Michael Dweck (nacido el 26 de septiembre de 1957) es un artista visual y cineasta estadounidense. Mejor conocido por su fotografía narrativa , el trabajo de Dweck "explora las luchas en curso entre identidad y adaptación en enclaves sociales en peligro de extinción". [1] En 2003, se convirtió en el primer fotógrafo vivo en tener una exposición individual en Sotheby's , y en 2012, fue el primer fotógrafo estadounidense en exhibir su trabajo en Cuba desde el inicio del embargo de Estados Unidos en 1960. [2] [3] Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y en Montauk, Nueva York . [4]
Nacido en 1957 en Brooklyn , Dweck creció en Bellmore , Long Island , asistió a la escuela secundaria John F. Kennedy y luego al Instituto Pratt de Brooklyn para estudiar arquitectura, comunicación y bellas artes. Tras graduarse, Dweck fundó Michael Dweck & Co., más tarde conocido como Dweck & Campbell, y ganó varios premios de la industria publicitaria antes de cerrar la empresa en 2001 para dedicarse a sus intereses artísticos. Durante la siguiente década, Dweck construyó una reputación sustancial en la fotografía artística con obras que incluyen The End: Montauk, NY (2004), Mermaids (2008) y Habana Libre (2011). En los últimos años, la obra de arte de Dweck se ha diversificado en otros medios, incluidos escultura y cine , y su primer largometraje, The Last Race, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2018 en Park City, Utah .
Dweck nació en Brooklyn en 1957 de David y Sydelle Dweck. La familia se mudó a Bellmore , una ciudad en Long Island a unas 27 millas al este de Manhattan , donde David trabajaba como contador. El padre de Dweck le regaló su primera cámara con motivo de la Exposición Universal de Nueva York de 1964 . [5] [2]
Dweck se graduó de la escuela secundaria John F. Kennedy de Bellmore en 1975. [5] Luego asistió al Instituto Pratt en Brooklyn. Dweck, que inicialmente era estudiante de arquitectura, pasó a la comunicación y las bellas artes en 1976 por sugerencia del departamento, quien le dijo que el humor no tenía lugar en la arquitectura después de que decidió diseñar una casa para el coronel Sanders de Kentucky Fried Chicken para un proyecto escolar. [2] Para otro proyecto, diseñó un edificio de AT&T para que pareciera una cabina telefónica gigantesca. [6] Después de recibir su licenciatura en 1979, pasó a estudiar con el artista James Wines y con el semiótico Marshall Blonsky en The New School for Social Research . [5]
Mientras estudiaba en el Instituto Pratt, Dweck estuvo expuesto al trabajo creativo de varias agencias de publicidad destacadas con sede en Nueva York, incluidas DDB y Young & Rubicam . Después de graduarse, buscando escapar de la frustración de lo que consideraba un entorno creativo poco inspirador, Dweck se propuso en 1980 fundar su propia firma, Michael Dweck & Co. [7] En 1992, Lori Campbell se unió a la firma como socia de de Dweck y Campbell. [6]
El equipo rápidamente se ganó una reputación de trabajo vanguardista y poco convencional con un travieso sentido del humor. [7] CNN llamó a Dweck un "prodigio creativo". [8] Tim Nudd de AdWeek lo apodó "un maestro del absurdo". El productor Larry Shanet , que contribuyó a muchos de los comerciales de televisión de la agencia y ganó numerosos premios de la industria, dijo de Dweck: "Él no es un tipo sencillo y no hace que el trabajo sea sencillo". [6] Entre sus clientes conocidos se incluyen MTV , Swatch , Comedy Central y Dial-a-Mattress . [8] [9]
El segundo anuncio televisivo de Dweck & Campbell, promocionando el minorista Giant Carpet, mostraba a George HW Bush durante los últimos días de su administración destrozando las alfombras de la Casa Blanca para el entonces presidente entrante Bill Clinton . El director de comunicaciones de Clinton, George Stephanopoulos , llamó por teléfono a Dweck para quejarse de que había "escenificado el simulacro de asesinato de un presidente electo". Bajo presión política, la cadena ABC retiró el anuncio, pero la agencia logró conseguir cinco espacios en el popular programa de comedia nocturno de NBC Saturday Night Live . "Sabíamos que íbamos a conectar un jonrón", dijo Dweck. Durante los siguientes dieciocho meses, Giant Carpet amplió sus operaciones de cuatro tiendas a 42. [6]
Aún más conocido fue el anuncio televisivo de 1998 de la agencia para Dial-a-Mattress , que mostraba a una cascarrabias ardilla terrestre ártica del tamaño de un hombre comprando un colchón para hibernar durante el invierno. [9] [10] El anuncio, conocido por su agresividad cómica, fue retirado de las ondas después de sólo 13 días. [6] Luego ganó un León de Oro en el Festival Internacional de Publicidad de Cannes y fue seleccionado para su inclusión en las 100 campañas de marketing más influyentes del año del Grupo Gale y en los premios Top 10 Boards de 1999 de la revista Boards . [11] [12] [13]
