Miriam Schapiro (también conocida como Mimi) (15 de noviembre de 1923 - 20 de junio de 2015) fue una artista nacida en Canadá y radicada en los Estados Unidos . Fue pintora, escultora, grabadora y pionera del arte feminista . También fue considerada una líder del movimiento artístico de Patrones y Decoración . [1] La obra de arte de Schapiro difumina la línea entre las bellas artes y la artesanía. [2] Incorporó elementos artesanales en sus pinturas debido a su asociación con la mujer y la feminidad. El trabajo de Schapiro toca la cuestión del feminismo y el arte: especialmente en el aspecto del feminismo en relación con el arte abstracto. Schapiro perfeccionó su trabajo artesanal domesticado y pudo crear obras que se destacaron entre el resto del arte elevado. Estas obras representan la identidad de Schapiro como artista que trabaja en el centro de la abstracción contemporánea y simultáneamente como feminista a la que se le desafía a representar la "conciencia" de las mujeres a través de imágenes. [3] A menudo usaba íconos asociados con las mujeres, como corazones, decoraciones florales, patrones geométricos y el color rosa. En la década de 1970 hizo heroico el abanico, un objeto típicamente pequeño de mujer, pintándolo de seis por doce pies. [4] "El lienzo en forma de abanico, un ícono poderoso, le dio a Schapiro la oportunidad de experimentar... De esto surgió una superficie de complejidad colorista texturizada y opulencia que formó la base de su nuevo estilo personal. El kimono , los abanicos, las casas, y los corazones fueron la forma en la que ella derramó repetidamente sus sentimientos y deseos, sus inquietudes y esperanzas". [3]
Schapiro nació en Toronto , Ontario, Canadá. [5] Ella era la única hija de padres judíos rusos. Su abuelo, inmigrante ruso, inventó el primer ojo de muñeca móvil en los Estados Unidos [6] y fabricó "ositos de peluche". [7] Más tarde, Schapiro incluyó muñecas en su trabajo, como recortes de papel y como reproducciones fotográficas de imágenes de revistas, y en su declaración que acompañó una exposición de su trabajo en la Galería Flomenhaft, comentó que "En nuestro país no nos sentimos sobre muñecas como lo hacen los europeos, africanos o asiáticos", brindando una anécdota de que las monjas en un templo japonés explicaron que su razón de estar allí era cuidar las almas de las muñecas. [8] Su padre, Theodore Schapiro, era un artista e intelectual que estudiaba en el Beaux-Arts Institute of Design , en Nueva York, cuando Schapiro nació. Él era un artista de diseño industrial que fomentó su deseo de ser artista y fue su modelo a seguir y mentor. Su madre, Fannie Cohen, ama de casa y sionista, animó a Schapiro a emprender una carrera en las artes. A los seis años, Schapiro empezó a dibujar. [9]
Cuando era adolescente, Schapiro fue enseñada por Victor d'Amico, su primer maestro modernista en el Museo de Arte Moderno. [10] Por las tardes se unía a clases de WPA para adultos para estudiar el dibujo del modelo desnudo. En 1943, Schapiro ingresó al Hunter College en la ciudad de Nueva York, pero finalmente se transfirió a la Universidad de Iowa. En la Universidad de Iowa, Schapiro estudió pintura con Stuart Edie y James Lechay. Estudió grabado con Mauricio Lasansky y fue su asistente personal, lo que luego la llevó a ayudar a formar Iowa Print Group. [3] Lasanky enseñó a sus alumnos a utilizar varias técnicas de impresión diferentes en su trabajo y a estudiar el trabajo de los maestros para encontrar soluciones a problemas técnicos.
En la Universidad Estatal de Iowa conoció al artista Paul Brach , con quien se casó en 1946. [5] Después de que Brach y Schapiro se graduaron en 1949, Brach consiguió un trabajo en la Universidad de Missouri como instructora de pintura. Schapiro no recibió un puesto y estuvo muy descontento durante su estancia allí. En 1951 se mudaron a la ciudad de Nueva York y se hicieron amigos de muchos de los artistas expresionistas abstractos de la Escuela de Nueva York , incluidos Joan Mitchell , Larry Rivers , Knox Martin y Michael Goldberg . Schapiro y Brach vivieron en la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1950 y 1960. Miriam y Paul tuvieron un hijo, Peter Brach, en 1955. Antes y después del nacimiento de su hijo Peter, Schapiro luchó con su identidad y su lugar como artista. Los sucesivos estudios de Miriam Schapiro, después de este período de crisis, se convirtieron a la vez en ambientes y reflejos de los cambios en su vida y su arte. [3]
Murió el 20 de junio de 2015 en Hampton Bays, Nueva York , a los 91 años. [11] [12]
La carrera artística de Miriam Schapiro abarcó más de cuatro décadas. Estuvo involucrada en el expresionismo abstracto , el minimalismo , el arte informático y el arte feminista . Trabajó con collage, grabado, pintura, femmage – utilizando artesanía femenina en su obra de arte y escultura. Schapiro no sólo honró la tradición artesanal del arte femenino, sino que también rindió homenaje a las mujeres artistas del pasado. A principios de la década de 1970 realizó pinturas y collages que incluían reproducciones fotográficas de artistas anteriores como Mary Cassatt . A mediados de la década de 1980 pintó retratos de Frida Kahlo sobre sus antiguos cuadros de autorretratos. En la década de 1990, Schapiro comenzó a incluir mujeres de la vanguardia rusa en su trabajo. La vanguardia rusa fue un momento importante en la historia del arte moderno sobre el que Schapiro reflexionó porque las mujeres eran vistas como iguales. [13]
Paul Brach y Miriam Schapiro regresaron a Nueva York después de graduarse a principios de la década de 1950. [10] Aunque Brach frecuentaba The Club , donde los artistas expresionistas abstractos se reunían para debatir, hablar, beber y bailar, ella nunca fue miembro. En uno de sus diarios, escribió que los miembros de The Club no consideraban a las mujeres como artistas serias. [14] Schapiro trabajó en el estilo del expresionismo abstracto durante este período.
