En Estados Unidos, la educación musical se implementa en muchas escuelas como una forma de enseñanza moderna. La educación musical es un campo de estudio que se centra en la enseñanza y la aplicación de la música en el aula. A medida que avanza esta incorporación al plan de estudios, se debaten ampliamente los efectos y las implicaciones de este curso de estudio, especialmente los factores relacionados con. Los investigadores pueden seguir su evolución desde su primera aplicación conocida dentro del campo académico.
La primera educación musical sistemática del país se centró en la formación de cantantes para los servicios religiosos protestantes, para dirigir a la congregación en el canto de los salmos . En el siglo XVIII se fundaron las primeras escuelas de canto del país, y varios maestros de canto itinerantes legendarios viajaron por Nueva Inglaterra, enseñando en graneros, escuelas y otros lugares informales; entre estos maestros se encontraban Francis Hopkinson y William Billings . A finales de siglo, las escuelas de canto más formales en ciudades como Savannah , Filadelfia y Boston se convirtieron en sociedades de canto social.
La educación pública en los Estados Unidos ofreció por primera vez música como parte del plan de estudios en Boston en la década de 1830, y se difundió con la ayuda del profesor de canto Lowell Mason , después de que él la defendiera con éxito ante el Comité Escolar de Boston en 1838. El comité finalmente decidió incluir la música como una materia curricular porque era de naturaleza moral, física e intelectual. La música se consideraba moral porque desempeñaba un papel importante en la religión , así como por el hecho de que se había documentado que producía "felicidad, satisfacción, alegría y tranquilidad". Era de naturaleza física porque cantar era un ejercicio para los pulmones . El comité justificó la naturaleza intelectual de la música afirmando que se había estudiado como parte del quadrivium en la Edad Media y que "contribuye a la memoria, la comparación, la atención y las facultades intelectuales". [1]
Otro defensor de la música en la educación pública fue el reformador educativo suizo Johann Heinrich Pestalozzi . Pestalozzi creía que la naturaleza era la fuente última y original del conocimiento, por lo que sus teorías educativas otorgaban un gran valor al aprendizaje sensorial, kinestésico y activo. Creía que los estudiantes debían comenzar con conceptos simples en todas las materias y luego avanzar hacia ideas más complejas. El método de Pestalozzi fue uno de los primeros métodos que podrían considerarse "aprendizaje centrado en el estudiante" y sus ideas de disciplina y una relación entre estudiante y maestro basada en el amor y la confianza eran marcadamente diferentes de la práctica común del castigo corporal en ese momento. El primer educador musical que utilizó las ideas pestalozzianas en la enseñanza de la música fue Hans Negeli, un colega de Pestalozzi en Suiza. Su enfoque pestalozziano de la música fue llevado a los Estados Unidos, traducido y popularizado por William Channing Woodbridge , Elam Ives y Lowell Mason. Este enfoque valoraba el aprendizaje activo y sensorial, enseñaba los sonidos antes que los signos, separaba la música en melodía, ritmo y expresión, y también pasaba de lo simple a lo complejo dentro del contexto de cada elemento. Muchas de estas ideas se encuentran en métodos de enseñanza musical establecidos posteriormente, como Orff-Schulwerk, Kodály y Dalcroze-Eurthymics.
La educación musical, principalmente vocal, siguió siendo más común en las escuelas de mujeres, aunque también existían muchas academias privadas que ofrecían a niños y niñas instrucción en instrumentos orquestales como el violín , la viola , el violonchelo y el piano .
A mediados del siglo XIX, el educador Luther Whiting Mason estableció la educación musical en las escuelas de Cincinnati y se convirtió en un destacado autor de libros de texto. Su Curso Nacional de Música , publicado por primera vez en 1870, fue una parte estándar ampliamente adoptada de muchos planes de estudio estadounidenses. La educación musical continuó expandiéndose por todo el país y ganó respeto como parte esencial del desarrollo educativo. Había una sección de música en la Asociación Nacional de Educación en la década de 1890.
Después de la Guerra Civil, el pragmatismo y los aspectos científicos del desarrollo secuencial de habilidades, las evaluaciones precisas, los exámenes, los métodos de enseñanza sistemáticos y los métodos científicos eran populares en la educación. Las respuestas de los educadores musicales demostraron que la música podía estudiarse científicamente mediante el uso de diferentes metodologías, libros de texto sistemáticos y series de música graduada , y material didáctico para profesores. Los objetivos científicos y más pragmáticos de la educación en el siglo XIX tuvieron un profundo efecto en el desarrollo de la educación musical en las escuelas.
