La Deposición , también conocida como Pala Baglioni , Entierro Borghese o El Entierro , es una pintura al óleo delpintor italiano del Alto Renacimiento Rafael . Firmado y fechado "Raphael. Urbinas. MDVII", el cuadro se encuentra en la Galería Borghese de Roma . [1] Es el panel central de un retablo más grande encargado por Atalanta Baglioni de Perugia en honor a su hijo asesinado, Grifonetto Baglioni. [2] Como muchas obras, comparte elementos de los temas comunes de la Deposición de Cristo , la Lamentación de Cristo y el Entierro de Cristo . El cuadro está sobre panel de madera y mide 184 x 176 cm.
A principios del siglo XVI, la violencia entre facciones, principalmente en forma de combate cuerpo a cuerpo, era relativamente común en Perugia y otras partes de Italia, como Florencia . [3] La familia Baglioni eran los señores de Perugia y sus alrededores, y también destacados condotieros o líderes de tropas mercenarias. Hubo un episodio especialmente sangriento en Perugia la noche del 3 de julio de 1500, cuando Grifonetto Baglioni y algunos miembros enojados de la familia conspiraron para asesinar a gran parte del resto de la familia Baglioni mientras dormían. [4] Según Matarazzo, cronista de la familia, tras el derramamiento de sangre, la madre de Grifonetto, Atalanta Baglioni, se negó a dar refugio a su hijo en su casa y cuando regresó a la ciudad se enfrentó a Gian Paolo Baglioni , el cabeza de familia. que había sobrevivido a la noche escapando por los tejados. Atalanta cambió de opinión y corrió tras su hijo, pero llegó sólo a tiempo para ver cómo Gian Paolo y sus hombres mataban a su hijo. [5] Unos años más tarde, Atalanta encargó al joven Rafael que pintara un retablo para conmemorar a Grifonetto en la capilla familiar de San Francesco al Prato. Raphael se tomó muy en serio el encargo y durante dos años trabajó y desarrolló su diseño a través de dos fases y numerosos dibujos preparatorios. [6]
Este fue el último de varios encargos importantes del joven Rafael para Perugia, la ciudad natal de su maestro Perugino . Ya había pintado para la misma iglesia el Retablo Oddi (ahora en el Vaticano) para la gran familia rival de los Baglioni (con quienes también estaban casados), y otras obras de gran tamaño. El nuevo encargo marcó una etapa importante en su desarrollo como artista y en la formación de su estilo maduro. [7] La pintura permaneció en su ubicación hasta que, en 1608, fue retirada por la fuerza por una banda que trabajaba para el cardenal Scipione Borghese , sobrino del Papa Pablo V. Para pacificar la ciudad de Perugia, el Papa encargó dos copias del cuadro a Giovanni Lanfranco y al Cavaliere d'Arpino , [1] y el de Arpino aún se encuentra en Perugia. Aunque confiscado por los franceses en 1797 y expuesto en París en el Louvre , luego rebautizado como Museo Napoleón, fue devuelto a la Galería Borghese en 1815, excepto la predela que fue llevada a los Museos Vaticanos . [8]
Raphael realizó numerosos bocetos o borradores preparatorios a medida que evolucionaba su idea para la composición (varios están en Wikimedia Commons; consulte el enlace a continuación). Comenzó con el tema de una Lamentación sobre Cristo muerto , [9] similar al famoso cuadro del mismo nombre de su maestro Pietro Perugino . Pasó de esa idea a un Entierro de Cristo , [10] quizás inspirado en un antiguo relieve de sarcófago romano de Meleagro de la mitología griega , el Entierro de Miguel Ángel o la impresión del Entierro de Mantegna . [11] Si analizamos sus estudios, podemos ver que este largo período de evolución le dio a Rafael la oportunidad de poner en práctica gran parte del nuevo estilo y técnicas que había estado desarrollando a partir de sus estudios de los maestros del Renacimiento Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , así como otros artistas de la época. Las dos fases de diseño pueden denominarse en términos generales "perugiana" y "florentina". [6] El cambio significativo de tema de una Lamentación a un Entierro afectó el carácter de la pintura en general porque pasó de una Piedad más icónica a un tema con más interés narrativo. [12]
Giorgio Vasari , el célebre biógrafo de artistas italianos, también entendió la obra de Rafael como una pintura narrativa. Tras haber visto el retablo en su entorno original, Vasari da una descripción detallada:
En este cuadro tan divino hay un Cristo Muerto siendo llevado al Sepulcro, ejecutado con tal frescura y tanto cuidado, que a la vista parece recién pintado. En la composición de esta obra, Raffaello se imaginó el dolor que sienten los familiares más cercanos y afectuosos del difunto al enterrar el cuerpo de quien ha sido su más amado, y de quien, en verdad, la felicidad, el honor y el bienestar de toda una familia han dependido. Nuestra Señora se ve desmayada; y las cabezas de todas las figuras son muy graciosas en su llanto, particularmente la de San Juan, quien, con las manos entrelazadas, inclina la cabeza de tal manera que conmueve el corazón más duro. Y en verdad, quien considera la diligencia, el amor, el arte y la gracia que muestra este cuadro, tiene grandes motivos para maravillarse, porque asombra a todos los que lo contemplan, con el aire de las figuras, la belleza de los ropajes y, en definitiva, , la excelencia suprema que revela en cada parte. [13]
Vasari adopta un tono reverencial al describir El Entierro, teniendo mucho cuidado de discutir no sólo las figuras importantes de la pintura, sino también su efecto en el espectador. Visto formalmente, la escena representada en realidad no es ni la Deposición ni el Entierro, sino que se encuentra en algún punto intermedio. Esto lo podemos determinar por el fondo: a la derecha está el Monte Calvario, el lugar de la Crucifixión y Deposición, y a la izquierda está la cueva donde tendrá lugar el Entierro. Y así dos hombres, carentes de aureolas, utilizan un trozo de lienzo para transportar a Cristo muerto y parece como si todos los participantes en el porte del cuerpo estuvieran en animación suspendida. [14] Los dos hombres y Cristo forman diagonales muy fuertes en forma de V. Se supone que el hombre más joven a la derecha sosteniendo a Cristo es una representación del joven asesinado, el propio Grifonetto. [1] Además de los dos hombres que cargan el cuerpo, tenemos a San Juan y Nicodemo detrás y a la izquierda y a María Magdalena sosteniendo la mano de Cristo. Las piernas de San Juan y Nicodemo presentan un problema de distracción, especialmente en el caso de Nicodemo porque debido a la obstrucción de la vista, no está claro qué está haciendo exactamente o qué está mirando exactamente. [15]
En el extremo derecho, en el otro grupo figurativo ligeramente detrás de la acción, están las tres Marías que sostienen a la Virgen María , que se ha desmayado (una representación controvertida conocida como el desmayo de la Virgen ), probablemente debido a su abrumador dolor. [12] La forma en que una de las Marías está arrodillada es excesivamente torpe, con una torsión extrema y un drapeado muy cortado, también conocido como figura serpentinata . Aunque se ve en otras obras famosas, su posicionamiento parece haberse inspirado directamente en el ejemplo del Doni Tondo de Miguel Ángel , terminado sólo unos años antes. En términos de color, Rafael equilibra su uso de rojos, azules, amarillos y verdes fuertes y crea un contraste sutil en los tonos de su piel, que se ve mejor con la María Magdalena viva sosteniendo la mano de Cristo muerto. [dieciséis]
Como ya hemos dicho, el retablo constaba de algo más que el panel principal. La moldura superior (ahora en la Galleria Nazionale dell'Umbria en Perugia) tenía un panel de "Dios Padre en una gloria de querubines , bendiciendo a su hijo". [1] El panel principal tenía un marco, del que aún se conservan partes, decorado con grifos coronados y alimentados por amorcillos alados sentados sobre cabezas de carnero, todo de un color amarillo bronce sobre un fondo azul (el escudo de la familia Baglioni). era la cabeza de un grifo, así como el nombre del marido y del hijo de Atalanta era Grifonetto). [17] Debajo había una predela de tres compartimentos en grisalla (monocromo) que ilustraban las Virtudes Teologales (1507. Óleo sobre tabla, tres secciones de 18 x 44 cm cada una. Roma, Galería Vaticana). [18] Los tres paneles estaban originalmente alineados en la base del retablo para mostrar, de izquierda a derecha, Esperanza [1], Caridad [2] y Fe [3], con cada figura flanqueada por dos amorcillos. [18] Los temas de las predelas deben relacionarse simbólicamente con el panel principal de arriba: Caridad en el centro enfatiza el tema de la maternidad, mientras que Esperanza y Fe se refieren al motivo principal, la redención de Cristo. Así, la concepción de Rafael no sólo se refiere al tema del retablo, sino también a las circunstancias privadas de la donante, Atalanta Baglioni. [12]
Medios relacionados con Deposizione Borghese de Raffaello Sanzio en la Galería Borghese (Roma) en Wikimedia Commons