Joy Laville (8 de septiembre de 1923 – 13 de abril de 2018) fue una artista inglesa/mexicana cuya carrera artística comenzó y se desarrolló principalmente en México cuando vino al país para tomar clases de arte en San Miguel de Allende . Mientras estuvo allí conoció al escritor mexicano Jorge Ibargüengoitia , con quien se casó en 1973. Durante este tiempo su carrera artística se desarrolló principalmente en pasteles con una calidad reflexiva. En 1983, Ibargüengoitia murió en un accidente aéreo en España y la pintura de Laville cambió radicalmente. Desde entonces, su trabajo se ha centrado en la pérdida de su marido, directa o indirectamente con temas de finalidad, eternidad y preguntarse qué más hay. Su obra ha sido expuesta en México y el extranjero incluyendo el Palacio de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno . En 2012 recibió la Medalla Bellas Artes por la obra de su vida.
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Joy Laville nació en Ryde en la Isla de Wight . [1] [2] Su padre era Francis Laville, un capitán del ejército indio del Séptimo Regimiento Rajput. [2] Su madre era Vera Elizabeth Perren. [1] Mientras Joy fue concebida en la India , su madre decidió ir a Inglaterra a dar a luz porque perdió su primer embarazo. [1] Sus padres se divorciaron poco después de que naciera su hermana menor, Rosemarie, y Joy tuviera cinco años. [2] Su madre se volvió a casar poco después y su padre murió en 1939 a causa de tuberculosis . [1] [2]
Joy se describe a sí misma como una niña tranquila y sensible pero feliz, cerca del océano y con un talento para el dibujo que apareció temprano. [2] [3] Cuando era niña tomó clases de ballet y piano. Un dibujo frecuente era el de bailarinas. [1]
Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial , Joy y su hermana tuvieron que dejar la escuela y quedarse en casa. Aburrida, exigió clases de arte y su madre la envió a una escuela de arte en el sur de Inglaterra. Debido a las necesidades de la guerra, Joy pronto se unió al Cuerpo de Observadores en Yorkshire , donde trabajó para detectar y mapear el movimiento de los aviones aliados y del Eje mientras sobrevolaban Inglaterra. La guerra pasó factura y aprendió que la vida era frágil. Esto la hizo rebelde y libertina en su juventud. A los 17 años se enamoró de un refugiado judío llamado Julius Taussky pero su madre y su padrastro no la dejaron casarse debido a su edad. [1]
Más tarde, Joy conoció a Kenneth Rowe, un artillero de la Real Fuerza Aérea Canadiense con quien se casó a los 21 años y se fue a vivir a Canadá. Ella dice que el matrimonio fue un error, más que nada para huir de Inglaterra, ya que vivió en Canadá de 1947 a 1956. [1] [3] En Canadá, su marido obtuvo un permiso para talar los bosques de la Columbia Británica , lo que le llevó a la pareja a vivir en lugares muy remotos. Dijo que amaba el vasto bosque pero que era una existencia solitaria, lejos de la civilización. Comenzó a leer todo lo que pudo para pasar el tiempo. [1] Posteriormente, en 1951, nació en Prince George su único hijo, Trevor, pues ella trabajaba como secretaria y tomaba clases de pintura. Sin embargo, se sintió cada vez más insatisfecha con el matrimonio, sintiéndose “petrificada” y no sólo decidió dejar a su marido, sino también a Canadá. [1] Al igual que su propia madre, dejó al padre de Trevor cuando Trevor tenía cinco años y decidió mudarse a México para hacer una ruptura limpia. [2]
De México, todo lo que sabía era que era barato vivir allí por libros como Bajo el volcán de Malcolm Lowry . [1] [3] Ella escribió al consulado mexicano en Vancouver preguntando si viviría con su hijo de cinco años y estudiaría arte. Sugirieron San Miguel de Allende . Llegó en 1956 sin saber nada de español y comenzó su vida social con otros extranjeros. Alquiló una casa y comenzó a tomar clases. [1] [4] Vivió en San Miguel de Allende durante doce años. [3] De 1956 a 1958 estudió en el Instituto Allende , la que sería su única formación artística formal. Posteriormente, experimentó con varios estilos artísticos del siglo XX, incluidos el cubismo y el expresionismo abstracto . Con el tiempo estableció su propio estilo y fue entonces cuando las galerías empezaron a interesarse por su trabajo. [2] Para vivir, trabajaba en el Instituto por las mañanas y pintaba durante el resto del día. Sus primeras pinturas en este momento fueron firmadas con su primer nombre de casada, HJ Rowe. [5]
En 1959 conoció al pintor Roger von Gunten, con quien es amiga y colega desde entonces. A principios de la década de 1970, Von Gunten se mudó con ella y la ayudó a desarrollarse como artista durante dos años hasta que decidió regresar a la Ciudad de México. [1]