Dos metodologías principales utilizadas para enseñar música fueron el método de "memoria" y el método de "notas". El método de memoria seguía muchas ideologías pestalozzianas. Las canciones se enseñaban primero y las ideas musicales se presentaban después, una a la vez, de forma cuidadosa y sistemática. Cantar de memoria era la base de esta metodología. Lowell Mason fue el autor de lo que se cree que es la primera serie musical que utilizó el método de memoria. The Song Garden de Lowell Mason de 1864 sentó las bases para otras metodologías de memoria de finales del siglo XIX. Luther Whiting Mason fue un nombre destacado del método de memoria presentado en el libro de texto. Luther Mason trabajó en las escuelas de Cincinnati, pero más tarde se mudó a Boston para ser el "superintendente de música en las escuelas primarias". [1] : 195 Luther Mason escribió libros de texto escolares utilizando la metodología de memoria. El Curso Nacional de Música, publicado por Ginn en 1870, tenía siete libros presentados en un enfoque secuencial de uso de canciones de memoria para enseñar a leer música. [1] (p. 196) Luther Mason incluyó planes de lecciones muy detallados para el maestro de aula, ya que en ese momento la música era enseñada por el maestro de aula pero supervisada por un especialista musical. La serie fue diseñada para quince minutos de instrucción musical cada día impartidos por el maestro de aula y supervisados por un educador musical una vez por semana. La serie de libros fue tan popular que Luther Mason fue invitado a aplicar sus métodos en Japón y Alemania. El método de memorización fue menos favorecido que el método de "notas" más tarde en el siglo XIX. Sin embargo, el debate continúa hoy.
Un ejemplo del método de notas es el Vocal Music Reader de Joseph Bird de 1861 y la serie de tres libros de Benjamin Jepson que utiliza la metodología de las "notas". The Elementary Music Reader fue publicado en 1871 [1] por la Barnes Company, un año después de The National Music Course de Luther Mason . Benjamin Jepson era un militar que se convirtió en profesor de música en New Haven después de una lesión en la guerra. Sus libros de texto de música tenían ejercicios y canciones presentadas sistemáticamente con el objetivo de leer música y cantar a primera vista. Jepson publicó más tarde dos revisiones de su serie bajo los nombres de The Standard Music Reader en 1888, y en 1904 The New Standard Music Reader . [1] Siguiendo los pasos de Jepson en la metodología de las notas estuvieron Hosea Edson Holt y John Wheeler Tufts, quienes escribieron The Normal Music Course publicado en 1883 (doce años después de The Elementary Music Reader de Jepson ). Haga clic aquí para leer el Normal Music Course. Esta serie tenía cinco libros, todos orientados a la lectura y el canto a primera vista. Se presentaron algunos otros libros de texto de metodología de notas para mostrar la seriedad de la lectura musical como un estudio científico y pragmático. Estos otros libros de metodología de notas incluían: The Graded School Singer de Blackman y Whittemore-1873, y The Young Singer de Cincinnati Schools -1860, The Young Singer's Manual -1866 y Cincinnati Music Reader -1893. [1] : 207 La culminación de los avances del método científico y la metodología de notas se presentó en The National Music Course de Thomas Tapper y Frederick Ripley publicado en 1895. El libro se centró en un enfoque sistemático y sensato de la alfabetización musical para desarrollar la belleza en el canto. Enfatizó la entrega sistemática y pragmática de materiales.
La educación musical en los Estados Unidos dio un gran giro con la creación de la Conferencia Nacional de Supervisores Musicales. La primera reunión de la Conferencia de Supervisores Musicales se celebró del 10 al 12 de abril de 1907 en Keokuk, Iowa , en la Iglesia Presbiteriana de Westminster. Un educador musical llamado Philip C. Hayden hizo posible la primera reunión enviando invitaciones y anunciándola en la revista Music School Monthly, de la que Hayden era fundador y editor. La reunión estaba destinada principalmente a que los educadores vinieran a observar nuevas técnicas de enseñanza del ritmo y a observar a los estudiantes de música de Hayden.
Durante los tres días que duró la convención, se llevaron a cabo demostraciones musicales a cargo de Hayden y sus estudiantes. También se llevaron a cabo debates informales sobre temas actuales de la educación musical. Las futuras convenciones y clínicas se basarían en este modelo. A lo largo de la convención, muchos educadores discutieron la importancia de tener una organización más permanente dedicada a los supervisores musicales y las técnicas de enseñanza. El último día de la convención, un foro de sesenta y nueve supervisores musicales votó a favor de celebrar otra convención y se convirtieron en miembros fundadores de una organización que permanecería sin nombre.
La Conferencia Nacional de Supervisores Musicales se estableció oficialmente durante la tercera reunión de la organización en Cincinnati en 1910 con la adopción de la constitución y los estatutos. A medida que el papel del supervisor musical cambió a un puesto más administrativo, la conferencia comenzó a centrarse principalmente en los métodos de enseñanza proporcionados en el aula. En la reunión de Chicago de 1934, los miembros decidieron cambiar el nombre a Conferencia Nacional de Educadores Musicales .
Desde el inicio de la Conferencia Nacional de Supervisores Musicales, la organización ha trabajado diligentemente para garantizar que cada estudiante tenga acceso a la instrucción musical en el sistema escolar público proporcionada por un profesor de música calificado.