En abril de 1999, Lori Campbell dejó la empresa, que pasó a llamarse Dweck, Inc., o más simplemente "Dweck!", con Dweck como presidente y único director creativo. [14] La agencia continuó persiguiendo su sensibilidad estética poco ortodoxa, y diecisiete meses después de la partida de Campbell había más que duplicado la facturación del año anterior a 50 millones de dólares. [6] Casi inmediatamente después de la reorganización, ¡Dweck! Ganó el premio O'Toole Creative de la Asociación Estadounidense de Agencias de Publicidad a la mejor agencia pequeña de Estados Unidos. [15] [16] Más tarde, en 1999, los anuncios de Dweck! para la escuela de manejo Top Driver y UPN ganaron premios del Art Directors Club , la Asociación de Productores Comerciales Independientes , One Club for Art & Copy y los Addys de Nueva York . [9] [17] Bennett Miller , más tarde conocido como el director ganador del Premio de la Academia de Capote , ayudó a crear los anuncios de Dweck! para Top Driver, en los que cámaras ocultas grababan conversaciones entre instructores y estudiantes. [18] Estos anuncios fueron reconocidos como la Mejor Campaña de Bajo Presupuesto por los London International Advertising Awards. [19] [20]
En julio de 2001, Dweck cerró la agencia y dejó la publicidad para concentrarse en la fotografía. "Soy creativo", dijo Dweck, "y quiero volver a trabajar únicamente en lo creativo". [8] [21]
No hay reglas en Montauk. No hay semáforos y hasta los policías son surfistas. Tu buena apariencia es tu moneda en esta comunidad.
— Michael Dweck, Esquire Reino Unido , junio de 2004
Después de cerrar su agencia de publicidad, en 2002 Dweck comenzó a fotografiar sujetos y escenas alrededor de Montauk, centrándose en su subcultura del surf. Dweck había estado visitando Montauk desde su segundo año de secundaria, comenzando cuando escuchó que los Rolling Stones pasarían tiempo allí con Andy Warhol . [2] En lugar de encontrar a los Rolling Stones, Dweck y sus amigos descubrieron una ensenada escondida con una próspera cultura del surf local . [2]
Dweck aprovecharía esta colección de fotografías artísticas en la exposición individual de 2003 en Sotheby's en Nueva York y en 2004 en su primer libro, The End: Montauk, NY , publicado por Harry N. Abrams . [22] La tirada de 5.000 copias se agotó en menos de tres semanas. [23] La rápida venta del libro se atribuyó a su interés local, la belleza de la fotografía y el atractivo de las modelos desnudas. [22] Artnet describe The End como una mezcla de nostalgia, documental y fantasía, con fotografías que evocan "el paraíso del verano, la juventud y las posibilidades eróticas, y de comunidad y camaradería en un entorno perfecto". [24]
Durante décadas, Montauk había estado experimentando una transformación gradual de un pueblo de pescadores a un centro turístico junto a la playa. [22] En la década de 1990, los desarrolladores, que se estaban quedando sin espacio en la región metropolitana de Nueva York , habían comenzado a centrarse en el extremo oriental de Long Island. [2] Escribiendo para Forbes , el crítico de arte Patrick Hanlon llamó a The End un "acto de preservación", comparándolo más tarde con "un intento de congelar el tiempo". [2] [25] Hanlon citó a Dweck diciendo: "Sabía que Montauk cambiaría y quería capturar la forma en que Montauk me hacía sentir. No quería que fuera sentimental o nostálgico. Quería que esa colección de imágenes se congelara". Montauk." [25]
La fotografía más conocida del libro, Sonya, Poles , muestra a una joven desnuda corriendo por la playa hacia el océano con una tabla de surf bajo el brazo. [26] [25] Hanlon comparó a Sonya con "Matisse en la playa". [25] Una copia de esta fotografía se vendió por más de 17 000 dólares y luego otra se vendió por 30 000 dólares. [27] [28] La revista Esquire denominó la imagen "mejor tabla de surf" en su resumen cultural mensual. [29]
En marzo de 2010, Dweck presentó una demanda por infracción de derechos de autor contra un diseñador de ropa con sede en Nueva York llamado Malibu Denim, alegando que habían utilizado a Sonya, polaca, en sus anuncios de jeans de diseñador, incluso incluyendo copias de la foto en la etiqueta colgante que acompañaba sus productos. [30] Dado que los jeans se vendían a entre 160 y 200 dólares cada uno, el tribunal otorgó a Dweck 100.000 dólares. [31]
Muchas de las fotografías de The End se exhibieron en numerosas galerías y exposiciones individuales en Nueva York, Bélgica , San Francisco , Mónaco , la Blitz Gallery de Tokio y la Gallery Orchard de Nagoya . [32] El trabajo de Dweck también se presentó en ferias de arte en París y Bolonia .
