Julia Fish (nacida en 1950) es una artista estadounidense cuyas pinturas tienen una simplicidad engañosa. [1] Pinta al óleo sobre lienzos rectangulares estirados de distintos tamaños. [2] Mediante la observación minuciosa de temas cotidianos (hojas de un árbol vistas a través de una ventana, una sección de baldosas del suelo, una lámpara antigua) crea, como dice un crítico, "manifestaciones silenciosas y abstractas de realidades observadas". [3] Es una artista de estudio que pinta no lo que ve en un instante, sino más bien lo que observa continuamente, día tras día. El resultado, dice, no es tanto temporal como duracional. Sus pinturas comprimen muchas instancias de observación para convertirse, como ella lo ve, en "un sistema paralelo a una experiencia vivida". [4] Las pinturas carecen de orientación espacial y, como dice un crítico, pueden "describirse como altamente realistas y abstractas sin comprometer ninguno de los dos términos". [3] [5] En 2008, Alan G. Artner, escribiendo en el Chicago Tribune , dijo: "Este es un trabajo de pequeños refinamientos y ajustes. El mundo de las cosas cotidianas lo genera, pero las cualidades de Fish de ver y tocar elevan las cosas a un plano en el que dejan atrás su carácter humilde". [6]
En 1950, Fish nació en la costa de Oregón, en la pequeña comunidad de Toledo . [7] Ella ha dicho que sus padres, que se negaban a tener un televisor en su casa, la guiaron a desarrollar un interés temprano por la lectura, el dibujo y la música. [1] Asistió a la Museum Art School del Pacific Northwest College of Art en Portland, Oregón, y allí obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en 1976. Más tarde elogió la alta calidad de los maestros de esa escuela, la intensidad de sus clases y una atmósfera prevaleciente que fomentaba una estrecha interacción entre sus estudiantes. [8] [nota 1] Después de graduarse de PNCA, cruzó el continente para asistir a la Mount Royal School of Art dentro del Maryland Institute College of Art , Baltimore, Maryland, obteniendo una maestría en Bellas Artes en 1982. [7]
Entre 1982 y 1985, Fish fue artista visitante y profesora adjunta de pintura y dibujo en la Universidad de Iowa , Iowa City, Iowa. [7] Durante sus años de estudiante había realizado pinturas abstractas de gran tamaño. [1] Después de mudarse a Iowa, su trabajo se volvió más pequeño y menos abstracto. Ha dicho que, en parte, sintió una conexión emocional con las pinturas de paisajes de John Frederick Kensett , Martin Johnson Heade y Albert Pinkham Ryder .
En 1984, Fish participó en una exposición individual titulada "Drawings 1976 -1984" en el Lane Community College de Eugene, Oregón. [7] Ese año también participó en una exposición de la facultad en el Museo de Arte de la Universidad de Iowa y, a finales de los años 1970 y principios de los años 1980, su obra apareció en exposiciones colectivas en el Mount Hood Community College (en 1978 con Esther Podemski); el Hallie Ford Museum of Art ; la Universidad de Willamette ("Oregon Women Artists" 1979); el Linfield College , McMinnville, Oregón ("Current Concerns" 1983); y la Meyerhoff Gallery en el Maryland Institute College of Art ("Ten Years, Mount Royal School of Painting" 1985). [7]
En 1985, Fish se mudó a Chicago. [7] En esa época o en algún momento de los años anteriores se casó con el escultor Richard Rezac. Al igual que ella, él era egresado de la PNCA (BFA 1974) y del MICA (MFA 1982). [9]
Ese año expuso por primera vez en galerías comerciales: una muestra por invitación en una galería llamada Feature, Inc. al mismo tiempo que una exposición colectiva en la Rhona Hoffman Gallery, ambas en Chicago. [7] [nota 2] En 1986, participó en una exposición dual en Feature, Inc. junto con su marido y en otras dos exposiciones colectivas, una en el Hyde Park Art Center y la otra en la Robbin Lockett Gallery. [7] El nombre de la última de estas exposiciones, "Paisajes abstractos", indica la naturaleza de sus pinturas en ese momento. Un crítico las llamó "piezas reticentes", libres de grandilocuencia, que eran "románticas, nebulosas y de bordes suaves en la forma" y dijo que no eran tanto paisajes como la memoria de paisajes. [12] El trabajo de Fish apareció nuevamente en la Robbin Lockett Gallery en una exposición individual (1987) y dos exposiciones colectivas (1988 y 1991). [nota 3] En el momento de su aparición en esta galería en 1988, un crítico dijo que Fish era una de las pocas afortunadas entre los artistas de Chicago que pudo vender todo lo que exhibió y tenía una lista de espera de coleccionistas dispuestos a comprar. La espera podría ser larga ya que Fish trabajaba lentamente. [nota 4] En 1987, Fish participó en la exposición inaugural de la Fiction/Nonfiction Gallery de José Freire en el East Village de Manhattan , su primera aparición en una galería de Nueva York. [7] [nota 5] Desde esa aparición temprana, Fish ha exhibido con frecuencia en galerías de Manhattan, incluyendo la Loughelton Gallery (individual, 1988 y 1989), la Amy Lipton Gallery (individual 1992), la Lipton-Owens Company (individual, 1995), Feigen Contemporary (grupo 1998, individual 1999), las Hollis Taggart Galleries (grupo 2015) y la David Nolan Gallery (individual 2015, grupo 2016). [7]
