Nick Cave (nacido el 4 de febrero de 1959) es un escultor , bailarín , artista de performance y profesor estadounidense. [1] Es más conocido por su serie Soundsuit : esculturas de tela ensambladas que se pueden llevar puestas y que son brillantes, extravagantes y de otro mundo, a menudo hechas con objetos encontrados. También se formó como bailarín con Alvin Ailey y, a menudo, incorpora danza y performance en sus obras. [2] Sus esculturas posteriores se han centrado en la teoría del color e incluyen medios mixtos e instalaciones a gran escala . Vive en Chicago, Illinois , y dirige el programa de posgrado en moda en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago . [3] Continúa trabajando en Soundsuits , así como en obras completadas como escultor , bailarín y artista de performance . [4]
Su primera exposición retrospectiva de su carrera en un museo se inauguró en mayo de 2022 en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y actualmente está en exhibición en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York hasta abril de 2023. [5] Recibió un título honorario de Doctor en Bellas Artes de la Escuela de Diseño de Rhode Island en junio de 2022. [6]
Nick Cave fue criado en Fulton, Missouri , junto con siete hermanos por una madre soltera que alentó el interés de Cave por la moda. [7] [8] Sus abuelos eran dueños de una granja en Chariton, Missouri , donde Cave a veces ayudaba a cuidar los cultivos y las gallinas. [7] Atribuye gran parte de sus intereses en los objetos encontrados y el ensamblaje a las circunstancias de su infancia. [2] Se graduó de la Hickman High School en 1977, se inscribió en el Kansas City Art Institute , donde estudiaría artes de la fibra y luego obtendría una Licenciatura en Bellas Artes en 1982. [9] [10] En 1979, Cave conoció a Alvin Ailey y pasó ese verano y varios veranos posteriores en Nueva York , donde estudió con el Alvin Ailey American Dance Theatre . [2] Después de graduarse del Kansas City Art Institute en 1982, diseñó exhibiciones para los grandes almacenes Macy's y trabajó profesionalmente como diseñador de moda mientras mantenía su interés en el arte y la danza. [8]
En 1988, Cave obtuvo su título de MFA en la Academia de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan . [8] También realizó algunos cursos de posgrado en la Universidad del Norte de Texas . [1] Después de graduarse en Cranbrook, pasó a enseñar en un programa de artes de la fibra en el Instituto de Arte de Chicago en 1989. Desde entonces, Cave ha dirigido una empresa de ropa en Chicago donde diseña, fabrica y comercializa su propia línea de ropa para hombres y mujeres. [10]
El bajo nivel socioeconómico de Cave durante su infancia lo obligó a reparar prendas usadas de sus hermanos mayores. Aprendió a coser, lo que le permitió crear su primer Soundsuit . [11] Hasta entonces, su trabajo no tenía nada que ver con la figura o el arte escénico. Explicó que hizo un cambio repentino que redefiniría el trabajo que estaba haciendo. [7]
Las influencias de las tradiciones artísticas africanas , las armaduras , los vestidos ceremoniales, la moda de alta costura y los textiles diseñados , así como los objetos estereotípicamente femeninos, están presentes en su obra para expresar una multitud de conceptos. Gran parte de su trabajo es redondo, pero ocasionalmente disfruta de la dimensión creada al trabajar con bajorrelieves , refiriéndose a ellos como pinturas. [7] [12] [13] Su trabajo trata sobre estrategias para negociar los riesgos de la vida real de la vulnerabilidad y las consecuencias al transformar la experiencia y el entorno. Con su arte escénico, tiene como objetivo crear situaciones en las que diversas comunidades se reúnen para compartir la experiencia, asegurándose de distinguir sus piezas como arte en lugar de disfraces. [7] [12] Cave se describe a sí mismo no como un artista sino como un mensajero, ya que su trabajo trata con frecuencia sobre el espectáculo y la responsabilidad. [12] Una de esas obras suyas que sigue este principio es Augment . Esta pieza consta de cinco ensamblajes hechos con más de 1000 decoraciones de césped inflables que se cosen entre sí. Las esculturas estuvieron en exhibición en el Ciclorama del Boston Center for the Arts en el South End de Boston desde el 8 de agosto de 2019 hasta el 13 de septiembre de 2019. El 14 de septiembre, la pieza fue llevada a las calles en forma de desfile con la misión de difundir alegría por los vecindarios de South End y Upham's Corner en Boston. Más de 75 artistas e intérpretes del área de Boston y 500 miembros del público participaron en este desfile para cerrar la brecha entre los dos vecindarios. En su ubicación final en 555 Columbia Avenue en Upham's Corner, la pieza se derrama a través de las ventanas de un edificio diseñado a medida envuelto en collages hechos por miembros de la comunidad de Upham's Corner.