La enseñanza vocal dominó la educación pública en todos los niveles. La educación instrumental se llevó a cabo en gran medida a través de la iniciativa privada, hasta principios del siglo XX. Inspiradas por la música de banda de Frederick Innes , John Philip Sousa y otros, muchas escuelas ofrecieron bandas de instrumentos orquestales. Esto se aceleró después de la Primera Guerra Mundial, cuando muchos soldados regresaron con conocimientos e interés en la música de banda que aprendieron como soldados.
La primera escuela formal para educadores musicales fue fundada en 1884, en Potsdam, Nueva York , por Julia Ettie Crane , pero el Conservatorio de Oberlin en Ohio en la década de 1920 se convirtió en la primera escuela en ofrecer un título de cuatro años en educación musical.
Las bandas de música durante mediados y finales del siglo XIX eran una parte integral de cada comunidad. Estas bandas marchaban en desfiles, ofrecían conciertos gratuitos, apoyaban a los soldados y tocaban para los que estaban en los hospitales. [2] Durante la época dorada de las bandas, que se extendió de 1865 a 1917, existían aproximadamente más de 10 000 bandas de metales en todo el país. La membresía de la banda estaba compuesta por hombres, pero fotografías pasadas indican que también había bandas compuestas exclusivamente por mujeres. Las bandas femeninas continuaron su popularidad hasta el siglo XX e influyeron en la evolución de la banda de la escuela secundaria, que pasó de ser totalmente masculina a la integración de mujeres en los programas. Las escuelas secundarias a menudo albergaban la banda masculina estándar, pero también solían incluir una banda femenina. También se crearon bandas femeninas para apoyar a la industria. Con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, las bandas femeninas se expandieron a bandas militares femeninas. Estas bandas se crearon para entretener a las tropas femeninas, vender bonos de guerra y actuar en conciertos, graduaciones, bailes, desfiles y hospitales (2008). Las bandas del WAC (Cuerpo Femenino del Ejército) se utilizaban para entretener a los soldados heridos que regresaban de la guerra. [3]
Una educadora musical de Ohio, Joan A. Lamb, hizo grandes contribuciones al mundo de las bandas militares. Lamb fue profesora de música pública hasta que se inscribió en el Cuerpo Auxiliar Femenino del Ejército, más tarde conocido como WAC. En su entrenamiento básico, le pidieron que se convirtiera en candidata a oficial, pero ella insistió en que se había unido para tocar en la banda del WAC. Incluso la enviaron a un psiquiatra debido a su persistencia en el esfuerzo por convertirse en miembro de la banda. Finalmente, localizó al director de la banda del WAC, hizo una audición para él con su oboe y fue reasignada inmediatamente a la banda. Lamb ocupó varios puestos musicales dentro de la banda, lo que fue una novedad para las mujeres. Se graduó de la Escuela de Música del Ejército, dirigió la 400.ª Banda del WAC, fundó una Banda Afroamericana del WAC y actuó en la Orquesta de Radio de las Fuerzas Armadas. Después de su servicio en el WACS, regresó a su vida como profesora de música, educadora y administradora en las escuelas públicas de Los Ángeles, donde sirvió durante 30 años. [2]
Las mujeres afroamericanas también querían servir en la Banda WAC. Se creó una Banda 404 WAC. La rama WAC del ejército era la única rama que permitía bandas femeninas afroamericanas. [4] La Guardia Costera también creó su versión de la banda femenina. La Banda SPAR tocaba para las tropas y realizaba muchas de las mismas actividades que la Banda WAC. Después de la guerra, la Banda SPAR se disolvió y la Guardia Costera volvió a ser exclusivamente masculina. Después de la guerra, los miembros femeninos de la banda SPAR se convirtieron en maestras, intérpretes y madres. Hubo algunas integrantes femeninas de las bandas militares WAC y SPAR que utilizaron la Ley GI para ir a la universidad, mientras que otras continuaron actuando profesionalmente después de la guerra. [5] Durante la guerra, las bandas de swing femeninas también se hicieron populares y reemplazaron a las contrapartes masculinas que servían en el esfuerzo bélico. [6] Estas bandas de swing tuvieron mucho éxito y fueron bien recibidas por el público que anhelaba una distracción del esfuerzo bélico.
The Ingenues fue una banda de jazz formada exclusivamente por mujeres que fue popular entre finales de la década de 1920 y principios de la de 1930. Esta banda solía actuar en teatros de variedades y vodevil. Anna Mae Winburn fue una líder de banda afroamericana de una banda de jazz formada exclusivamente por mujeres llamada International Sweethearts of Rhythm . Frances Klein fue otra famosa instrumentista femenina de los años 30 y 40 que tocó en la Kermit Dart's All-Girl Band, bajo la dirección de Irene Vermillion.