A Dweck le preocupaba que sus fotografías llamaran más atención no deseada sobre la cultura tranquila de Montauk, y dijo:
"Así es siempre, ¿no? Todos los que llegan al refugio atómico intentan cerrar la puerta detrás de él. Es como un graffiti que leí en el puesto de la Taberna Shagwong. "Bienvenido a Montauk. Toma un foto y lárgate de aquí'”.
"Aquí están mis fotos. Por favor, aléjate un poco más". [33]
Ditch Plains Press programó el lanzamiento de una segunda edición de The End: Montauk, NY en julio de 2016 en un período corto con una distribución muy limitada. Se proyectaba que sólo circularían 300 copias, a un precio de 3.000 dólares cada una, cada copia numerada y firmada por Dweck, impresa en papel fabricado en la Riva del Garda de Italia y "incluida en una caja japonesa hecha a mano". Se dice que esta edición limitada incluye 85 fotografías que no se presentaron en la primera edición. [25]
El segundo libro de Dweck, Mermaids, fue publicado en 2008 por Ditch Plains Press. En sus fotografías aparecían desnudos femeninos nadando bajo el agua, evocando la leyenda de la sirena . Como las describió el editor de arte Christopher Sweet en su introducción al libro: “Ya sea sumergiéndose en las refracciones azules de una piscina o suspendidas como un serafín en las frescas y diáfanas profundidades de un manantial o emergiendo tentativamente en una orilla rocosa, las sirenas de Michael Dweck Son encantadores, distantes y desnudos de toda vestimenta excepto por sus hermosas melenas y las elementales cortinas que los rodean. El agua, la luz y la lente convergen para capturar en forma moderna la elusiva criatura del mito”. [34]
Al igual que su libro anterior, The End: Montauk, NY , Mermaids se inspiró en las experiencias de Dweck al interactuar con el entorno local. Mientras pescaba de noche en las aguas de la costa sur de Long Island, Dweck quedó cautivado por los destellos de luz causados por los peces que nadaban debajo de él. "La idea era que si una noche me cayera por la borda, ¿qué vería allí abajo? Esos destellos de luz podrían ser sirenas". [35] [36] [37] Mermaids continuó enfocándose en jóvenes atractivos en entornos acuáticos que caracterizaron a The End , pero se apartó del realismo romántico de The End para virar hacia la fantasía, con fotografías que desdibujan las líneas entre la realidad y la imaginación. [38]
A diferencia de The End , Mermaids se rodó dentro y a través del agua, utilizando métodos de fotografía con flash submarino desarrollados por Harold Eugene Edgerton . [39] La tecnología necesaria para albergar y proteger cámaras de gran formato aún no estaba ampliamente disponible, lo que llevó a Dweck a diseñar sus propios estuches para el proyecto, utilizando pesas y poleas para manipular la cámara. [38] Para obtener los ángulos deseados para las tomas, Dweck utilizó dos técnicas diferentes, sumergiéndose en el agua con sus sujetos, ya sea con un tubo largo o sin ayuda, y disparando desde detrás de una pared de vidrio colocada dentro del río. Como lo explicó Dweck:
Recién comencé a experimentar. Me dije: "Está bien, tengo luz, tengo una lente y tengo agua" [35]
En lugar de utilizar modelos profesionales, Dweck recurrió a mujeres con la experiencia necesaria para moverse cómoda y naturalmente en ambientes submarinos, incluidas amigas del East End de su Long Island natal, así como residentes del pueblo pesquero rural de Aripeka, Florida . El rodaje tuvo lugar tanto localmente en Montauk y Amagansett como en el río Weeki Wachee , donde algunos habitantes de Aripeka, ubicado en una isla cercana en el Golfo de México , habían sido contratados para actuar en el parque acuático Weeki Wachee Springs disfrazados de sirenas. [38] [40] [41] [42] Según Christopher Sweet, Dweck conoció a una artista que se había criado en Aripeka y había pasado su vida en el agua y sus alrededores, quien luego le presentó a otras chicas locales, “algunas de las cuales Podrían contener la respiración bajo el agua durante cinco o seis minutos”. [34]
