Marina Abramović ( en serbio cirílico : Марина Абрамовић , pronunciado [marǐːna abrǎːmovitɕ] ; nacida el 30 de noviembre de 1946) es una artista conceptual y de performance serbia . Su trabajo explora el arte corporal , el arte de resistencia , la relación entre el artista y el público, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente. [1] Activa desde hace más de cuatro décadas, Abramović se refiere a sí misma como la "abuela del arte escénico". [2] Fue pionera en una nueva noción de identidad al incorporar la participación de los observadores, centrándose en "enfrentar el dolor, la sangre y los límites físicos del cuerpo". [3] En 2007, fundó el Instituto Marina Abramović (MAI), una fundación sin fines de lucro para el arte escénico. [4] [5]
Abramović nació en Belgrado , Serbia , entonces parte de Yugoslavia , el 30 de noviembre de 1946. En una entrevista, Abramović describió a su familia como "burguesa roja". [6] Su tío abuelo fue Varnava, patriarca serbio de la Iglesia Ortodoxa Serbia . [7] [8] Sus padres, nacidos en Montenegro , Danica Rosić y Vojin Abramović, [6] fueron partisanos yugoslavos [9] durante la Segunda Guerra Mundial . Después de la guerra, los padres de Abramović fueron condecorados con la Orden de los Héroes del Pueblo y se les dieron puestos en el gobierno yugoslavo de posguerra . [6]
Abramović fue criada por sus abuelos hasta que cumplió seis años. [10] Su abuela era profundamente religiosa y Abramović "pasó [su] infancia en una iglesia siguiendo los rituales de [su] abuela: velas por la mañana, el sacerdote viniendo en diferentes ocasiones". [10] Cuando tenía seis años, nació su hermano y comenzó a vivir con sus padres mientras también tomaba lecciones de piano, francés e inglés. [10] Aunque no tomó lecciones de arte, se interesó tempranamente por el arte [10] y disfrutó de la pintura cuando era niña. [6]
La vida en la casa paterna de Abramović bajo la estricta supervisión de su madre era difícil. [11] Cuando Abramović era niña, su madre la golpeaba por "presumir". [6] En una entrevista publicada en 1998, Abramović describió cómo su "madre tomó un control total, al estilo militar, sobre mí y mi hermano. No se me permitía salir de casa después de las diez de la noche hasta que cumplí 29 años... [T]odas las actuaciones en Yugoslavia las hice antes de las diez de la noche porque tenía que estar en casa a esa hora. Es una locura, pero todos los cortes, los azotes, las quemaduras, el casi perder la vida en 'La estrella de fuego'... todo sucedió antes de las diez de la noche". [12]
En una entrevista publicada en 2013, Abramović dijo: "Mi madre y mi padre tuvieron un matrimonio terrible". [13] Al describir un incidente en el que su padre rompió 12 copas de champán y se fue de la casa, dijo: "Fue el momento más horrible de mi infancia". [13]
Fue estudiante de la Academia de Bellas Artes de Belgrado de 1965 a 1970. Completó sus estudios de posgrado en la clase de arte de Krsto Hegedušić en la Academia de Bellas Artes de Zagreb , República de Serbia de Croacia , en 1972. Luego regresó a la República de Serbia y, de 1973 a 1975, enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad mientras lanzaba sus primeras actuaciones en solitario. [14] Véase también: Role Exchange (obra performativa de 1975)
En 1976, tras su matrimonio con Neša Paripović (entre 1970 y 1976), Abramović viajó a Ámsterdam para interpretar una pieza [15] y luego decidió mudarse allí permanentemente.
