Keith Coventry es un artista y curador británico . [2] [3] En septiembre de 2010, su pintura Spectrum Jesus ganó el premio de pintura John Moores de £25.000 . [4]
Keith Coventry nació en Burnley en 1958 y vive y trabaja en Londres. Estudió en Brighton Polytechnic entre 1978 y 1981 y en Chelsea School of Art London entre 1981 y 1982. Participó en la exposición seminal Sensation en la Royal Academy of Arts de Londres en 1997 y en 2006 recibió una retrospectiva de mitad de carrera en el Tramway (Art Centre) de Glasgow. También fue cofundador y curador de City Racing, una influyente galería sin fines de lucro en Kennington, al sur de Londres, de 1988 a 1998.
Su obra ha sido expuesta ampliamente en el Reino Unido y Europa y está incluida en colecciones de todo el mundo, incluido el British Council; Tate Modern ; Arts Council of England; Walker Art Center , Minneapolis; y el Museum of Modern Art , Nueva York. En 2010, Coventry recibió el Premio de Pintura John Moores. [5]
Coventry estudió Bellas Artes en el Politécnico de Brighton (hoy Facultad de Artes de la Universidad de Brighton) entre 1978 y 1981, seguido de una maestría en la Escuela de Arte de Chelsea , graduándose en 1982. [6]
Antes de poder mantenerse a través de su arte, tuvo varios trabajos, entre ellos, como pintor y decorador para el infame magnate inmobiliario Nicholas Van Hoogstraten y como conserje en una escuela pública de niñas en Londres.
Su primera exposición individual fue en la galería Karsten Schubert en 1992. [6] Charles Saatchi fue uno de sus primeros defensores y coleccionistas, presentando a Coventry en Young British Artists V (1995) en su galería en Boundary Road, St John's Wood, Londres ; también estuvo en la exposición Sensation , [7] que expuso a los Young British Artists (YBAs) a un público más amplio cuando se realizó en la Royal Academy en 1997. [8] En 2006, recibió una retrospectiva de mitad de carrera en el Tramway (centro de artes) de Glasgow . [9] Desde 2006, ha expuesto en Londres, [10] [11] [12] Zúrich, Berlín y Seúl. [6]
La obra de Coventry figura en muchas colecciones públicas, [13] incluidas la galería Tate de Londres, [14] el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York y el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD). En 2009, el Arts Council England , con el apoyo de The Art Fund , adquirió una gran cantidad de obras de su serie 'Crack City'. [15] [16]
También fue cofundador y curador de City Racing , una influyente galería sin fines de lucro en Kennington que dio a artistas como Sarah Lucas , Gillian Wearing y Fiona Banner una exposición temprana y luego fue celebrada en el libro City Racing, The Life and Times of an Artist-run Gallery . [2] [3] El propietario de la galería White Cube, Jay Joplin , dijo cuando fue entrevistado en 1994:
Tenemos mucha suerte de que los artistas colaboren para organizar sus propias exposiciones: Cubitt Street y City Racing son ejemplos fantásticos de un proceso que funciona con mucho éxito; he visto algunas exposiciones maravillosas en ambos lugares. [17]
Coventry vivió durante muchos años en Albany (Londres) , [18] un bloque de apartamentos de lujo en Piccadilly , Londres, que inspiró sus Echoes of Albany , una serie de trabajos basados en las pinturas Echoes de Walter Sickert .
En 2008, Coventry dijo sobre su obra: "Miro la historia del arte y un tema social y los combino". [19]
El escritor y crítico Michael Bracewell escribe:
En el arte de Keith Coventry, los desechos, la agresión y el exceso de la sociedad posmoderna se expresan a través del lenguaje elegante y equilibrado del modernismo... Hay un distanciamiento poético en su obra, expresado a través de su preferencia por colores artesanales y poco estéticos que a menudo pueden parecer aleatorios, fríamente institucionales o industriales ligeros. Su arte combina la sensibilidad cotidiana y lúgubre de la cultura de consumo, la agresión tribal, la prostitución, las drogas y la desesperación aburrida con estrategias modernistas y modelos geopolíticos. El resultado es una evocación apacible, similar a un mausoleo, de la amoralidad moderna y el absurdo cultural. [20]
Coventry también ha dicho que "la cuestión social refuerza el modernismo. Si se vincula a una pieza de la historia del arte, vuelve a cobrar vida". [21]
Andrew Lambbirth de The Spectator afirma que:
Coventry pinta en una serie de estilos muy distintos y parece encarnar la pluralidad estilística tan típica de nuestra época. Hace lo que parecen abstracciones minimalistas inspiradas en el diseño de las urbanizaciones; pinta abstracciones en blanco sobre blanco que en realidad son escenas de la típica anglosajona, como la familia real en funciones públicas; hace esculturas de árboles jóvenes arrancados o bancos de parque destruidos de zonas prohibidas del centro de la ciudad; pinta abstracciones en negro sobre negro basadas en arreglos florales o escenas mediterráneas brillantes de Dufy; y reinterpreta a Sickert en una serie de pinturas figurativas llamadas Ecos de Albany . La variedad de Coventry, que desconcierta a algunos críticos, es profundamente atractiva. [22]
Las pinturas de las propiedades de Coventry parecen homenajes a las pinturas suprematistas de Kasimir Malevich , sin embargo, las formas geométricas simples, típicamente representadas en negro o en rojos sangre de buey oscuros, son de hecho réplicas de los mapas que muestran la disposición de los edificios que se encuentran fuera de las propiedades públicas de vivienda británicas.
