siglos XIX y XX, ya que la trama es esencialmente romántica mientras que la música y la coreografía son más modernas. Aunque conservaba todas las características del estilo familiarmente suave y de orientación clásica de Ashton, descartaba las convenciones del ballet clásico que aparecen en éxitos de Ashton como La Cenicienta y Sylvia . Lo que intentaba sugerir, dice Ashton, era "el flujo y reflujo del mar: yo buscaba una continuidad ininterrumpida de la danza, que eliminara la distinción entre aria y recitativo". Como resultado, Ondine ofrecía pocos efectos pirotécnicos y obtenía sus efectos a través de movimientos sinuosos en masa en los que la ondulación de los brazos y el cuerpo sugería bosques de plantas marinas que se agitaban ante mareas invisibles. La sensación de fantasía submarina se vio reforzada por la bella escenografía de la escenógrafa Lila de Nobili : un castillo de niebla y fecundidad, riscos y cascadas sombrías, cielos acuosos veteados de rosa y verde. [11]
Ondine no es una construcción clásica con grandes piezas escénicas (excepto el divertimento nupcial en el tercer acto) o grandes pas de deux formales , sino una narrativa continua y fluida. Sin embargo, esta narrativa en sí no es muy fuerte y no hay una explicación real de por qué los amantes están en un barco en el Acto 2, o qué ha sucedido exactamente entre los Actos 2 y 3 para convencer a Palemon de regresar con su amante mortal, Beatrice (Berta). [8] La obra utiliza vocabulario de ballet clásico, pero la forma varía mucho de los clásicos del siglo XIX. A diferencia de ellos, está compuesta de principio a fin: no hay pausas para hacer reverencias al público y (al menos hasta el divertimento del tercer acto) no hay variaciones de bravura para provocar conscientemente la respuesta del público. [8] La brillante música de Henze es la fuerza dominante, aunque es una partitura difícil de bailar, con el pulso bien escondido dentro de su brillo general, pero es atmosférica y a menudo emocionante, llevando el cierre del Acto I a un clímax. [12]
Aunque la narrativa no es fuerte, el escenario sí lo es y muestra una "sensación muy convincente del mar" y el "brillo del agua", que es muy eficaz en este ballet que está lleno de imágenes de agua y particularmente del mar. [8] El primer acto del ballet tiene lugar en el patio del castillo de Palemon, donde se ve a Ondina bailando en la cascada. Otros escenarios incluyen una escena con Tirrenio y las ondinas, mientras que otra está en un barco durante una tormenta salvaje en el mar, donde la sensación de movimiento mientras se está a bordo del barco es lo suficientemente fuerte como para marear al público. [8] El tercer acto tiene lugar en el Castillo de Palemon, ubicado cerca del mar. El cuadro final no solo es exquisitamente hermoso, con Ondina llorando sobre el cuerpo de su amante, sino que las ondinas circundantes, con sus brazos flotando como algas en la tenue luz verde, evocan extrañamente las corrientes cambiantes bajo el mar. [8]
Cuando Fonteyn era la protagonista, el ballet giraba en torno a ella y a su interpretación; por muy buenos que sean los intérpretes de hoy, ninguno tiene la mística necesaria para reducir a los demás a un segundo plano, por lo que los papeles secundarios son ahora mucho más visibles y necesitan ser representados con mucha más fuerza. [5] Se acepta generalmente que Tirrenio fue originalmente el papel más completamente elaborado, heredado de la falta de admiración de Alexander Grant por Fonteyn; sin embargo, el papel se ha vuelto difícil de encontrar, ya que fue creado para mostrar la mezcla única de dones de Grant: virtuosismo clásico y talento para la caracterización. [13]
Aunque fue muy elogiada en su momento, la Ondine de Ashton desapareció del repertorio del Royal Ballet durante unos veinte años antes de que Sir Anthony Dowell convenciera a Ashton para que le permitiera revivirla en 1988. [8] Se ha arraigado más en el repertorio del Royal Ballet y, por lo tanto, le da al público la oportunidad de evaluar esta obra sin el aura que Fonteyn le dio. Maria Almeida fue elegida para revivir el papel principal en 1990 y Viviana Durante posteriormente continuó con la tradición de Fonteyn. El papel de Palemon fue revivido por Anthony Dowell y posteriormente fue bailado por Jonathon Cope. Fue revivido nuevamente para la temporada 2008/2009 en la Royal Opera House con Tamara Rojo y Edward Watson .
La coreografía de Ashton hasta ahora ha tenido solo una producción completa fuera del Royal Ballet, a cargo del Ballet del Teatro alla Scala de Milán el 21 de abril de 2000. [7] Algunos comentaristas han señalado que esto es quizás una consecuencia de su duración (alrededor de 100 minutos) que no se compara con otros ballets del siglo XX. [9] El ballet también se ha presentado en Sadler's Wells , Londres y en el Metropolitan Opera House , Nueva York.
Tras la puesta en escena original del Royal Ballet, la producción de Ashton/Henze se volvió a representar en Nueva York en 1960, y luego nuevamente en el Teatro alla Scala de Milán el 21 de abril de 2000, en una actuación dirigida por Patrick Fournillier .
Otros coreógrafos han utilizado la música de Henze, entre ellos Youri Vámos para el ballet de la Deutsche Oper Berlin (1987) [14] y Torsten Händler en Chemnitz [15] y el Semperoper Ballett de Dresde , Alemania, la ha puesto en escena regularmente desde 1989 como parte de su repertorio utilizando un diseño moderno. Se presentó en el Volkstheater de Rostock en marzo de 2009.
Undine se grabó comercialmente por primera vez en 1996: fue nominada al Premio Grammy de 1999 a la Mejor Interpretación Orquestal .
Henze: Undine – Sinfonietta de Londres
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