La joyería artística es uno de los nombres que se le ha dado a la joyería creada por artesanos de estudio en las últimas décadas. Como sugiere el nombre, la joyería artística enfatiza la expresión creativa y el diseño, y se caracteriza por el uso de una variedad de materiales, a menudo comunes o de bajo valor económico . En este sentido, forma un contrapeso al uso de "materiales preciosos" (como oro, plata y piedras preciosas) en la joyería convencional o fina, donde el valor del objeto está ligado al valor de los materiales de los que está hecho. La joyería artística está relacionada con la artesanía de estudio en otros medios como el vidrio , la madera , los plásticos y la arcilla ; comparte creencias y valores, educación y capacitación, circunstancias de producción y redes de distribución y publicidad con el campo más amplio de la artesanía de estudio. La joyería artística también tiene vínculos con las bellas artes y el diseño.
Si bien la historia de la joyería artística moderna suele comenzar con la joyería modernista en los Estados Unidos en la década de 1940, seguida de los experimentos artísticos de los orfebres alemanes en la década de 1950, varios de los valores y creencias que informan la joyería artística se pueden encontrar en el movimiento de artes y oficios de finales del siglo XIX. Muchas regiones, como América del Norte, Europa, Australasia y partes de Asia, tienen escenas florecientes de joyería artística, mientras que otros lugares como América del Sur y África han estado desarrollando la infraestructura de instituciones de enseñanza, galerías de comerciantes, escritores, coleccionistas y museos que sustentan la joyería artística.
La historiadora del arte Liesbeth den Besten ha identificado seis términos diferentes para denominar a la joyería artística, entre ellos, contemporáneo, estudio, arte, investigación, diseño y autor [1] , siendo los tres más comunes los contemporáneos, el estudio y el arte. La curadora Kelly L'Ecuyer ha definido la joyería de estudio como una rama del movimiento de artesanía de estudio, añadiendo que no se refiere a estilos artísticos particulares sino más bien a las circunstancias en las que se produce el objeto. Según su definición, "los joyeros de estudio son artistas independientes que manipulan directamente los materiales elegidos para hacer joyas únicas o de producción limitada... El joyero de estudio es tanto el diseñador como el fabricante de cada pieza (aunque los asistentes o aprendices pueden ayudar con las tareas técnicas), y la obra se crea en un pequeño estudio privado, no en una fábrica". [2] La historiadora del arte Monica Gaspar ha explorado el significado temporal de los diferentes nombres dados a la joyería artística durante los últimos 40 años. Ella sugiere que la joyería "de vanguardia" se posiciona como radicalmente por delante de las ideas dominantes; La joyería «moderna» o «modernista» pretende reflejar el espíritu de la época en la que se fabricó; la joyería «de estudio» enfatiza el estudio del artista por sobre el taller artesanal; la joyería «nueva» asume una postura irónica hacia el pasado; y la joyería «contemporánea» reivindica el presente y el «aquí y ahora» en contraste con la naturaleza eterna de la joyería tradicional como una reliquia que pasa de generación en generación. [3]
La historiadora del arte Maribel Koniger sostiene que los nombres que se dan a la joyería artística son importantes para distinguir este tipo de joyas de objetos y prácticas afines. El uso del término joyería “conceptual” es, en sus palabras, un “intento de desvincularse mediante la terminología de los productos de la industria joyera comercial que reproducen clichés y están orientados a los gustos del consumo masivo por un lado, y, por otro, a los diseños individualistas, subjetivamente estetizantes de la pura artesanía”. [4]