Se exhibieron fotografías de Sirenas en galerías de Nueva York, Los Ángeles , Londres , Bélgica y Hamburgo . Playboy Francia presentó selecciones en su edición de octubre de 2008 bajo el título "Le Bal des Sirènes". [43] [44] Una impresión en gelatina de plata de la colección titulada "Mermaid 1" se vendió en una subasta en 2009 en Christie's en Londres por más de 17.000 dólares, muy por encima de las estimaciones iniciales. [45] En mayo de 2015, "Mermaid 18" de Dweck se vendió por £27,500 en Phillips London, más del doble de la estimación inicial. [46]
Para la feria de arte Canvas de West Palm Beach en noviembre de 2015, Dweck montó varios murales cerca de la galería Nicole Henry Fine Art . Estos murales presentaban impresiones de gran tamaño de las sirenas de Dweck nadando alejándose del espectador hacia un fondo negro. [47] [48]
El 17 de noviembre de 2015, Elin Nordegren celebró una cena en honor de Dweck en su casa frente a la playa en North Palm Beach, Florida , con invitados como Chris Cline y Laura Norman, quienes, como Nordegren, son ávidos coleccionistas del trabajo de Dweck. Los platos preparados por su chef personal se basaron en temas extraídos de Mermaids y del trabajo anterior de Dweck, The End: Montauk, NY . [49]
El tercer libro de Dweck, Habana Libre ("La Habana Libre"), fue publicado por Damiani editore y describió las vidas glamorosas de lo que Dweck llamó la "clase creativa privilegiada" de Cuba. [50] El libro incluye las primeras fotografías publicadas y entrevistas con Alejandro Castro y Camilo Guevara, hijos de los revolucionarios fundadores de Cuba Fidel Castro y Che Guevara , quienes también son fotógrafos. [50] [51] Otros temas del libro incluyen a los músicos Francis de Rio y Kelvis Ochoa , los pintores René Francisco , Rachel Valdez y Carlos Quintana, la bailarina Yaday Ponce Toscano y el novelista Leonardo Padura . [51]
Durante la primera visita de Dweck a La Habana en 2009, Guy Trebay del New York Times cita a Dweck recordando: "Me esperaba todos los edificios en ruinas y los autos usados, los clichés habituales". [50] En cambio, en la primera noche de su estancia, lo invitaron a una fiesta donde le presentaron una farándula, o círculo social, de las elites ociosas de Cuba, cuyos miembros tenían acceso a aparatos caros como iPhones y Se celebran cócteles con regularidad y se organizan desfiles de moda. [50]
En un artículo para El País de España , el poeta y ensayista cubano exiliado Antonio José Ponte observó que estos hijos de revolucionarios se habían apartado de la discreción de generaciones anteriores, que se habían sentido obligadas a ocultar su relativa riqueza en un entorno político de igualitarismo y ascetismo, e interpretaba su sorprendente disposición a revelar sus estilos de vida a un fotógrafo estadounidense como reacción contra las limitaciones del Partido Comunista de Cuba . [52] Kyle Munzenrieder del Miami New Times comentó que "es difícil saber si [Dweck está] embelleciendo el privilegio o exponiendo astutamente la hipocresía del mito de la igualdad comunista". [53] Una sesión fotográfica titulada "Elit Küba" apareció en la revista turca Tempo . [54] [55]
La Galería Staley-Wise de Nueva York inauguró una exposición del trabajo de Dweck hasta la fecha, Habana Libre and The End: Montauk, NY , coincidiendo con el lanzamiento del libro Habana Libre el 9 de diciembre de 2011. Dweck trazó paralelismos entre la élite de La Habana y Montauk. observando: "Aquí hay dos paraísos mundanos, ambos construidos en los años 50 y conservados desde entonces, para bien o para mal; ambos poblados por grupos insulares en algún tipo de aislamiento, ya sea autoimpuesto o impuesto externamente; ambos acosados por amenazas externas y por nuevas jerarquías desde dentro." [56] La exposición de Dweck en Staley-Wise se desarrolló hasta finales de enero de 2012.