En 1988, Fish describió el lento proceso por el que evolucionó la mayor parte de su obra. Dijo: "Es muy raro que vea algo, vaya al estudio, lo dibuje y lo pinte. Eso sucede raramente. Lo veo y se queda en mi cabeza por un tiempo, y tal vez más tarde intente descifrar a través del dibujo lo que vi. Pero a veces se trata de un retraso de dos meses, o cuatro o seis. Eso es parte de la destilación, obtener una idea de lo que es literal, lo que es tangible e intangible, lo que es abstracto y algún otro tipo de orden". [17]
En 1989, Fish contribuyó con una pintura llamada "Rock" en su primera exposición en un museo en Chicago. Organizada por la Renaissance Society , la muestra combinó una pieza de cada uno de los veintitrés artistas con una de las pinturas de Date del artista japonés On Kawara . [18] [nota 6] Participó en otras exposiciones grupales de la Renaissance Society en 1994 y 1996, y se le dio una exposición individual en 2015 (discutida a continuación). [7]
A principios de los años 90, Fish comenzó a hacer pequeñas pinturas de objetos de su entorno inmediato, mostrando generalmente una sección en lugar de la unidad completa. Estos temas incluían parte de una pared de ladrillos, el cielo invernal visto a través de una ventana, baldosas hexagonales en el piso de un baño y revestimiento de papel alquitranado en un edificio vecino. Un crítico dijo: "Hay algo reconfortante y carismáticamente fascinante en contemplar estos patrones familiares". [20] Sobre este nuevo trabajo, dijo: "Me encuentro con los temas continuamente, por lo que se vuelven extremadamente familiares, aunque no trabajo a partir de la observación. No coloco el lienzo junto a la ventana y pinto lo que hay afuera. No miro el tema y pinto al mismo tiempo. Por lo tanto, hay memoria y recuerdo en la obra, pero el tiempo se acorta". [21]
Las pinturas de baldosas para el suelo aparecieron en el lienzo con las dimensiones exactas del original. [3] Para hacerlas, primero trazaba una sección de baldosa para usarla como plantilla para la pintura que seguiría. [3] Citando el comentario de Walter Benjamin de que "habitar significa dejar rastros", dijo que deseaba que tales rastros de presencia personal se manifestaran en sus pinturas. [3] [nota 7] En 1999, pensó que el proyecto de baldosas para el suelo, al que llamó Entry, estaba terminado. Sin embargo, en un viaje a Viena, examinó de cerca el exterior del Palacio Portois-Fix diseñado por el arquitecto Max Fabiani y descubrió en su fachada una experiencia visual en constante cambio. Basándose en este descubrimiento, realizó una serie que llamó Entry (bordes y esquinas) en 2000. [3]
En 1996, la Renaissance Society organizó una retrospectiva individual de su obra en la década de 1985 a 1995. Las treinta y cinco pinturas y dibujos de la exposición documentaron su transición de temas atmosféricos (como la lluvia o el cielo) y objetos naturales (como hojas o rocas) a elementos observados de cerca dentro y cerca del prosaico edificio urbano donde vivía. [5] Por lo general, conservaba el color del tema, lo reproducía en tonos tenues y lo realzaba sutilmente con múltiples capas finas de pintura. [21] Tanto en la elección de temas anterior como en la más reciente, Fish utilizó la "abstracción", como dijo, "para purificar o destilar una imagen". [5] Sus pinturas suelen tener temas reconocibles pero no dan ilusión de profundidad. Son abstractas en el sentido de que el espectador tiende a concentrarse en la superficie del lienzo, su trama y el pigmento que hay sobre él. [5] Logró un equilibrio elusivo entre la transcripción exacta de los objetos que observaba tan de cerca y la abstracción de esos objetos en la superficie de la pintura. [21] Ella dijo que su objetivo era reformular sus temas para que mantuvieran todas sus propiedades pero que también incorporaran su comprensión de la abstracción. [21]
Además de la retrospectiva de la Renaissance Society, Fish contribuyó con obras a exposiciones grupales e individuales en un gran número de museos y galerías privadas durante la década de 1990. Estas incluyeron la Miller Gallery en la Carnegie Mellon University (grupo, 1990), el Museum of Contemporary Art, Chicago (grupos, 1990, 1991, 1996, 1998), la Christopher Grimes Gallery, Santa Monica (grupo, 1992, e individual, 1993, 1995, 1998), tres galerías alemanas (grupo, Berlinische Galerie 1994; grupo, Galerie Klaus Fischer 1997; grupo, KunstMitte Berlin/Galerie Klaus Fischer, Berlín 1998), así como galerías comerciales en Chicago y Nueva York.