Las bandas militares femeninas y las bandas de posguerra compuestas exclusivamente por mujeres abrieron la puerta a una mayor participación femenina en la música instrumental. Gracias a los esfuerzos de estas mujeres de la frontera, cambiaron las perspectivas en cuanto al propósito femenino y el nivel de fiabilidad. De repente, se descubrió que las bandas femeninas eran tan entretenidas como las masculinas. Las mujeres encontraron un lugar y un propósito en el mundo del espectáculo. Mujeres que se pensaba que solo tenían la capacidad de ser madres eran líderes en el mundo de la música. La igualdad de la mujer comenzó a surgir durante esta época de la historia y la música fue una vía principal para el movimiento. Estas mujeres del pasado crearon un entorno del que disfrutan las mujeres de hoy. Este entorno es de justicia y de capacidad para buscar el éxito en todas las áreas profesionales. Las mujeres de hoy asisten a la universidad y pueden convertirse en profesionales en la fuerza laboral. Mujeres como Joan Lamb conquistaron lo que en el pasado parecía un mundo prohibido.
La entrada de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial (1917-1918) impulsó a la administración Wilson a promover una "mentalidad patriótica". [7] El canto comunitario de canciones patrióticas como "America" y "The Star Spangled Banner" era una forma popular de que los ciudadanos promovieran "...fuertes esfuerzos comunitarios de todo tipo" [8] y también ayudaba a los inmigrantes a aprender inglés. [1] Además del canto comunitario, también se utilizaban bandas de conciertos y bandas de música para promover el patriotismo para "mantener la moral civil". [9] Las bandas de música de colegios y universidades también fueron culturalmente influyentes durante y después de la Primera Guerra Mundial, especialmente en el Medio Oeste de los Estados Unidos. [10] Después de la guerra, los miembros de estas bandas universitarias buscaban formas de "desarrollar la buena voluntad, el compañerismo y la comprensión... y reconocer el valor del liderazgo dedicado". [11] Se establecieron dos organizaciones líderes de servicio de banda para adaptarse a ese llamado: la fraternidad Kappa Kappa Psi (ΚΚΨ) y la hermandad Tau Beta Sigma (ΤΒΣ).
Kappa Kappa Psi fue la primera de esas organizaciones, establecida el 27 de noviembre de 1919 en el Oklahoma A & M College. [12] El fuerte sentido de patriotismo durante la Primera Guerra Mundial se estaba desvaneciendo en los EE. UU., y los miembros de la banda de la universidad querían seguir abogando por la música de banda. [11] Diez miembros de la banda universitaria fueron seleccionados, incluido el líder de la banda William A. Scroggs, por el director del conjunto, Bohumil "Boh" Makovsky. [12] La fraternidad rápidamente se volvió nacional con la incorporación de la Universidad de Washington y el Montana State College en 1920. [12] Desde 1919, los miembros de Kappa Kappa Psi han estado defendiendo, apoyando y sirviendo a más de 200 instituciones de educación superior con alrededor de 5000 miembros activos cada año. [11] Los hermanos fraternales famosos incluyen a John Philip Sousa, Karl King y William Revelli . [11]
Actualmente, Kappa Kappa Psi tiene cinco propósitos distintivos que incluyen: (1) promover la existencia y el bienestar de las bandas de las escuelas secundarias y cultivar el respeto por sus esfuerzos, (2) honrar a los miembros destacados de la banda a través de la membresía fraternal, (3) estimular el liderazgo y el respeto en el campus a través de una conducta positiva, (4) fomentar un vínculo positivo entre las bandas universitarias y un alto nivel de logro en el desempeño, y (5) brindar una experiencia social positiva a todos los involucrados en bandas universitarias u otras organizaciones musicales. [11]
En la década de 1920, las bandas universitarias eran el dominio de los hombres jóvenes. Las mujeres rara vez participaban, si es que lo hacían. [13] Sin embargo, a medida que se desarrollaba el movimiento progresista en los EE. UU., las bandas se volvieron menos militaristas y aceptaron más mujeres en la década de 1930. Incluso con el movimiento progresista, algunas bandas de educación superior resistieron mucho más tiempo como un conjunto solo de hombres. La Universidad Estatal de Michigan no admitió mujeres en la Spartan Marching Band hasta 1972. [10]
La hermandad Tau Beta Sigma se estableció el 26 de marzo de 1946, [14] veintisiete años después de Kappa Kappa Psi. La institución fundadora fue la Universidad Estatal de Oklahoma , rebautizada como Oklahoma A & M, después de que la organización decidiera que sería más fácil empezar en Oklahoma que en Texas. [13] Una circunstancia importante para la creación de una organización de servicio de banda para mujeres se debió simplemente al hecho de que ahora había más mujeres involucradas en bandas universitarias en los Estados Unidos. Wava Banes junto con otras compañeras de clase de la Universidad Tecnológica de Texas se acercaron a su directora, DO Wiley, para formar un "grupo de mujeres de banda" [14] en 1937. La organización local se formalizó como Tau Beta Sigma y se estructuró según la fraternidad Kappa Kappa Psi. [14]