Luego de dejar el Instituto Allende, comenzó a trabajar en una librería llamada El Colibrí. [2] Conoció a Jorge Ibargüengoitia en el verano de 1964, pero no empezaron a salir hasta el año siguiente. Se mudó a la Ciudad de México en 1968 después de enviar a su hijo a la universidad en Vancouver. Primero vivieron en un departamento que Jorge construyó en la propiedad de su madre. [1] Se casaron el 10 de noviembre de 1973. [2] [4] Cuando murió su madre, la pareja decidió vivir en Europa, pasando un tiempo en Londres , Grecia y España antes de establecerse en París en 1980. Ibargüengoitia la llamó “la mujer lila” o la “mujer lirio” y en ocasiones se refería a ella como “Cleo” en sus escritos. [1] [5]
Ibargüengoita murió en un accidente aéreo el 27 de noviembre de 1983 en España, mientras Laville se encontraba en su casa de París. [2] Continuó viviendo en París hasta 1985 cuando regresó a México porque, según dijo, se sentía allí como en casa. [1] [3] Luego se fue a vivir cerca de Cuernavaca, trayendo consigo la biblioteca privada de Jorge y sus cenizas. Los conservó durante quince años hasta que la convencieron de enterrarlos en el Parque Antillón frente a la casa donde nació. [1]
Posteriormente vivió en el pueblo de Jiutepec , cerca de Cuernavaca , y siguió pintando varias horas al día. [3] [6] Fiel a sus raíces inglesas, le gusta el whisky pero también le gusta el tequila. [3] Ocasionalmente viajaba al Reino Unido por períodos de tiempo. [3] Su casa estaba llena de libros que cubrían mesas y sillas, así como de sus cuadros, que se podían encontrar incluso en los baños. También había muchas fotos de su hijo Trevor, su nieta Isabella y su esposo Jorge. [1]
Luego de terminar en el Instituto Allende experimentó, estableciendo su propio estilo. [5] Realizó su primera exposición en la Ciudad de México en 1964 y dos años después su obra apareció en el evento Confrontación 66 en el Palacio de Bellas Artes, ganando un premio de adquisición. [5] Esa muestra dio lugar a una invitación para exponer con Inés Amor en la Galería de Arte Mexicano, en la que expuso regularmente después. [2] [5]
Más tarde, Jorge Ibargüengoita instó a Laville a llevar un registro de sus pinturas y fotografió cada una. También presentó su trabajo a Inés Amor, propietaria de la galería más grande y prestigiosa de la Ciudad de México. Para su primera exposición individual en este museo, Ibargüengoitia escribió sobre una de las imágenes del catálogo. [2] Posteriormente expuso su obra en diversas ciudades de México así como en Nueva York, Nueva Orleans , Dallas , Washington, Toronto , París, Londres y Barcelona . [4] [5] Sus principales exposiciones incluyen las de 1966, 1968 y 1985 en el Palacio de Bellas Artes , así como dos en 1974 y 2004 en el Museo de Arte Moderno . [7] La exposición de 2004 en el Museo de Arte Moderno fue una importante retrospectiva de su obra en 2004 con 94 piezas. [8]
Su trabajo ha aparecido en las portadas de libros escritos por su esposo y ha sido artista residente de la Universidad de las Américas. Su obra se puede encontrar en las colecciones del Museo de Dallas, el Museo Nacional de la Mujer en las Artes en Washington, el Museo de Arte Moderno y las colecciones del Banco Nacional de México, BBVA Bancomer y Esso Oil de Canadá. [5]
Su trabajo individual y colectivo le ha valido numerosos reconocimientos. En 1966 recibió el Premio Adquisición del Palacio de Bellas Artes durante el evento Confrontación 66. [4] Fue recibida por el Senado de México en 2011 como candidata al Premio Nacional de Ciencias y Artes . [9] En 2012, recibió la Medalla de Bellas Artes en 2012 por la obra de su vida. [4] [7] Es miembro del Sistema Nacional de Creadores en México. [5]
Aunque es más conocido por la pintura (óleo y acrílico), Laville ha realizado varios proyectos que incluyen gráficos, pasteles y escultura. Creó grabados en el Tamarind Institute de Los Ángeles. [8] Una de sus esculturas de bronce llamada Libertad de bronce fue inaugurada en el Paseo de la Reforma en 2000. [5]
Laville ha sido clasificada como parte de la Generación de la Ruptura en México.(arthistory) Generacionalmente, se encuentra entre la escuela de muralismo mexicano y la Ruptura. [8] Si bien nunca siguió los principios del movimiento muralista, no trabajó para desafiarlo, como lo hizo la Generación de la Ruptura. [10] Ha afirmado que no forma parte de ningún movimiento artístico ni idealismo; ella simplemente pinta a su manera. [6] Sin embargo, ella siempre se ha autodenominado pintora mexicana, pues inició su carrera artística en el país así como realizó la mayor parte de su obra artística, negando que su infancia en Inglaterra o su estancia en Canadá tengan influencia alguna en su obra. [6] [8] El crítico de arte Santiago Espinosa de los Monteros ha dicho que su obra sería inexplicable sin México como contexto. [8]
