Esta página explora las obras de arte más destacadas de John Steuart Curry . Durante su vida, Curry fue prolífico en diversos medios, como la pintura, los murales y las ilustraciones. La página recoge las obras más destacadas, junto con muchas de sus otras obras, y describe el contexto de su publicación.
Cada sección comienza con una lista que habla de las obras contenidas en ese medio o género y están ordenadas por fecha. Después de cada lista hay un análisis del contexto en el que se produjo esa obra. Actualmente, la lista está incompleta y no incluye imágenes de las obras de arte individuales porque gran parte de ellas todavía están protegidas por derechos de autor. Las referencias en cada cita de obras incluyen enlaces a sitios web de la organización que posee la colección o, si no están disponibles, enlaces a sitios web que muestran la imagen.
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Los murales de Curry en el edificio del Departamento del Interior Stewart Lee Udall en Washington DC —The Homestead y The Oklahoma Land Rush— fueron encargados por la Sección de Pintura y Escultura del Tesoro . Fueron pintados en óleo y témpera sobre lienzo entre 1937 y 1939. [15] [16] [17] Los dos murales representan eventos de la época, las Homestead Acts y la Oklahoma Land Run de 1889. Los primeros bocetos de figuras e ideas se conservan en los archivos ubicados en el Museo de Arte Marianna Kistler Beach en la Universidad Estatal de Kansas . [18]
Este mural mide 2,70 m por 6,90 m. [19] Representa una finca con las características típicas que conforman su ideal de bendita paz, felicidad y potencial prosperidad para garantizar la vida rural. [20] La finca muestra a una madre y su hija pelando patatas cerca de un pequeño huerto para la comida familiar. Un hijo pequeño sostiene los postes de la cerca mientras su padre los clava en el suelo. Una hermana mayor conduce el carro lleno de púas mientras también cuida al niño más pequeño. Cada miembro de la familia trabaja activamente y aporta su energía al conjunto productivo. [21] Cerca de la parte inferior izquierda del mural, gallos, polluelos y gallinas picotean y se alimentan cerca del jardín del primer plano como abundantes recordatorios de su capacidad para proporcionar huevos a esta familia fronteriza. [22]
EspañolSolo dos pulgadas más alto que su pintura compañera, este mural de nueve pies y dos pulgadas por 19 pies y ocho pulgadas [23] representa otro evento histórico de la época. La Fiebre de Tierras de Oklahoma representa la Migración hacia el Oeste en la representación de ese famoso día, las doce del mediodía del 22 de abril de 1889, cuando el Territorio de Oklahoma se abrió a la colonización de granjas y más de veinte mil posibles colonos se apresuraron a llegar a la nueva tierra para reclamar sus derechos. [24] [ página necesaria ] Ansiosa pero esperando con ansias la seguridad final, una madre pionera de 1889, con su cofia intacta, es de suma importancia para el primer plano del extremo izquierdo del mural de Curry que se mueve hacia el Oeste. Sentada en un carro averiado, agarra a su pequeño hijo mientras saluda y llama a su esposo que posee un certificado, quien, a horcajadas sobre su caballo encabritado, va a cabalgar para reclamar un nuevo sitio para la granja. Su feroz competencia incluye a un ciclista que conduce una bicicleta de seguridad alta y "ordinaria" de la década de 1880 y una dama con sobrepeso y demasiado vestida en una mecedora. Ella regresa en un carro abierto conducido frenéticamente por su marido calvo y, como mínimo, brinda un alivio cómico para equilibrar la sinceridad ansiosa de la madre en el suelo. [25] [ página necesaria ]
La película Oklahoma Land Rush de John Steuart Curry repitió un tema importante de la época: la historia contada a través de las acciones de la gente común. Al enfatizar la avalancha de figuras por el territorio, Curry compartió su preocupación por capturar la energía y el vigor de los pioneros estadounidenses. [26]