De 1990 a 1995, Abramović fue profesor invitado en la Academia de Bellas Artes de París y en la Universidad de las Artes de Berlín . De 1992 a 1996 también fue profesora invitada en la Hochschule für bildende Künste Hamburg y de 1997 a 2004 fue profesora de artes escénicas en la Hochschule für bildende Künste Braunschweig . [16] [17]
En su primera actuación en Edimburgo en 1973, [18] Abramović exploró elementos del ritual y el gesto. Haciendo uso de veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista jugó al juego ruso , en el que se dan rítmicamente golpes de cuchillo entre los dedos separados de la mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo de la fila de veinte que había preparado y grababa la operación. Después de cortarse veinte veces, repetía la cinta, escuchaba los sonidos e intentaba repetir los mismos movimientos, intentando replicar los errores, fusionando el pasado y el presente. Se propuso explorar las limitaciones físicas y mentales del cuerpo: el dolor y los sonidos del apuñalamiento; los sonidos dobles de la historia y la réplica. Con esta pieza, Abramović comenzó a considerar el estado de conciencia del intérprete. "Una vez que entras en el estado de actuación, puedes empujar a tu cuerpo a hacer cosas que nunca podrías hacer normalmente". [19]
En esta performance, Abramović intentó evocar la energía del dolor corporal extremo, utilizando una gran estrella empapada en petróleo, que la artista prendió fuego al comienzo de la performance. De pie frente a la estrella, Abramović se cortó las uñas, las uñas de los pies y el cabello. Cuando terminó con cada uno, arrojó los recortes a las llamas, creando una explosión de luz cada vez. Quemar la estrella comunista de cinco puntas o pentagrama representaba una purificación física y mental, al mismo tiempo que abordaba las tradiciones políticas de su pasado. En el acto final de purificación, Abramović saltó sobre las llamas hacia el centro del gran pentagrama. Al principio, debido a la luz y al humo que emitía el fuego, el público que observaba no se dio cuenta de que la artista había perdido el conocimiento por falta de oxígeno dentro de la estrella. Sin embargo, cuando las llamas se acercaron mucho a su cuerpo y ella todavía permanecía inerte, un médico y otras personas intervinieron y la sacaron de la estrella.
Abramović comentó más tarde sobre esta experiencia: "Me sentí muy enojado porque entendí que hay un límite físico. Cuando pierdes la conciencia no puedes estar presente, no puedes actuar". [20]
Tras perder el conocimiento durante el Ritmo 5 , Abramović ideó el Ritmo 2 en dos partes para incorporar un estado de inconsciencia en una performance. Presentó la obra en la Galería de Arte Contemporáneo de Zagreb en 1974. En la Parte I, que tuvo una duración de 50 minutos, ingirió un medicamento que describe como "administrado a pacientes que sufren de catatonia , para obligarlos a cambiar las posiciones de sus cuerpos". La medicación hizo que sus músculos se contrajeran violentamente y perdió el control total sobre su cuerpo mientras permanecía consciente de lo que estaba sucediendo. Después de un descanso de diez minutos, tomó un segundo medicamento "administrado a pacientes esquizofrénicos con trastornos de conducta violenta para calmarlos". La performance terminó después de cinco horas cuando el efecto de la medicación desapareció. [21] [22] [23]
Rhythm 4 se presentó en la Galleria Diagramma de Milán. En esta pieza, Abramović se arrodilló sola y desnuda en una habitación con un ventilador industrial de alta potencia. Se acercó al ventilador lentamente, intentando inhalar la mayor cantidad de aire posible para superar los límites de sus pulmones. Poco después perdió el conocimiento. [24]
La experiencia previa de Abramović en Rhythm 5 , cuando el público interfirió en la actuación, la llevó a idear planes específicos para que su pérdida de conciencia no interrumpiera la actuación antes de que terminara. Antes del comienzo de su actuación, Abramović le pidió al camarógrafo que se enfocara solo en su rostro, sin tener en cuenta el ventilador. Esto fue para que el público no se diera cuenta de su estado inconsciente y, por lo tanto, fuera poco probable que interfiriera. Irónicamente, después de varios minutos de inconsciencia de Abramović, el camarógrafo se negó a continuar y pidió ayuda. [24]
Para poner a prueba los límites de la relación entre la intérprete y el público, Abramović desarrolló una de sus performances más desafiantes y conocidas. Se asignó a sí misma un papel pasivo, siendo el público la fuerza que actuaría sobre ella. Abramović colocó sobre una mesa 72 objetos que las personas podían utilizar de la forma que quisieran; un cartel les informaba de que no eran responsables de ninguna de sus acciones. Algunos de los objetos podían dar placer, mientras que otros podían utilizarse para infligir dolor o hacerle daño. Entre ellos había una rosa, una pluma, miel, un látigo, aceite de oliva, tijeras, un bisturí, una pistola y una sola bala. Durante seis horas, la artista permitió que los miembros del público manipularan su cuerpo y sus acciones sin consecuencias. Esto puso a prueba lo vulnerables y agresivos que pueden ser los sujetos humanos cuando las acciones no tienen consecuencias sociales. [3] Al principio, el público no hizo mucho y se mostró extremadamente pasivo. Sin embargo, cuando comenzó a darse cuenta de que no había límites para sus acciones, la pieza se volvió brutal. Al final de la actuación, su cuerpo fue despojado, atacado y devaluado hasta convertirse en una imagen que Abramović describió como la de "Madonna, madre y puta". [3] Como Abramović lo describió más tarde: "Lo que aprendí fue que... si dejas que el público decida, te pueden matar... Me sentí realmente violada: me cortaron la ropa, me clavaron espinas de rosa en el estómago, una persona me apuntó con el arma a la cabeza y otra me la quitó. Se creó una atmósfera agresiva. Después de exactamente 6 horas, como estaba previsto, me levanté y comencé a caminar hacia el público. Todos salieron corriendo para escapar de una confrontación real". [25]