Cave crea la mayoría de sus piezas en un taller con varios asistentes, fabricantes y proveedores, siendo su asistente principal Jen Grygiel. Cave suele encargar la fabricación a un taller de Skokie, Illinois , llamado "Iron and Wire", propiedad de David Greene. [7]
Los trajes sonoros son trajes esculturales que envuelven el cuerpo del usuario en materiales que incluyen, entre otros, cabello humano teñido, sisal , botones de plástico, cuentas, alambre, lentejuelas y plumas. Los trajes sonoros camuflan el cuerpo, enmascarando y creando una segunda piel que oculta la raza, el género y la clase, obligando al espectador a mirar sin juzgar. Al usar objetos cotidianos, Cave puede crear una atmósfera de familiaridad mientras reorganiza los objetos en representaciones interpretativas de la cultura social y material. [14] Como la raza, la identidad y el género generalmente se aceptan como el eje de su trabajo, [14] los trajes sonoros de Cave pueden telegrafiar muchos conceptos simultáneamente. Por lo tanto, su significado puede cambiar en función de su entorno, movimiento, estado fijo y/o la inclusión de coreografía grupal. [14] [15] Las piezas terminadas guardan cierta semejanza con los trajes y máscaras ceremoniales africanos. Los trajes también hacen referencia a los disfraces de carnaval , los disfraces dogón , el rococó y la cultura del baile . [1]
El primer traje sonoro de Cave fue creado en 1992, como reacción a la paliza a Rodney King . [16] Cave recogió una gran cantidad de palos y ramitas del suelo y los convirtió en un traje que, para su sorpresa, emitía sonidos cuando se usaba. [1] Sus trajes se presentan con mayor frecuencia para la vista del público como esculturas estáticas, pero también se observan a través de presentaciones en vivo, videos y fotografías. [17] [18] Al dar vida a sus creaciones interactivas, "Cave actúa regularmente en las esculturas él mismo, bailando ante el público o para la cámara, activando todo su potencial como disfraz, instrumento musical e ícono viviente". [19] Ha producido más de 500 trajes sonoros , desde la creación de su primero en 1992. Está muy inspirado por la danza y la coreografía, que funcionan bien con los trajes sonoros porque permiten la expresión de ambas artes en una sola pieza. Habla sobre cómo quiere que su trabajo sea visto sin el artista en mente. Con la serie Soundsuits , el espectador no conoce la identidad, el género o la raza de quien los lleva.
En 2021, la Autoridad Metropolitana de Transporte de Nueva York encargó a Cave la creación de una instalación permanente inspirada en sus trajes sonoros que abarcan las estaciones de metro Times Square-42nd Street y 42nd Street-Bryant Park . [20] La obra, Each One, Every One, Equal All (2021), consiste en una serie de murales de mosaicos de trajes sonoros y móviles imaginarios y reales creados por Cave, junto con instalaciones de vídeo de los trajes sonoros en movimiento. Al escribir sobre la instalación en The New York Times antes de su finalización en 2022, el crítico John Vincler describió las figuras de la obra como "alegres" y dijo que la pieza "se siente como una corrección necesaria, como en casa en medio del ruido y el bullicio" del metro. [21]
Uno de estos Soundsuits fue elegido por Peter Gabriel para representar su canción " Live and Let Live ", el último sencillo de su octavo álbum i/o , lanzado en 2023. [22]
En 2013, Cave trabajó con los bailarines de la Alvin Ailey Dance Company , en la que anteriormente había sido bailarín, y creó HEARD•NY . Esta actuación tuvo lugar en una de las calles más concurridas de la ciudad, el Vanderbilt Hall de Grand Central Terminal . HEARD•NY no fue un espectáculo puramente visual, sino un comentario en capas sobre la ceremonia (en particular, el ritual de África occidental disfrazado), la identidad y el lugar de los sueños en la vida cívica. [23]
Una manada de 30 caballos coloridos de tamaño natural se puso a bailar en coreografías (o “cruces”) dos veces al día durante una semana, acompañados de música en vivo. Cada traje, hecho de rafia sintética de colores brillantes , fue operado por dos bailarines de la Alvin Ailey Dance Company. El proyecto fue presentado por Creative Time y MTA Arts for Transit como parte de una serie de eventos que celebraban el centenario de Grand Central . Los trajes sonoros de Cave fueron creados para ser vistos en movimiento.