Los joyeros artísticos suelen trabajar de forma crítica o consciente con la historia de la joyería, o con la relación entre la joyería y el cuerpo, y cuestionan conceptos como "preciosidad" o "portabilidad" que suelen ser aceptados sin cuestionamientos por la joyería convencional o fina. Esta cualidad es producto de la crítica de la preciosidad, o el desafío de los joyeros artísticos en Estados Unidos y Europa a la idea de que el valor de la joyería era equivalente a la preciosidad de sus materiales. Inicialmente, los joyeros artísticos trabajaban en materiales preciosos o semipreciosos, pero enfatizaban la expresión artística como la cualidad más importante de su trabajo, vinculando sus joyas a movimientos artísticos modernistas como el biomorfismo , el primitivismo y el taquismo . [5] En la década de 1960, los joyeros artísticos comenzaron a introducir materiales nuevos y alternativos en su trabajo, como el aluminio y los acrílicos , rompiendo con el papel histórico de la joyería como signo de estatus y valor económico o riqueza portátil. [6] A medida que el enfoque en el valor cedió, otros temas tomaron su lugar como tema de la joyería. En 1995, Peter Dormer describió los efectos de la crítica del preciosismo de la siguiente manera: "En primer lugar, el valor monetario del material se vuelve irrelevante; en segundo lugar, una vez que se desinfló el valor de la joyería como símbolo de estatus, la relación entre el adorno y el cuerpo humano asumió una vez más una posición dominante - la joyería se volvió consciente del cuerpo; en tercer lugar, la joyería perdió su exclusividad para un sexo o edad - podía ser usada por hombres, mujeres y niños". [7]
La joyería artística que surgió en los primeros años del siglo XX fue una reacción al gusto victoriano y a las joyas pesadas y ornamentadas, a menudo fabricadas a máquina, que eran populares en el siglo XIX. Según Elyse Zorn Karlin, "para la mayoría de los joyeros, la joyería artística era una búsqueda artística personal, así como una búsqueda de una nueva identidad nacional. Basada en una combinación de referencias históricas, reacciones a eventos regionales y mundiales, materiales recientemente disponibles y otros factores, la joyería artística reflejaba la identidad de un país y, al mismo tiempo, formaba parte de un movimiento internacional más amplio de reforma del diseño". [8] Inicialmente, la joyería artística atraía a un grupo selecto de clientes con gusto artístico, pero rápidamente fue adoptada por firmas comerciales, lo que la hizo ampliamente disponible.
Hay muchos movimientos diferentes que contribuyeron a la categoría de joyería artística tal como la conocemos hoy. Como parte del movimiento Arts and Crafts inglés , que floreció entre 1860 y 1920, Charles Robert Ashbee y su Gremio y Escuela de Artesanía produjeron las primeras joyas de artes y artesanías en un entorno gremial. Al presentar su trabajo como un antídoto a la producción industrial, la primera generación de joyeros de artes y artesanías creía que un objeto debía ser diseñado y fabricado por la misma persona, aunque su falta de formación especializada significaba que gran parte de estas joyas tenían una atractiva calidad artesanal. [9] En respuesta a los cambios en la moda, así como al gusto victoriano por llevar conjuntos, los joyeros de artes y artesanías fabricaron colgantes, collares, broches, hebillas de cinturón, broches de capa y peinetas que se usaban en solitario. La joyería de artes y artesanías también tendía a favorecer materiales con poco valor intrínseco que pudieran usarse por sus efectos artísticos. Los metales básicos, las piedras semipreciosas como los ópalos, las piedras lunares y las turquesas, las perlas deformes, el vidrio y las conchas, y el abundante uso del esmalte vítreo permitieron a los joyeros ser creativos y producir objetos asequibles. [10]
Las joyas Art Nouveau de Francia y Bélgica también contribuyeron de manera importante a la joyería artística. Las joyas Art Nouveau de René Lalique y Alphonse Mucha , que lucían clientes adinerados y con cultura artística, incluidas las cortesanas del demimonde parisino, se inspiraron en el arte, la literatura y la música simbolistas , y en un renacimiento de las formas curvilíneas y dramáticas del período rococó . Como sugiere Elyse Zorn Karlin, "el resultado fueron joyas de una belleza e imaginación asombrosas, sensuales, sexuales y seductoras, y a veces incluso aterradoras. Estas joyas estaban muy lejos de los diseños simétricos y algo plácidos de la joyería Arts and Crafts, que se parecían más a las joyas del Renacimiento". [11] Lalique y otros joyeros Art Nouveau mezclaban con frecuencia metales preciosos y piedras preciosas con materiales económicos, y favorecían las técnicas de plique-a-jour y esmalte cabujón .