En sus obras, Abramović define su identidad en contraposición a la de los espectadores; sin embargo, lo que es más importante, al desdibujar los roles de cada parte, la identidad y la naturaleza de los seres humanos, tanto individual como colectivamente, también se vuelven menos claras. Al hacerlo, la experiencia individual se transforma en una experiencia colectiva y se revelan verdades. [3] El arte de Abramović también representa la cosificación del cuerpo femenino, ya que ella permanece pasiva y permite que los espectadores hagan lo que quieran con ella; el público empuja los límites de lo que podría considerarse aceptable. Al presentar su cuerpo como un objeto, ella explora los límites del peligro y el agotamiento que un ser humano puede soportar. [3]
En 1976, después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance de Alemania Occidental Uwe Laysiepen , que tenía el nombre de soltero Ulay. Comenzaron a vivir y actuar juntos ese año. Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, [15] los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Crearon "obras de relación" caracterizadas por el movimiento constante, el cambio, el proceso y el "arte vital". [26] Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo influyente. Cada intérprete estaba interesado en las tradiciones de su herencia cultural y el deseo individual de ritual. En consecuencia, decidieron formar un ser colectivo llamado "El Otro", y hablaron de sí mismos como partes de un "cuerpo de dos cabezas". [27] Se vestían y se comportaban como gemelos y crearon una relación de completa confianza. A medida que definían esta identidad fantasma, sus identidades individuales se volvieron menos definidas. En un análisis de las identidades artísticas fantasmas, Charles Green señaló que esto permitió una comprensión más profunda del artista como intérprete, ya que reveló una forma de "tener el yo artístico disponible para el autoexamen". [28]
El trabajo de Abramović y Ulay puso a prueba los límites físicos del cuerpo y exploró los principios masculino y femenino, la energía psíquica, la meditación trascendental y la comunicación no verbal . [26] Mientras que algunos críticos han explorado la idea de un estado hermafrodita del ser como una declaración feminista , la propia Abramović rechaza este análisis. Sus estudios corporales, insiste, siempre se han preocupado principalmente por el cuerpo como la unidad de un individuo, una tendencia que rastrea hasta el pasado militar de sus padres. En lugar de preocuparse por las ideologías de género , Abramović/Ulay exploraron estados extremos de conciencia y su relación con el espacio arquitectónico. Idearon una serie de obras en las que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con el público. Al hablar de esta fase de su historia de performance, ha dicho: "El principal problema en esta relación era qué hacer con los egos de los dos artistas. Tuve que descubrir cómo dejar de lado mi ego, como lo hizo él, para crear algo así como un estado hermafrodita del ser que llamamos el yo de la muerte". [29]
Entre 1981 y 1987, la pareja interpretó Nightsea Crossing en veintidós funciones . Se sentaban en silencio uno frente al otro en sillas durante siete horas al día. [30]
En 1988, después de varios años de tensas relaciones, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual que pondría fin a su relación. Cada uno caminó por la Gran Muralla China, en una pieza llamada Amantes , comenzando desde los dos extremos opuestos y encontrándose en el medio. Como lo describió Abramović: "Esa caminata se convirtió en un drama personal completo. Ulay comenzó desde el desierto de Gobi y yo desde el Mar Amarillo . Después de que cada uno de nosotros caminara 2500 km, nos encontramos en el medio y nos despedimos". [32] Ella ha dicho que concibió esta caminata en un sueño, y proporcionó lo que pensó que era un final apropiado y romántico para una relación llena de misticismo, energía y atracción. Más tarde describió el proceso: "Necesitábamos una cierta forma de final, después de esta enorme distancia caminando uno hacia el otro. Es muy humano. Es en cierto modo más dramático, más como un final de película ... Porque al final, estás realmente solo, hagas lo que hagas". [32] Informó que durante su paseo estaba reinterpretando su conexión con el mundo físico y con la naturaleza. Sentía que los metales del suelo influían en su humor y estado de ánimo; también reflexionaba sobre los mitos chinos en los que se ha descrito a la Gran Muralla como un "dragón de energía". La pareja tardó ocho años en obtener el permiso del gobierno chino para realizar la obra, momento en el que su relación se había disuelto por completo.