Tau Beta Sigma solicitó a Kappa Kappa Psi convertirse en un capítulo bajo su fraternidad nacional en 1943, sin embargo, una reescritura completa de la constitución y las dificultades asociadas con la entrada de los EE. UU. en la Segunda Guerra Mundial llevaron a Kappa Kappa Psi a sugerir que Tau Beta Sigma formara su propia organización tal como lo habían hecho en 1919. [13] Debido a complicaciones con las leyes de corporaciones de Texas de 1945, A. Frank Martin de Kappa Kappa Psi sugirió usar un grupo de mujeres similar en la Universidad Estatal de Oklahoma (OSU) como el capítulo fundador de Tau Beta Sigma. [14] Un mes después de que se otorgara la carta constitutiva de OSU, las mujeres viajaron de regreso a Texas para instalar a las mujeres fundadoras de Tau Beta Sigma. [14] Kappa Kappa Psi pudo reunirse en 1947 y aceptó oficialmente a Tau Beta Sigma como su hermandad hermana. [13]
Ambas organizaciones crecieron en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. La sociedad todavía estaba evolucionando y cambiando y los derechos de las mujeres se convirtieron en un tema central en 1972 con la aprobación de la ley del Título IX . [15] Esta ley "exige la igualdad de género para niños y niñas en todos los programas educativos que reciben fondos federales". [16] Dado que ambos grupos estaban financiados por el gobierno federal, se permitió que las mujeres se unieran a Kappa Kappa Psi y los hombres a Tau Beta Sigma. Kappa Kappa Psi y Tau Beta Sigma siguen activos hoy en día y se esfuerzan por promover las bandas con las que están asociadas como lo hicieron sus fundadores hace más de medio siglo.
En Estados Unidos, la música es generalmente opcional en la escuela secundaria y puede o no ser obligatoria en la escuela media o secundaria. Muchos programas de música ofrecen múltiples oportunidades para instrumentistas, incluidas bandas de conciertos , bandas de música , bandas de jazz y pequeños conjuntos. Otras oportunidades musicales en la mayoría de las escuelas medias y secundarias son el coro y la actuación teatral . Algunas escuelas secundarias están comenzando a agregar clases de teoría musical y dirección musical . Estas clases pueden ofrecerse para crédito doble en el futuro.
En 2015 se publicó un estudio de 2010 que mostraba que, según el Departamento de Educación de los EE. UU., el 40 por ciento de las escuelas secundarias no requieren cursos de arte para graduarse. [17] Más de 8000 escuelas públicas en los EE. UU. no tenían programas de música en 2010. En todo el país, 1,3 millones de estudiantes de escuelas primarias no tienen acceso a una clase de música. [18]
Según el Departamento de Educación de los Estados Unidos , [19] las materias académicas básicas que se estudian actualmente en las escuelas son inglés, lectura o artes del lenguaje, matemáticas, ciencias, idiomas extranjeros, educación cívica y gobierno, economía, artes, historia y geografía. [19] Para enseñar una materia básica en los Estados Unidos, uno debe ser un maestro altamente calificado (HQT) , lo que significa que debe tener una licenciatura de una institución de cuatro años, tener licencia en el estado en el que desea enseñar y ser completamente competente en su área temática. [20] Sin embargo, las competencias individuales varían de un estado a otro. Históricamente, la música y las bellas artes no habían sido parte del currículo básico en las escuelas de los Estados Unidos, sin embargo, en julio de 2015, el Senado de los Estados Unidos aprobó una revisión bipartidista que nombra las materias básicas de música y arte en el currículo bajo la Ley Every Child Achieves. [21]
Las materias básicas que se añadieron fueron "tecnología, ingeniería, informática, música y educación física". [22] Esta fue una acción contra la Ley No Child Left Behind , que muchos defensores de la educación de los Estados Unidos sentían que había reducido las materias incorporadas al currículo básico. La Ley No Child Left Behind se tituló inicialmente Ley de Educación Elemental y Secundaria de 1965, pero luego pasó a llamarse No Child Left Behind en 2002. La Asociación Nacional para la Educación Musical , o NAfME, es una "organización de educadores musicales estadounidenses dedicada a promover y preservar la educación musical y como parte del currículo básico de las escuelas en los Estados Unidos". NAfME es una organización fundada en 1907 de más de 60.000 personas que abogan por los beneficios de la educación musical y artística para los estudiantes a nivel local, estatal y nacional. [21] NAfME publicó un comunicado de prensa con la revisión bipartidista del senado y el impacto que creen que tendrá en el currículo básico de los Estados Unidos.