Otros centros importantes de producción de joyería artística fueron el Wiener Werkstätte de Viena, donde los arquitectos Josef Hoffmann y Koloman Moser diseñaron joyas en plata y piedras semipreciosas, a veces para ser usadas con ropa también creada por el taller. El movimiento danés Skønvirke (trabajo estético), del cual Georg Jensen es el ejemplo más famoso, favoreció la plata y las piedras nativas escandinavas y una estética que se encuentra en algún lugar entre los principios del art nouveau y las artes y oficios. La joyería artística en Finlandia se caracterizó por un renacimiento vikingo, que coincidió con su independencia política en Suecia en 1905, mientras que el modernismo en España siguió el ejemplo de los joyeros del art nouveau. La joyería artística también se practicó en Italia, Rusia y los Países Bajos. [12]
En Estados Unidos, la joyería de artes y oficios era popular entre los aficionados, ya que a diferencia de la cerámica, los muebles o los textiles, requería solo una modesta inversión en herramientas y podía hacerse en la cocina. [13] Una de las primeras joyeras de artes y oficios estadounidenses, Madeline Yale Wynne , fue autodidacta y abordó sus joyas como forma y composición con énfasis en las cualidades estéticas en lugar de la habilidad, afirmando que "considero cada esfuerzo por sí mismo en lo que respecta al color y la forma tanto como pintaría un cuadro". [14] Brainerd Bliss Thresher, otro joyero de artes y oficios estadounidense, utilizó materiales como cuerno tallado y amatista por sus cualidades estéticas, siguiendo el ejemplo de René Lalique, quien mezcló materiales cotidianos y preciosos en sus joyas. Como sugieren Janet Koplos y Bruce Metcalf, mientras que el movimiento británico Arts and Crafts intentó reunir arte y trabajo, muchos estadounidenses de clase alta como Thresher unieron arte y ocio: "La práctica de la artesanía como recreación podía ser un alivio de la presión de un trabajo difícil, una demostración del buen gusto y del savor vivre , una manifestación educada de política progresista o una expresión del puro placer de satisfacer el trabajo". [15]
La joyería artística pasó de moda en los años 20 y 30, eclipsada por el art déco, así como por la respuesta del público a su naturaleza funcional y estéticamente desafiante (demasiado frágil y escandalosa). Sin embargo, marca una ruptura significativa con lo anterior y sentó muchos de los valores y actitudes para los ideales de la joyería artística o de estudio de finales del siglo XX. Como escribe Elyse Zorn Karlin, "La joyería artística valoraba lo hecho a mano y apreciaba el pensamiento innovador y la expresión creativa. Estos joyeros fueron los primeros en utilizar materiales que no tenían el valor intrínseco esperado en la joyería y rechazaron los gustos joyeros convencionales. Consideraban su trabajo como una búsqueda artística y lo hacían para un público reducido que compartía sus valores estéticos y conceptuales". [16]
La historia de la joyería artística está ligada al surgimiento de la joyería modernista en los centros urbanos de los Estados Unidos en la década de 1940. Según Toni Greenbaum, "A partir de 1940, comenzó a surgir un movimiento revolucionario de joyería en los Estados Unidos, y esto fue impulsado por la devastación de la Segunda Guerra Mundial, el trauma del Holocausto, el miedo a la bomba, la política del prejuicio, la esterilidad de la industrialización y la grosería del comercialismo". [17] Las tiendas y estudios de joyería modernista surgieron en la ciudad de Nueva York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer y Jules Brenner en Greenwich Village; y Ed Wiener, Irena Brynner [18] y Henry Steig en el centro de Manhattan) y el Área de la Bahía en la Costa Oeste ( Margaret De Patta , Peter Macchiarini , Merry Renk , Irena Brynner , Francis Sperisen y Bob Winston ). El público de las joyas modernistas era la franja intelectual liberal de la clase media, que también apoyaba el arte moderno. La historiadora del arte Blanche Brown describe el atractivo de esta obra: "En 1947 fui a la tienda de Ed Wiener y compré uno de sus broches de plata con forma de espiral cuadrada... porque se veía genial, podía permitírmelo y me identificaba con el grupo de mi elección: personas con conciencia estética, inclinadas intelectualmente y políticamente progresistas. Ese broche (o uno de los pocos similares) era nuestra insignia y lo llevábamos con orgullo. Celebraba la mano del artista en lugar del valor de mercado del material". [19]