Una de las obras más famosas de Curry son los murales diseñados para el Capitolio del Estado de Kansas , en Topeka, Kansas . En junio de 1937, los editores de periódicos recaudaron dinero para encargar a John Steuart Curry (quien era el artista más famoso de Kansas) que pintara murales en el capitolio estatal. El diseño de Curry se dividió en tres temas: primero, el asentamiento de Kansas , que representaba a los conquistadores y a los habitantes de las llanuras; segundo, la vida de un colono , que representaría a John Brown; y tercero, la prosperidad pastoral , que incluiría escenas de la Kansas moderna. Curry quería ser libre de expresar sus propias ideas con respecto a los murales: "Tengo mis propias ideas sobre cómo contar la historia de los pioneros que llegaron a Kansas. Quiero pintar esta guerra con la naturaleza y quiero pintar las cosas que siento como nativo de Kansas". [27]
La controversia política paralizó la finalización de los murales. Costosas losas de mármol italiano cubrían el lugar de la rotonda donde se pintarían los ocho paneles que representaban escenas de la vida de los colonos de Kansas . El comité legislativo se negó a moverlas de la pared para dejar lugar al mural de Curry. Sin embargo, detrás de la negativa había dos problemas reales con las pinturas de Curry, el primero era que los detalles factuales de Curry eran incorrectos. Por ejemplo, "criticaron las colas de sus animales diciendo que no eran naturales". [28] En opinión de Curry, esos problemas se podían solucionar fácilmente. Sin embargo, con el siguiente problema, el comité tenía una objeción aún más fuerte; y era la imagen del abolicionista de Kansas John Brown, frente a una multitud de personas y un tornado. En particular, el comité objetó la sangre en las manos de John Brown, los incendios de la pradera y los tornados. Estas inclusiones fueron consideradas por algunos como una muestra negativa del estado porque Brown, quien fue ejecutado en 1859 por traición (liderando una incursión abolicionista en Harpers Ferry, Virginia ), era considerado por algunos como un traidor y un asesino. Curry trató de explicar que si bien la sangre en las manos de Brown no era literal, sus actos causaron derramamiento de sangre, y que el tornado era un símbolo de la pasión abolicionista. Sin embargo, la gente de Kansas vio su inclusión como una declaración negativa sobre el mal tiempo. [29] En su presentación al pueblo, Curry expresó que quería incluir en sus cuadros la ironía que es el pueblo de Kansas; no una presentación suave y sensiblera. [28] Cuando fue rechazado, Curry enojado dejó los murales terminados sin firmar a su muerte en 1946. Desde la muerte de Curry, sus murales han llegado a ser considerados a la par con obras similares realizadas por su contemporáneo Thomas Hart Benton .
Mientras estudiaba en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1917, Curry escribió a sus padres sobre su decisión de estudiar ilustración. Señaló su interés en estudiar con Harvey Dunn , de quien Curry dijo que estaba "haciendo los ilustradores de hoy". [32] En 1920, Curry conoció a Dunn, y aunque no se convirtió en uno de sus estudiantes, el artista establecido se convirtió en su mentor, ayudando a Curry a avanzar en su educación y carrera como ilustrador. [32] Curry comenzó a publicar ilustraciones en 1921 y continuó hasta 1926, cuando se tomó un descanso de la ilustración, escribiendo "Vine a Nueva York para ser ilustrador. No fue un gran éxito. Fui a París y aprendí algo de M. Schoukhareff de la Academia Rusa. Aprendí algo, también, del Louvre y desde entonces he estado tratando de llevar a cabo mis ideas sobre cómo debería pintar un estadounidense". [32]
En 1940, John Curry volvió a realizar ilustraciones para libros y otros medios, y contribuyó a este campo hasta su muerte en 1946. [32] Sus últimas ilustraciones se pueden encontrar en John Brown's Body: A Poem de Stephen Vincent Benét, publicado por Limited Editions Club en 1948. [ 32]
Mi amiga Flicka fue escrita originalmente como un cuento por Mary O'Hara mientras vivía en un rancho en Wyoming. Más tarde, la editorial Lippincott Publishing Company de Nueva York le pidió que lo convirtiera en novela. Se publicó en 1941 y John Steuart Curry contribuyó con quince dibujos para las ilustraciones. Fueron realizados principalmente con tinta y algunos lápices y crayones. Hizo un dibujo con acuarela para la página del título del libro.