La música se implementa como una materia académica en las escuelas de todo el mundo, en lugares como Grecia, Alemania, Eslovenia, España, [23] India y África. Esto no es exhaustivo, ya que la música se considera una necesidad cultural en muchos países del mundo. Aunque NAfME aborda el plan de implementación de la música y las artes como materias básicas a nivel nacional, el cumplimiento de esta revisión de la Ley Every Child Achieves varía de un estado a otro. A partir de 2014, cuarenta y un estados tienen actualmente un requisito de educación artística en todos los niveles, pero solo diecisiete de estos estados tienen programas con políticas de evaluación deliberadas. Veintisiete de los cincuenta Estados Unidos consideran las artes como una materia básica. Georgia y Arkansas tienen esquemas muy específicos de música, mientras que Alaska, Colorado, Hawái, Michigan y DC no tienen requisitos de instrucción artística para ningún nivel de escolaridad. [24]
La Coalición Nacional para los Estándares Básicos de las Artes (NCCAS, por sus siglas en inglés) [25] cuenta con una serie de evaluaciones de desempeño denominadas Evaluaciones Fundamentales Modelo o MCA, que se han implementado en escuelas secundarias como un programa piloto en los últimos meses. [26] Además de esto, NAfME también cuenta con nueve estándares nacionales de educación musical [27] , que incluyen: "cantar, solo y con otros, un repertorio variado de música; tocar instrumentos, solo y con otros, un repertorio variado de música; improvisar melodías, variaciones y acompañamientos; componer y arreglar música dentro de pautas específicas; leer y escribir música; escuchar, analizar y describir música; evaluar la música y las interpretaciones musicales; comprender las relaciones entre la música, las otras artes y las disciplinas fuera de las artes; y comprender la música en relación con la historia y la cultura". [28]
Muchos responsables de la formulación de políticas e impulsores de la música y las artes como parte del currículo básico creen que los estudiantes que participan en programas de música y artes que les exigen un alto nivel aportarán una perspectiva creativa que ahora parece necesaria en la fuerza laboral. [29] [30] Dado que la música se ha considerado tradicionalmente como una asignatura fuera del ámbito académico y se ha incorporado a las escuelas como una asignatura secundaria, o a menudo como una optativa, existe una investigación limitada sobre los beneficios de la música como asignatura básica en el aula. Muchos investigadores han explorado tanto los beneficios de escuchar música de forma pasiva como de practicarla de forma activa, como aprender a tocar un instrumento. Los beneficios de la música en el aula y sus efectos sobre el desarrollo cerebral, el rendimiento académico y las habilidades prácticas de la vida se han observado a través de la investigación de Jenny Nam Yoon. Ella concluyó que los dos hemisferios del cerebro se estimulan cuando se toca música y que el cuerpo calloso, el puente que conecta los dos hemisferios, es más grande en los cerebros de los músicos. [31]
Los efectos de escuchar música estrictamente han sido explorados desde hace mucho tiempo y se le ha dado el nombre de "Efecto Mozart", que se sabe que causa un "pequeño aumento en el razonamiento espacio-temporal". [32] Como se vio con el Efecto Mozart, se ha demostrado que escuchar música afecta el cerebro y el estado de ánimo, así como el razonamiento espacio-temporal, pero no tiene ningún beneficio a largo plazo. [33] Un estudio de 1981 en Mission Vejo High School demostró que los estudiantes de música tenían un GPA más alto que los estudiantes que no participaban en la música (3,59 frente a 2,91). Se han realizado estudios que verifican la música como una actividad enriquecedora que provoca un aumento de la confianza en uno mismo, la disciplina y la cohesión social, así como beneficios académicos. [34] 7
El análisis de la interacción entre la música y el cerebro ayuda a entender cómo y por qué la educación musical afecta a los estudiantes de la forma en que lo hace. La música tiene la capacidad de involucrar a todo el cerebro, algo que no se parece a ningún otro método de educación. [35] Scripp y Gilbert, que han analizado estos efectos, también destacan el hecho de que la formación musical ayuda al desarrollo del cerebro física y cognitivamente. También se menciona que el cerebro humano está predispuesto al desarrollo musical, [35] lo que significa que la música está arraigada en nuestras funciones auditivas, motoras y cognitivas y desempeña un papel importante en la forma en que nosotros, como individuos, percibimos el mundo que nos rodea. Scripp y Gilbert utilizan evidencia de imágenes de ultrasonido de tejido fetal para llegar a la conclusión de que existen "respuestas selectivas" a ciertas canciones incluso antes del nacimiento. Además, la formación musical parece afectar al cerebro del mismo modo que el ejercicio afecta al cuerpo. Por ejemplo, alguien con formación musical tendrá un sentido del procesamiento auditivo más desarrollado que alguien que no tenga formación musical.
Aunque el Senado de los Estados Unidos ha respaldado la música como materia principal, muchos, incluido el Secretario de Educación Lamar Alexander , argumentan que la música y las artes deben ser extracurriculares. [36] Muchos también creen que entre los recortes presupuestarios federales, la música y las artes serían las primeras en desaparecer porque no son parte de nuestra base del currículo básico en Estados Unidos. [36] Los beneficios de la música como materia principal y su impacto en el sistema educativo a través de la aritmética, el lenguaje, la concentración y otras habilidades involucradas aún deben evaluarse antes de que se puedan sacar conclusiones sobre los impactos concretos y mensurables que la música y las artes tienen en los niños en el sistema escolar público de los Estados Unidos.