Aunque siguió eligiendo sus temas de su entorno urbano inmediato, Fish cambió su enfoque aproximadamente a principios del siglo. Los objetos observados de cerca, como secciones de baldosas de suelo y revestimiento de asfalto, dieron paso a umbrales, escaleras y rellanos de escalera, una lámpara y planos de las habitaciones de su casa representados de forma abstracta. Al igual que su obra anterior, estas pinturas, dijo, estaban impresas en la superficie del lienzo de una manera que se aproximaba a la experiencia de ver las mismas cosas una y otra vez, día tras día. [4] Llegó a ver las transiciones como el tema de su obra, la sensación de cruzar un umbral, pasar de una habitación a otra; o la sensación de la luz que se mueve a través de una habitación durante el día y entra en ella desde una lámpara de pared por la noche. Entendía que estas transiciones eran tanto reales como metafóricas. [22] Los elementos visuales que ponía en sus lienzos tenían como objetivo transmitir objetos físicos, pero también su propio movimiento a través de los espacios que representaban y la luz que provenía de las lámparas de las habitaciones y a través de las ventanas. [2] El resultado podría verse, como dijo un crítico, "como una meditación reflexiva sobre la naturaleza de la ocupación dentro de un entorno doméstico, representada con precisión en múltiples capas de pintura". [2]
Ella dijo que su proyecto Living Rooms evolucionó a partir de su examen de la arquitectura de Fabiani tanto en Viena como en otras ciudades. Cuando ella y su esposo tomaron posesión del edificio en Chicago que era su hogar, recibieron un conjunto de planos de la estructura. Los planos y la inspiración de Fabiani llevaron a una serie de dibujos y pinturas que creó durante la década de 2001 a 2011. Hizo todas las pinturas al mismo tiempo, manteniéndolas a la vista en las paredes de su estudio a medida que sus ideas evolucionaban durante el período de su creación. [3] Cada una tiene un séptimo del tamaño de la habitación que representa y todas están abstraídas dramáticamente mediante la eliminación de elementos en los planos a partir de los cuales trabajó y mediante la inclusión de formas que denotan movimiento y luz. [3] Su intención era usar estas marcas para transmitir la vida tal como la experimentaba en las habitaciones. [3] Al describirlas como "acrobáticas", pretendía activar las marcas en el ojo del observador. [2] [22]
Mientras trabajaba en la serie Living Rooms, también realizó una serie llamada Stairs and Landings (2006-2007, 2009) y Thresholds (2009-2015), así como un conjunto de dibujos y pinturas de una lámpara (2014-2015). [3] [23] De los dos últimos conjuntos, un crítico dijo: "Solo con una mirada prolongada te das cuenta de lo magistral que es Fish al persuadir a la pintura para que evoque algo tan efímero como una lámpara vista en la oscuridad o las estrías de luz que se ven en un piso que conecta una parte de la casa con otra". [23]
Fish ha participado en numerosas exposiciones grupales e individuales desde el año 2000 en adelante, incluidas ocho apariciones en exposiciones grupales en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y cuatro en el Instituto de Arte de Chicago. Su trabajo apareció en tres exposiciones grupales y dos individuales en la Galería Rhona Hoffman, Chicago, y una grupal y una individual en la Galería David Nolan en Nueva York. [7] En 2010, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Estatal de Illinois le dio a Fish una exposición retrospectiva de estudios y dibujos de 1996 en adelante. [24] También mostró tres pinturas de Threshold en la Bienal Whitney de 2010. [8]
En 2015, un crítico dijo sobre su obra reciente: "Es esta cualidad de escrutinio —de mirar con tanta intensidad que las cosas comunes del mundo se vuelven misteriosas— lo que encuentro atractivo. Fish es capaz de revisitar lo familiar en la pintura para que se acerque a su estado original de incomprensibilidad". [23]
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. Veintitrés de las pinturas de Kawara, una de cada año desde 1966 (el año en que comenzó a realizarlas), se yuxtapusieron con veintitrés obras de arte realizadas en el mismo lapso de tiempo por artistas de talla local, nacional e internacional, lo que demuestra la persistencia notablemente aguda e inquietante de Kawara por marcar su ubicación mortal en el lapso de tiempo infinitamente más grande. Esta exposición está organizada en colaboración con Portikus, Frankfurt, Alemania Occidental, y el Instituto de Arte Contemporáneo, Nagoya, Japón.