Curry creó ilustraciones para:
Entre las ilustraciones importantes que actualmente se conservan en instituciones artísticas se incluyen:
En 1941, John Steuart Curry recibió el encargo de la Asociación de Artistas Americanos para crear una pintura sobre el tabaco para una ilustración en la revista agrícola estadounidense The Country Gentleman . [34]
Junto con otros artistas regionales, Curry recibió el encargo de crear anuncios para una campaña publicitaria de Lucky Strike que se extendió desde 1942 hasta 1944. Esta campaña asoció a los Luckies con el estilo sencillo y folclórico del arte regional. La American Tobacco Company no aprovechó la guerra ni utilizó temas militares en la publicidad de sus cigarrillos. [35]
Curry sólo hizo dos anuncios de tabaco Lucky Strike:
Hay cuatro bocetos originales de ideas y diseños para estos anuncios de Lucky Strike en los archivos ubicados en el Museo de Arte Marianna Kistler Beach de la Universidad Estatal de Kansas . [18]
El 6 de mayo de 1940, la revista LIFE publicó Hoover and the Flood: A painting for LIFE, de John Steuart Curry. [37] Este editorial fue la sexta de ocho entregas encargadas para la American History Series de la revista LIFE que presentaba pinturas de historia estadounidense moderna. [38] La pintura Hoover and the Flood de John Steuart Curry es un óleo sobre tabla y mide 37½ por 63 pulgadas. [39] La pintura se encuentra actualmente en el Museo de Arte Morris en Augusta, Georgia . [39] El encargo de Curry para la revista LIFE fue únicamente por los derechos de reproducción de la pintura. [38] Dado que la revista nunca tuvo la intención de comprar la pintura de Curry, ha tenido poco éxito en encontrar documentación sobre los aspectos financieros del encargo. [38]
La pintura de Curry, Hoover and the Flood, fue creada para celebrar los esfuerzos humanitarios y de socorro del Secretario de Comercio Herbert Hoover antes de su elección presidencial en 1928. [39] La pintura de Curry muestra muchas de las principales escenas y eventos que se asociaron durante la inundación de Mississippi de 1927, como las aguas de la inundación, los guardias nacionales, la ayuda de la Cruz Roja , los refugiados, los animales de granja varados, los afroamericanos rezando y un barco fluvial del Mississippi. [39] El trabajo de John Steuart Curry a menudo apoyaba las mentalidades de la población afroamericana que eran comunes durante la primera mitad del siglo XX. [39] Hoover and the Flood hace referencia a varias de las obras de arte anteriores de Curry. [39] Su uso de una figura masculina afroamericana en posición central aparece en otras obras, incluidas Freeing of the Slaves (1936), The Fugitive (1924-1936) y Mississippi Noah (1932). [39]
Entre las piezas importantes de arte de guerra se incluyen:
El gobierno utilizó carteles como técnica publicitaria durante la Primera Guerra Mundial. Los carteles tendían un puente entre el gobierno y el pueblo mediante mensajes directos y sencillos. El plan del gobierno para hacer publicidad a través de carteles era incitar a la nación a la acción involucrando los corazones y las mentes de su gente. En pocas palabras, los carteles tenían como objetivo informar, influir y guiar el comportamiento de los estadounidenses hacia una determinada ideología política. Como estos carteles debían formar parte del entorno urbano, podían colocarse en cualquier lugar. Además, se les dijo a los artistas que utilizaran objetos que pudieran representar un todo, como una bandera que simbolizara una nación o una bomba que simbolizara la guerra, de modo que no necesitaran ningún texto en el cartel. Ningún texto en el cartel se consideraba una técnica publicitaria más eficaz y eficiente. En concreto, los carteles debían "decir la verdad" [42] porque involucraban a todos los estadounidenses y fomentaban un movimiento social entre ellos. Las representaciones simpáticas y realistas del soldado común fomentaban el nacionalismo estadounidense, de modo que la vida común de las personas se convirtió en heroica durante la guerra. [43] [ página necesaria ] En esta época funcionaron dos escuelas de arte diferentes: los regionalistas y los realistas sociales . Ambos grupos artísticos tenían puntos de vista muy diferentes, pero compartían la idea común de defender al hombre común. Por lo tanto, si alguno de los dos grupos quería hacer arte para persuadir a la gente, tenía que hacerlo de esta manera. [44]