La financiación de la educación musical ha sido objeto de debate en Estados Unidos debido a los recortes presupuestarios a los programas de música y a las diferentes creencias sobre las prioridades de aprendizaje en las escuelas públicas. [37]
Los defensores de aumentar los fondos federales para la educación musical han argumentado que la música proporciona a los niños beneficios cognitivos y emocionales, como la mejora de las funciones cerebrales espaciales y temporales, lo que puede ayudarlos a tener éxito en otras materias escolares. [37] Socialmente, los defensores describen la música como algo que provoca paz, pasión y reduce el estrés, lo que creen que proporciona múltiples beneficios a los estudiantes. [38] Los opositores al aumento de la financiación federal creen que la música no es lo suficientemente importante como para justificar el apoyo financiero federal, ya que la ven como un desperdicio de dólares de impuestos. [39] Algunos afirman que los programas de música distraen a los estudiantes de adquirir habilidades prácticas y quitan dinero de áreas más útiles, donde los fondos podrían gastarse de manera más inteligente. [37] Otros argumentan que la investigación que muestra los beneficios cognitivos o académicos derivados de la música no está probada y necesita ser investigada más antes de llegar a una conclusión. [40]
Las escuelas primarias de los Estados Unidos suelen ofrecer clases de música varias veces a la semana, con clases que duran entre treinta y cuarenta y cinco minutos. A partir del cuarto grado, se suelen ofrecer oportunidades de interpretación en forma de coros o bandas orquestales (especialmente de viento). Existen varios métodos de enseñanza desarrollados destinados a su uso en escuelas primarias. El método Kodály fue desarrollado en Hungría por Zoltán Kodály . El método Orff-Schulwerk fue desarrollado por Carl Orff, el compositor alemán que escribió Carmina Burana. El método Dalcroze-Eurythmics fue desarrollado en Suiza por Emile Jaques-Dalcroze, que enseñaba en el Conservatorio de Ginebra en ese momento. Los tres métodos hacen hincapié en la actividad y el aprendizaje mediante la práctica. El método Kodály es más conocido por su uso de sílabas de solfeo y las señales manuales correspondientes. El método Orff-Schulwerk es más famoso por su uso de diferentes tamaños de xilófonos y glockenspiels, conocidos como "instrumentos Orff". La característica más visible del Método Dalcroze-Eurythmics es su uso del movimiento con música, idealmente música en vivo.
En un informe de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE), se explica que el tiempo que los estudiantes suelen pasar en la escuela durante los niveles de primaria y secundaria inferior es de 7.751 horas, de las cuales, las escuelas encuestadas para el informe dedicaron el 11 por ciento del tiempo a las artes en las escuelas primarias, y solo el ocho por ciento del tiempo a las artes en las escuelas secundarias inferiores. Este informe también explica que las clases de arte en conjunto reciben casi la misma cantidad de tiempo que las clases de educación física, que es entre el ocho y el nueve por ciento para ambos niveles de escolaridad. ("Cómo")
El Departamento de Educación de los Estados Unidos realizó una encuesta en 1.201 escuelas secundarias durante el año escolar 2009-2010. Esta encuesta informó que la mayoría de los maestros de secundaria que enseñaban las diferentes clases de arte eran especialistas en su campo (Basmat Parsad). [41] En una investigación secundaria, el Departamento de Educación de los Estados Unidos concluyó que el 94 por ciento de las escuelas primarias ofrecían instrucción en música, y el 83 por ciento de las escuelas ofrecían instrucción en artes visuales en las escuelas primarias durante el mismo período de tiempo. Se ofrecieron clases de teatro y danza solo en el tres y el cuatro por ciento de las escuelas primarias involucradas en el estudio, pero más de la mitad de las escuelas incorporaron la danza en otras materias (Parsad). Se ofrecieron clases de arte y música a los estudiantes de primaria al menos una vez por semana, explica Parsad.
Con el éxito de la implementación de la educación musical en los Estados Unidos, este método de enseñanza comenzó a avanzar hacia el nivel universitario. Por ejemplo, la Universidad de Connecticut ofrece programas intensivos para preparar a los estudiantes para carreras en el campo de la música. [42] También se ofrecen otros cursos para estudiantes que están interesados en obtener una educación general sobre la música y sus componentes, pero que no buscan seguir una carrera en la música, como se implementa en muchas universidades.