Actuaciones coreografiadas como estas muestran al público cómo se ven y suenan los trajes sonoros en su forma real. [24] La escultura Soundsuit es parte del museo Colección SOLO y se muestra como parte de su exposición permanente y fue parte de diferentes exposiciones temporales, como Certeza (2023), en su museo en Madrid .
Las obras de Cave fuera de sus trajes sonoros son predominantemente esculturas de medios mixtos e instalaciones a gran escala [25] que utilizan objetos encontrados y telas de colores brillantes. Crea arte escultórico que analiza las tensiones raciales actuales, especialmente la violencia con armas de fuego y su impacto en los hombres negros. [26] Una de esas piezas es TM 13, una escultura que responde a la vida y muerte en 2012 de Trayvon Martin . [27] Después de que George Zimmerman fuera absuelto del asesinato de Martin el 13 de julio de 2013 [27] (de ahí el título "TM 13"), Cave creó una poderosa escultura centrada en una sudadera con capucha, pantalones de mezclilla, un maniquí negro y zapatillas deportivas. La escultura está visiblemente cubierta por una red, "creando una especie de traje sonoro para el fantasma de Trayvon Martin. Una forma para que un adolescente negro muerto haga un clamor y un alboroto, para protestar contra su fallecimiento inmerecido". [28]
Las esculturas de técnica mixta de Cave a menudo incluyen partes de muñecas negras o maniquíes (cabezas, manos, etc.) colocadas en el centro o en la parte superior de una pieza, creando una apariencia similar a la de un altar. Al enfocar sus piezas de esta manera, los espectadores de su arte pueden "examinar la historia del trauma y el racismo, ... la cosificación del hombre negro". [29] Su exposición de 2014 Rescue "inspecciona la idea de servidumbre y el estigma que la acompaña dentro de la comunidad negra". [29] La mayoría de estas obras no son audibles, como su exposición Until de 2016-2017 en MASS MoCa , ya que Cave quiere que los participantes de la exposición "sean incluidos -e implicados- en la obra" [26] en lugar de centrarse en el sonido y el movimiento. El acto de ver sus obras con participantes viéndose entre sí al mismo tiempo es un metaconcepto que Cave promueve. [26]
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Cave ha impartido docencia en universidades de todo Estados Unidos. Comenzó a trabajar en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1989 como profesor en el Departamento de Estudios de Fibras y Materiales y más tarde fue designado para el Departamento de Moda. A partir de 2018, se desempeñó como director de posgrado del programa de moda y presidente del departamento. [30] Se ha desempeñado como instructor visitante y artista en varias otras instituciones, entre ellas Beloit College , [30] Fabric Workshop & Museum , McColl Center for Art + Innovation , [31] Pilchuck Glass School , University of Arizona y University of Wisconsin-Madison . [32]
Cave ha participado en numerosas exposiciones individuales y muestras en galerías y museos de Estados Unidos e internacionalmente. Sus muestras individuales incluyen New Work (1997), Grand Arts , Kansas City, Missouri ; Nick Cave: A Quarter Til Ten (2006-2007), Mattress Factory , Pittsburgh ; Nick Cave: Meet Me at the Center of the Earth (2009-2012), originada en el Yerba Buena Center for the Arts , San Francisco ; Until (2016-2021), originada en el Massachusetts Museum of Contemporary Art , North Adams ; y Nick Cave: Truth Be Told (2020-2021), originada en Jack Shainman Gallery , Nueva York . Su primera retrospectiva en un museo, Nick Cave: Forothermore , se inauguró en 2022 en el Museum of Contemporary Art, Chicago , y luego viajó al Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York . [33] [5] [34]
También ha participado en varias exposiciones colectivas, entre ellas la 51ª Bienal de Venecia (2005) y la Trienal NGV (2017-2018). [33]
El trabajo de Cave ha tenido una recepción positiva. [35] [36] [37] Su compañero homónimo Nick Cave , un músico de rock australiano de la banda Nick Cave and The Bad Seeds , ha hablado positivamente del trabajo del primero, afirmando que ha "admirado el trabajo del artista estadounidense [...] durante muchos años", y llamando la atención sobre sus méritos como "un intento de transmutar el sufrimiento en una especie de alegría consciente y protectora". [38]
El marido de Cave es su colega diseñador Bob Faust. [39] [40]
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