En 1946, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó la exposición Modern Handmade Jewelry, que incluía el trabajo de joyeros de estudio como Margaret De Patta y Paul Lobel, junto con joyas de artistas modernistas como Alexander Calder , Jacques Lipchitz y Richard Pousette-Dart . [20] Esta exposición recorrió los Estados Unidos y fue seguida por una serie de exposiciones influyentes en el Walker Art Center en Minneapolis. [21] Kelly L'Ecuyer sugiere que "las joyas de Calder fueron fundamentales para muchas de las exposiciones de museos y galerías de este período, y continúa siendo visto como la figura seminal de la joyería contemporánea estadounidense". [22] Usando una construcción fría y técnicas crudas que sugerían un espíritu de improvisación y creatividad, las joyas de Calder comparten el uso de la línea y el movimiento de su escultura para representar o implicar el espacio, creando joyas que a menudo se mueven con el cuerpo del usuario. Una fuerte conexión con los movimientos artísticos es una característica de la joyería de arte estadounidense durante este período. Mientras que Calder mostró un interés primitivista en el arte africano y griego antiguo, Margaret De Patta hizo joyas que eran constructivistas , manipulando la luz, el espacio y la percepción óptica de acuerdo con las lecciones que aprendió de László Moholy-Nagy en la Nueva Bauhaus en Chicago. [23] Toni Greenbaum escribe que "Después de que su mentor, el pintor John Haley, le mostró el trabajo de Matisse y Picasso , Bob Winston exclamó: '¡Ese es el tipo de basura que estoy haciendo!'". [24] Los materiales de la joyería modernista (sustancias no preciosas orgánicas e inorgánicas, así como objetos encontrados) se correlacionan con actitudes cubistas , futuristas y dadaístas , mientras que los estilos de joyería modernista ( surrealismo , primitivismo, biomorfismo y constructivismo) también son movimientos de bellas artes. [25]
El crecimiento de la joyería en los Estados Unidos después de la guerra se apoyó en el concepto de que las técnicas de fabricación de joyas, que se creía que fortalecían los músculos de las manos y los brazos y fomentaban la coordinación ojo-mano, desempeñaban un papel en los programas de fisioterapia para los veteranos de la Segunda Guerra Mundial. El Centro de Arte de Veteranos de Guerra del Museo de Arte Moderno, dirigido por Victor D'Amico, la Escuela de Artesanos Americanos y los talleres dirigidos por Margret Craver en la ciudad de Nueva York, abordaron las necesidades de los militares estadounidenses que regresaban, mientras que la Carta de Derechos del Veterano ofrecía matrícula universitaria gratuita para los veteranos, muchos de los cuales estudiaban artesanía. [26] [ aclaración necesaria ] Como sugiere Kelly L'Ecuyer, "Además de la creatividad individual, la proliferación de la educación y la terapia basadas en la artesanía para soldados y veteranos en los Estados Unidos durante y después de la guerra proporcionó un estímulo para todas las artesanías de estudio, especialmente la joyería y la orfebrería. Los recursos públicos y privados dedicados a los programas de artesanía para veteranos plantaron las semillas de estructuras educativas más duraderas y generaron un amplio interés en la artesanía como un estilo de vida creativo y satisfactorio". [27] [ aclaración necesaria ]
A principios de la década de 1960, los graduados de estos programas no solo desafiaban las ideas convencionales de la joyería, sino que también enseñaban a una nueva generación de joyeros estadounidenses en nuevos programas universitarios de cursos de joyería y orfebrería. [28] La joyería arquitectónica se estaba desarrollando casi al mismo tiempo.
En los años 1960 y 1970, el gobierno alemán y la industria de la joyería comercial fomentaron y apoyaron fuertemente a los diseñadores de joyas modernas, creando así un nuevo mercado. Combinaban el diseño contemporáneo con la orfebrería y la joyería tradicionales. Orfevre, la primera galería de joyería artística, abrió sus puertas en Düsseldorf, Alemania, en 1965.
La aceptación de la joyería como arte [30] fue fomentada en los Estados Unidos muy rápidamente después de la Segunda Guerra Mundial por los principales museos como el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Centro de Arte Walker en Minneapolis, cada uno de los cuales realizó importantes exposiciones de joyería de arte en la década de 1940. El Museo de Artes y Diseño , anteriormente The American Craft Museum, comenzó su colección en 1958 con piezas que datan de la década de 1940. Otros museos cuyas colecciones incluyen obras de diseñadores de joyería contemporáneos (estadounidenses) incluyen: el Museo de Arte de Cleveland , el Museo del Vidrio de Corning , el Museo de Artesanía y Diseño de la Casa de la Moneda en Charlotte, Carolina del Norte, el Museo de Bellas Artes de Boston , el Museo de Bellas Artes de Houston y la Galería Renwick del museo Smithsonian .
Algunos artistas famosos que crearon joyas artísticas en el pasado fueron Calder , Picasso , Man Ray , Meret Oppenheim, Dalí y Nevelson . Algunos de ellos estuvieron representados en la galería Sculpture to Wear de la ciudad de Nueva York , que cerró en 1977.
La galería Artwear, propiedad de Robert Lee Morris, continuó con este esfuerzo de mostrar la joyería como una forma de arte.
En el Schmuckmuseum de Pforzheim , Alemania , se puede encontrar una colección de joyas artísticas .
Enumerados según la década en la que fueron reconocidos por primera vez: [30]
Década de 1930
Década de 1940
Década de 1950
Década de 1960
Década de 1970
Década de 1980
Década de 1990
Década de 2000