En su retrospectiva del MoMA de 2010, Abramović interpretó The Artist Is Present , en la que compartió un momento de silencio con cada desconocido que se sentó frente a ella. Aunque "se conocieron y hablaron la mañana de la inauguración", [33] Abramović tuvo una reacción profundamente emotiva hacia Ulay cuando llegó a su actuación, y se acercó a él por encima de la mesa que los separaba; el video del evento se volvió viral. [34]
En noviembre de 2015, Ulay llevó a Abramović a los tribunales, alegando que le había pagado regalías insuficientes según los términos de un contrato de 1999 que cubría las ventas de sus obras conjuntas [35] [36] y un año después, en septiembre de 2016, se ordenó a Abramović que pagara a Ulay 250.000 euros. En su fallo, el tribunal de Ámsterdam determinó que Ulay tenía derecho a regalías del 20 % neto sobre las ventas de sus obras, como se especificaba en el contrato original de 1999, y ordenó a Abramović que abonara regalías retroactivas de más de 250.000 euros, así como más de 23.000 euros en costes legales. [37] Además, se le ordenó que acreditara todas las obras creadas entre 1976 y 1980 como "Ulay/Abramović" y todas las obras creadas entre 1981 y 1988 como "Abramović/Ulay".
Cleaning the Mirror (Limpiar el espejo) consistía en cinco monitores que reproducían secuencias en las que Abramović frotaba un esqueleto humano sucio en su regazo. Cepilla vigorosamente las diferentes partes del esqueleto con agua jabonosa. Cada monitor está dedicado a una parte del esqueleto: la cabeza, la pelvis, las costillas, las manos y los pies. Cada vídeo se filma con su propio sonido, creando una superposición. A medida que el esqueleto se va limpiando, Abramović se va cubriendo de la suciedad grisácea que una vez lo cubría. Esta actuación de tres horas está llena de metáforas de los ritos funerarios tibetanos que preparan a los discípulos para volverse uno con su propia mortalidad. La pieza se componía de tres partes. Cleaning the Mirror #1, de tres horas de duración, se representó en el Museo de Arte Moderno . Cleaning the Mirror #2 dura 90 minutos y se representó en la Universidad de Oxford. Cleaning the Mirror #3 se representó en el Museo Pitt Rivers durante cinco horas. [38]
Abramović trabajó con Jacob Samuel para producir un libro de cocina de "recetas afrodisíacas" llamado Spirit Cooking en 1996. Estas "recetas" tenían como objetivo ser "instrucciones evocadoras de acciones o pensamientos". [39] Por ejemplo, una de las recetas pide "13.000 gramos de celos", mientras que otra dice "mezclar leche materna fresca con leche de esperma fresca". [40] La obra se inspiró en la creencia popular de que los fantasmas se alimentan de cosas intangibles como la luz, el sonido y las emociones. [41]
En 1997, Abramović creó una instalación multimedia titulada Spirit Cooking . Originalmente, se instaló en la Zerynthia Associazione per l'Arte Contemporanea de Roma (Italia) e incluía paredes blancas con "instrucciones de recetas enigmáticamente violentas" pintadas con sangre de cerdo. [42] Según Alexxa Gotthardt, la obra es "un comentario sobre la dependencia de la humanidad de los rituales para organizar y legitimar nuestras vidas y contener nuestros cuerpos". [43]
Abramovic también publicó un libro de cocina Spirit Cooking , que contiene instrucciones cómico-místicas y de autoayuda que pretenden ser poesía. Spirit Cooking se convirtió más tarde en una forma de entretenimiento para cenas que Abramovic organiza ocasionalmente para coleccionistas, donantes y amigos. [44]
En esta pieza, Abramović frotó vigorosamente miles de huesos de vaca ensangrentados durante un período de cuatro días, en referencia a la limpieza étnica que tuvo lugar en los Balcanes durante la década de 1990. Esta pieza de performance le valió a Abramović el premio León de Oro en la Bienal de Venecia . [45]
Abramović creó Balkan Baroque como respuesta a la guerra en Bosnia . Recuerda que otros artistas reaccionaron de inmediato, crearon obras y protestaron por los efectos y los horrores de la guerra. Abramović no pudo animarse a crear obras sobre el tema tan pronto, ya que le tocaba demasiado de cerca. Finalmente, Abramović regresó a Belgrado, donde entrevistó a su madre, a su padre y a un cazador de ratas . Luego incorporó estas entrevistas a su pieza, así como clips de las manos de su padre sosteniendo una pistola y las manos vacías de su madre y, más tarde, sus manos cruzadas. Abramović está vestida de médico y cuenta la historia del cazador de ratas. Mientras se reproducen los clips, Abramović se sienta entre una gran pila de huesos e intenta lavarlos.