Desde el 24 de febrero hasta el 24 de marzo de 2012, Habana Libre se exhibió en el museo Fototeca de Cuba de La Habana, lo que convirtió a Dweck en el primer artista contemporáneo estadounidense en montar una exposición individual en Cuba desde que comenzó el embargo estadounidense a ese país. [3] [57] Esperando alrededor de 300 invitados, a su llegada, Dweck se encontró recibido por alrededor de 2.000 artistas, diplomáticos y periodistas esperando para entrar a la exposición. [58] Más tarde esa noche, Alex Castro y Camilo Guevara subieron las escaleras bajo guardia armada para ver sus propias imágenes tal como Dweck las había capturado. [3] Otro de los hijos de Fidel Castro, Alejandro Castro, bromeó: "Gracias por hacerme famoso" [3]
La exposición mostró fotografías del libro reconstruidas a mayor escala utilizando una variedad de papel poco convencional y una técnica de impresión creada específicamente para el lugar. [51] Dweck dijo: "Me han dado el honor de ser uno de los primeros artistas estadounidenses vivos en exponer en Cuba, sentí que tenía que presentar algo adicional como muestra de respeto y gratitud. El motivo único está destinado a honra la belleza del pasado de la isla, refleja el calor de la gente y sirve como reflejo de su espíritu, su futuro, su potencial". [51] Después de la exposición, Dweck donó las 52 fotografías, entonces valoradas en alrededor de 500.000 dólares, a la Fototeca de Cuba. [58]
A finales de enero de 2014, se exhibieron selecciones de Habana Libre en Art Palm Beach en West Palm Beach, Florida , y la fotógrafa y crítica Elin Spring caracterizó las impresiones en gelatina de plata en blanco y negro de Dweck como "positivamente eléctricas". [59]
De septiembre de 2017 a marzo de 2018, el trabajo de Dweck de Habana Libre apareció en Cuba IS , una exposición multimedia que explora la vida en la Cuba moderna, en el Espacio Annenberg para Fotografía en Century City . Los Angeles . [60] [61] Respaldada por la iniciativa "Pacific Standard Time: LA/LA" de la Fundación Getty , la exhibición incluyó una película documental original producida por la Fundación Annenberg que sigue el trabajo de Dweck y otros cuatro fotógrafos destacados en Cuba. [60] [61]
Recientemente, Dweck ha revisado temas de sus dos primeros trabajos, The End y Mermaids , para crear tablas de surf personalizadas adornadas con imágenes de siluetas de sirenas en blanco y negro. [38] Dweck se describe a sí mismo como un surfista casual, y las tablas son manejables y también obras de arte. [62] Las tablas de surf miden seis pies y seis pulgadas de largo y están hechas a mano en California , donde las serigrafías de las fotografías de Dweck están recubiertas con fibra de vidrio y resina de alto brillo para crear lo que ArtDaily describe como “hermosas esculturas hechas a mano con forma de tabla de surf”. que fusionan a la perfección el tema y el medio de Dweck”. [39] [63] Llevan el nombre de figuras que han influido en la carrera de Dweck, como Harold "Doc" Edgerton , quien desarrolló técnicas de fotografía con flash submarino utilizadas ampliamente en Mermaids , y Duke Kahanamoku , a quien se le atribuye ampliamente la popularización del deporte del surf. . [39] ArtDaily cita a Dweck diciendo sobre sus tablas de surf:
'“Me encanta el movimiento implícito de estas formas, así como las formas suaves y fluidas. Se convierten en vehículos que te transportan a otros lugares… Me gustaría que la gente tuviera una experiencia de transporte con el trabajo”. [63]
El 6 de noviembre de 2015, en Phillip's London, la tabla de surf de Dweck, The Duke's Mermaid (Sapphire), se vendió por un récord mundial de 57.000 dólares, ubicándose entre los diez primeros lotes de la subasta. [64] Otro fue subastado en beneficio del Hospital de Southampton [62] [65] [66]
El primer largometraje de Dweck, "The Last Race", se estrenó el 22 de enero de 2018 en la competencia de documentales de EE. UU. en el Festival de Cine de Sundance 2018 en Park City, Utah , donde fue anunciado como "Un retrato cinematográfico de una pequeña ciudad". pista de autos stock y la tribu de pilotos que la llaman hogar mientras luchan por aferrarse a la tradición de las carreras estadounidenses". [67] [68] [69] Producido y dirigido por Dweck bajo el título provisional "Blunderbust", explora y documenta la cultura de los conductores aficionados de autos stock en el Riverhead Raceway en Riverhead, Nueva York , y lamenta la inminente destrucción del Raceway, el último de los que alguna vez fueron 40 en Long Island, a manos de grandes tiendas . [70] [71]