En la Universidad de Connecticut, situada en Storrs, Connecticut, se ofrece una clase titulada "Música popular y diversidad en la sociedad estadounidense", que sirve como curso introductorio a la "música popular y la diversidad en Estados Unidos". Este curso en particular se centra en estos objetivos observando las implicaciones musicales de géneros como el jazz, el blues y el hip-hop, y su relación con cuestiones raciales y de clase. [42] Otro curso titulado "Fundamentos musicales y entrenamiento auditivo" en el que los estudiantes pueden desarrollar habilidades como la lectura de notas, los símbolos de tono, el ritmo y otros conceptos musicales. Estos cursos, entre muchos otros, permiten a los asistentes a la universidad obtener una educación musical general.
Ning Xu realizó un estudio entre estudiantes universitarios en el que evaluó la competencia en múltiples dimensiones, entre ellas la "calidad moral, la calidad humanística, la salud mental, el desarrollo de la inteligencia y la capacidad de innovación [43] ". Su conclusión para este estudio respaldó la hipótesis de que la educación musical desempeña un papel importante y positivo en lo que respecta a la competencia de los estudiantes universitarios. [43]
A lo largo de la historia de la educación musical, muchos educadores musicales han adoptado e implementado la tecnología en el aula. Se dice que Alice Keith y DC Boyle fueron los primeros educadores musicales en los Estados Unidos en utilizar la radio para enseñar música. Keith escribió Listening in on the Masters , que era un curso de apreciación musical transmitido por radio. [44] Otra defensora que promovió el uso de la tecnología fue Marguerite V. Hood, quien nació el 14 de marzo de 1903 en Drayton, Dakota del Norte . Hood se graduó de la escuela secundaria temprano, a la edad de dieciséis años. Luego asistió al Jamestown College , en Jamestown, Dakota del Norte, donde se graduó con títulos en lenguas romances y música, y especializaciones menores en historia e inglés. [45]
La carrera profesional de Hood la llevó a Montana en 1923, donde se dedicó a la enseñanza, la escritura y la oratoria. En 1930, Hood se convirtió en la segunda supervisora musical estatal de Montana. Durante la carrera docente de Hood, la radio se utilizó como herramienta educativa. Montana recibía una mala recepción de radio debido a la interferencia de la montaña, por lo que Hood creó transmisiones de estaciones de radio locales. Hood comenzó el proyecto de transmisión de radio de educación musical, Montana School of the Air , en 1937. Estas transmisiones se emitieron semanalmente en cuatro estaciones de radio. [45] El uso de la radio para transmisiones educativas recibió críticas positivas porque permitió llegar a los estudiantes de todo Estados Unidos durante la época inestable de la Gran Depresión . Las radios eran rentables y podían llegar a escuelas rurales aisladas. [45]
La National Broadcasting Company (NBC) desempeñó un papel importante en la educación musical. La NBC transmitía ejemplos musicales para estudiantes matriculados en escuelas públicas. Walter Damrosch dirigió el programa de radio Music Appreciation Hour . En el transcurso de esta transmisión, los maestros pudieron obtener las selecciones musicales por adelantado junto con los cuadernos de los estudiantes y los manuales de instrucciones para los maestros. [44] Otros dos programas de transmisión de música populares fueron Alice in Orchestralia y Standard Symphony Hour . Estas transmisiones fueron una estrategia de enseñanza innovadora que promovió y fomentó la escucha activa y la apreciación musical. Antes de la radio, escuchar música se limitaba a las presentaciones en vivo y a la habilidad del maestro para tocar música, específicamente en el piano. [46]
El impacto de la radio en la década de 1930 se puede comparar de manera similar con algunas de las tecnologías actuales, como los iPod, los discos compactos y las computadoras. La tecnología se ha vuelto mucho más accesible en las aulas desde la década de 1930. Hoy, los niños tienen acceso a muchos dispositivos y opciones musicales que no estaban disponibles en la década de 1930. En esencia, la tecnología se ha utilizado en las aulas de música en todo Estados Unidos con la intención de mejorar la calidad de la educación musical para los estudiantes.
A medida que el medio de la tecnología musical continúa prosperando, los investigadores han descubierto que los nuevos desarrollos en la tecnología de Realidad Extendida (XR) (como la realidad aumentada y virtual ) pueden tener implicaciones directas en la traducción del movimiento a una pieza musical grabada. Thomas Deacon, Nick Bryan-Kinns, Patrick GT Healey y Mathieu Barthet de la Universidad Queen Mary de Londres realizaron un estudio observacional de la composición musical espacial colaborativa que descubrió los métodos prácticos de dos productores musicales experimentados para coordinar su comprensión de las representaciones multimodales y espaciales de la música como parte de su flujo de trabajo. A través de su análisis, el equipo sugirió que el gesto se utiliza para comprender, comunicar y formar la acción a través de un proceso de modelado de sonidos en el espacio. Esta metáfora destaca cómo las evaluaciones estéticas se producen y desarrollan de forma colaborativa a través de una actividad espacial coordinada. Las implicaciones establecen la sensibilidad a la acción corporizada en el desarrollo de espacios de trabajo colaborativos para la producción creativa de música en medios espaciales. [47]
{{cite web}}: CS1 maint: date and year (link)