Entre 1953 y 1957, Schapiro creó una obra sustancial. Schapiro creó su propio lenguaje gestual: "pintar finamente y borrar", en el que la zona limpiada desempeñaba un papel importante como zona pintada. Aunque estas obras fueron abstractas, como su obra Beast Land and Plenty , Schapiro las basó en ilustraciones en blanco y negro de obras de los "viejos maestros". En diciembre de 1957, André Emmerich seleccionó uno de sus cuadros para la inauguración de su galería. [3]
A partir de 1960, Schapiro comenzó a eliminar la pincelada expresionista abstracta de sus pinturas y a introducir una variedad de formas geométricas. [6] Schapiro comenzó a buscar símbolos maternos para unificar sus propios roles como mujer. Su serie Shrines fue creada entre 1961 y 1963 con esto en mente. Es uno de sus primeros grupos de trabajos que también fue una autobiografía. Cada sección de la obra muestra un aspecto de ser una mujer artista. También son un símbolo de su cuerpo y alma. El juego entre la ilusión de profundidad y la aceptación de la superficie se convirtió en la principal estrategia formal de la obra de Miriam durante el resto de la década. [15] Los Santuarios permitieron a Schapiro descubrir los aspectos múltiples y fragmentados de sí misma. [3]
En 1964, Schapiro y su marido Paul trabajaron en el Taller de Litografía Tamarind. Uno de los mayores puntos de inflexión de Schapiro en su carrera artística fue trabajar en el taller y experimentar con el papel Color-Aid de Josef Albers , donde comenzó a hacer varios altares nuevos y creó sus primeros collages. [15]
En 1967, Schapiro y Brach se mudaron a California para que ambos pudieran enseñar en el departamento de arte de la Universidad de California en San Diego. Allí Schapiro conoció a David Nalibof, un físico que trabajaba para General Dynamics. Nalibof formuló programas informáticos que podían trazar y alterar los dibujos de Miriam Schapiro. Así nació una de sus obras más icónicas, Big Ox #1 de 1968. cuyas diagonales representaban los miembros del "hombre de Vitruvio", mientras que la O representaba el centro de la mujer, la vagina, el útero. Este trabajo se describe como "un emblema arquetípico, basado en el cuerpo, recientemente inventado, para el poder y la identidad femeninos, realizado en brillantes tonos rojo anaranjado, plateado y 'tiernos tonos de rosa'". [16] También se cree que la O simboliza el huevo, que existe como la ventana a la estructura materna con las extremidades extendidas. [15]
En 1971, Schapiro, con la artista Judy Chicago , comenzó a desarrollar el Programa de Arte Feminista en el recién creado Instituto de las Artes de California en Valencia. El programa se propuso abordar los problemas en las artes desde una posición institucional y se centró en la expansión de un entorno femenino en el centro de Los Ángeles. En Womanhouse, las mujeres pudieron volcar hacia sí mismas la creatividad invertida en brindarles a sus familias entornos de apoyo al permitir que sus fantasías se desarrollaran. ocupar todas las habitaciones. [3] Querían que la creación de arte fuera menos una aventura privada e introspectiva y más un proceso público compartido a través de sesiones de concientización, confesiones personales y capacitación técnica. [17] "('House') se convirtió en el depósito de la fantasía femenina y los sueños femeninos". Schapiro participó en la exposición Womanhouse en 1972. La pieza más pequeña de Schapiro dentro de Womanhouse , llamada " Dollhouse ", se construyó utilizando varias piezas de desecho para crear todos los muebles y accesorios de la casa. Cada habitación representaba un papel particular que desempeña una mujer en la sociedad y representaba los conflictos entre ellas. [18]
El trabajo de Schapiro a partir de la década de 1970 consiste principalmente en collages ensamblados a partir de telas, a los que ella llamó "femmages". A principios de los años setenta, tras la colaboración de Schapiro en Womanhouse , realizó sus primeros collages de tela en su estudio de Los Ángeles, que se parecía mucho a una habitación de una casa. Del mundo tecnológico masculino de los ordenadores, Schapiro pasó a la casa decorada de una mujer. En este estudio hogareño, Schapiro monumentalizó su gabinete de tela y su significado para las mujeres, en una serie de femmages de gran tamaño, incluido A Cabinet for All Seasons . Esta fue su versión poética de la representación de continuos cambios y repeticiones en los cuerpos y vidas de todas las mujeres. [3] En su definición de femmage, Schapiro escribió que el estilo, que recuerda simultáneamente el acolchado y el cubismo, tiene un "contexto de vida femenina" y que "celebra un evento público o privado". Mientras Schapiro viajaba por los Estados Unidos dando conferencias, les pedía un recuerdo a las mujeres que conocía. Estos souvenirs se utilizarían en su collage como pinturas. Schapiro también realizó proyectos de arte colaborativos, como su serie de grabados Anonymous was a Woman de 1977. Pudo producir la serie con un grupo de nueve mujeres graduadas en arte de estudio de la Universidad de Oregon. Cada impresión es una impresión hecha de un tapete sin transformar que se colocó en tierra blanda sobre una placa de zinc, luego se grabó e imprimió. [3]