El Festival de Sundance describió "enfrentamientos entre... autos stock inspirados en Max Max que luchan en una pista de un cuarto de milla", con los espectadores colocados "cara a cara con las parrillas rugientes de los autos y las barras antivuelco blancas que sobresalen como huesos de Metal marcado" como Dweck "convierte la pista en un teatro de catarsis mientras los propietarios de la pista luchan por mantener una tradición estadounidense mientras los rodea un boom inmobiliario". [71]
Al igual que The End , The Last Race se basa en el apego de Dweck a su Long Island natal, pero con un mensaje abiertamente sociopolítico que no se encuentra en trabajos anteriores. Como afirma Dweck en la sinopsis de la película:
El 5 de marzo, se inició la construcción del Walmart número 10.818 en la ciudad de Riverhead, Nueva York. No es gran cosa, ¿verdad? Conduces por casi cualquier carretera de Estados Unidos y pronto llegarás a una, y si no es un Walmart, será cualquiera de las otras grandes tiendas que han llegado a definir la arquitectura estadounidense del siglo XXI. Cajas de hormigón intercambiables con logotipos corporativos pegados en el frente. Son todos iguales, y tal vez esa sea la idea. [72]
The Last Race comenzó en 2007 como un proyecto fotográfico. [73] [74] Riverhead Raceway le recordó a Dweck una pista de autos stock cerca de la casa de su infancia en Bellmore , donde los sábados por la noche se escabullía bajo la cerca para ver las carreras. [73] [75] Dweck pasó varios años tomando fotografías de los autos de carrera con una cámara de 8 "x 10" y familiarizándose con la comunidad de carreras. [73] [75] [74] Como relata Dweck, "Corté los autos, los lijé, fotografié los componentes y luego me di cuenta de que el movimiento y la emoción de ese lugar eran más de lo que la fotografía fija por sí sola podía capturar. Necesitaba ser contado a través de una película". [73] "Durante ese tiempo", dijo, "creé una película en mi cabeza. Tenía una historia; tenía personajes, sabía cómo actuarían, los caminos que tomarían sus vidas y las imágenes que tomarían". sería parte de." [75]
Dweck le dijo a su esposa que la película estaría terminada en un mes y pasó cinco años filmando 370 horas de metraje, que finalmente se editarían en 74 minutos. [73] [71] En 2014, Dweck había completado la primera versión de la película bajo el título Blunderbust . El Independent Filmmaker Project , que la describió como “la historia de un hipódromo estadounidense de un pequeño pueblo que lucha por sobrevivir cuando las corporaciones hambrientas de tierras llegan a la ciudad”, seleccionó Blunderbust para incluirlo en su Spotlight on Documentaries 2014. [76] Esta versión, de casi tres horas de duración, se centró en una historia a la manera de una película convencional, con conflictos cronometrados dramáticamente y escenas seleccionadas para respaldar la historia. Dweck no estaba satisfecho con el resultado y dijo: "Así que volví y miré todas mis imágenes nuevamente. Diría que la mayor parte de todo lo que amaba no estaba allí porque no encajaba con esa historia". [77] Luego pasó los siguientes años, incluidos tres meses y medio en Dinamarca , reeditando diecinueve horas de metraje original para crear una obra sustancialmente diferente. [73] [78]
La trama gira en torno a una pareja de unos 80 años, Barbara y Jim Cromarty, propietarios y operadores de Riverhead Raceway desde 1977. [74] [78] Con el aumento en el valor de las propiedades debido al desarrollo, a los Cromarty se les ofrecen más de $ 10 millones para vender. la pista de carreras, la última de su tipo en Long Island, que sería reemplazada por una sala de cine multicine , pero se niegan a venderla. [74] [78] Vender la pista, como lo explica el Festival de Cine de Florida , "dejaría a la deriva a la extensa tribu de conductores, fanáticos y familias adictos a la adrenalina, todos inexorablemente vinculados al óvalo de asfalto donde la gloria de los obreros aún triunfa sobre las ganancias de cuello blanco." [79] Justin Lowe, de The Hollywood Reporter, observa que la película "representa más un documento vivo de una subcultura estadounidense en declive que un documental deportivo típico" en el que Dweck "explora temas de identidad masculina y representación de clase que subyacen al stock". carreras de autos", con Nick Allen de RogerEbert.com caracterizando la pista y sus corredores como "cáscaras de nuez de América, testosterona y nostalgia". [74] [80] [81]