El escritor de arte Matthew Collings escribe: "Estas pinturas capturan el momento en que los sueños utópicos modernistas –la creencia bien intencionada de que la vida de las personas mejoraría si vivieran en edificios limpios, modernos, de gran altura, con ascensores, muy por encima de la calle y con mucho aire fresco– se evaporaron. Porque en lugar de ser la tan promocionada Nueva Jerusalén, hogares para héroes, las urbanizaciones generaron nuevos problemas: vandalismo, violencia, aislamiento social, tráfico de drogas y adicción, prostitución y racismo, temas recurrentes en la obra de Coventry". [19]
A primera vista, las abstracciones blancas de Coventry parecen no ser más que una superficie texturizada. Sin embargo, si se observan con más atención, las imágenes emergen de la blancura a través de una intrincada pincelada de empasto. Una obra de la serie muestra a la reina mientras su entonces director, Sir Norman Reid , le muestra la galería Tate ("Sir Norman Reid Explaining Modern Art to the Queen", 1994). [23] Otras incluyen a Sir Winston Churchill , sándwiches de pepino, Trooping the Colour , pinturas de caballos inspiradas en Alfred Munnings [24] y otros íconos de la inglesa del viejo mundo. Richard Dyer escribe que la blancura de estas pinturas "... vacía estos poderosos significantes de todo menos su contenido simbólico, convirtiéndolos en recipientes vacíos... el écorché eviscerado de una parte antaño vital de la nacionalidad británica, ahora obsoleta por el avance de la democracia socialista, el capitalismo global y el ascenso de la tecnocracia de los nuevos ricos". [25]
En la serie Junk, Coventry toma los restos aplastados y arrugados de los envases de McDonald's , tal como se encuentran en las aceras, y los recorta de tal manera que los transforma en composiciones constructivistas icónicas, representadas con el omnipresente logotipo de la marca. En una entrevista con la directora de la Whitechapel Gallery, Iwona Blazwick , en 2008, Coventry dijo: " Quería presentarlos [la serie Junk] como objetos de aspecto suprematista, utilizando los colores rojo, amarillo y azul. Me gusta esta idea de que el capitalismo puede consumir cualquier cosa, que McDonald's puede consumir el suprematismo. No importa lo que hagas para reaccionar contra él, simplemente lo recibe con los brazos abiertos y dice 'hagamos algo de dinero con él'". [26]
Echoes of Albany [10] [12] de Coventry hace referencia explícita a la serie Echoes del pintor británico Walter Sickert , que se ejecutó en la década de 1930 y se basó en escenas victorianas tomadas de The Illustrated London News . Coventry residió una vez en Albany (Londres) , [18] un bloque de apartamentos en Piccadilly que ha albergado a muchos artistas distinguidos, entre ellos Lord Byron , Bruce Chatwin y el actor Terence Stamp [18]. Mientras que las obras, representadas en rosas apagados, blanco y rojos, parecen representar un mundo pasado a través de gafas teñidas de rosa, Coventry subvierte la imagen, agregando prostitutas voluptuosas y drogadictos arruinados mientras explora el " cruce entre la sociedad y lo sórdido ". [12]
Las obras de la serie Crack City utilizan medios tradicionales (óleo sobre lienzo, escultura de bronce fundido y grabado) y hacen referencia a la abstracción suprematista de Malevich, pero también a las naturalezas muertas de botellas de Giorgio Morandi de los años 1920 y 1930, que pintó repetidamente mientras estaba encerrado en su estudio, mientras Benito Mussolini y los fascistas llegaban al poder. Coventry dice:
Todos los grandes acontecimientos del mundo están sucediendo y [Morandi] no hace ningún comentario sobre ninguno de ellos, sólo se centra en la disposición abstracta de las botellas. Pensé que era análogo a un adicto al crack que no tiene ningún interés en los acontecimientos, sólo le interesa dónde está la botella, la pipa de crack en relación con él. [26]
La serie Represionismo [10] [12] surgió después de que Coventry leyera un libro sobre el infame falsificador de arte Han van Meegeren en la Biblioteca de Londres . [27] Van Meegeren había falsificado y vendido con éxito obras al estilo de Johannes Vermeer , incluso engañando al nazi Hermann Göring . Coventry consideró entonces lo fácil que sería falsificar una pintura él mismo, eligiendo al pintor expresionista Emil Nolde porque pensó que su estilo aparentemente simple sería fácil de falsificar. Luego tomó una pintura de la cabeza de Cristo que Van Meegeren había ejecutado como parte de un estudio para la versión del artista holandés de La Última Cena , una obra que Vermeer de hecho nunca pintó. Las cabezas de Jesús (ejemplo: derecha) están ejecutadas en un espectro de colores y los marcos son del mismo tipo utilizado por los expresionistas alemanes. [27]