Su ensayo de 1977-1978 Waste Not Want Not: An Inquiry into What Women Saved and Assembled – FEMMAGE (escrito con Melissa Meyer ) describe el femmage como las actividades de collage, ensamblaje , découpage y fotomontaje practicadas por mujeres que utilizan "técnicas femeninas tradicionales: costura, perforar, enganchar, cortar, aplicar, cocinar y similares…” [19]
Después de 1975, Schapiro regresó a Nueva York y con lo que hizo luego de vender algunos cuadros, no sólo tuvo una habitación sino un estudio propio. La decoración y la "colaboración" son fundamentales para su obra de arte y ambas juegan un papel importante tanto en su casa como en su estudio. [3] El estudio se convirtió en la propia habitación de Schapiro y, en momentos de gran conflicto personal, en la única conexión con su yo creativo. Sus diversos estudios a lo largo de su carrera han reflejado los cambios en la realidad tanto exterior como interior de su vida. Han expresado su cambio de concepción de sí misma, de acuerdo o en contra de la sociedad, que mantiene separados los roles de género. [3] Los estudios de Schapiro también se han convertido en metáforas de su trabajo creativo, así como en espacios en los que podría vivir su vida y también cumplir sus sueños. [3]
Su imagen está incluida en el icónico cartel de 1972 Some Living American Women Artists de Mary Beth Edelson . [20]
En el proceso de asumir diferentes proyectos, el estudio de Schapiro se expandió y eventualmente se volvió portátil, siguiéndola mientras viajaba de un lugar a otro. Fue durante el mismo tiempo de su proyecto de colaboración en Oregon con las nueve mujeres que Schapiro también creó su primera "Serie de Colaboración" con mujeres artistas del pasado. Esta serie combinó reproducciones de la obra de Mary Cassatt y Berthe Morisot con bordes de tela coloridos y sensuales en patrones inspirados en colchas. [3] En Mary Cassatt and Me , Schapiro superpuso su propia imagen mental de su madre con el ideal maternal de Cassatt: su madre leyendo un periódico. [3]
En la década de 1990, Schapiro comenzó a explorar más a fondo su identidad judía en su pintura. En su pintura Mi historia (1997), utilizó la misma estructura que el proyecto de la Casa y construyó habitaciones con diferentes recuerdos en torno a su herencia judía. Su declaración artística de temática judía más explícita fue Cuatro Matriarcas , vidrieras que retratan a las heroínas bíblicas Sara, Rebeca, Raquel y Lea. Se trataba de una pieza colorida que combinaba la simbología de la identidad y su arte domesticado más antiguo para crear la verdadera visión de lo que significaba el arte elevado para el público. Madre Rusia (1994), fue una pieza de abanico realizada por Schapiro que se basó en los antecedentes rusos de su familia. Representa a las mujeres poderosas de Rusia, cada una en una fila de abanicos de mano con un sombrero y un velo. Agregó piezas de cada artista en su estilo "colaborativo" para unirse a ellas como mujeres revolucionarias y elogiar figuras ocultas. Su experiencia en la cultura rusa y judía se ha atribuido en gran medida a lo que representa la colección de obras de Schapiro. La base y el uso colectivo de patrones y colores describen el trabajo de Miriam y nos permiten ver su cultura y voz femenina. [15]
Fue entrevistada para la película de 2010 ! Women Art Revolution . [21]
Las obras de Schapiro se encuentran en numerosas colecciones de museos, incluido el Smithsonian American Art Museum , [22] [23] Jewish Museum (Nueva York) , [24] la National Gallery of Art , [25] el Museum of Modern Art , [26] el Pérez Art Museum Miami, [27] en Florida, y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania . [28] Sus premios incluyen el Premio al Artista Distinguido por su trayectoria de la College Art Association [29] y una beca Guggenheim de 1987 . [30]
En 2023 su obra fue incluida en la exposición Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-1970 en la Whitechapel Gallery de Londres. [31]