La performance se realizó en Venecia en 1997. Abramović recordó el olor horrible –porque hacía muchísimo calor en Venecia ese verano– y que de los huesos salían gusanos. [46] Ella explicó que la idea de limpiar los huesos y tratar de eliminar la sangre es imposible. Lo que Abramović quería decir es que la sangre no se puede lavar de los huesos y las manos, así como no se puede limpiar la vergüenza de la guerra. Quería que las imágenes de la performance hablaran no solo de la guerra en Bosnia, sino de cualquier guerra, en cualquier parte del mundo. [46]
El 9 de noviembre de 2005, Abramović presentó Seven Easy Pieces , comisionada por Performa , en el Museo Guggenheim de la ciudad de Nueva York. En siete noches consecutivas durante siete horas, recreó las obras de cinco artistas estrenadas en los años 1960 y 1970, además de volver a interpretar su propia Thomas Lips y presentar una nueva actuación en la última noche. Las actuaciones fueron arduas y requirieron la concentración física y mental de la artista. Entre las actuaciones de Abramović se incluyeron recreaciones de The Conditioning de Gina Pane , que requería acostarse en un marco de cama suspendido sobre una rejilla de velas encendidas, y de la actuación de Vito Acconci de 1972 en la que el artista se masturbó bajo las tablas del suelo de una galería mientras los visitantes caminaban por encima. Se argumenta que Abramović volvió a interpretar estas obras como una serie de homenajes al pasado, aunque muchas de las actuaciones fueron alteradas de los originales. [47] Las siete representaciones estuvieron dedicadas a la difunta amiga de Abramović, Susan Sontag .
La lista completa de las obras realizadas es la siguiente:
Del 14 de marzo al 31 de mayo de 2010, el Museo de Arte Moderno realizó una gran retrospectiva y recreación performática de la obra de Abramović, la mayor exposición de arte performático en la historia del MoMA, curada por Klaus Biesenbach . [48] Biesenbach también proporcionó el título de la performance, que se refería al hecho de que durante toda la performance "el artista estaría allí mismo en la galería o el museo". [49]
Durante la exposición, Abramović presentó The Artist Is Present , [50] una pieza estática y silenciosa de 736 horas y 30 minutos de duración, en la que permanecía sentada inmóvil en el atrio del museo mientras los espectadores eran invitados a turnarse para sentarse frente a ella. [51] Ulay hizo una aparición sorpresa en la noche de apertura del espectáculo. [52]
Abramović se sentó en un rectángulo marcado con cinta adhesiva en el piso del atrio del segundo piso del MoMA; las luces del teatro brillaron sobre ella sentada en una silla y en una silla frente a ella. [53] Los visitantes que esperaban en la fila fueron invitados a sentarse individualmente frente a la artista mientras ella mantenía contacto visual con ellos. Los visitantes comenzaron a abarrotar el atrio a los pocos días de la inauguración de la muestra, algunos se juntaban antes de que la exhibición abriera cada mañana para conseguir un mejor lugar en la fila. La mayoría de los visitantes se sentaron con la artista durante cinco minutos o menos, unos pocos se sentaron con ella durante un día entero. [54] La fila no atrajo la atención de la seguridad del museo hasta el último día de la exposición, cuando un visitante vomitó en la fila y otro comenzó a desvestirse. Las tensiones entre los visitantes en la fila podrían haber surgido de la comprensión de que cuanto más tiempo pasaran los primeros visitantes con Abramović, menos posibilidades había de que los que estaban más atrás en la fila pudieran sentarse con ella. Debido a la naturaleza extenuante de estar sentado durante horas, los entusiastas del arte se han preguntado si Abramović usaba un pañal para adultos para eliminar la necesidad de ir al baño. Otros han destacado los movimientos que hacía entre los modelos como foco de análisis, ya que las únicas variaciones en la artista entre los modelos eran cuándo lloraba si un modelo lloraba y su momento de contacto físico con Ulay, uno de los primeros visitantes de la exposición. Abramović se sentó frente a 1.545 modelos, entre ellos Klaus Biesenbach , James Franco , Lou Reed , Alan Rickman , Jemima Kirke , Jennifer Carpenter y Björk ; se pidió a los modelos que no la tocaran ni le hablaran. Al final de la exposición, cientos de visitantes hacían cola fuera del museo durante la noche para asegurarse un lugar en la cola a la mañana siguiente. Abramović concluyó la actuación deslizándose de la silla donde estaba sentada y levantándose ante una multitud que la vitoreaba de más de diez personas.