Aunque se opuso abiertamente a la posibilidad de una Segunda Guerra Mundial, las opiniones políticas de John Steuart Curry no se conocen explícitamente. Sus opiniones eran un misterio incluso para su esposa. En una entrevista, cuando se le preguntó cuáles eran las opiniones políticas de Curry, ella le dijo al entrevistador que su esposo leía The Progressive . [45] Matthew Biagell escribió una vez que "la temática de un importante grupo de pinturas [...] así como las declaraciones que hizo, sugieren firmemente que sus intereses se encontraban en un liberalismo de un tipo u otro". [46] Se creía que sus opiniones sobre la participación militar en Europa estaban en sintonía con la mayoría de los estadounidenses en ese momento. "El aislacionismo puede haber sido más pronunciado en el Medio Oeste sin salida al mar, pero los estadounidenses de ambos sexos, de todas las edades, religiones y persuasiones políticas, de todos los grupos étnicos y todas las religiones, compartieron en los años de posguerra un sentimiento de apatía hacia Europa, por no mencionar el resto del mundo miserablemente pendenciero, que rayaba en el asco". [47] Curry se sentía frustrado por la posibilidad de una guerra. La veía sólo como un revés en el progreso que la nación había logrado desde la última guerra mundial, y que, por lo tanto, pondría fin al progreso logrado en el mundo del arte. Curry advirtió que la entrada en otra guerra mundial mataría el renacimiento que había visto renacer después de la Primera Guerra Mundial: "Después de la Primera Guerra Mundial comenzó un espléndido resurgimiento del arte en Estados Unidos, y ahora estamos en medio de este movimiento, pero la guerra lo matará antes de que pueda alcanzar su florecimiento". [48] Curry había mostrado su temor a la guerra que se avecinaba a través de su pintura La luz del mundo , que mostraba a unos espectadores contemplando una tormenta que se avecinaba. No fue hasta después del ataque a Pearl Harbor, el 7 de diciembre de 1941, que provocó el cambio en la opinión estadounidense, que Curry cambió su apoyo a la guerra. Curry se enfrentó al dilema de cómo hacer que su obra fuera importante. Tenía el deseo de llegar a un público más amplio de personas y, por primera vez en su carrera, Curry expresó su deseo de utilizar su talento en apoyo de las tropas estadounidenses. En 1942, terminó su primer trabajo en apoyo de una guerra. Patrocinado por Abbott Laboratories [49] para producir propaganda de guerra aprobada por el gobierno, Curry terminó su primer trabajo en apoyo de cualquier esfuerzo bélico. Presentó un óleo titulado Our Good Earth para que se usara en publicaciones.
Our Good Earth es una pintura y un cartel de guerra de Curry que resalta la importancia simbólica del corazón del país para el esfuerzo bélico estadounidense. Cuando se le encargó que hiciera arte bélico, Reeves Lewenthal, director de la galería Associated American Artists , intentó sugerir posibles temas para el nuevo patrocinio de John Steuart Curry : "Quizás se pueda hacer una figura heroica de un soldado que proteja o luche por la preservación de todos esos beneficios y ventajas que disfrutamos en nuestra democracia; o quizás se pueda retratar eficazmente en segundo plano a un soldado que luche por la preservación de nuestras tierras agrícolas fértiles y pacíficas; o quizás las sombras de nuestros antiguos soldados héroes puedan alejarse en la distancia detrás de esta poderosa figura en primer plano... Por otra parte, se puede hacer una enfermera, o un aviador, o un infante de marina, o un marinero, en alguna composición simbólica". [50] Pero Curry tenía otras ideas cuando respondió: "...parece muy dudoso que sea estratégico o deseable utilizar el miedo como motivo para retratarles las necesidades del programa de guerra. Nuestra gente es patriótica. Miles de nuestros jóvenes se ofrecen como voluntarios antes de ser reclutados. Las ventas de bonos están en un nivel alto. Nuestra gente espera ganar la guerra y está dispuesta a pagar cualquier precio que sea necesario. No necesitan ser amenazados por algún complejo de miedo para hacer lo mejor que pueden. Están respondiendo a incentivos que están en un plano mucho más alto y son más efectivos que el miedo". [51] En cambio, Curry siguió el ritmo de su tema típico y pintó un tema agrícola.
En Our Good Earth (Nuestra buena tierra) se ve a un granjero de pie en su campo de trigo, flanqueado por niños a ambos lados mientras el viento sopla a través de la escena. El estado del hombre, sus hijos y la abundante cosecha reflejan la abundancia que está experimentando la granja a pesar de la guerra en el extranjero. El rostro del granjero muestra su preocupación por los tiempos que se avecinan, pero no indica ninguna intención de abandonar su tierra o su familia para ir a la guerra en el extranjero. Como es típico en una obra de Curry, el clima alude al estrés subyacente de la guerra. Mientras la familia está en el campo, una ráfaga de viento atraviesa la escena intentando arrancar a los niños y perturbar las cosechas, justo cuando la guerra amenaza la tierra y la familia del granjero. [52] Cuando la obra se publicó como un cartel de bonos de guerra, se añadió el título "Our Good Earth...Keep It Ours" (Nuestra buena tierra... manténgala nuestra), inspirando al espectador a hacer su parte comprando bonos de guerra para "Hacer que cada día de mercado sea un día de bonos". Más tarde, la obra se utilizó como portada de un folleto de bonos de guerra. Además del título "Keep It Ours", se colocó "Long May It Wave" en la parte inferior del folleto, haciendo referencia a las "ondas de grano ámbar" de la canción "America the beautiful" y la segunda estrofa del "Star Spangled Banner".