En declaraciones a Simon Grant, editor de la revista Tate Etc. , Coventry dijo que lo que le gustaba del falso Vermeer de Van Meegeren era su calidad expresionista, sin embargo
...como no pude reunir ese tipo de mirada espiritual, decidí no hacer uso del expresionismo y optar por una idea que he llamado "represionismo", es decir, que, a medida que trabajaba en cada uno de los lienzos, acercando los tonos, con el tiempo toda la expresividad de cada uno se borraría por completo, dejando poco excepto la textura de la pintura. [28]
Coventry agregó:
De niño era católico romano . Todos los domingos a las siete de la mañana tenía que ir a la iglesia, donde tenía unos minutos para mirar los textos que tenía que leer para el oficio. La imagen de Jesús es como un contenedor de todo tipo de ideas. Tal vez, inconscientemente, también pensé en el Santo Sudario de Turín , en cómo la imagen apenas se ve, lo que en sí mismo se supone que es falso. No es algo natural, pero aun así, lo estoy neutralizando como imagen haciendo monocromos.
Cuando se le preguntó por qué se alejó de su paleta monocromática habitual, dijo que le gustaba la idea literal de Cristo como "soy la luz" y "la disposición de estas pinturas en fila es una forma de mostrar ese elemento". También expresó su interés por el riesgo de hacer pinturas religiosas y pensó que si "lo hacía en monocromo podría salirme con la mía pintando algo que se ha hecho muchas veces antes y que se ha hecho tan bien".
Sir Norman Rosenthal , ex secretario de Exposiciones de la Royal Academy y uno de los jueces del Premio de Pintura John Moores , explica: "Spectrum Jesus explora tanto los aspectos morales como los religiosos de la iconografía. Llena de ambigüedad y contradicciones, la pintura de Jesucristo sigue algunas de las tradiciones más antiguas de la pintura de iconos, con la imagen repitiéndose a lo largo de la serie de la que forma parte la obra. El hecho de que la pintura sea difícil de ver es intencional. Los reflejos en el cristal ralentizan la experiencia y permiten que el espectador absorba la obra". [29]
El cuadro Spectrum Jesus que ganó el Premio de Pintura John Moores fue adquirido por la Walker Art Gallery, sede del premio, con una subvención del Art Fund . [30]
Las pinturas históricas se presentan de manera similar a las grandes pinturas históricas que se encuentran en los museos, con marcos negros gruesos y narraciones pintadas a mano sobre placas doradas, y abordan la idea de cómo la valentía puede existir tanto en niveles morales altos como bajos. En un díptico, el aristócrata romano del siglo V a. C. Coriolano asalta sin ayuda de nadie una fortaleza enemiga, mientras que en la pintura que lo acompaña, un hooligan del fútbol, Harry "The Mad Dog" Trick, un ávido seguidor del Millwall Football Club , ataca a un ejército enemigo de fanáticos del Chelsea.
Otra obra muestra el viaje épico emprendido por Jenofonte y sus 10.000 guerreros griegos en su campaña contra los persas en el 401 a. C., y lo compara con el progreso de los fanáticos del fútbol inglés que merodeaban por España durante la Copa del Mundo de 1982. [31] De manera similar, otra es "Pintura histórica (Un Horacio luchó y mató a tres Curiacios en el siglo VII a. C. / Steve Ashgate, un fanático del Arsenal, luchó y derrotó a tres West Ham FCF en Mayday 1992), 1994".
Coventry dice que “al yuxtaponer las dos clases de acontecimientos en la pintura, resulta claro que el poder de la historia no está determinado por la calidad del acontecimiento, sino por el poder de la narrativa. Cuando alcanza su máximo éxito, la historia se desvincula del acontecimiento y de sus implicaciones morales y se convierte en mitología”. [19]
Kebabs , 1997
Supermodelos , 1999–2000; [32] [33] [34]
Key Groups , 2001
Collection Particulière ; 2007–2008
White Slaves , 2008
Broken Windows , 2008 [10] [11] [12]
The Deontological Pictures , 2012 [35]
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