En Facebook se creó un grupo de apoyo para las "retratadas", "Sitting with Marina" [55], al igual que el blog "Marina Abramović made me cry" [56] . El fotógrafo italiano Marco Anelli tomó retratos de cada persona que se sentó frente a Abramović, que fueron publicados en Flickr [57], recopilados en un libro [58] y presentados en una exposición en la Galería Danziger de Nueva York [59] .
Abramović dijo que el espectáculo cambió su vida "por completo: cada elemento posible, cada emoción física". Después de que Lady Gaga viera el espectáculo y lo publicitara, Abramović encontró una nueva audiencia: "Así que los niños de 12 y 14 años hasta unos 18, el público que normalmente no va al museo, a quienes no les importa una mierda el arte escénico o ni siquiera saben lo que es, comenzaron a venir por Lady Gaga. Y vieron el espectáculo y luego comenzaron a volver. Y así es como consigo una audiencia completamente nueva". [60] En septiembre de 2011, Pippin Barr lanzó una versión de videojuego de la actuación de Abramović. [61] En 2013, Dale Eisinger de Complex clasificó a The Artist Is Present en el noveno lugar (junto con Rhythm 0 ) en su lista de las mejores obras de arte escénico. [62]
Su actuación inspiró a la novelista australiana Heather Rose a escribir El Museo del Amor Moderno [63] y posteriormente lanzó la edición estadounidense del libro en el Museo de Arte Moderno en 2018. [64]
En 2009, Abramović apareció en el documental de Chiara Clemente Our City Dreams y en un libro del mismo nombre. Los cinco artistas que aparecen, entre los que también se encuentran Swoon , Ghada Amer , Kiki Smith y Nancy Spero , «poseen cada uno una pasión por hacer obras que es inseparable de su devoción por Nueva York», según la editorial. [65] Abramović también es el tema de un documental independiente titulado Marina Abramović: The Artist Is Present , que se basa en su vida y su actuación en su retrospectiva «The Artist Is Present» en el Museo de Arte Moderno en 2010. La película se emitió en los Estados Unidos en HBO [66] y ganó un premio Peabody en 2012. [67] En enero de 2011, Abramović apareció en la portada de la revista serbia ELLE , fotografiada por Dušan Reljin. La novela de ciencia ficción 2312 de Kim Stanley Robinson menciona un estilo de piezas de arte escénico conocidas como "abramovics".
Una instalación de estreno mundial de Abramović se presentó en el Trinity Bellwoods Park de Toronto como parte del Festival Luminato en junio de 2013. Abramović también es cocreador, junto con Robert Wilson, de la producción teatral The Life and Death of Marina Abramović , que tuvo su estreno norteamericano en el festival, [ cita requerida ] y en el Park Avenue Armory en diciembre. [68]
En 2007, Abramović creó el Instituto Marina Abramović (MAI), una fundación sin fines de lucro para el arte escénico, en un espacio de 33.000 pies cuadrados en Hudson, Nueva York . [69] También fundó un instituto de performance en San Francisco. [26] Es mecenas de la Agencia de Desarrollo de Arte Vivo con sede en Londres . [70]
En junio de 2014 presentó una nueva pieza en la Serpentine Gallery de Londres llamada 512 Hours . [71] En la exposición Generator , organizada por la Sean Kelly Gallery (6 de diciembre de 2014), [72] los participantes tienen los ojos vendados y usan auriculares con cancelación de ruido en una exploración de la nada.