Kenneth Turan , de Los Angeles Times, describe la película como "Un examen sorprendentemente hermoso e inmersivo del moribundo mundo de las carreras de autos stock en Long Island, lo suficientemente evocador como para ser una especie de sinfonía de autos stock por sí solo".• [82] Justin Lowe escribe para The Hollywood Reporter que las escenas de carreras "crean un efecto impresionista e hipnótico que parece buscar algún tipo de verdad emocional, en lugar de intentar una representación literal de la competencia de carreras". [74] Stephen Saito atribuye esta estética a la experiencia de Dweck como fotógrafo más que como cineasta. [73]
Para filmar las escenas de la carrera, se colocaron cámaras en numerosos lugares del circuito, así como dentro y fuera de los propios coches. [74] Entrevistado por el guionista Chris O'Fait para IndieWire sobre su elección de equipo, Dweck explicó que había utilizado una cámara Canon EOS C300 para capturar "una cálida luz del sol que recordaba a películas icónicas de carreras de autos como ' Days of Thunder' y el brillo dorado de la fotografía de surf de los años 70, similar a mis trabajos fotográficos anteriores", principalmente con el objetivo Canon L debido a su tamaño compacto y practicidad. También se emplearon lentes antiguos de Arri y Zeiss , al igual que una cámara Sony F5. Para las cámaras montadas en automóviles que podrían resultar dañadas en caso de colisión, se utilizaron las Canon EOS 5D Mark III y GoPro , más pequeñas y reemplazables. [83]
Originalmente tentado de acompañar las escenas de carreras con música rock , Dweck se sintió atraído por la música clásica , incluido el Dies Irae de la Misa de Réquiem en re menor de Mozart . [73] [80] Dweck dijo que usó la música clásica que sonaba en sus auriculares para guiar la composición de muchas de las tomas. [73] Para el resto de la banda sonora, Dweck instaló micrófonos alrededor de la pista y en los propios autos para probar más de 4.000 sonidos que van desde motores acelerando y herramientas que se caen hasta teléfonos contestados en la oficina. [77] [73] El ingeniero de sonido Peter Albrechtsen fue emparejado con el compositor Robert Goula para crear lo que Oakley Andersen-Moore de No Film School describe como "un diseño de sonido mitad música, mitad máquina" en el que los sonidos de la pista y la música original transicionan sin problemas entre sí para crear lo que Dweck caracteriza como un "lenguaje de audio distinto", diciendo: "No quiero que la audiencia sepa necesariamente dónde termina y comienza la música o dónde termina y comienza el diseño de sonido". [77] [73]
The Last Race estuvo entre los nominados al Gran Premio del Jurado de Sundance al Mejor Documental, y un panel de críticos de cine reunidos por IndieWire lo votó como uno de los mejores documentales del festival. [84] [85] [86] En abril de 2018, The Last Race se proyectó por segunda vez en el Festival de Cine de Florida en Maitland, Florida , donde ganó el Premio Especial del Jurado por Visión Artística del festival. [79] [87]
El 27 de marzo de 2018, Magnolia Pictures adquirió los derechos para distribuir The Last Race en los Estados Unidos, y su lanzamiento está previsto para finales de año. [88] [89] [90]
El segundo largometraje de Dweck, The Truffle Hunters , producido y dirigido con Gregory Kershaw, tiene lugar en la región de Piamonte , en el norte de Italia . Dweck comenzó a explorar la posibilidad de hacer una película sobre la caza de trufas cuando visitaba un pequeño pueblo piamontés donde se recolectan trufas de los bosques circundantes. Un aldeano le dijo: 'Pongo 50 euros afuera en una caja por la noche y por la mañana aparece una trufa. Y no tengo idea de cómo llega allí'”. Intrigado, Dweck pasó gran parte del año siguiente conociendo gente de la comunidad de cazadores de trufas, generalmente en sus casas tomando vino y café expreso , y ganándose su confianza. [91]
El objeto central de la película es la trufa de Alba , o tartufo blanco , un manjar culinario muy apreciado que se encuentra principalmente en las colinas densamente boscosas del Piamonte. [92] [93] [94] Para encontrar las trufas, cazadores experimentados, la mayoría de los cuales en la película tienen más de 80 años, buscan en el bosque con sus perros, cuyos poderes olfativos detectan las trufas que crecen bajo tierra. [93] [94] Después de una caza exitosa, los compradores gourmet huelen y prueban las trufas, quienes a su vez las venden a restaurantes de alto nivel en todo el mundo. [92] [93] Gran parte del diálogo de la película no está en italiano estándar sino en piamontese [92] Además, Dweck descubrió que los cazadores se comunican con sus perros utilizando un conjunto de términos que no son ni italianos ni piamonteses, pero que son exclusivos de su oficio. [91]