Dice que su primera influencia en su arte fue James Pinto pero la más importante es la de Roger von Gunten. [3] Ha admirado la obra de Lilia Carrillo y Francisco Corzas . [8] Su trabajo muestra influencias bien integradas de artistas como Matisse (composición con flores), Marie Laurencin (uso de figuras femeninas sin rostro) y David Hockney (uso de superficies planas para poner orden en una composición). Su trabajo ha sido comparado con el de Milton Avery, ya que ambos utilizan espacios amplios y monocromáticos para transmitir una sensación de tiempo suspendido, así como colores pastel y figuras con límites difusos. Sin embargo, la obra de Laville es más reflexiva y más sensual. [2]
Hay dos fases principales en el trabajo de Laville, separadas por la prematura muerte de su marido en 1983. La primera cubre su desarrollo como artista a través de su matrimonio. Hasta la muerte de su marido, el arte de Laville reflejaba principalmente la vida cotidiana con una calidad contemplativa, dominando los autorretratos y los paisajes. [2] Sin embargo, durante este tiempo hay cambios significativos. En la década de 1960 solía utilizar colores más oscuros. A partir de la década de 1970 comenzó a utilizar pasteles, centrándose en azules, rosas y violetas claros. [6] Sus obras más evolucionadas fueron los leitmotivs y los autorretratos. Antes de casarse, se pintaba a sí misma y era pequeña, oscura y tímida, pero durante su matrimonio, la imagen que tenía de sí misma se hizo más grande y más definida. [2] Ibargüengoitia describió sus pinturas como ni simbólicas, alegóricas ni realistas, sino que “son una ventana a un mundo misteriosamente familiar. Son enigmas que no es necesario resolver, pero sí interesante percibirlos”. [4] [7] Curiosamente, justo antes del accidente en 1982, pintó una escena similar a las que pintaría después: una mujer sin ojos sentada en un desierto de rosas y otros colores. Ahora llama a esa pintura “Anunciación”. [2]
Después de la muerte de Ibargüengoitia en un accidente aéreo en noviembre de 1983, Laville dejó de pintar por completo hasta marzo de 1984. En ese momento se fue a la Ciudad de México para arreglar la herencia de su marido y visitar los lugares donde ella e Ibargüengoitia vivieron y pasaron el tiempo. Nada parecía igual pero la experiencia la empujó a pintar nuevamente. Después de eso, se convirtió en un diario en evolución de su dolor y de cómo su pérdida cambió su forma de ver el mundo. La mayoría de estas obras no muestran placer sino dolor y, a menudo, con ira y depresión. Los colores de su obra se volvieron más nítidos y rígidos. Las grietas y cuñas en las paredes se volvieron comunes como símbolo de frustración reprimida. Sus primeras obras de esta época son cuatro pinturas gouache que marcan la transición de su obra. Uno de estos cuadros muestra a una mujer tuerta con un avión al fondo cayendo y desintegrándose. También se refiere al lugar donde Laville tiene que identificar el cuerpo de Ibargüengoitia. Estas pinturas fueron seguidas por una serie llamada Landfalls and Departures que exploraba la pérdida inevitable después de formar vínculos basados en los sueños que tiene después de la muerte de su marido. En su obra todavía aparecen elementos como aviones y partes de cuerpos faltantes. [2]
Su dolor se convirtió en aceptación de su pérdida hasta cierto punto y en un asombro sobre qué sucede después de la muerte. Las primeras pinturas de este tipo son Hombre saltando de una roca (1986) y Hombre saliendo de un barco (1986). A partir de estos, el mar y el horizonte se convierten en metáforas de la muerte pero la imagen es tranquila. [2] [11] Su obra enfatiza los azules, verdes y blancos por motivos similares, símbolos del agua y de la paz. [11] [12] Sigue interesada en el fin, el infinito, la muerte, el apocalipsis, el paraíso, la eternidad y la inmortalidad, con la idea de intentar nombrar lo innombrable. [11] Las figuras suelen ser pequeñas frente a grandes extensiones de espacio. [10] El horizonte aparece como un límite al conocimiento, como una llegada pero no un destino y una unión entre el cielo y la tierra. En gran parte de su obra, el horizonte pretende simbolizar otro reino. [11] Sus pinturas evocan tranquilidad y consuelo, pero también soledad. [12] Murió en Cuernavaca . [13]
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