El 30 de noviembre de 2016, para celebrar su 70.º cumpleaños, Abramović se hizo cargo del museo Guggenheim (once años después de su anterior instalación allí) para su fiesta de cumpleaños titulada "Marina 70". La primera parte de la velada, titulada "Silencio", duró 70 minutos y terminó con el estruendo de un gong golpeado por la artista. Después vino la segunda parte, más convencional: "Entretenimiento", durante la cual Abramović subió al escenario para pronunciar un discurso antes de ver a la cantante y artista visual inglesa ANOHNI interpretar la canción " My Way " mientras vestía una gran capucha negra. [73]
En marzo de 2015, Abramović presentó una charla TED titulada "Un arte hecho de confianza, vulnerabilidad y conexión". [74]
En 2019, el programa de falso documental Documentary Now! de IFC parodió la obra de Abramović y el documental Marina Abramović: The Artist Is Present. El episodio del programa, titulado "Waiting for the Artist", fue protagonizado por Cate Blanchett como Isabella Barta (Abramović) y Fred Armisen como Dimo (Ulay).
Su primera gran exposición en el Reino Unido, en la Royal Academy of Arts, que originalmente iba a inaugurarse el 26 de septiembre de 2020, se reprogramó para el otoño de 2021 debido a la pandemia de COVID-19 . Según la Academia, la exposición "reuniría obras que abarcan sus 50 años de carrera, junto con nuevas obras concebidas especialmente para estas galerías. A medida que Abramović se acerca a sus 70 años, su nuevo trabajo refleja los cambios en el cuerpo de la artista y explora su percepción de la transición entre la vida y la muerte". [75] Al reseñar esta exposición, Tabish Khan , escribiendo para Culture Whisper, la describió así: "Es intensa, es desconcertante, es memorable y es arte escénico en su máxima expresión". [76]
En 2021, dedicó un monumento, titulado Muro de cristal del llanto , en el lugar de una masacre del Holocausto en Ucrania y que se conmemora a través de los monumentos conmemorativos de Babi Yar . [77]
En 2022, condenó la invasión rusa de Ucrania . [78]
En 2023, fue la primera mujer en 255 años en ser invitada a dar una exposición individual en las galerías principales de la Royal Academy . [79]
Abramović había propuesto durante su carrera algunas actuaciones en solitario que nunca se llevaron a cabo. Una de ellas se titulaba "Ven a lavarte conmigo". Esta actuación se llevaría a cabo en un espacio de una galería que se transformaría en una lavandería con lavabos colocados por todas las paredes de la galería. El público entraría en el espacio y se le pediría que se quitara toda la ropa y se la diera a Abramović. Los individuos esperarían mientras ella lavaba, secaba y planchaba su ropa y, una vez que terminara, les devolvía la ropa para que pudieran vestirse y luego irse. Propuso esta propuesta en 1969 para la Galerija Doma Omladine en Belgrado. La propuesta fue rechazada.
En 1970, propuso una idea similar a la misma galería, que también fue rechazada. La pieza no tenía título. Abramović se paraba frente al público vestida con su ropa habitual. En un costado del escenario había un perchero adornado con la ropa que su madre quería que usara. Ella tomaba la ropa una por una y se la ponía, luego se paraba para mirar al público por un rato. "Del bolsillo derecho de mi falda saco una pistola. Del bolsillo izquierdo de mi falda saco una bala. Introduzco la bala en la recámara y la giro. Coloco la pistola en mi sien. Aprieto el gatillo". La performance tenía dos posibles resultados. [80]
La lista de ropa de mamá incluía:
Abramović dirigió un segmento, Balkan Erotic Epic , en Destricted , una compilación de películas eróticas realizadas en 2006. [81] En 2008 dirigió un segmento Dangerous Games en otra compilación de películas Stories on Human Rights . [82] También actuó en un cortometraje de cinco minutos Antony and the Johnsons: Cut the World . [83]
El Instituto Marina Abramović (MAI) es una organización de arte escénico centrada en la performance, las obras de larga duración y el uso del "Método Abramović". [84]
En sus primeras fases, fue un espacio de museo multifuncional propuesto en Hudson, Nueva York . [85] Abramović compró el sitio para el instituto en 2007. [86] Ubicado en Hudson, Nueva York, el edificio fue construido en 1933 y se ha utilizado como teatro y centro de tenis comunitario. [87] El edificio iba a ser renovado según un diseño de Rem Koolhaas y Shohei Shigematsu de OMA. [88] La fase de diseño inicial de este proyecto fue financiada por una campaña de Kickstarter . [89] Fue financiado por más de 4000 contribuyentes, incluidos Lady Gaga y Jay-Z. [90] [91] [92] [93] El proyecto de construcción se canceló en octubre de 2017 debido a su costo excesivo. [94]
El instituto sigue funcionando como una organización itinerante. Hasta la fecha, el MAI se ha asociado con muchas instituciones y artistas a nivel internacional, y ha viajado a Brasil, Grecia y Turquía. [95] [96]
En su juventud participó como intérprete en uno de los espectáculos de Hermann Nitsch que se enmarcaban en el accionismo vienés .