The Truffle Hunters continúa un tema que se encuentra en todo el trabajo de Dweck, incluida su película anterior The Last Race , de un enclave social en peligro de extinción amenazado por las fuerzas de la modernidad. [93] [94] Lee Marshall de Screen Daily caracteriza la película como "... un lamento por un comercio moribundo y las vidas frugales de la gente rural que todavía lo practica ...", llamándola y La última carrera " Elegías para un mundo que desaparece." [94] En palabras del productor ejecutivo Luca Guadagnino , "The Truffle Hunters trata sobre un grupo al final de sus vidas que ve su mundo desvanecerse y su lugar en la realidad cada vez más en los límites... Se trata de la mortalidad y la muerte que se acerca", comparando a "una pieza complementaria de El irlandés ". [95]
Entre las principales amenazas al comercio de trufas se encuentran los efectos del cambio climático , con suelos invernales cada vez más cálidos y secos, así como la deforestación, que producen menos trufas. [92] [93] [94] [95] Como en The Last Race , las realidades del capitalismo se ciernen amenazadoramente en el fondo, no sólo el cambio climático sino también los problemas económicos regionales y la competencia despiadada, con los cazadores recurriendo a medidas elaboradas para ocultar sus secretos de los recién llegados que buscan saquear sus tierras. [93] [94] [95] Implícita en la película está la marcada diferencia entre los orígenes de clase modesta de los cazadores y los de los consumidores del producto de lujo. [93]
Dweck buscó crear la atmósfera de lo que llamó un "cuento de hadas de la vida real" filmando escenas ininterrumpidas desde puntos de vista fijos, a menudo filmando sólo una escena por día. "Al combinar la quietud monumental de cada fotograma con el movimiento de la vida y el ritmo del montaje", explicó, "buscamos construir una película que fluyera como una corriente de pinturas para contar una historia que se siente más que se comprende". [96] Como lo describe el crítico de cine Tomris Laffly: "Fusionando numerosas tomas de un solo cuadro pictóricas, en capas y románticamente iluminadas, los realizadores crean una secuencia de mini episodios, mientras los personajes humanos y sus perros increíblemente lindos e inteligentes continúan con sus rutina diaria en medio de estos deliciosos cuadros." [93] Lee Marshall ubicó el entorno de la película en "un mundo real que también es un mundo realista mágico en otro lugar" que "nos lleva a un pasado distante y pretecnológico que todavía existe en el presente y que incluso podría ser una visión de algún extraño regresivo". futuro." [94] David Rooney, de The Hollywood Reporter , elogió el uso del color en la película, "desde los tonos variados del bosque hasta una mesa de tomates rojos maduros o cestas de suculentas uvas verdes que se vierten en un barril para elaborar vino". [92] Estas imágenes están ambientadas tanto en canciones pop italianas de mediados de siglo como en ópera italiana . [91]
Otro eco de The Last Race es la innovadora ubicación de la cámara, en este caso no en los autos de carreras sino en los propios perros usando un dispositivo que Dweck llama "cámara para perros". Sujeto a las cabezas de los perros mediante un arnés personalizado, representa la acción desde sus puntos de vista, desde la caza hasta el momento del éxito cuando se detecta el olor de la trufa escondida. [92] [97] Los soportes para la cabeza fueron creados por un zapatero local . [91]
The Truffle Hunters se estrenó el 28 de enero de 2020 en Park City, Utah , en el Festival de Cine de Sundance 2020 . [98] La sesión de preguntas y respuestas que siguió a la proyección incluyó una videollamada en vivo con uno de los cazadores y su perro en el bosque en busca de trufas. [91] Fue nombrada entre las mejores películas de Sundance por Los Angeles Times , Rolling Stone , The Observer , IndieWire , Screen Anarchy y Thrillist . [99] [100] [101] [102] [103] [104] Tras su estreno en Sundance, Sony Pictures Classics superó la oferta de sus competidores para comprar los derechos de distribución mundial de The Truffle Hunters por 1,5 millones de dólares. [105] [106] En mayo de 2020, Dweck y Kershaw firmaron con United Talent Agency para representar Beautiful Stories, una empresa que formaron para producir proyectos de cine y televisión para una audiencia global. [107]
Estaba previsto que The Truffle Hunters apareciera en mayo en el Festival de Cine de Cannes de 2020 , pero el festival fue cancelado debido a la pandemia de COVID-19 . [108] [109] [110] Luego iba a aparecer durante el fin de semana del Día del Trabajo en el Festival de Cine de Telluride , pero también fue cancelado debido a la pandemia. [111] Actualmente está programado para aparecer en el Festival de Cine de Toronto el 18 de septiembre de 2020 y en el Festival de Cine de Nueva York el 5 de octubre de 2020. [112] [113] [114]