En octubre de 1942, poco después de terminar Our Good Earth , Curry recibió una solicitud oficial de la Oficina de Información de Guerra para hacer otro cartel. Se le pidió que terminara el cartel antes del 5 de noviembre de ese año. Basándose en la directiva de la Junta de Guerra de Escritores, Curry debía transmitir que si Estados Unidos perdía la guerra ante los nazis, los agricultores de la nación serían esclavizados. Sin embargo, Curry argumentó que la idea que se iba a expresar era una suposición correcta de cómo era la vida en la América rural. [53] Se le cita en una carta a su distribuidor, Reeves Lewenthal, diciendo: "Los agricultores están haciendo un esfuerzo máximo y trabajando 70 y 80 horas a la semana. No hay ningún problema, como lo vemos aquí, en conseguir que los agricultores trabajen lo más duro que puedan, porque están haciendo exactamente eso". Curry luego solicitó que la junta considerara desarrollar un tema rural más positivo y se ofreció a ayudar a pensar en uno también. [54]
Al hacerlo, a Curry se le ocurrió una idea a partir de un boceto que había usado en una idea de mural anterior para la Feria Estatal de Wisconsin llamada Wisconsin Agriculture Leads to Victory . Creía que una representación así sería una idea mejor y más positiva para un cartel. [55] Lewenthal estuvo de acuerdo. [56] Así, en The Farm Is a Battleground, Too , representa a un granjero gigantesco que se parece al de Our Good Earth . Sostiene una horca y está de pie frente a dos soldados. Está conectando visualmente las actividades del granjero con las del frente de guerra. En el fondo, se le mostró a Curry un tractor y un tanque, ambos móviles y, por lo tanto, representativos de la guerra y sus respectivas misiones. Debido a que quería mantener su trabajo lo más auténtico posible, Curry rechazó cualquier idea que pudiera ir en contra de las realidades del trabajo de los granjeros. [57] Por ejemplo, una idea sugerida por Lewenthal fue que la horca se sostuviera en el mismo movimiento de avance que las armas de los soldados. [58] Curry se opuso y dijo que la agricultura es una profesión especializada. Tener la horca de esa manera parecería extraño y equivocado. [59]
En 1942, el Cuerpo de Ingenieros del Ejército de los Estados Unidos estableció una Unidad de Arte de Guerra , para incluir artistas militares y civiles, en un esfuerzo por revelar las realidades de la guerra a la nación. Los artistas para el programa fueron reclutados en un esfuerzo conjunto por la organización Associated American Artists y el comité de arte establecido por el Departamento de Guerra. Desafortunadamente, poco más de seis meses después del inicio del programa, el Congreso recortó los fondos para el proyecto de arte y los artistas militares fueron reasignados a otras tareas. Sin embargo, algunos continuaron produciendo arte durante su carrera militar. [60] Los esfuerzos adicionales para documentar la Segunda Guerra Mundial vinieron de empresas privadas con un historial de apoyo a artistas militares y civiles. De 1942 a 1945, Abbott Laboratories ayudó a producir siete proyectos de arte de combate diferentes. Abbott apoyó uno de esos proyectos en colaboración con la Oficina del Cirujano General y se centró en producir arte relacionado con la medicina. [61] Para esto, encargaron a artistas conocidos como Peter Blume , Joseph Hirsch y John Steuart Curry .
Curry comenzó su comisión a principios de 1944 en el Campamento Barkeley [62] a once millas al suroeste de Abilene, Texas . Durante su estancia allí, se comprometió a convertirse en uno de los soldados. Vestía uniforme, comía y hacía vivacs con los soldados. Curry pasó la mayor parte de su tiempo dibujando unidades de batallón de entrenamiento durante problemas de vivac, así como siguiendo a los equipos a través de sus niveles de evacuación médica de campo. También solía dibujar a los soldados mientras maniobraban para abrirse camino a través de pistas de obstáculos e infiltración y demostraciones en el "pueblo nazi", y ametrallando. Mientras estuvo en el campamento, Curry produjo casi cien bocetos que cubrían prácticamente todos los ejercicios de entrenamiento, un retrato a crayón del teniente coronel Edward A. Zimmerman e incluso un gran retrato al óleo del general de brigada Roy C. Heflebower, el comandante general del centro de entrenamiento de reemplazo médico. [63]
A continuación se incluye una lista de bocetos que se conservan en el Museo de Arte de Beach de la época en que Curry era artista de combate. Los enlaces son enlaces externos al catálogo del Museo de Beach. Las imágenes aún están protegidas por derechos de autor.
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