Abramović mantiene una amistad con el actor James Franco , quien la entrevistó para The Wall Street Journal en 2009. [97] Franco la visitó durante The Artist Is Present en 2010, [98] y los dos también asistieron juntos a la Gala Met de 2012. [99]
En julio de 2013, Abramović trabajó con Lady Gaga en el tercer álbum de la cantante pop, Artpop . El trabajo de Gaga con Abramović, así como con los artistas Jeff Koons y Robert Wilson , se exhibió en un evento titulado " ArtRave " el 10 de noviembre. [100] Además, ambos han colaborado en proyectos que apoyan al Instituto Marina Abramović, incluida la participación de Gaga en un video del "Método Abramović" y una lectura continua de la novela de ciencia ficción Solaris de Stanisław Lem . [101]
También ese mes, Jay-Z presentó una pieza inspirada en Abramović en la Galería Pace en la ciudad de Nueva York. Interpretó su canción inspirada en el arte " Picasso Baby " durante seis horas seguidas. [102] Durante la actuación, Abramović y varias figuras del mundo del arte fueron invitados a bailar con él cara a cara. [103] El metraje se convirtió más tarde en el video musical de la canción antes mencionada . Ella permitió que Jay-Z adaptara "The Artist Is Present" con la condición de que donara a su instituto. Abramović declaró que Jay-Z no cumplió con su parte del trato, describiendo la actuación como una "transacción unidireccional". [104] Sin embargo, dos años después, en 2015, Abramović emitió públicamente una disculpa declarando que nunca fue informada de la considerable donación de Jay-Z. [105]
Abramović desató una polémica en agosto de 2016 cuando se publicaron pasajes de un borrador preliminar de sus memorias, en el que, basándose en notas de su encuentro inicial de 1979 con los aborígenes australianos , los comparaba con dinosaurios y observaba que "tienen torsos grandes (solo un mal resultado de su encuentro con la civilización occidental es una dieta alta en azúcar que hincha sus cuerpos) y piernas como palitos". Respondió a la polémica en Facebook, escribiendo: "Tengo el mayor respeto por el pueblo aborigen, a quien le debo todo". [106]
Entre los correos electrónicos de Podesta había un mensaje de Abramović al hermano de Podesta en el que se hablaba de una invitación a una cocina espiritual, que fue interpretada por teóricos de la conspiración como Alex Jones como una invitación a un ritual satánico , y fue presentada por Jones y otros como prueba de que la candidata demócrata Hillary Clinton tenía vínculos con lo oculto. [107] En una sesión de preguntas y respuestas de Reddit de 2013, en respuesta a una pregunta sobre lo oculto en el arte contemporáneo, dijo: "Todo depende del contexto en el que estés haciendo lo que estás haciendo. Si estás haciendo magia oculta en el contexto del arte o en una galería, entonces es arte. Si lo estás haciendo en un contexto diferente, en círculos espirituales o en una casa privada o en programas de televisión, no es arte. La intención, el contexto de lo que se hace y dónde se hace define qué es arte o no". [108]
El 10 de abril de 2020, Microsoft lanzó un video promocional para HoloLens 2 en el que aparecía Abramović. Sin embargo, debido a las acusaciones de los teóricos de la conspiración de derecha de que tenía vínculos con el satanismo , Microsoft finalmente retiró el anuncio. [109] Abramović respondió a las críticas, pidiendo a la gente que dejara de acosarla, argumentando que sus actuaciones son solo el arte que ha estado haciendo durante los últimos 50 años. [110]
Abramović afirma que no se siente "ni serbia ni montenegrina ", sino una ex yugoslava . [111] "Cuando la gente me pregunta de dónde soy", dice, "nunca digo Serbia. Siempre digo que vengo de un país que ya no existe". [6]
Abramović ha tenido tres abortos durante su vida y ha dicho que tener hijos habría sido un "desastre" para su trabajo. [112] [113]
El escultor Nikola Pešić dice que Abramović tuvo un interés de toda la vida en el esoterismo y el espiritismo . [114]
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